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Candida Höfer “Si el mundo fuese claro, el arte no existiría”.

…“-finalmente, después de un Albert Camus
largo tiempo- la fotografía se
ha incluido en lo que conside-
ramos arte. Y ahora, puesto
que ya no existe la barrera ar-
tificial del medio, puede com-
petir (y fallar) más libremente
con otros medios”. Págs. 6-7

Año 5 # 21. Octubre - Diciembre 2009

25.000 Ejemplares Impresos.
Distribución gratuita Informaciones, opiniones y todo lo que necesita saber
ISSN: 1794-9653
sobre el arte en Colombia.
Versión descargable en PDF
www.periodicoarteria.com

Fotografía: Oscar Monsalve. Archivo ARTERIA Cortesía: Secretaría Distrital de Cultura, Recreación y Deporte

¿Cómo Compra el Banco? Lugares Comunes

Análisis sobre los mecanismos utilizados por el Comité de Adquisiciones del Banco de Hasta el 8 de noviembre, artistas colombianos y extranjeros se toman diferentes es-
la República para la escogencia y posterior compra de las piezas que harán parte de pacios públicos de Bogotá con instalaciones efímeras como estrategia para el pensa-
la colección de esa entidad. Por: Carlos Hurtado. Págs. 12-13. miento crítico en torno al arte y la ciudad. Por: Andrés Cabrera. Pág. 18.

Fotografía: Oscar Monsalve. Archivo ARTERIA Cortesía: Museo La Tertulia

Coleccionar Arte Museo La Tertulia

ARTERIA habló con compradores y con- Un repaso por la historia del Museo de Arte Moderno La Tertulia de Cali desde su creación, en la década de los setenta, hasta
sultores de arte para intentar establecer el hoy. Conversaciones con su actual Directora, María Paula Álvarez Mera, sobre la etapa de transición y remodelación por la que
perfil del nuevo coleccionista. atraviesa el ahora Museo La Tertulia. Por: José Horacio Martínez. Pág. 14.
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periodicoarteria.com
Informaciones, opiniones y todo lo que necesita saber
sobre el arte en Colombia.
EDITORIAL Por: Nelly Peñaranda

Llegado el momento anual esperado por muchos de los adeptos y amantes de las artes; ARTERIA también está de celebración.
El crecimiento, desarrollo e instauración de un evento internacional de las artes plásticas y visuales como la Feria Internacional
de Arte de Bogotá (ArtBo) ha sido innegable; a su alrededor han crecido nuevas propuestas, eventos, exhibiciones institucionales
NOTICIAS
o comerciales que, tras cinco años de realización constante llevan a afirmar que octubre es el mes del arte nacional.
Reunidos artistas, galeristas, instituciones, y públicos coleccionistas y consumidores, ARTERIA prepara la quinta edición de
su ya tradicional evento NUSKOOL en alianza y con el apoyo de los organizadores de la Feria. Creado desde el interior de
la FUNDACIÓN ARTERIA, y pensado como espacio de acción para los diferentes actores del medio artístico, NUSKOOL ha concepto Comunidad-Comunismo. Ex- invitados como Dan Barón Cohen baja intensidad en Cundinamarca
contado con la generosa colaboración de cerca de 300 artistas nacionales y algunos internacionales de todas las generaciones, ArtBo 2009 perimenta Colombia centra su interés y Rita Irwin, Presidentes  de IDWA e y Boyacá´, reflexiona acerca de los
regiones y medios de expresión, que han visualizado en el proyecto, una manera de dar a conocer no sólo su obra e intereses, hacia artistas que trabajen en colecti- InSEA respectivamente, miembros de símbolos patrios, respectivamente.
también, han encontrado el formato del evento como alternativa de ponerse a prueba frente a sí mismos, sus colegas y su La Feria Internacional de Arte de Bo- vo o con colectividades y que tengan la World Alliance for Arts Education; Zona Pacífico, Popayán, noviembre
público. gotá, ArtBo, regresa este año con la intereses activistas y formativos. Este Fernando Vicario, Coordinador del 18; desarrolla El Primer Simposio
Tras la realización de obras anónimas y ofrecidas a un mismo valor, NUSKOOL se ha consolidado como uno de los proyectos participación de 46 galerías naciona- año el Festival de Artes Mediáticas Área de cultura de la Organización Regional de Profesionales e Informales
bandera de la Fundación, respondiendo a los objetivos de generar acercamientos del arte al público de forma desprevenida, les e internacionales y la presentación ofrece muestras de video de países de Estados Iberoamericanos; Ramón en Artes Plásticas y Visuales y tres
lúdica e ilustrativa; invitando a las personas a adquirir obras de arte por su calidad y no por su autoría. La versión 2009 de de obras de más de 250 artistas. Ga- como México, Paraguay, Cuba, Chile Cabrera Salort, Asesor Nacional de investigaciones: En restauración,
NUSKOOL se desarrollará el día sábado 24 de octubre en Alkiler, ubicado en la localidad de Chapinero (Carrera 9 # 61 – lerías participantes: de Argentina, Da- y Argentina; conferencias con invita- Educación Artística; Ana Mae Barbo- proyecta recuperar la memoria del
38), a partir de las 8:30 pm. En esta oportunidad, la FUNDACIÓN ARTERIA estará realizando una subasta silente, que cuenta niel Abate Galería y Pabellón 4 Arte dos como Alfredo Salomón de Méxi- sa, especialista en arte y pedagogía Teatro Sarmiento de Tuluá, ´Para
con la característica que todas las obras tienen un mismo valor de base; la visita y recepción de ofertas estará a disposición Contemporáneo; de Brasil, Vermelho co, Federico Zukerfeld y Loreto So- y profesora de la Universidad de São verte mejor-Yo soy el otro´, obliga al
del público desde el día jueves 22 de octubre. y Galería Nara Roesler; de Costa Rica,
De manera especial, ARTERIA agradece la colaboración y apoyo de los artistas participantes y no participantes de esta ledad Guarín Guzmán de Argentina, Paulo; y Lucina Jiménez, consultora y yo a hablar del otro y “Ruta de tropas”,
Directora Jacob Karpio Galería; de Cuba, Ga-
Nelly Peñaranda R. versión, así como a la Embajada de México en Colombia, Radiónica y Alkiler. Esperamos contar con su asistencia al evento, y Omar Rincón de Colombia; expo- experta latinoamericana en el campo reflexiona acerca de la historia afro de
nelly.penaranda@periodicoarteria.com lería Villa Manuela y Génesis Galerías siciones de artistas como el mexicano de la educación artística. Paralela a la la zona, a través de la exploración del
seguros que de la alianza, unión de esfuerzos y búsqueda de crecimiento del medio artístico nacional, como objetivo común, de Arte; de Chile, AFA; de España,
lograremos la permanencia y continuidad de momentos que como este, permiten la contemplación y goce del arte y su noble Rafael Lozano-Hemmer; debates a Cumbre, se desarrollará Expoartedu- peinado. Zona Caribe: Cartagena,
Asistente Galería Barcelona, Galería Sicart, Ho-
Nathalia Leal. labor de descubrimiento de nuevas realidades. Mayores informes: www.periodicoarteria.com, www.fundacionarteria.org. cargo de La Internacional Errorista; cación 09, feria en la industria cultural diciembre 10. La curaduría ´Hacer del
rrach Moya, Joan Guaita Art y Kreisler y talleres y laboratorios que permiten y artística que congregará represen- cuerpo´, analiza las construcciones del
Editor Ejecutivo Galería de Arte; de Estados Unidos,
Sergio Ramírez. sus sugerencias y comentarios son importantes espacios de diálogo e intercambio en tantes de entidades educativas, indus- cuerpo sagrado, fragmentado, fetiche,
Opine en: www.periodicoarteria.com Magnam Projects, Durban Segnini torno a el lenguaje de la televisión co- tria gráfica, editoriales especializadas, travestido, itinerante y caribeño.
Coordinador Editorial Gallery, León Tovar Gallery y Praxis munitaria y el uso táctico de los me- estudios de grabación, galerías, tea-
Andrés Cabrera Higuita. más investigadores de imágenes que de comunicación que conforman Internacional Art; de Guatemala, Ga- dios electrónicos. tros, tiendas musicales y de materiales
andres.cabrera@periodicoarteria.com Libros creadores de ellas. Guasch, reivindica la cultura como las jergas, los lería Arthis; de México Ginocchio Ga- artísticos, entre otros.
Laboratorios Maldeojo
Consejo Editorial las acciones de documentación como anglicismos, o las traducciones lería, Galería Enrique Guerrero, KBK
Jaime Cerón, Carlos Andrés Hurtado, proceso creativo porque están en ca- entre muchos otros. Fecha límite de Arte Contemporáneo y Arróniz Arte La Otra El equipo curatorial del Caribe,
Jose Roca, María Belén Sáez de pacidad de visibilizar una perspectiva inscripción: 29 de enero de 2010. El Contemporáneo; de Panamá, Galería Maldeojo, presenta su proyecto
Ibarra.
subjetiva del manejo y diseminación ganador se dará a conocer durante la Arteconsult Alemán y Grimberg; de En su tercer año consecutivo, La Otra, Coca-Cola Imagina la Felicidad ´Almanaque Usungulé 2010´ como
Colaboran en esta edición de la información que los artistas “co- ceremonia de premiación del festival. Perú, Revólver Galería y de Venezue- Feria de Arte Contemporáneo, abre parte del programa de Laboratorios
Johanna Arenas, José Horacio leccionan, recoleccionan y presentan Mayores informes: isabel.ramirez@ la, Faria Fabregas Galería, D`Museo,
Martínez, Jaime Andrés Monsalve, sus puertas entre el 22 y 26 de octubre La empresa multinacional Coca-Cola de Investigación del Ministerio de
Juanita Monsalve, Lucas Ospina, a través de narraciones fracturadas, utadeo.edu.co, manuelzmz@gmail. Galería Arte Ascaso, Graphicart Ga- con el objetivo de incentivar, visibilizar Company desarrolla la iniciativa de Cultura en el área de Artes Visuales.
Lucrecia Piedrahita, Manuel Zúñiga. imágenes e información de un mundo com. llery, Periférico Caracas/Arte Contem- y difundir el arte contemporáneo en intervención de sus emblemáticas El Proyecto se desarrolló en Cartagena
concebido como una base de datos poráneo y Oficina No 1. La participa- Colombia. Este año la feria se lleva a botellas contour para ser subastadas a con la participación de 74 personas
Asesor financiero
Enrique Narváez Castillo. ‘transdisciplinar’”. El libro, que es una Ramírez Sánchez Galería ción nacional, corre por cuenta de Al cabo en el edificio Panauto ubicado beneficio de la Fundación Clínica Shaio. pertenecientes a comunidades afro
kke@periodicoarteria.com plataforma documental adicional, vin- Cuadrado, Alonso Arte Galería, Alon- en la calle 26 con avenida Caracas El evento ´Imagina la felicidad´, descendientes alrededor de la ley 70,
cula, además de la curadora, a ocho Con el objetivo de consolidar anual- so Garcés Galería, Arte Consultores – y cuenta con la participación de cuenta con la participación de artistas la cual los protege. El producto de
Concepto Editorial
Paulo Ramírez. autores que son: Andreas Huyssen, mente la muestra colectiva de obras, Beatriz Esguerra, Galería Casa Cua- 16 galerías: Jason Rulnick Gallery, plásticos, así como de algunos la investigación es una publicación
Ada Sbriccoli, Álex Bauzá, Rafael Ramírez Sánchez Galería convoca drada, Galería Casas Riegner, Gale- de Nueva York; Nueva Galería de personajes de la vida pública nacional. doble que consta de un almanaque y
Diseño Gráfico Pinilla, Oriol Silvestre, Daniel López artistas nacionales e internacionales
Manuela Calle. ría Christopher Paschall S XXI, Galería La Barra/Cooperativa Internacional El evento de recaudación de fondos las memorias de su realización donde
manuela.calle@periodicoarteria.com del Rincón, Modesta di Paola y An- a participar en su versión 2009 bajo El Museo, Galería Jenny Vilá, Galería Tropical, de Londres; La Habana se realizará entre el 17 y el 20 de se reflexiona acerca de lo femenino y
drea Díaz, que analizan tanto el fun- el tema ´Realismo y Neorrealismo´. La Cometa, Galería Mundo, Galería Galería, Cuba; Living Art Room, de noviembre como Subasta Silente en la lo masculino, dentro de su identidad y
Fotografía
Óscar Monsalve. damento conceptual del proyecto, que Fecha límite de inscripción, 30 de oc- Nueveochenta Arte Contemporáneo, México D.F.; La Fábrica Galería, sede de la Galería El Museo de Bogotá. derechos afro.
es el recurso de la memoria dentro las tubre. Mayores informes: www.rami- Galería Sextante, La Central, LA Ga- de Madrid; Toulouse Galería, Mayores informes:www.cocacola.com.co.
Representante de ventas El libro ´La memoria del Otro´, fun- prácticas artísticas, como el principio rezsanchezgaleria.com. lería y Montealegre Galería de Arte.         de Río de Janeiro; Galería 80m2
Margarita Castro. 5 Salón de Arte Joven
margarita.castro@periodicoarteria.com ciona como una versión editorial del de trabajo que define a cada uno de Como novedad y para esta quinta de Lima y por Colombia: Galería Club El Nogal
proyecto curatorial del mismo nombre los artistas por separado. 8º Salón Nacional de Arte versión, son presentados los Project Casas Riegner, Galería La Cometa,
Suscripciones: Diversidad Rooms, espacios de exhibición indivi- 13 Salones Regionales de
concebido por Anna María Guasch y Cu4rto Nivel Arte Contemporáneo y
$19.000 Bogotá. Artistas La quinta versión del Salón de Arte
$30.000 resto del país. realizado en el Museo de Arte de la Jaime Cerón dual reservados para jóvenes artistas Valenzuela Klenner Galería, de Bogotá.
1 año (4 ejemplares) Universidad Nacional. En la mues- latinoamericanos. Bajo la curaduría De forma simultánea, La Otra abre Joven oganizado por el Club El
La Galería Casa Cuadrada invita
tra participan seis artistas europeos: de María Iovino, fueron selecciona- el programa ´Plan B´ que brinda El Pasado 7 de Octubre inició el ciclo Nogal, convocó a 280 artistas de
a artistas plásticos, diseñadores
Contactos:
info@periodicoarteria.com Ursula Biemann, Hannah Collins, Convocatorias gráficos e industriales con formación dos nueve proyectos y artistas. ´Punto espacios de conversación y conferencias expositivo de los Salones Regionales entre 21 y 35 años de diferentes
periodicoarteria@gmail.com Francesco Jodice, Rogelio López ciego del cráneo de EMM´ de Gabriel con curadores e invitados; ´La Otra de Artistas con la apertura del Salón regiones del país. Para la muestra
periodicoarteria@yahoo.com
académica o empírica, a participar
Cuenca, Antoni Muntadas y Krzysz- Concurso de Videoarte en el de la Mora de Sicardi Gallery; ´Alpes Colección´, programa dirigido por Ana zona Centro-Occidente en la estación fueron seleccionadas 63 propuestas
en la convocatoria del proyecto
Periódico Arteria es una publicación tof Wodiczko, que trabajan en torno Festival de cine de Cartagena prácticos´ de Pablo Accinelli de la Sokoloff y curado por Jaime Cerón del tren de Armenia. El primer entre video, fotografía, pintura, dibujo
Salón Nacional de Arte Diversidad.
de Colombian Art Crafts Ltda. a las construcciones culturales sobre Galería Ignacio Liprandi; ´Mandalas en el que se exponen colecciones ciclo de los Salones, cuenta con e instalación. El jurado calificador
La temática es libre. Fecha límite de
“el otro” en occidente. Para la cura- para la vida moderna´ de Iván Puig privadas de arte contemporáneo tanto las curadurías ´Micro-macro´ que integrado por Eduardo Serrano, John
Carrera 7 # 17 - 01 Con motivo del 50 Festival Internacional inscripción: 20 de noviembre. La
Edificio Colseguros Cra. 7 dora, que también asumió el trabajo de la Galería Kunsthaus de Santa Fe; internacionales como nacionales. explora relaciones entre la ciencia y Castles y Nelly Peñaranda otorgó
de cine de Cartagena de Indias, a exhibición de las obras seleccionadas
Oficina 926 - 927 editorial del libro, la otredad respon- ´Imagen parte del proyecto Biosco- el arte, e ´Inversiones´, que indaga menciones de honor a: Andrea Rey,
Bogotá - Colombia realizarse en 2010, se abre un espacio se realizará del 28 de enero al 14
de a los conflictos de la vida cotidia- pio´ de María Isabel Rueda de As- la correspondencia entre economía y Carolina Gómez, Eduardo Soriano,
Tel. 57 (1( 286 1605 de concurso, para el Videoarte. La de febrero de 2010 en la Galería Colombia: Sede de la cumbre
Telefax. 57 (1) 342 2937 na tanto como a las redes globales. trid Bastin Art Proyects; ´Todos´ de cultura, economía y arte. Los Salones Edwin Monsalve, Esteban Peña,
temática de la convocatoria gira en Casa Cuadrada de Bogotá. Mayores de Educación Artística para
Bogotá - Colombia Por eso vincula artistas que considera Mateo Rivano de la York University regionales contuarán con las seis Fredy Serrano, María Fernanda
torno a las múltiples posibilidades informes: www.casacuadrada.com. América Latina y el Caribe
de Canadá; ´Viajes sin movimientos´ zonas restantes, programadas así: Plata, Óscar Leone y Yennifer Cano.
de Mateo López de la Galería Casas Zona Orinoquía, Yopal, octubre 29. El primer y segundo premio fueron
Entre el 20 y el 23 de noviembre, Bo- unidos para entregar dos premios
Riegner; ´Todos los caminos condu- Curaduría ´Tres lugares comunes´,
gotá será la ciudad anfitriona de la iguales a los artistas Juan Carlos
cen al mar´ del Colectivo Liudmila de explora la identidad de la región
Cumbre de Educación Artística para Garzón y Eduard Moreno.
LA Galería; ´Sin título 18´ de Artemio y su tejido socio-cultural desde las
América Latina y el Caribe. Con la
Narro Aguilar de La Central y ´Dibu- dinámicas de migración, colonización
presencia de 41 países de la región,
jos proyectados desde retroproyector´ y transculturación a lo largo de la Fundación Calle Bohemia
se busca crear estrategias de educa-
de Nicolás Rubio, es presentado con- historia. Zona Oriente, Bucaramanga,
ción desde las artes así como generar
juntamente por las galerías Vermelho noviembre 6. La curaduría ´De Aquí y
un impacto positivo en la calidad de La Fundación Calle Bohemia, creada
y Nueveochenta. del otro lado´, presenta un proyecto
vida a través del arte. De forma si- en 2004 en la ciudad de Armenia,
alrededor del cuerpo, paisaje,
multánea y en Vancouver (Canadá), busca posicionarse como un espacio
Experimenta Colombia 4.0 espíritu y política. Zona Sur, Ibagué,
Newcastle (Reino Unido) y Seúl (Co- para las artes y la educación. Son
noviembre 12. Curaduría ´Ecos,
rea) se desarrollarán declaraciones de presentadas 11 exhibiciones anuales,
Sonidos y Silencios´. Zona Centro:
Realizado en El Parqueadero y El La- las respectivas regiones para, unidas centrando su interés en la difusión de
Sogamoso noviembre 14; Duitama,
boratorio Interdisciplinario para las a las establecidas durante la Cumbre artistas de la región y en la formación
Noviembre15. La curaduría ´La Oreja
Artes, LIA, entre el 13 y el 21 de oc- con sede en Bogotá, ser presentadas de espectadores desde la niñez. A
Roja´ utiliza el chisme como forma
tubre, la versión 2009 del Festival de en la II Conferencia Mundial de la través de las labores que adelanta la
de comunicación y acercamiento y,
Artes Mediáticas, Experimenta Colom- Educación Artística de la UNESCO, Fundación se permite la discusión e
la curaduría ´Preámbulo, ejemplos
bia, abre un espacio de intercambio a realizarse durante el segundo se- investigación acerca de la historia del
empíricos de identidad nacional de
social y práctica artística alrededor del mestre de 2010. Este evento traerá arte en el Quindío.
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Por: Lucas Ospina. LA FRANQUICIA DEL ARTE CONTEMPORÁNEO

término para definir lo que somos nosotros y lo que es esta otra gente. A los dos
no nos pueden llamar artistas, porque somos muy distintos… Es una masturbación
intelectual de unos cuantos que se entienden ellos mismos, pero no hay esa cosa
del arte, como fue el gran arte del mundo que creó una conexión masiva con mu-
cho público, con un gran público”.

II. Entre el totalitarismo de algunos miembros del “arte contemporáneo” (los cu-
radores de la Bienal de Venecia recelosos de que las esculturas de Botero fueran
a contaminar la pureza de su criterio curatorial), y la miopía de algunos miembros
del arte tradicional (Botero insistiendo “¿Quién quiere ver eso? A nadie le intere-
sa”), hay una verdad elusiva que responde más a una táctica acomodaticia que
a una actitud crédula o a una postura retardataria, se trata de una estrategia de
guerra. Dice Sun Tzu en “Sobre la firmeza”, el Capítulo Cinco de su “Arte de la
Guerra”: “La ortodoxia y la heterodoxia no son algo fijo, sino que se utilizan como
un ciclo. Un emperador que fue con un famoso guerrero y administrador, hablaba
de manipular las percepciones de los adversarios sobre lo que es ortodoxo y he-
terodoxo, y después atacar inesperadamente, combinando ambos métodos hasta
convertirlo en uno, volviéndose así indefinible para el enemigo”.

I. En abril de 2003 Fernando Botero comentó sobre un incidente que tuvo con
los organizadores de la Bienal de Venecia: “Le cuento lo que pasó: Yo estaba in-
vitado por la ciudad de Venecia a exponer las esculturas hasta el 20 de julio. Y la
Bienal, que se inaugura el 11 de junio, exigió que se retiraran mis obras antes de
la inauguración, lo cual me parece un atropello muy grande… Me están amorda-
zando quitándome las esculturas”.
El melodrama de Botero tuvo una audiencia inmensa en los medios nacionales,
uno que otro escucha a nivel latinoamericano y casi nula acogida a nivel inter-
nacional; por ejemplo, en Italia, algún periódico hizo referencia a dos esculturas
que tuvieron que ser alejadas de una iglesia a petición de un párroco local y otro
hizo leve eco al profundo desacuerdo que tuvieron algunos habitantes y urbanistas
al ver las 20 esculturas de Botero repartidas por los rincones de la ciudad: “che
scatenò furiose polemiche per il numero delle opere dello scultore colombiano dis-
seminate per la città e per un dialogo difficile con la forma urbis veneziana”.
Botero le habló a los medios colombianos como si su voz hubiera retumbado por
todo el orbe y cuando le preguntaron por el argumento dado por los organizado-
res de la Bienal para limitar su presencia en Venecia, lo atribuyó a un asunto de
protagonismo: “Yo entiendo que porque la competencia era demasiado grande.
Ellos están en un rincón perdido de Venecia, en los Jardines, y yo en pleno centro.
Les iba a hacer la sombra total”.
La diatriba de Botero, más allá de su fantochería, sirve para enmarcar una batalla
que ha ido tomando forma en los últimos años: la pelea entre un tipo de “arte
tradicional”, por llamarlo de algún modo, y el “arte contemporáneo”, una compe-
tencia donde lo uno intenta excluir lo otro.
En el libreto actuado por Botero ante los micrófonos locales quedaron expuestos
los dos tipos de exclusión: por un lado, la que según Botero ejercieron los orga-
nizadores de la Bienal de Venecia, ergo los representantes del “arte contemporá-
neo”. Botero dice: “En el fondo es una actitud como de estado totalitario, que no
deja hablar a la oposición, no deja exponer el otro punto de vista. Porque en el
arte siempre hay dos puntos de vista. Hay el arte que está unido a una tradición.
Un Picasso, un Mattisse, que tienen esa tradición detrás de ellos. Y hay una nueva
actitud, más que todo americana, que parte de Marcel Duchamp, de un arte sin
tradición”. Pero por otro lado está la otra exclusión, la que practica Botero, que
no reconoce valor alguno en la novedad: “Vamos a tener que inventar un nuevo
A nivel local uno de los sectores donde más se nota esta forma de pendular entre
ortodoxia y heterodoxia, entre “arte tradicional” y “arte contemporáneo”, ha sido
el de las galerías. Las precarias condiciones de la plaza de mercado del arte, el
encierro de las obras en los límites de la hacienda de unas pocas ciudades, y la
chichipatez del coleccionismo, han creado una situación tan frágil de existencia
que aquí lo “indefinible para el enemigo”, más que una estrategia deliberada,
es parte de la condición tragicómica que rige la existencia en esta guerra: Las
galerías que buscan regentar la franquicia del “arte contemporáneo” ven cómo
sus esfuerzos por perfilarse se desdibujan y no son viables ante la oferta variopinta
que ofrecen otros negocios que se niegan a encasillarse en lo tradicional o lo
contemporáneo y venden por igual arte actual y arte viejo. Es más, suele usarse el
arte tradicional como gancho para mover la venta de piezas contemporáneas: “Le
tengo un dibujo de Botero pero le sumo este otro dibujo de un artista joven que
está barato y es una gran promesa”. Las galerías de “arte contemporáneo” que
solo tienen en bodega “arte contemporáneo”, no pueden competir con la oferta
de esas galerías que ven en el eclecticismo y la conjunción de todos los géneros
de arte una práctica adecuada para atrapar a un comprador que tiene un pie en
el pasado y otro en el aire.
Pero la franquicia del “arte contemporáneo” cuenta con la ventaja de la actuali-
dad, es la novedad, y aprovecha ese aire de progreso que tanto interesa a insti-
tuciones bancarias e instituciones. No es extraño que un banco tenga arte tradi-
cional pero a la vez esté ávido de comprar “arte contemporáneo”; que el arte sea
crítico o polémico poco importa, la imagen del banco como institución tolerante y
sobre todo capaz de comprender lo actual es un “goodwill” poderoso, si el gerente
entiende o no lo que está comprando es irrelevante, lo que importa es mostrar que
la institución está al tanto. Si la institución posa de actualizada en términos de “arte
contemporáneo” su mensaje es que lo suyo es lo último de lo último. Está el caso
de en un banco tradicional que en su sede principal reemplazó la inmensa escultu-
ra de un grupo de vacas y vaqueros que la ataba a su origen de banca ganadera
por una obra más “contemporánea”: un muro de luces que respondía a un patrón
aleatorio, un oráculo discotequero tipo “2001 odisea en el espacio” donde los
orates comulgan para recibir aviso ante el vaivén incierto de lo económico.
Asimismo, es cada vez más normal que los galeristas que manejan la franquicia
del “arte contemporáneo” sean contactados y reciban el apoyo de instituciones
estatales. Un ejemplo reciente es el de la Fundación Gilberto Alzate Avendaño
que pactó su programa de residencias internacionales para artistas con la galería
Vermelho de Brasil. Para seleccionar a los escogidos primaron más criterios ga-
lerísticos, así, ganaron los finos acabados que ofrecían algunos de los proyectos
presentados y no las propuestas abiertas sugeridas por la mayoría de concursan-
tes, y de 10 becas sólo se asignaron 5. Resultó extraño ver cómo María Iovino,
Cortesía: Cámara de Comercio de Bogotá.
gestora cultural escogida por la institución pública para formular la convocatoria,
seleccionó entre los muchos programas de residencia en Brasil precisamente el
de una galería comercial con la que ella tenía nexos, y además intervino en la
selección de los artistas escogidos; una vez esta situación fue revelada por un par-
ticipante que notó las anomalías, la gestora hizo una serie de descargos donde le
advirtió al artista sobre posibles demandas legales y hasta cárcel. Pero más allá de
las leguleyadas de ese debate lo que quedó claro fue la captación de un bieninten-
cionado programa de residencias estatal por parte de una de las “franquicias del
arte contemporáneo”, con eufemismos como la “independencia de pensamiento
con excelente nivel”, para referirse al “buen ojo” ferial del galerista, la gestora
cultural justificó una escogencia que no contó con más documentos de análisis
que un acta escueta y con errores de redacción, un detalle menor si se trata de un
programa privado pero fundamental cuando se trata de la asignación de dineros
públicos. El problema se habría saldado, al menos en términos de franqueza, si en
vez de “residencias internacionales” el programa se refiriese a sus subsidios como
“prácticas empresariales” o “pasantías para artistas profesionales”.
Otros que explotan la franquicia del “arte contemporáneo” son unos pocos co-
leccionistas criollos que sólo compran “arte contemporáneo” (o “arte joven”) y se
visten de mecenas; en su elección hay tanto de hombres de gusto como de hábiles
buhoneros: compran barato lo que luego venden caro, buscan en el mercado
lo que abunda porque solo pueden acceder a lo que es novedad y no norma (el
arte valorado por un criterio histórico o limitado a unas pocas piezas). Lo nor-
mal es que los mercaderes independientes actúen mancomunados con algunos
galeristas, si es el caso con algunos artistas, con el fin de unir fuerzas y proteger
su inversión: acaparan obras, suben a pérdida el precio de las obras expuestas
pujando en subastas y luego, con trucos de oferta y demanda, aumentan el valor
de sus colecciones. Por supuesto, sus acciones están lejos de las de los jugadores
transnacionales del arte y son un juego lelo de niños comparado con las astucias
de mercadeo hechas por la familia Mugrabi para inflar y mantener, en medio de
la recesión, el precio de las obras del artista Damien Hirst, o, para no ir muy lejos,
con la habilidad de alguien como Botero que al donar 260 obras de su autoría
a dos instituciones nacionales en el año 2000 elevó los precios del resto de sus
obras que continúan circulando en el mercado.
III. Es tan amorfo el perfil de las galerías locales y sus actores, ese frenesí dubita-
tivo entre ser y parecer, ese afán de unos por cerrarle el camino a otros, que la tra-
gicomedia todavía está en los primeros actos (y tal vez se quede así por siempre).
Las ferias, las subastas, las crisis, la especulación y la cotización de una nueva ca-
mada de artistas podrán definir las escenas que siguen; por ahora, a comienzo del
camino, sólo tenemos las palabras de nuestro caricaturista involuntario, el Maestro
Fernando Botero, que como buen artista no coincide nunca con la verdad pero sí
afirma medias verdades o verdades y media:
“Hay un divorcio que nunca existió. Siempre hubo un entendimiento, un gozo,
una comunicación profunda entre el arte y el espectador. La gente se muere del
miedo de decir las cosas como son. Seguramente mucha gente piensa que eso es
una basura, pero nadie se atreve a decirlo, porque creen que no son modernos,
que no entendieron. A mí no me da miedo decirlo. Lo digo porque... es como el
cuento del emperador desnudo: un niño se atrevió a decir que estaba desnudo. Es
el mismo caso… Ahora hay una especie de dictadura, una mafia del video y de la
instalación que no dejan ver suficientemente la otra cara del arte, de un arte con-
temporáneo que tiene la característica de estar unido a la tradición. Es decir, Pi-
casso también era un artista de vanguardia y era un pintor de la tradición. Él siguió
a Cézanne, se inspiró muchísimo en Delacroix, en Velásquez. Fue un hombre con
gran respeto de la tradición. Lo que pasa es que después vino Duchamp, lo de los
Ready Made, y eso creo una visión del arte, como si se hubiera roto una cadena
que llevaba miles de años, por una imbecilidad. Porque, finalmente, la actitud es
completamente estúpida; romper una tradición de mil años por esta cosa de los
Ready Made y todo lo que vino después, o sea que hoy en día, un artista tiene una
idea y la ejecuta, pero no hay un estilo ni concepción permanentes, como se debe
tener en el arte… A mí nada me saca de mi pasión del trabajo. Cuando usted
me llamó aquí estaba pintando. Yo vivo para mi trabajo, en absoluto; esto no me
quita mi entusiasmo”.
6 7
LA IMAGEN COMO PROYECTO PÚBLICO
CONVERSACIÓN CON CANDIDA HÖFER
Cortesía: Candida Höfer.
Candida Höfer es una de los cinco notables fotógrafos alemanes, integrantes
de la denominada Escuela de Düsseldorf. Con un alto sentido de la estética,
dominio del espacio y poseedora de una refinada capacidad abstractiva, Höfer
es referente obligado del arte contemporáneo. Es la artista que ha fotografiado
bibliotecas, palacios, teatros, museos, oficinas, iglesias, universidades, recintos
deportivos y zoológicos. Formada en la disciplina cinematográfica junto a Ole
John, especializándose, a partir de 1976, en fotografía con Bernd y Hilla Be-
cher, actualmente está considerada como una de las figuras más representativas,
junto a Thomas Struth, Andreas Gursky, y Thomas Ruff, de la Nueva Escuela de
Fotografía Alemana, surgida a finales de los ochentas.
Desde los años sesenta los artistas experimentan con una nueva condición del
espacio. No construyen obras en él o para él sino que hacen espacio. En este
sentido, la obra de Candida Höfer no se limita al lugar sino que encuentra los
equilibrios propios del mismo y sus sistemas de equivalencia formal en su propio
hacerse en el espacio. Cuando nos detenemos en la narrativa fotográfica que
constituye la obra de la artista alemana es necesario comprender las relaciones
que establecemos con las imágenes. En este sentido el filósofo francés Jacques
Ranciere afirma: “En la imagen siempre hay una desviación entre lo que muestra
y lo que significa (…) una imagen no es un ícono que está ahí, un dato visual,
una unidad visual. No es un cuadro ni un plano (…) la imagen es siempre una
relación, un desvío, una separación entre una función de significación y una fun-
ción de mostración, pero también una separación entre dos imágenes, entre la
mostrada y otras que serían posibles. La imagen siempre es plural. La vida de las
imágenes se hace con otras imágenes (…) Una imagen está muerta si está dada y
se interrumpe. La imagen es siempre un intervalo o una expansión. Metamorfosis,
desestabilización, trasformación”.
1
En Candida Höfer sus fotografías son imágenes, formas de escribir un pasaje
continuo de tiempo, de espacio, de recordar lo vivido y anticiparse a la utopía.
Son estructuras de enorme actualidad cargadas de fuerza en donde reinterpreta
la arquitectura como -un objeto- sin abandonar su propia naturaleza y mante-
niendo en el espectador la idea de vivir una experiencia. Su obra reconfigura una
forma espacial manteniendo intacta la originalidad de las proporciones. El ojo
recorre el espacio y evidencia el lugar a través de un descentramiento que per-
mite la movilidad de la mirada. Su obra son coordenadas de lugar, ubicaciones
aunadas por la luz natural que le confiere una identidad inalterada al espacio
fotografiado en donde se da la yuxtaposición de varios niveles temporales, -la
mezcla de distintas épocas, la conjunción de períodos y la discontinuidad estilís-
tica-, como sostiene la artista.
La presente entrevista fue realizada especialmente para ARTERIA.
Lucrecia Piedrahita: ¿Qué significa el espacio en el trabajo de Cándida
Höfer?
Candida Höfer: Los espacios me confrontan a la manera de las personas, tie-
nen carácter, tienen historia, tienen una profesión, tienen una responsabilidad.
Aún así tienen su propia personalidad. Muchos son similares y sin embargo, a
pesar de ellos, tienen diferencias. Nunca cesan de intrigarme.
LP: ¿Cómo definiría “el poder” de la fotografía en el arte contemporáneo?
CH: Yo tiendo a pensar que lo que ha sucedido es que - finalmente, después de un
largo tiempo - la fotografía se ha incluido en lo que consideramos arte. Y ahora,
puesto que ya no existe la barrera artificial del medio, puede competir (y fallar) más
libremente con otros medios. Es tal vez simplemente esta liberación la que aún se
ve como “poder”…
LP: ¿Cómo explica la capacidad de comunicación que tiene una imagen?
CH: Generalmente dudo al responder esto - por ejemplo, aunque trabajo con fo-
tografía, profeso un gran respeto por el poder de la palabra – más específicamente
con relación a mi propio trabajo. Yo tiendo a pensar que hay una fuerza seductora
en una imagen para crear un espacio. Por supuesto es una fuerza seductora que
no está en la imagen, está en nosotros mismos. Es una fuerza seductora que sin
embargo debe ser utilizada cuidadosamente.
La obra de Candida Höfer reconecta mapas mentales de espacios vividos, habi-
tados, imaginados. Su obra traza signos irrepetibles de luz y sombra, ceremonias
de tránsito y un discurso visual donde nos ofrece la experiencia afectiva de estar
fuera del lugar como fuerza reguladora de su posición estética. Su propuesta
entiende el espacio como un proyecto antropológico y como lugar de la cultura
material y espiritual que va de lo público a lo privado. Su fotografía es un potente
indicador de memoria que restituye la poética intrínseca del valor de los espacios
como capital simbólico de la humanidad.
Cuando se revisa la propuesta plástica de Candida Höfer es necesario plantear-
se la relación entre artista-etnógrafo. En palabras del profesor mexicano, Jesús
Galindo: “La etnografía tiene una vocación del otro, lo busca, lo sigue, lo con-
templa. Su asombro se resuelve muchas veces en la racionalidad de los propios
referentes, pero también hace estallar la certidumbre y alerta a la imaginación. El
etnógrafo hace apuestas de sentido, tiene que afirmar algún significado a todo
aquello que ha pasado por su mirada y la interacción con los otros, incluyendo
la reconfiguración de la percepción de su propia percepción. En estas apuestas
de sentido se juega todo el prestigio y la fuerza de oficio de la mirada y el senti-
do. El etnógrafo toca los hilos invisibles del misterio de lo visible, muestra lo que
está más allá de lo evidente y le da forma y lo estructura ante nuestros ojos, en
nuestros ojos”. Y justamente ese -oficio de la mirada y el sentido- constituye el ac-
cionar de la fotógrafa Höfer. Su trabajo permite reconstruir un mapa de ciudad
y definir su territorio a partir de las múltiples visuales que la artista subraya y que
se convierten en una memoria visual, espacial y temporal.
LP: En qué consiste ‘Proyects: Done’, la producción que constituye su más reciente
muestra?
CH: ‘Proyects: Done’ es una colección de proyectos que había hecho aproxima-
damente durante los últimos veinte años, como mi serie sobre los Turcos, esce-
nas callejeras en Liverpool, una presentación de diapositivas organizada como un
juego de memoria (“80 fotos”), las 12 copias de una escultura de Rodin (“Los
Burgueses de Calais”), y los diferentes lugares alrededor del mundo donde son
exhibidos como el edificio de la embajada de Rem Koolhaas en Berlín y Jardines
Zoológicos. Esta colección fue presentada recientemente en Alemania brindando
una buena perspectiva general de mi trabajo, así como de la manera de presentar
trabajos fotográficos. La exhibición viajará ahora a algunos museos en España y
luego a Austria.
La conferencia en Medellín, a la cual muy amablemente me invitaron, fue un in-
tento por dejar una impresión de la variedad del trabajo y de la manera como ha
sido exhibido con todas sus potencialidades museográficas.
Mi trabajo sobre los turcos en Alemania y los turcos en Turquía fue el resultado de
mi curiosidad acerca de la manera como su presencia en Alemania ha cambiado
la vida en las calles; de la manera como sus restaurantes, tiendas y mercados
enriquecieron nuestro medio ambiente, nuestro paisaje urbano. Pregunté si los
podía fotografiar, y con el tiempo fui invitada a sus hogares y pude fotografiar la
manera como viven. Este trabajo también me mostró lo importante que es el es-
pacio para las personas, como hacen los espacios y como los espacios los hacen
a ellos también.
Es precisamente la serie ‘Turcos en Alemania’ la que motiva mi participación en el
proyecto curatorial Memoria Decapitada:
“… Había surgido repentinamente una diferencia. Estaba intrigada. Mujeres, hom-
bres y niños estaban sentados bajo los árboles en el parque. Estaban sentados
en grandes grupos comiendo y bebiendo. Sus hijos estaban jugando unos con
otros, cuando nosotros los Alemanes nos sentábamos en el parque lo hacíamos en
bancas. Ellos estaban vestidos en forma diferente. Se veían diferentes. Algo había
cambiado. Y este cambio me atrajo. Era una nueva percepción de la ciudad don-
de vivía. Ya había estado tomando fotografías durante un buen rato. Ésta había re-
sultado ser la forma más fácil para mí de tomar fotografías. Había intentado otras
maneras. Quería acercarme a este cambio fotografiándolo. Hablé con la gente y
les pregunté si podía fotografiarlos. A ellos les gustaba que los fotografiaran. Lue-
go me invitaron a sus casas. Los fotografié allí en sus hogares donde cada pieza
de mobiliario parecía tomada en un salón estándar Alemán. Y sin embargo estas
habitaciones eran muy extrañas en sus arreglos. Las decoraciones eran coloridas.
Eran alemanas y no alemanas. Eran un ‘aquí’ y ‘allá’ todo al mismo tiempo.
Este fue el comienzo de mi serie ‘Los Turcos en Alemania’. Los Turcos habían
llegado a Alemania a hacer dinero para sus familias porque no podían ganar lo
suficiente para sustentarlas allá en casa.
Aquellos son recuerdos que regresaron a mi memoria cuando leí el trabajo de
Lucrecia Piedrahíta sobre el desplazamiento y su investigación acerca de ‘La Me-
moria Decapitada’. El término ‘migración’ no era de uso común entonces. Los
Por: Lucrecia Piedrahita*
Turcos eran conocidos como los ‘huéspedes trabajadores’. Esto era un eufemismo.
Ellos no eran el primer grupo de ‘huéspedes trabajadores’, muy requeridos por las
compañías alemanas en aquella época. Los italianos y los griegos habían llegado
antes que ellos. Sin embargo éstos trajeron consigo un cambio visual que ya no
podía negarse. Con el paso del tiempo cuando hablamos de fotografiarlos, tenían
un problema con una carta de alguna autoridad. Tratamos de entender lo que
significaba esa carta. Hacía referencia a sugerencias en cuanto a lo que podrían
escribir a cambio y cómo hacerlo. Y también había algo más. Lo percibí en la
forma como hablaban los unos con los otros. Y lo noté en la forma como se pre-
sentaban cuando los fotografiaba en sus hogares. Mostraban un orgullo especial
y un fuerte sentido de familia.
Y no sólo los fotografié en parques y en sus hogares. Los fotografié en sus restau-
rantes, clubes donde los hombres bebían té y jugaban y leían los periódicos de
casa, y en las tiendas donde compraban la comida. En todos estos lugares había
un orden y una manera de colocar los objetos, un orden que iba más allá de lo
que parecía útil y funcional. Era un orden orientado a la belleza, una belleza que
desafiaba los objetos y sus alrededores a veces sombríos. No podía explicar esta
belleza y mi atracción por ella. Quería fotografiarla y capturarla. Parecía que no
era suficiente hacerlo en Alemania. Necesitaba ver cómo habían vivido, de dón-
de habían venido, yo quería saber más. Viajé a Turquía y continué mi serie ‘Los
Turcos en Turquía’.
Era diferente allí. Pero era una diferencia diferente de la diferencia que había ob-
servado cuando los había fotografiado en mi ciudad. ¿Era una diferencia porque
ahora estaba ‘allá’ y no ‘aquí’? ¿Era la diferencia causada por el espacio que
había sido mi hogar y un lugar extraño para ellos y ahora un hogar para ellos y
extraño para mi? ¿El espacio en que la gente vive la hace diferente? ¿Puede este
espacio o parte de él ser ‘transportado’? ¿Era un espacio hecho por ellos en los
espacios en que yo estaba viviendo el que creaba esta diferencia, que ya no era la
diferencia porque era su país, sus clubes, sus restaurantes, las tiendas de su país?
¿Qué le hacen los lugares a la gente y por la gente? ¿Los lugares, hogares, tien-
das, restaurantes, sitios de encuentro tienen su propia fuerza, su propio carácter
que está allí aún si la gente que los ha construido y para quienes han sido hechos
no están allí?. Yo estaba intrigada de nuevo. Quería saber más acerca del espacio
y lo que le hace a la gente y por la gente.”
Candida Höfer se asocia a la figura del etnógrafo al asimilar el trabajo de quien
recorre un territorio y lo hace suyo y de quién asume la percepción como palabra
clave de su oficio. Sus imágenes transitadas constituyen una cartografía documen-
tada del espacio, sus complejidades, polimorfismos, adaptaciones y mutaciones.
Candida Höfer es invitada al proyecto curatorial
-Memoria Decapitada-, de Lucrecia Piedrahita, a través del
catálogo de voces que conforma la muestra que estará de
diciembre de 2009 a marzo de 2010 en el
Claustro de San Agustín en Bogotá.
1. Bernárdez Sanchís, Carmen et al. “Imágenes de la violencia en el arte contemporáneo”. Madrid:
Valeriano Bozal Editor, 2005.
* Lucrecia Piedrahíta Orrego. Museóloga. Especialista en Periodismo Urbano y en
Estudios Políticos. Es becaria de Curaduría del Lipac -Universidad de Buenos Aires-,
Argentina.
Fotografía portada: http://www.wdr3.de/typo3temp/pics/afeb0cb042.jpgráneo”. Oct. 18, 2009.
8 9
Por: Jaime Andrés Monsalve.
COLECCIONAR ARTE: TODO UN ARTE
Las ferias de arte son los lugares ideales para la formación de
nuevas generaciones de coleccionistas. ARTERIA habló con jóvenes
compradores y consultores de arte nacionales, y con algunos
de los galeristas internacionales invitados a ArtBo para
intentar establecer el perfil del nuevo coleccionista.
La situación no le debe resultar desconocida a cualquiera que se haya sentido
alguna vez arrobado al asistir a una exposición en un museo, a una muestra en
una galería o a una feria de arte: de la contemplación hacia una pieza deriva el
asombro, del asombro el gusto y, del gusto, el deseo de tenerla.
Entre las necesidades básicas del hombre por satisfacer se ha colado una nueva,
la de contemplar y de sentir el goce estético. Si le creemos a los abanderados de
la psicología humanista, que manifestaban que el ser humano necesita estados
alterados de la conciencia para abstraerse por momentos del resto de la huma-
nidad, nada más cierto que aquella frase de Niezche según la cual “para que el
arte exista, para que cualquier tipo de actividad o percepción estética exista, una
cierta precondición sicológica es necesaria: la intoxicación”. Hay quienes saben
bastante bien acerca de los niveles de gusto que produce la contemplación del
arte. Por eso, prefieren tenerlo en casa.
La historia del coleccionismo, que tuvo como punto de partida el ideal de preser-
vación de la corte de los Medici durante el Renacimiento, y que se afianzó con la
caída del feudalismo y la aparición de clases emergentes de nouveau-riches tras
la Revolución Industrial, tiene en Colombia su propio recuento histórico, que se
inicia con las compras de piezas religiosas que piadosos habitantes de la Colonia
encargan para donar a las iglesias vecinas, y con los irregulares atesoramientos
de piezas precolombinas por parte de cazadores de tesoros y buscavidas. Buena
parte de esos legados se van convirtiendo en objeto de donaciones a instituciones
o a terceros, y van creciendo en tamaño.
Sólo hasta bien entrada la década de 1940 se empieza a comprender en el país
el valor estético y financiero que puede derivarse de la compra y venta de arte,
llegado el momento de la irrupción de las nuevas escuelas estéticas de la mano de
jóvenes cultores: Botero, Wiedemann, Roda y Ramírez Villamizar, entre muchos
otros. Hasta ese momento, la clase dirigente y alta era la única con los medios,
acaso con el interés, de hacer del arte un elemento cotidiano en su vida a través
de la adquisición.
Actualmente, hacerse a una colección sigue siendo una tarea solitaria, “Adquirir
obras de arte en nuestro medio colombiano no es tarea fácil –afirmó en alguna
oportunidad la gestora María Teresa Guerrero–. La escasez de coleccionistas pri-
vados, la ausencia de alicientes fiscales y críticos de arte, redujeron este mundo a
una constante competencia convirtiéndolo en una tarea ardua y dispareja que no
siempre beneficia la relación entre el creador y el comprador-coleccionista”. Esas
condiciones han hecho de las colecciones esfuerzos completamente independien-
tes, golondrinas que cada una por su lado no logran hacer verano.
Comprar, vender, tener...
El más destacable ejemplo de coleccionismo en la segunda mitad del siglo pasado
en Colombia fue el emprendido por los esposos Moisés Ganitsky y Lía Guberek,
quienes por 40 años reunieron piezas, desde precolombinos y paisajes de fines de
siglo XIX, hasta instalaciones de principios de los noventa, pasando por obras de
arte internacional entre las que resaltan los nombres de Francis Bacon, Fernando
de Szyszlo y José Luis Cuevas; todo ello, entre otras cosas, gracias a la asesoría
de la historiadora, galerista y crítica Marta Traba.
La llamada Colección Ganitsky-Guberek tiene la importancia de seguir siendo
un ejemplo local para todos aquellos que han pensado coleccionar piezas de
arte. Recientemente, una porción de ese compendio fue expuesto al público, ante
lo cual Juan Camilo Sierra se refirió al coleccionismo como “una labor poco
cultivada en nuestro país y de importancia capital, si la consideramos como una
forma de la razón requerida para entendernos desde la perspectiva de quienes,
Obra: Alejandro Obregón. Cortesía: Cámara de Comercio de Bogotá
Obra: Alexandre Arrechea. Cortesía: Cámara de Comercio de Bogotá
con su pasión por el arte y el gusto que los caracteriza, dedican parte de sus vidas
a concebir el universo individual que desemboca en su lectura del tiempo; en este
caso, de nuestra propia actualidad”.
Las nuevas generaciones tienen sus propias motivaciones. El arquitecto Alejandro
Castaño recuerda cómo se inició su interés en coleccionar arte gracias a la mejor
amiga de su madre, que solía comprar piezas. Esa inquietud, que acusaria desde
la época de colegio, se vería desarrollada hasta la actualidad, momento en que
dice no haber establecido un conteo fidedigno de cuántas obras puede tener.
Sabe, eso sí, que en la colección propia hay un marcado interés por lo objetual y
por los referentes espaciales acordes con su profesión, y que no tiene inconvenien-
tes en la búsqueda de nuevos formatos. “De hecho –cuenta–, un artista argentino
está en este momento haciendo una intervención en los ventanales de mi casa,
algo arriesgado pues puede perderse luz y vista; pero todo es parte del interés”.
Castaño hace parte del grupo de jóvenes coleccionistas en Colombia. El eje de
su vivienda confluye con varias importantes galerías bogotanas, a las que suele
desplazarse para visitar las exposiciones y tener un diálogo con los artistas. Es el
convencimiento propio el que lo hace establecer qué comprar. “A veces prefiero
creerle a mi intuición solitaria”, cuenta, y defiende su espíritu espontáneo a la hora
de hablar de su colección: “Nunca tuve la intención de convertirme en lo que lla-
man un coleccionista de arte”.
La cadena del coleccionismo tiene en Castaño, es decir en el coleccionista, a su
último eslabón. Antes están el artista, una galería que lo representa y muestra la
obra ante el público interesado, y un círculo necesario para hacer del potencial
comprador un ser de oídos despiertos, con algunas gotas de escepticismo: prensa
especializada, críticos de arte, galeristas, ferias de arte y hasta marchantes o dea-
lers, militantes de la búsqueda de piezas exóticas, raras y apetecidas.
El galerista, punto de contacto entre la compra y la venta de arte, es una suerte de
vendedor bien informado. Su labor va desde mantener satisfechos a sus clientes
consuetudinarios hasta orientar al neófito, pasando por la encomiable tarea de
difundir nuevos nombres en el mercado. “El galerista traza un vínculo significativo
para la difusión de nuevas propuestas artísticas”, explica Adriana Melchor, de
la galería Enrique Guerrero de México. “Como galería, estamos encantados de
apoyar a nuevos talentos para que continúen su desarrollo”.
Compra o inversión
Los galeristas prefieren emplear el término “inversión” antes que el de “compra”,
conscientes de que la obtención de una pieza redundará en beneficios económi-
cos posteriores, a tal punto que puede convertirse en una manera de ganarse la
vida. Interrogada acerca del por qué invertir en piezas, Marina Buendía, de la
Galería Vermelho de Brasil, indica: “uno adquiere arte por muchas razones, por
placer estético o por inversión, porque cree en las ideas del artista, para educar a
los hijos, e incluso para fortalecer la escena del arte contemporáneo”.
Buena parte de quienes comercian con arte saben que las obras que hoy com-
pran podrán luego tener un precio mayor. No por nada al mercado del arte se le
llama por su nombre: mercado. Mary Boone, galerista norteamericana famosa
por haber abonado el camino en las carreras de Jean Michel Basquiat y Julian
Schnabel, entre otros, manifiesta, tan clara como sarcática: “Tengo serias reservas
acerca de hacer del arte un negocio. Pero estoy por encima de ellas”.
“Rara vez compro arte para venderlo posteriormente”, asegura otro coleccionista
bogotano de arte que prefiere mantener su nombre en reserva. “Pertenezco a un
círculo pequeño en el cual es mucho más fácil e interesante el intercambio de pie-
zas”. Una buena forma de recordar que en esta materia no hay nada escrito. Aún
así, el factor económico es preponderante. “En Brasil, mi país, la gran mayoría de
jóvenes coleccionistas son inversionistas del mercado financiero que comienzan a
comprar piezas como inversión”, afirma Marina Buendía, y seguramente no sea
errado sugerir que en Colombia sucede lo mismo.
Obra: Claudio Gallina. Cortesía: Cámara de Comercio de Bogotá
Pero tener inquietudes estéticas y resolver el factor económico no son acicates
suficientes para lanzarse al agua. Nadie mejor que un coleccionista para despejar
las dudas: “Son muchas las ocasiones en que el público siente al arte como algo
lejano, confuso, difícil... –asegura Alejandro Castaño– Lo primero que yo digo es
que el arte no puede intimidar a la gente. Todo lo contrario, debe estar en capaci-
dad de atraer”. Para este coleccionista, hay pasos fundamentales para conectarse
con este interés, y el primero es de consecución relativa: el gusto. Una vez se tenga
o se obtenga, los siguientes pasos son mantenerse actualizado, por medio de la
asistencia a museos y galerías; y contar con una adecuada asesoría, “porque en
esto hay desde cosas muy buenas hasta otras muy malas”, puntualiza.
La última palabra
A la hora de establecer un perfil del coleccionista colombiano, habría que empe-
zar con una verdad de Perogrullo: nadie que no tuviera una cercanía importante
a la experiencia estética se atrevería siquiera a pensar en comprar un cuadro o
una escultura. “Todo coleccionista de arte tiene un nivel intelectual elevado –ex-
plica Nestor Zonana, de la galería argentina Pabellón 4 Arte Contemporáneo–.
No cualquier persona compra obras de arte y tiene la capacidad de apreciarlas y
reconocerlas”.
Para María Victoria Mahecha, de la firma consultora de arte Paralelo 10, la
belleza estética no es un punto de referencia para adquirir arte. “Lo ‘bonito’ no
puede ser el único parámetro que motive la compra, así como no debería serlo el
factor inversión –asegura–. Debería manejarse un balance de diferentes aspectos
(inversión, importancia de la obra, importancia del artista), que orienten la compra
hacia obras que le digan algo al coleccionista y lo motiven a seguir comprando”.
Un buen primer contacto del potencial comprador con la obra suele ser una feria
de arte, como las que se disfrutan por estos días. Pocos lugares con el poder de
convocatoria y con la confluencia necesaria de las partes como dichos eventos.
“En las ferias de arte uno puede conversar con los galeristas acerca de los artistas
que representan, pueden revisar sus hojas de vida para conocer su trayectoria y
en ocasiones, dentro de estos eventos, pueden conocer al artista y preguntarle un
poco más sobre la obra”, comenta Adriana Melchor, de Galería Enrique Gue-
rrero.
En todo caso, y Alejandro Castaño es la demostración de eso, Colombia ha
seguido la tendencia suramericana según la cual, por más asesoría y andamiaje
que reciba, el comprador siempre tendrá la última palabra. “El coleccionista está
cansado de que le digan qué tiene que comprar: él compra lo que le gusta y lo
que siente, siempre desde un marco profesional –puntualiza Daniel Abate, de la
galería del mismo nombre en Buenos Aires–. El coleccionista se dio cuenta de que
el engranaje alrededor del mundo del arte es mentira. No es tonto y sabe que
cuantos más libros y cosas se le muestren sobre el artista, menos se sostiene la
obra. Él sabe que la obra grita por sí misma y que a veces ni hace falta un curador
de renombre que la avale”.
Obra: Claudio Roncoli. Cortesía: Cámara de Comercio de Bogotá.
10
CALI
´Eros, Dolor y Muerte´
Museo La Tertulia
Desde noviembre 19
Exposición temporal, realizada inicialmente para
acompañar a la Suite Vollard de Pablo Picasso en el Museo
de Antioquia. ´Eros, Dolor y Muerte´ presenta en el Museo
La Tertulia una mirada particular sobre obra de Picasso.
Analizandolo como el dios del Amor y la Lujuria, el Homo
Erotismo, el Dolor, la Muerte y los Seres Mitológicos.
´Eros, Dolor y Muerte´ reúne obras de artistas como Luis
Caballero, José Guadalupe Posada, Pedro Alcántara,
Leonel Góngora, Robert Nelson, María de la Paz
Jaramillo, Francisco Corzas, Wilson Díaz y Juan Mejía,
Enrique Grau, Enrique Ramírez Villamizar, David Becker
y Alfonso Quijano, entre otros.
Cortesía: Museo de la Tertulia
CALI
Andrea Valencia: ´Máximo Respeto´
Centro Cultural Comfandi
Desde noviembre 9
En su exposición ´Máximo Respeto´, Andrea
Valencia cuestiona la historia mediante una serie de
pinturas en las que refleja su imaginario como artista
latinoamericana. Retoma íconos y héroes populares,
y relaciones simbólicas e históricas para hacerlas
11
BOGOTÁ BOGOTÁ
Cecilia Porras: ´Cartagena y ´La guerra que no hemos visto´
yo 1950 y 1970´ Museo de Arte Moderno de Bogotá
Fundación Gilberto Alzate Hasta noviembre 15
Avendaño
Hasta noviembre 22 Exhibición de pinturas realizadas por hombres
y mujeres que por mucho tiempo empuñaron
La muestra, que incluirá cuarenta un arma e hicieron parte de la guerra que vive
y cinco obras entre pinturas, ilus- esta nación. Varios de ellos hicieron parte de
traciones y fotografía documental, grupos paramilitares, otros formaron en las
estará acompañada de una pu- filas guerrilleras y muchos conformaron la
blicación que recoge los princi- tropa del Ejército Nacional.
pales textos críticos sobre la obra Cortesía: Museo de Arte Contemporaneo
de Cecilia Porras publicados en Durante más de dos años cientos de estos
prensa y medios especializados BOGOTÁ colombianos que en su vida habían visto
de autores como Álvaro Medi- ´Proyecto Tesis´ más guerra que arte, atendieron la invitación
na, Gustavo Tatis, David Ayala, Cortesía: Fundación Gilberto Alzate Avedaño Museo de Arte Contemporáneo Cortesía: Museo de Arte Moderno de Bogotá
de pintar la visión que del mundo se tiene
Alberto Abello, German Var- Hasta octubre 25 en medio del dolor y la sangre. Todos ellos
gas, Marta Traba, Clemente Airó, Walter Engel y Casimiro Eiger. ilustraron la tragedia de los campesinos, el despojo de tierras y los
El Museo de Arte Contemporáneo abre la sexta versión del ´Proyecto Tesis´, que congrega los me- desplazamientos forzados; testimoniaron los enfrentamientos, las
Para John Castles Gil, curador de la exposición “la obra de Cecilia jores trabajos de grado de las universidades que ofrecen programas en artes plásticas, visuales y muertes, las historias de castigos, los secuestros, las violaciones
Porras da comienzo a un proceso de simplificación que la condujo afines a nivel nacional. Son 40 proyectos de grado e investigaciones seleccionadas para la versión y el entretejido del narcotráfico. En colores escenificaron la
a partir de la observación sensible de la luz y color propios del litoral 2009; disciplinas como fotografía, pintura instalada, video arte, instalaciones, performance co- crueldad y plasmaron un repertorio doloroso de episodios de
Caribe en Cartagena y Barranquilla, hacia los planteamientos de la lectivo, diseño textil, diseño de modas, diseño gráfico y nuevos medios, constituyen las propuestas violencia.
abstracción geométrica. A partir de los primeros años sesenta, su pintu- que realizan los recién egresados y los grupos de investigación en esta muestra.
ra manifiesta una profunda vocación luminosa evidente en su particular 16 Universidades a nivel nacional presentaron 60 proyectos de sus egresados e investigadores de
mirada sobre las flores, las calles y las murallas de su natal Cartagena, las últimas tres promociones que obtuvieron la categoría de meritorias o laureadas. Este material
por medio de un delicado y libre colorido aplicado en trazos y pince- investigativo y creativo fue la materia prima del ´Proyecto Tesis´, el cual, tiene dentro de sus obje-
ladas que con el paso de los años se hicieron cada vez más directos, tivos, divulgar los trabajos de grado mas allá del espacio académico, favoreciendo un lugar para
esquemáticos e intensos” la discusión y confrontación crítica sobre el desarrollo de las artes en nuestro país.

CIRCULAR
visibles mediante una interpretación que inicia desde
la selección de los eventos a representar hasta
plasmar estas imágenes y códigos siendo consciente
de su carga semiótica.

BOGOTÁ Cortesía: Centro Cultural Comfandi

Adriana Arenas: ´Desrealidad´
Carlos Bonil: ´Genéricos´
Sala Artecámara del centro empresarial Chapinero
Hasta noviembre 2
En la muestra ´Desrealidad´, Adriana Arenas utiliza materiales como lámparas que
dan la alusión de dos planetarios caseros que iluminan el espacio de la sala, debajo
de ellas se encuentra un rodadero en fibra de vidrio que mantendrá agua circulando,
ofreciendo al visitante una imagen con movimiento y en la parte superior del rodadero
se presenta un holograma, para hablar de vivencias personales, de su niñez.
´Genéricos´ de Carlos Bonil ilustra las máquinas de la industria por medio de una
instalación con forma de construcción espacial, combinando sonidos, aparatos y
dibujo. Para interpretar lo que para él son las cosas genéricas del mundo: Lo que ha
perdido sentido de existencia o significado.
BOGOTÁ
Juan Camilo Arango:
´Maintenant / Ahora´
Alianza Francesa. Sede centro
Hasta octubre 30
Por: Paula Gómez
Juan Camilo Arango extiende la pintura
hasta la instalación, el performance y el
video, para construir espacios donde éstas
prácticas se funden y, la presencia del cuerpo
puede ser leída a partir de la ausencia de sí
o tras los vestigios o el paso del tiempo. Su
obra resignifica la cotidianidad, la dicotomía
entre la vida y la muerte, el paisaje natural
y el urbano. Es una reflexión que rescata
y subvierte elementos invisibles para la
Cortesía: Alianza Francesa
percepción.
BOGOTÁ
´Cuando una pintura se
mueve… Algo debe estar
podrido´
Centro Colombo Americano
(Sede Centro)
Hasta Noviembre 12
La exhibición, presenta una
serie de videos que pretenden
reflexionar formal, literal o
conceptualmente la idea de
la pintura como “pintura en
movimiento”. La Pintura en
movimiento o la dialéctica de
la tecno-referencialidad, que
connota el avance tecnológico
actual, es curada por Paco
Barragán. Los artistas invitados
son: Ori Gersht (Reino
Unido),  Mariana Vassileva
(Bulgaria),  Chus García-Fraile
(España),   Raphael DiLuzio
(Estados Unidos),  Raúl Cordero
(Cuba),   Tim White-Sobieski
(Estados Unidos),   José Maçãs
de Carvalho (Portugal), Fabián
Marcaccio (Argentina), Krisdy
Shindler (Canadá),  Enrique
Marty (España) y Myritza Castillo
(Puerto Rico).
No.21
Obra: Mariana Vassileva. Cortesía: DNA Galerie, Berlín
MEDELLÍN
´Agencia de viajes´
Casa Tres Patios
Hasta noviembre 20
La movilidad, el cambio y el flujo de
personas, objetos e información quizá
sean las características más evidentes
de las ciudades latinoamericanas. Por
Cortesía: Casa Tres Patios
lo mismo, la experiencia cotidiana
de sus habitantes se asemeja a un
viaje turístico, en el que a medida que se desplazan por
las calles, experimentan las sucesivas transformaciones del CALI
paisaje urbano y la multiplicación de expresiones cotidianas “Cali me mata”
en cuerpos, vestimentas y músicas, entre otros. Lugar a Dudas
El proyecto ´Agencia de Viajes´, está interesado en indagar las Hasta octubre 31
SANTA MARTA prácticas cotidianas de los habitantes de Medellín, capturando,
Cortesía: Lugar a Dudas
´El dibujo y la huella del tiempo´
Cortesía: Museo Bolivariano de Arte Contemporaneo documentando y reconstruyendo todo este entramado de
Galería Espacio Abierto. Museo Bolivariano de Arte Contemporáneo relaciones, acciones y materialidades que experimentan en Proyecto en proceso que intenta articular un archivo  relacionado con  el
Hasta Febrero 8 la vida cotidiana. Para esto, ´Agencia de Viajes´, trabaja desarrollo de Cali como ciudad, y los relatos que se han construido a su
como un taller permanente en el que se socializan las alrededor en diversos periodos históricos del siglo XX, desde el presente.
El artista barranquillero Juan Carlos Dávila Vera presenta cuatro series de dibujos noticias de viaje de cada participante, implementando para A través de la recopilación y la exhibición de fotocopias de documentos,
en torno a la huella, desde el vestigio o pérdida de algo y su la realidad inmediata. su visibilización, seguimiento y exposición, herramientas y artículos de periódico, fotografías de libros de turismo de la ciudad,
El artista, prentende captar la realidad sentida y experimentada a través del cuerpo, técnicas distintas pertenecientes a las prácticas artísticas fragmentos de textos, proyecciones de películas filmadas en Cali, se busca
vinculando el tiempo por medio de muestras efímeras, que involucran la duración (colección, documentación, fotografía y dibujo), las ciencias poner en diálogo las ficciones de escritores, artistas y cineastas con aquellas
y la repeticion. sociales (diarios de campo, mapeos y cartografías) y de de arquitectos, periodistas, alcaldes y proyectos públicos que han promovido
saberes sociales tradicionales. una idea de ciudad enmarcada dentro de una concepción de progreso.
12
Banco de la República. Bogotá
¿CÓMO COMPRA EL BANCO?
Que el Banco de la República ostenta la principal colección pública de arte en
Colombia no esta en duda, su poder institucional ha permitido desarrollar una
agenda cultural muy amplia e interesante que ha marcado significativamente el
desarrollo de la ciudad, generando puntos de encuentro y sirviendo a través de su
programación cultural como un espacio para generar cohesión social y encuentros
a través de las artes.
Sin embargo, creo que es muy importante revisar una serie de situaciones y
mecanismos que restan potencia a su gestión y quisiera en estas líneas concentrarme
en el Comité de Adquisiciones del Banco: Ese organismo desde donde se definen
las piezas que van a entrar a hacer parte de la colección.
Antes de empezar a analizar algunas de las dinámicas y maneras de operar del
Comité, me parece pertinente hacer una aclaración: este artículo sólo pretende
generar un debate sano, idealmente al interior del Banco, y no tiene ninguna
intención de poner a nadie al paredón ni de criticar por criticar, pues de eso ya
tenemos bastante en el medio del arte; tampoco pretendo extenderme más de lo
que me parece estrictamente necesario pues de eso también tenemos mucho y ya
hay mucho “pontífice” por ahí en la calle.
Asimismo, me parece fundamental subrayar que como director de una galería
de arte contemporáneo, he sido proveedor del Banco y algunos de los artistas
que represento se encuentran en su colección; pero este artículo nada tiene que
ver con una experiencia personal o puntual y por el contrario, busca un análisis
amplio y neutral al respecto y aunque no soy de los que critican todo y por el
contrario, siempre busco ver las virtudes antes que las debilidades, si me preocupa
la manera en que dicho Comité funciona, pues creo que no es consecuente para
nada con la manera en que debe construirse una colección institucional, pública,
para todos (sin gustos personalistas), tarea que no deja de ser bastante compleja.
Para ello y teniendo en cuenta que una cosa es lo que se ve desde la barrera y otra
desde la arena, me puse en la tarea de consultar a algunos miembros del Comité
y luego de comprender tanto desde fuera como desde dentro las dinámicas bajo
las cuales operan, decidí desglosar el esquema que está en curso de la siguiente
manera:
1
1. Oferta – El Boomerang de La Inclusión.
El banco estructura toda la oferta que presenta al Comité a partir de lo que recibe
como propuestas de personas naturales y galerías que están permanentemente en
capacidad de ofrecer piezas para que estas ingresen a la colección.
Es excepcional que exista un interés específico del Banco o del Comité por adquirir
una pieza y aquí viene mi primera observación, pues me parece muy peligroso que
la selección se haga a partir de lo que la gente quiere vender y no necesariamente
de lo que el Banco quiere comprar.
Internamente existen una serie de argumentos de por qué esto funciona así, siendo
el más relevante que les parece importante mantener transparencia en las compras
y que es fundamental mantener una oferta incluyente que permita a cualquier
persona acercarse al Banco y proponer lo que quiera.
Pero esas buenas intenciones en la vida real son muy perversas y de hecho esa
Fotografía: Manuela Calle
pluralidad y equidad terminan por atentar contra el sentido de tener un norte y
una directriz clara que evite distorsiones, desviando así la atención de un ejercicio
riguroso y concatenado.
De nada sirve tener planes de adquisición en una dirección de artes, si la colección
va a crecer desde lo que cada cual quiere proponerle e imponerle.
Y ojo, no hay que pensar que pluralidad es sinónimo de transparencia, de hecho no
entiendo qué tiene que ver una cosa con otra, pues estoy seguro que la integridad
de los miembros del Comité es suficiente para avalar la transparencia de este
proceso.
Es fundamental trazar una política sobre lo que se quiere coleccionar y concentrarse
en ser fuertes en eso. Es importante acotar, entender que abarcar todo es imposible
y que a veces es mejor dejar pasar piezas sueltas que pueden ser muy importantes
pero que no le suman a la colección.
¿Para qué comprar arte colonial por ejemplo si existe un museo (al lado de las
instalaciones del Banco) que ya es especialista en eso? ¿Para qué adquirir un Paul
Klee, si realmente se trata de una pieza tan menor? ¿No era mejor comprar artistas
colombianos y ser fuertes en lo que podemos ser? ¿No es eso más consecuente?
¿Para qué comprar una o dos pinturas flamencas si se sabe que por presupuesto
y temas de oportunidad no se va a poder continuar con un esfuerzo sostenido que
de cuenta interesante de ese momento en el arte?
Creo que hay que entender que hacer una colección no es lo mismo que llenar
un álbum de monas, ni se hace por decir que hay obras de algunos artistas
reconocidos. Se trata de un proyecto más ambicioso que cobra valor en su lectura
transversal y su capacidad narrativa y de articulación y francamente, me cuesta
mucho articular un hilo conductor cuando entro a las salas del Banco.
2
2. Estructura del Comité y el Peligro de la Disparidad.
En principio los miembros del Comité son seleccionados por el Gerente General,
pero me pregunto ¿Qué criterio es ese? Y no porque crea que el actual Gerente
tenga o no las capacidades para ello, de hecho lo desconozco por completo,
pero es que los perfiles de los gerentes varían y no puede dejarse una decisión tan
compleja en manos de criterios que podrían ser tan dispersos.
Aprecio y respeto mucho a los miembros del Comité. De hecho conozco y soy
amigo personal de varios de ellos, pero una cosa es que sean muy amables y que
tengan interesantes aproximaciones al arte (hay artistas, coleccionistas e incluso
un galerista) y otra que esa mezcla permita filtros reales y agudos para definir la
colección.
Creo que los niveles de conocimiento y de interés de cada miembro frente al arte
contemporáneo, colonial, moderno etc. varía sustancialmente y aquí volvemos
a ese peligro de la pluralidad y de creer que la diferencia de aproximaciones es
constructiva.
Creo que el Comité debe ser más técnico, más especializado, más afín con lo
que se trace como línea de adquisiciones. Lo anterior para permitir un debate real
sobre la pertinencia o no de una compra y evitarse así el silencio de quienes no
saben a profundidad sobre lo que se está ofreciendo, reduciendo así las múltiples
miradas que se supone sustenta ese esquema.
Usualmente los Comités de este tipo de instituciones son más técnicos que sociales
y deberíamos aprender de esas experiencias. Esto no debe ser un centro de poderes
dispares sino todo lo contrario para permitir debates amplios y estructurados.
3
3. Cargos Vitalicios.
Uno de los aspectos que hace más importante a una colección es su naturaleza
orgánica, su posibilidad de crecer dentro de los marcos y los acotamientos definidos
y eso definitivamente se genera cuando nuevos ojos retoman los procesos y cuando
buscando mantener el legado recibido de administraciones anteriores, se trazan
nuevas y más ambiciosas metas.
No estoy seguro que atornillarse a la silla sea una buena idea y valdría la pena
revisar si es pertinente contar con esquemas de rotación, que, igual deberían
medirse en años para permitir planes de acción ambiciosos y estructurados.
En el marco de una colección institucional y pública creo que este tema es
importante y repito que no tengo nada en contra de los miembros del Comité
actual y aunque desafortunadamente este tipo de comentarios siempre se toman
personales, pienso que considerando el modelo de manera más abstracta si es
importante pensar en la renovación y en las estrategias frescas que ayuden a
alcanzar los objetivos trazados.
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4. Dinámicas y Estructuras de Poder.
Justamente cuando los tiempos de permanencia se extienden tanto, es inevitable
que ciertas estructuras de poder se empiecen a generar dentro de un grupo y eso
en el largo plazo simplemente significa sesiones de poder y que los votos y voces
de cada miembro empiezan a no valer lo mismo.
Con total certeza eso pasa en el Comité actual. Aquí hay opiniones que dependiendo
de quien vengan no se discuten y eso no es sano.
Asimismo, las alianzas y estrategias de poder empiezan a ser más importantes que
los objetivos y estas distorsiones no son constructivas. En buena parte estas fallas
tienen su origen en la disparidad técnica y de intereses de los miembros.
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5. Buen Gusto.
Comprar para una colección institucional implica antes que nada no comprar por
gusto. En esa medida frases como “me gusta”, “me parece bonito” etc. no deberían
pronunciarse por los miembros del Comité antes que las de “es pertinente” o “esto
suma para nuestra colección”.
Comprar así, implica hacer un esfuerzo importante por trasladar los gustos e
intereses personales y buscar la articulación de la colección.
Los temas personales y pasionales sobre las fuentes de oferta deben dejarse a
un lado y hay que entender que se está construyendo un proyecto que necesita
10
racionalidad y argumentos de peso, no de gusto para desarrollarlo.
Además, como el gusto es algo que no permite concesiones, en el momento en
que esto se mezcla con las estructuras de poder del punto anterior terminamos en
un caso de compras basadas en un gusto muy personal, que como todo gusto
personal es caprichoso y si bien eso funciona para una colección privada, no para
una institucional.
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6. Las Exhibiciones
Como si fuera poco el riesgo al que se encuentra sometida la selección de obras
bajo el esquema con que actualmente se cuenta, resulta que las exhibiciones
que presenta el Banco también cuentan con la opinión y poder de veto de dicho
Comité.
13
Actualidad de los Museos
Por: Carlos Andrés Hurtado.
No es pertinente mezclar tareas y responsabilidades tan diversas y de hecho
al hacerlo es como si se enviara un mensaje de incredibilidad en la estructura
curatorial diseñada por la dirección de artes.
Es importantísimo que estos dos temas se desliguen y queden solamente bajo
la dirección de artes, permitiendo que sus expertos definan lo que consideren
pertinente para el cronograma de exhibiciones. De otra manera seguiremos
sorprendiéndonos de los vetos a muestras interesantísimas e importantísimas
porque a alguien no le gusta el artista, desvirtuando los criterios de selección que
deberían concentrarse en: la pertinencia de esa muestra en el contexto local, la
trayectoria del artista, los lugares donde ha exhibido etc. No es sano tener 10
cocuradores.
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7. Los Presupuestos.
Si bien la colección del Banco es la más robusta institucionalmente porque cuenta
con un presupuesto asignado, no hay que perder de vista dos cosas. Una, que
los recursos son limitados y que hay que hacer rigurosos ejercicios de valoración
comercial de las piezas antes de adquirirlas y dos, que se trata de recursos públicos
y hay que cuidar cada peso invertido.
Buscar mejores condiciones de compra y profundizar con expertos sobre los valores
de mercado es muy importante. Un tema que no debe dejarse de lado pues el
hecho que exista dinero no implica que haya que comprar de cualquier manera.
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8. La Periodicidad.
El Comité tiene que tener políticas claras respecto a la periodicidad para reunirse.
¿Cómo puede ser que desde hace casi dos años no ha habido una reunión para
evaluar compras de artistas jóvenes?
Hay que entender que los costos de oportunidad son muy importantes en los
mercados emergentes y que al tener recursos públicos, algunos de ellos con
asignaciones presupuestales definidas, se corre el riesgo de perderlos si no se
hacen las reuniones pertinentes para ejecutarlos.
El tema de la colección del Banco no es menor ni debería gozar de una baja prioridad
en la agenda como pareciera evidenciarse por el ritmo de convocatoria.
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9. El Nivel Técnico.
Como ya comenté anteriormente, creo que es importante que el Comité sólo se
componga de curadores que con argumentos técnicos, y no de gusto, avancen en
la estrategia de consolidación de la colección, dándole un norte como el que aún
no tiene.
Es fundamental que entendamos que el ejercicio de curaduría no es algo sencillo,
ni algo que se define por gusto, ni por ejercer algún rol en el mundo del arte. Se
adquiere estudiando, y hoy vemos cómo esta es una disciplina que demanda rigor
y experiencia.
Sólo con ojos técnicos, imparciales, que sean capaces de ver en conjunto las
articulaciones de una colección el proyecto tendrá sentido a largo plazo.
10.El Papel Aguanta Todo – Del Dicho al Hecho.
No me cabe duda que el Banco es muy profesional en todo lo que hace, su staff
se esmera por cumplir con los códigos operativos preestablecidos y el trabajo de
escritorio de preparar, filtrar documentación etc. etc. lo hace con gran esmero.
Pero, todo ese rigor se pierde en medio de la estructura organizacional bajo la
que opera el Comité. En el papel, el Comité es dinámico, abierto, plural, permite
dinámicas de crecimiento, de discusión, es incluyente, etc., pero del dicho
al hecho hay un camino largo que creo solo se corrige en la medida en que
internamente y sin apasionamientos se de una discusión abierta, que enrute a
pensar colectivamente, a pensar en la institución, a pensar en el verdadero futuro
de esa colección. Mientras eso no pase, seguiremos creyendo que vamos bien,
que tener un Klee es un lujo y que perder siempre es ganar un poquito.
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Actualidad de los Museos
Museo LA TERTULIA
Por: José Horacio Martínez.
Cortesía: Museo La Tertulia
La Tertulia nace en 1956 en el barrio San Antonio de Cali como un lugar en
el que se daban cita artistas y escritores para el encuentro y el intercambio. La
construccion del Museo, como lo conocemos hoy, se inició en 1968 cuando la
ciudad se preparaba para los VI Juegos Panamericanos. Se construye entonces un
primer edificio que recogería una muestra permanente constituida por 30 piezas
y que igualmente albergaría las exposiciones regulares. Inicialmente, el Museo
se pensó como un espacio para obras sobre papel. Durante los años setenta, se
creó el auditorio para conciertos, conferencias y cinemateca y además la Sala
Subterranea de mas de 500 m2.
Todos estos logros consolidaron al Museo como uno de los mas importantes de
Colombia y América del Sur y como eje fundamental en la formación de artistas
locales y nacionales que mantenían un intercambio permanente con sus colegas
de otras latitudes. Fue por medio de la obra gráfica como el MAMLT impulsó la
circulación y difusión de la obra de diferentes artistas y promovió su proyección,
abriendo escenarios de intercambio como el Salón de Arte Joven, el salón de las
Américas de Dibujo y Grabado, la Exposición Panamericana de Artes Gráficas y la
Bienal Americana de Artes Gráficas.
En la decada de los ochenta, se inauguró el ´Taller-escuela´, dedicado a la ense-
ñanza y formación de profesionales de las artes gráficas, se construyó el edificio
del ´Taller infantíl´, una iniciativa que serviría como poderosa herramienta en la
formación temprana de públicos para el arte; y, se instituyó el Salón Marta Traba,
que sirvió de puente para el conocimiento, intercambio y difusion de nuevas prác-
ticas en el campo del arte. En una ciudad con dos plantas procesadoras de pulpa
de papel y con un sector editorial en crecimiento, la relacion de la industria con el
MAMLT era muy estrecha.
Durante los noventa, se inició la construcción de un nuevo edificio con tres grandes
salas de exhibición, bodegas, oficinas, parqueadero subterráneo y un local comer-
cial que fue concluido e inaugurado en el 2000. Durante esos años, la curaduría
de las exposiciones del Museo estuvo en cabeza de Miguel González quien, se
mantuvo en la idea de proyectar, con muestras individuales, a aquellos artistas que
habían sido destacados en el panorama nacional, mientras que las exposiciones
colectivas buscaban promover y apoyar a los jóvenes talentos.
El Museo abrió sus puertas al Festival de Performance que tiene lugar en las insta-
laciones del Museo de Arte Moderno en dos de sus versiones.
Desde el 2004, el Museo hospeda en la Sala Alterna, y lo que antes fue el alma-
cén, un proyecto contemporáneo alternativo e independiente llamado ´Espacio
Temporal´, que recepciona prácticas artísticas intermitentes que posibilitan inter-
cambios entre artistas locales e internacionales.
Hoy, el proyecto de renovación y reestructuración del Museo está en camino. Di-
vidido en tres fases, como lo manifestó y explicó al periódico ARTERIA María Paula
Álvarez Mera, Directora del Museo: “La primera fase, dividida en museología y
obra civil, busca adecuar las salas de la edificación, que fueron inauguradas en
el 2000 para hospedar allí la colección permanente en las condiciones técnicas y
de conservación más adecuadas. Con el fin de alcanzar este propósito, se ha pla-
neado un diseño de salas altamente funcional que aprovecha al máximo el espacio
expositivo y presenta un diseño museográfico y arquitectónico contemporáneo que
va de la mano con la propuesta de un marco curatorial donde primen los criterios
de democratización del conocimiento, acompañado de un programa educativo
que permita la divulgación del contenido de la Colección y la comprensión de la
misma por parte del público visitante. Esta fase tiene un costo de 1.316 millones
de pesos y estaría lista para julio de 2010 cuando se inaugure definitivamente con
la puesta en escena de la Colección permanente. Ya fueron aprobados y entrega-
dos los recursos por parte de la Alcaldía de Cali”.
La Colección del Museo cuenta con 1500 obras de arte: 123 pinturas, 60 escul-
turas, 164 dibujos, 1010 grabados, 49 diseños, 56 fotografías y 123 cerámicas a
Cali
cargo de una importante y reconocida experta en conservación y restauración. Las
actividades que garantizan la sostenibilidad del proyecto son: Programas de Mer-
cadeo y Responsabilidad Social (RSE), con los cuales se espera convertir al Museo
en la mejor alternativa para que las empresas desarrollen estrategias de mercadeo
social, a través de programas educativos dirigidos a un público objetivo preciso.
Programa de Adopción de Espacios, donde las empresas del sector privado se
comprometan con un aporte anual de recursos en efectivo para garantizar el fun-
cionamiento del Museo y, el mantenimiento y conservación de la Colección per-
manente.
La segunda fase, incluye la adecuación de las salas temporales que a pesar de los
ajustes y arreglos que se hicieron gracias al proyecto 41 Salón Nacional de Artistas
(SNA), necesitan ser reestructuradas y rediseñadas de acuerdo a los tiempos que
vivirá el Museo. Estas salas son las únicas que se encuentran funcionando en este
momento.
La tercera fase: Adecuación de la cinemateca, áreas administrativas, de servicios y
conformación de la plataforma tecnológica.
La cinemateca y las áreas administrativas, serán restauradas, e igualmente, ya se
adelanta la estructuración de los apartamentos para artistas residentes. Hoy en los
espacios de lo que fue el taller de restauración, funciona un salón de clases de la
Facultad de Artes Plásticas de Bellas Artes y, el taller de grabado, se aprovecha
para dictar las clases de serigrafía por parte de María Eugenia Duque. Para esta
área, que estará dotada con todos los equipos, también hay planes que prometen
muchísimo. Un acercamiento definitivo a las artes gráficas contemporáneas con
el patrocinio de proyectos por parte del ahora Museo La Tertulia (MLT) y la asis-
tencia permanente de artistas residentes tal y como sucedía en los años ochenta.
Las oportunidades de participar con proyectos son el mayor atractivo de este
desarrollo.
El costo total de las tres fases es de 2.466 millones de pesos. Los inconvenientes
sufridos en el presente año, como el cese de sus actividades por motivos de pre-
supuesto, interrumpieron el proceso que se había adelantado en los años que le
precedieron.
Por ahora, el MLT está en obra gracias a donaciones privadas como la de Grani-
tos y Mármoles S.A., que está reformando el teatrino, reparando las vías de ac-
ceso peatonal y embelleciendo la fachada del Museo la cual, lucirá brillante para
lo que la Directora llama “el renacer de La Tertulia”. En cuanto a la programación
del MLT, nos cuenta que, el pasado 9 octubre se clausuró la exhibición ‘Paisajes
de la conciencia’ curada por Isabelle de Montfumat, y que venía como parte
del Festival Internacional de Arte, e incluía artistas fotógrafos como Nan Goldin,
Jean-Marc Bustamante y otros. En exhibición permanente se encuentra una pieza
de la artista norteamericana Kara Walker, que fue prestada por la artista, gracias
a la galería Sikkema Jenkins & co.; préstamo que se mantuvo después de su ex-
hibición en el 41 SNA, celebrado en Cali en su versión más reciente.
Las muestras que se avecinan y que estarán hospedadas en el nuevo edificio, bus-
can estrechar lazos con el público caleño y vallecaucano: “La exposición de los
facsímiles de Leonardo Da Vinci que estuvo en Medellín y Bogotá será uno de los
atractivos para ese público”, dijo la Directora. Además, otra impactante exhibición
internacional, sobre la cual se mantiene una amplia expectativa y un prudente
silencio, pues según dicen, se trata de un regalo para la ciudad. La puesta en
escena de esta muestra, está programada para el próximo año y se espera que
acerque al Museo visitantes de todas partes de America del Sur.
Finalmente, se proyecta traer una exposición que se presentó en el Museo de
Antioquia y de la cual se ha realizado una selección que permanecerá por cuatro
meses en las instalaciones del Museo con la intención de, articular todos sus pro-
gramas a esta muestra, y analizar la reacción de la comunidad durante este largo
período, para una sola exposición.
El MLT, necesita del apoyo de todos los estamentos gubernamentales y de los ha-
bitantes de la ciudad y del Departamento. Busca dar un giro con este ambicioso
proyecto que, además de nivelar e incrementar su capacidad de convocatoria de
públicos, promete reactivar el ´Taller Infantíl´ y poner al servicio, de la comunidad
y de los artistas, los espacios para el desarrollo de sus labores. Actualmente, las
salas son utilizadas por los alumnos de Bellas Artes, y sirven para las prácticas de
algunos artistas profesionales.
El MLT proyecta generar programas de fin de semana para los barrios, programas
diarios para los colegios, jornadas especiales para docentes, líderes comunitarios,
y empresarios turísticos, además de programas para públicos con necesidades
especiales.
Se proyecta la realización de seis exposiciones temporales anuales que permitan
que la ciudad de Cali entre al circuito nacional e internacional de exposiciones.
Mucho es lo que se ignora por parte de la comunidad artística y el público en
general de los esfuerzos que se generan al interior el Museo, para llevar a cabo
todas estas actividades. Igualmente, mucho es lo que se espera. El tiempo como
siempre, será el juez más implacable.
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MAMCartagena Actualidad de los Museos
UN Museo DESPUÉS
DEL MUSEO Por: Manuel Zúñiga M.*
Este es un ejercicio lleno de implicaciones, que por momentos llegan a poner en
una misma balanza las conveniencias sobre los malestares que se preferirían evitar,
como una suerte de boomerang que a falta de doliente nunca se lanza. Si bien
se asume que el poder da autoridad, al final ¿quién otorga autoridad al poder?
Desde la posición de ciudadano que de una u otra manera otorga autoridad a
las instituciones, asumo la tarea de señalar algunos aspectos del Museo de Arte
Moderno de Cartagena, cuestionando el poder que hoy ostenta, otorgado alguna
vez en el pasado.
En contra de toda lógica, un constante círculo vicioso mantiene funcionando
actualmente al Museo, conviviendo entre expresiones de prestigio y opulencia
simbólica junto con estrategias de supervivencia para mantener el estatus. Pero
este fenómeno no es aislado ni de su exclusividad, vemos como en la dinámica
de distribución económica de la ciudad se refuerzan las distancias sociales sobre
el interés colectivo, cuando el 10% de la población más rica capta el 70% del PIB
local, mientras que el 80% debe hacer uso recursivo de lo poco que queda. Detrás
de la bandera de la igualdad se dan estas contradicciones; si bien el Museo no Imagen: http://www.mincultura.gov.co/recursos_user/imagenes/fotos_prensa/imagenes_generales/
niega a nadie sus servicios, su poca presencia en el imaginario de la ciudad lo SitiosColombia/Bolivar/Cartagena/MuseoDeArteModernoCarlosMarioLema/KO2O0130.jpg
convierte en una especie de lujo innecesario, aunque suene insólito, ya que a pesar
de su valor patrimonial per sé, este no pesó lo suficiente por ejemplo, como para cultura el 60% de los encuestados al solicitarles escoger una de múltiples actividades
que el actual gobierno local lo tuviese en cuenta, quedando excluido, ni siquiera presentes en una lista, y luego de dar respuesta a la pregunta ¿En cuál o cuáles
nombrado, en el documento de 108 páginas del actual Plan de Desarrollo Distrital de esas actividades participó con más frecuencia en el último año en Cartagena?
2008 – 2011 ´Por una Sola Cartagena´, ¿Por qué no se le tuvo en cuenta? Y respondieron que ir a los centros comerciales. Antes de entrar en pánico sobre
para ambos ¿Pueden darse este lujo? Aun así al MAMC le cabe asumir sus propias el aparente juicio de valor del nivel cultural de los Cartageneros, miremos que
responsabilidades, por lo menos aquellas que le atañen a su práctica curatorial. están dejando de hacer los centros culturales, ¿Será que esta población migró
desde ellos a los centro comerciales? ¿Alguna vez la tuvieron cautiva? ¿De qué
Parto citando al ex presidente Cesar Gaviria, director de la Junta directiva del oferta cultural estamos hablando? En todo caso, quien prefiere ir a un museo que
no le dice nada, o por lo menos no ha llegado a ser de su interés, por lo que
Museo, refiriéndose a su colección “Cuando entro a un Museo de Arte Moderno
como el de Cartagena, percibo en primer lugar que es un museo con una excelente criticar apresuradamente los resultados no dejarían ver el problema de fondo,
del servicio cultural poco atractivo, y de ser ignorada esta situación podríamos
colección, es muy Caribe, muy colombiano. Su fortaleza es el arte moderno. No es
un museo de arte contemporáneo1” Dejando clara su naturaleza y tal vez limitando agravar más la división social, en una aparente distinción social de pocos “cultos”
su campo de acción, aunque para ser justos, el resto de opiniones en la entrevista que privilegian el Museo, y una clase popular que no. Un museo no puede darse
el lujo de dejar que se asuman como naturales estos fenómenos. Este caso deja
resultaron más estimulantes, al poder leer en la prensa lo que antes del artículo
ver nuestra dificultad de apertura y de cambio, de la tendencia a apoyar servicios
era un grito sordo de muchos, y que viniendo de él generó esperezas de cambio.
culturales sobre la oferta que crear la demanda, en una ciudad que ha privilegiado
Hace referencia a la necesidad de traer más arte contemporáneo al Museo, más
superar la pobreza, mitigar el hambre y el analfabetismo sin el reconocimiento
arte joven y más incentivo hacia el arte de la ciudad y de la región a través de un
concurso que fortalezca lo contemporáneo, diciendo textualmente que: que en él tiene la cultura, en medio de sumas de dinero que migran de nuestro
territorio, desde las industrias instaladas en mamonal y del turismo, siguiendo un
camino que poco retribuye a la calidad de vida del ciudadano común. Si se tratara
entonces de seguirnos por los datos, basándonos en las prioridades ¿Qué futuro
“El museo de Cartagena tiene que albergar más arte joven,
le esperar al Museo en medio de esta situación?
atraer a las comunidades ya que eso es lo que está
pasando en el mundo, la gente llena los museos, eso impacta a la
No encuentro como justificación que por falta de apoyo del gobierno local, el
sociedad, es importante que le pierdan el miedo al museo.
MAMC deba mantenerse por buena fe, así esté revestido de valor patrimonial,
Eso enriquece la vida. Lograr que en el Museo lleguen los niños y
me refiero a su valiosa colección a la que no debería sujetarse demasiado,
los jóvenes de las comunidades más pobres, los estratos
puesto que el patrimonio como la cultura no son estáticos ni atemporales, es
más bajos, enriquece a la ciudad porque permite que esa sociedad
se iguale en lo que comparte. Ya el Museo tiene sus grandes más, esta condición puede perderse de no encontrar reconocimiento social, y si
se quiere popular, en la práctica; no es una en reserva natural, que entre más
artistas. Ahora se tiene que pensar en los jóvenes que serán
nos mantengamos al margen mejor. Un museo como centro cultural necesita
grandes en diez años. Creo que esta etapa del
Museo debe encaminarse hacia lo contemporáneo”2. de personas que la piensen en equilibrio con las que la visitan, gracias a unas
políticas bien definidas que se perciban operando en relación con las exigencias
de los tiempos. Basta de mantener este formato precario con tal de no dejarlo
morir, optando por no exigirle ante su situación de vulnerabilidad.
Es clara y conveniente la necesidad de cambio, pero en su ausencia tendríamos que
reconocer que se continuará operando de los modos habituales, con exposiciones Es obvio que no merece esta suerte pero algo hay que hacer, superando la
adversidad reconociéndola primero, revisando sus estrategias, cuales fueran, en
que reacomodan de lugar las piezas de la colección, como con inauguraciones
desconcertantes por lo irregulares y de poco riesgo curatorial y museográfico o vista de sus débiles resultados sobre la estima social local y en el circuito artístico
regional y nacional, cuando la formula salvadora de los aportes filantrópicos que
echando mano de las itinerancias del programa Salas Concertadas del Ministerio
se perciben desarticulados, y los pañitos de agua tibia que representa todo el afán
de Cultura, dejando ver carencia de agencia y opciones de que disponer, no creo
publicitario, de artículos culturales y notas de sociales, no logran convencernos.
sea por negligencia ni de falta de ideas, si de una estructura operativa que brinde el
suficiente respaldo para imaginar con los pies en la tierra. Mientras, todo esfuerzo
será en vano. ¿Y qué se está haciendo al respecto? aunque las ideas expresadas * Artista investigador / curador.
por Gaviria son recientes, no son tan extrañas para su junta directiva, lo particular
aquí es la manera como opera, tal como Estefanía Sokoloff3 las describe y que
explicarían porque dejan a su suerte iniciativas recientes como el Departamento 1. Gustavo Tatis Guerra, “PERFIL, César Gaviria en la tentación del arte”, El Universal, 9 agosto
de Educación y Cultura, la donación de un Plan de restauración y ampliación 2009
del Museo, carente de espacios, que la especialización en restauración que la 2. Ídem.
Universidad Jorge Tadeo Lozano Seccional Caribe les entregó, y no tan reciente 3. “…El paradigma a seguir de las instituciones culturales depende de factores distintos a una política
gubernamental, como son: cada institución responde estrictamente a los criterios y prioridades de su
como el Centro de Investigaciones Alejandro Obregón, que seguro contribuirían director, es decir no hablamos de instituciones culturales sino de directores culturales. Esta realidad
decididamente a los propósitos de arriba. El libro editado por Villegas como conlleva una segunda, de la permanencia de estas personas en su cargo radican los lineamientos y de-
expresión simbólica busca también otorgarle protagonismo desde los grupos cisiones frente a las políticas adoptadas”. Estefanía Sokoloff, “Panorama General de las Instituciones
hegemónicos, aunque documenta las obras de su colección, no su realidad. Culturales”. Periódico ARTERIA, año 4 # 19. Abril – Julio 2009, pág. 15
4. Proyecto de carácter privado que realiza seguimiento a la calidad de vida en la ciudad, sobre la base
del Plan de Desarrollo. Promovido por: ANDI Bolívar, Comfamiliar, El Universal, Funcicar, Universidad
El pasado mes de agosto se publicaron los resultados de la encuesta de percepción Tecnológica de Bolívar, Fundación Corona, El Tiempo y las Cámaras de Comercio de Cartagena y
ciudadana 2009 ´Cartagena Como Vamos´4; en lo que respecta a recreación y Bogotá.
16
Cortesía: Galería Mundo
Cortesía: Casa Cuadrada
BOGOTÁ
Galería Casa Cuadrada
Johan Barrios: ‘Expuesto’
Hasta noviembre 8
La obra de Johan Barrios, cues-
tiona los conceptos de la plástica
técnicamente tradicional y los nue-
vos planteamientos de renovación
de las artes actuales. Su labor ar-
tística, está enfocada a la imagen
como realidad pictórica, donde de
una u otra manera sus imágenes
son virtualmente reales, donde la
misma es enmarcada por el humor
negro y la sátira.
Cortesía: Galería El Museo
BOGOTÁ
Galería El Museo
Germán Gómez: ‘Condenados’
Hasta noviembre 18
La serie de obras ´Condenados´, de
Germán Gómez, resume el marcado
carácter autobiográfico que habita
en su producción artística. Gómez se
apropia una vez más del cuerpo ajeno
para mostrar la desnudez propia. Sus
condenados están obligados a lidiar con
otras versiones de sí mismo, a bregar con
sus dolencias y a cargar con el peso de
las tribulaciones. Los cuerpos participan
en acciones múltiples y simultáneas; se
desdoblan y yuxtaponen a seres distintos
y sin embargo, el intento de escape y
desprendimiento del otro es tangible.
BOGOTÁ
Galería Mundo
‘10 x 10 más 1’
Desde noviembre 11
El proyecto ´10 x10 más 1´, es un ciclo de once ex-
posiciones individuales que se realizarán durante no-
viembre de 2009 y mayo de 2010, que buscan subra-
yar el panorama actual del arte en Colombia. Los pri-
meros artistas invitdos son: Nohemí Pérez con ‘Días
de Babel’ noviembre 11 al 21, Iván Rickenmann con
‘Interiores’ noviembre 26 a diciembre 5 y Carolina
Convers con ‘Evocación y Retorno’ diciembre 10 al
21. Otros artistas invitados son: Germán Botero, Eva
Celín, Gonzalo Fuenmayor, Claudia Hakim, Eduard
Moreno, Darío Ortiz, Iván Carlos Salas, Fernando
Pareja y Leidy Chávez.
BOGOTÁ
Galería Casas Riegner
Juan Antonio y Margarita Monsalve: ‘Vértigo’
Hasta noviembre 14  lógico, y, cómo se identifican en los estados de conducta del hombre frente a la
En ‘Vértigo’ Juan Antonio y Margarita Monsalve procu-
ran señalar la manera en que asumimos la aceleración,
la simultaneidad audiovisual y su efecto de inestabilidad
e ingravidez sobre los cuerpos; como un estado norma-
lizado de vida, más allá de los efectos fisiológicos alte-
rados que se puedan experimentar. Invitan a pensar que
el vértigo funciona como un elemento excitante para los
sentidos. En este intento por contener el vértigo en la
forma, los materiales de los ensamblajes de las piezas
se tornan versátiles y maleables, para reproducir esta
sensación.
Cortesía: Galería El Museo
BOGOTÁ
Galería El Museo
Catalina Ortiz:
‘Abecedarios Emocionales’
Hasta noviembre 18
Inspirada en la información visual
que circula a nuestro alrededor,
Catalina Ortiz recopiló, intervino
y recontextualizó imágenes y
frases cotidianas, usándolas
como materia prima para la
construcción de cada uno de los dibujos que componen la serie
´Abecedarios emocionales´. 50 obras sobre papel, realizados
con lápiz y collage.
BOGOTÁ
LaLocalidad Centro Cultural
Enrique Gómez Campuzano:
‘Exposición Antológica’
Hasta noviembre 7
La muestra consta de cerámicas, dibujos y
acuarelas donde Enrique Gómez Campuzano
busca dar una mirada personal y moderna
en la parte temática, de la gente del común,
sus tradiciones y costumbres. Su muestra
antológica se enmarca entre entre el realismo y
el expresionismo.
BOGOTÁ Cortesía: Galería Nueveochenta
Galería Nueveochenta
Arte Contemporáneo
Barbarita Cardozo: ‘Made In’
Hasta noviembre 14
´Made In´, se compone de tres subseries (Instrucciones de uso, Made In
China y Nimble fingers). Todas hacen fuertes señalamientos a las condi-
ciones bajo las cuales se desarrolla la producción de bienes en el mundo
de la moda. Maltrato laboral, inequidades salariales, tensiones entre los
mundos capitalistas y comunistas, etc., son algunas de las motivaciones
que alimentaron las investigaciones de Cardozo a lo largo de este perio-
do de tiempo y a través de sus viajes a Asia para estudiar este fenómeno.
La artista ilustra las condiciones que alimentan y sobre las que reposa el
mundo del glamour y sofisticación que venden varias marcas occidentales.  Merger, Yoan Capote, Ivan Capote: ‘El Trazo del Fuego’
Cortesía: Galería Casas Riegner
GALErías
Cortesía: Galería Sextante
BOGOTÁ
Galería
Sextante
Juan Manuel
Echavarría:
‘Réquiem NN’
Hasta noviembre 23
Desde el año 2006, Juan Manuel Echavarría ha
fotografiado las tumbas del cementerio de Puerto
Berrío. Espacios sepulcrales que han pertenecido a
varias personas, todas víctimas de la violencia y que
han sido encontradas en el río. Sepultadas como
NN., son bautizadas, decoradas y adoptadas con fe
por los habitantes del lugar. ´Réquiem NN´, nombre
Cortesía: La Localidad Centro Cultural
de la serie, proviene de la composición musical que
se canta en la misa de difuntos a manera de ex-voto
y celebración al mismo tiempo.“Estas tumbas juntas
conforman una exultación coral, además de formar
una colcha, que pone de manifiesto al público que
la ve...”, dice Echavarría. Se trata de una ilustración
de la actualidad de nuestra sociedad.
17
Cortesía: Galería La Cometa Cortesía: Galería Cu4rto Nivel BOGOTÁ
Cu4rto Nivel Arte Contemporáneo
Andrés García La Rota: ‘Buru Txorliko (Cabeza de Pajaro)
Proyecto para una Video Instalacion’
Octubre 28 - noviembre 28
“Es muy difícil vivir entre los hombres, porque es muy difícil guardar
silencio”. (Así habló Zaratustra).
Andrés García La Rota, muestra su proyecto sobre el silencio y la me-
moria. Ventiladores y monitores puestos sobre mesas de documenta-
ción, contienen la imagen que se resiste, un diario de viaje, bestiarios
jesuitas de las primeras exploraciones, el trascurrir y olvidar, dejar pasar
la contradicción, la contra vía, la resistencia.
BOGOTÁ
Galería La Cometa
Esterio Segura, Rene Peña, Adonis Flores, Fernando Rodriguez, The
CALI
Hasta noviembre 30 Galería Jenny Vilá
Julián León Camargo:
En este proyecto, varios creadores cubanos abordan con diversidad de enfoques ‘Variaciones Sobre
estéticos, referentes a la actitud del individuo en la praxis social y su repercusión. Aquel Asunto’
Desde valoraciones que abordan lo psicológico, lo filosófico, lo político, lo etno- Hasta noviembre 7
Por: Julián León Camargo.
Cortesía: Galería Jenny Vilá
dinámica de la vida contemporánea, afin a cualquier individuo del planeta en el
mundo actual. Se busca definir la universalidad de los juicios con que, los artistas “Hablar del hecho pictórico resulta una tarea un poco extraña, probablemente
que integran el proyecto, asumen la selección de sus prácticas creativas. Actitudes porque su lógica se aloja dentro del campo de lo indecible, de las visibilidades
lejanas a folklorismos y a visiones aun aferradas a los grandes conflictos que han y no del discurso, hablar de la pintura que escurre y cubre una superficie, de la
generado las distancias jerárquicas entre centro, sur o periferia. La muestra centra superposición de capas que se alojan una sobre la otra o incluso de las decisiones
su atención en los problemas existenciales del hombre desde premisas más univer- compositivas y los sucesos accidentales de ciertas manchas o goteos resultaría
sales y su repercusión al establecer el dialogo entre realidad y representación. infructuoso, me produce el un agradable mutismo. Pareciera que solo se puede
hablar en los bordes de la pintura, en sus alrededores, pareciera que solo se pue-
de hablar de los contactos que esa cosa tiene con el mundo, con lo que la rodea,
de los circuitos en los que está insertada, llámese mercado, cultura o historia del
arte, pero hablar de la importancia que tiene el roce entre una superficie blanca
brillante con otra superficie blanca opaca viene siendo un ejercicio bastante com-
plejo y que a veces preferiría no comenzar”.
BOGOTÁ
LA Galería
Adriana Marmorek: ‘El Tocador’
Hasta noviembre 14
BOGOTÁ
Por: Jaime Cerón
Quinta Galería
Alejandro De Narváez: ‘Caligrafía del Color’
Hasta noviembre 10
Cortesía: Quinta Galería
Dobles sentidos
´Caligrafía del color´ se define como un proceso en donde De Narváez pretende contar Cortesía de la artista
abiertamente sus vivencias en una época de su vida. Por medio de sus obras, procura Los diversos intereses de Adriana Marmorek en el cuerpo, y en las pulsiones que lo
sumergir al espectador en sus propios recuerdos. En su obra intenta ser más gestual para gobiernan, la han llevado a revisar genealógicamente los objetos que lo rodean. Al
darle paso a algo que no es tan obvio, así pues se propone transportar al público por fijarse en el tocador, o el neceser, se pregunta por los desplazamientos invocados
medio de la abstracción a grandes paisajes, charcos y pantanos que se pueden encontrar en el deseo de las mujeres que parecieron encontrar en estos objetos alguna ca-
en Colombia y cualquier parte del mundo. pacidad de goce.  El espejo, presente tanto en uno y en otro, garantiza la perpetua
operación de identificación, en términos imaginarios, con la imagen reflejada (que
funciona como una especie de doble) haciendo que el sujeto esté permanentemen-
te sumido en el drama imaginario de acercase a su yo ideal (el tipo de persona que
MADRID quiere ser) o a su ideal del yo (el tipo de persona que debe ser).
Galería Magda Bellotti
Juan Fernando Herran: ‘Escalas’ BOGOTÁ
Octubre 22 - Noviembre 28 La Pared Galería
Por: Juan Fernando Herrán Edelmira Boller: ‘Sobre circulos y circulos’
Hasta noviembre 21
Cortesía del artista.
El proyecto ´Escalas´ se concibe inicialmente a partir de un interés por el espacio público Para concluir un ciclo de diez años de actividad en el
y su conformación dentro de los barrios marginales de la ciudad de Medellín. El trabajo campo de las artes visuales, La Pared Galería presenta el
articula dos conceptos básicos que caracterizan a una buena parte de los habitantes de trabajo escultórico de Edelmira Boller. A través del metal,
dichos barrios: la apropiación del territorio y la construcción de la noción de lugar. Boller aborda temas religioso, buscando transformar el
En esta dinámica aparecen estructuras que resuelven en primera instancia problemas espacio de la galería en un gran oratorio.
prácticos como el acceso o el abrigo, pero que simultáneamente, se consolidan como De esta forma, La Pared Galería se despide de esta sede
elementos simbólicos que reflejan los imaginarios de los habitantes, su idea de progreso para en un futuro próximo, continuar su labor en otra lo-
y por último, el lugar desde donde se puede vislumbrar un futuro. cación. Cortesía: La Pared Galería
18 19

´Lugares Guía Nacional

Comunes´ Barranquilla (España), Raphael DiLuzio (Estados GALERÍA EL MUSEO Bucaramanga
Unidos), Raúl Cordero (Cuba), Tim Carrera 11 # 93A – 43
MUSEO DE ARTE MODERNO White-Sobieski (Estados Unidos), José Tel. (1) 6107301, 6107451 RAMÍREZ SÁNCHEZ GALERÍA
DE BARRANQUILLA Maçãs de Carvalho (Portugal), Fabián Fax. (1) 2570329 Calle 54 # 36 – 07
Carrera 56 # 74 – 22 Marcaccio (Argentina), Krisdy Shindler info@galeriaelmuseo.com Tel. (7) 6437021
Tel. (5) 3690101 (Canadá), Enrique Marty (España), www.galeriaelmuseo.com Fax. (7) 6475296
Cortesía: Secretaría Distrital de Cultura, Recreación y Deporte
Por: Andrés Cabrera. Fax. (5) 3609952 Myritza Castillo (Puerto Rico). - Hasta noviembre 18. ´Abecedarios Cel. (317) 4021535
mambq@yahoo.com Curaduría: Paco Barragán. Invitado Emocionales´: Catalina Ortíz. ramonr77@msn.com
www.mambq.org.co músical: Papaya Republik. ´Condenados´: Germán Gómez. www.ramirezsanchezgaleria.com
Instalaciones en Bogotá - Desde octubre 29. ´Pueblito´:
Miguel Ángel Rojas. Curaduría: FUNDACIÓN CUARTO NIVEL GALERíA EXPRESO DEL ARTE Cali
Hasta el 8 de noviembre el proyecto ´Lugares Comunes´ se tomará la Plaza de Bosa, Usaquén, la Plaza de las Yerbas (Sam- Museo Bolivariano de Arte ARTE CONTEMPORÁNEO Calle 81 No.13 – 05. Local 112
per Mendoza), el Parque Ciudad Montes, la avenida principal de Usme, la Iglesia de San Francisco, el Eje Ambiental de la Telefax. (1) 5312221 CENTRO CULTURAL
Contemporáneo de Santa Marta. Calle 93B # 11A – 84, local 201
Avenida Jiménez, el Teatro Jorge Eliécer Gaitán y algunas vallas de la ciudad. correo@expresodelarte.com COMFANDI
Conversatorio: Octubre 30, 4pm. Tels. (1) 6355153, 7572244
Encuentro con los Maestros. Fax. (1) 6355235 www.expresodelarte.com Calle 8 # 6 – 23.
´Lugares comunes´ se compone de diez intervenciones efímeras de artistas colombianos y extranjeros, que buscan abordar
ccultural@cu4rtonivel.com - Hasta noviembre 7. ´Semillero Tel. (2) 3340000, ext. 1302,
diversos aspectos sociales y culturales de Bogotá. Estas intervenciones estarán ubicadas en zonas representativas de la ciu-
dad. Con ello se pretende sacar el arte contemporáneo de los recintos habituales y convertir a la ciudad en un escenario de Bogotá www.cu4artonivel.com de nuevos nombres´: Carolina 1303
encuentro entre los distintos públicos, el arte y las reflexiones sobre la vida citadina. - Octubre 22 al 26. La Otra Feria de Rodríguez, Paula Reyes, Nicolás Parra, Fax. (2) 3340000, ext. 1326
ALONSO ARTE GALERÍA Arte Contemporáneo: Alberto Baraya, Andrés Rocha, Maria Juana Botero. centro_cultural@comfandi.com.co
La realización de intervenciones artísticas en el espacio público de Bogotá, se remonta a proyectos como ´Arte para Bogotá´en Calle 85 # 11 – 53, Int. 2 Diego de León, Rafaél Gomezbarros, Curaduría: Camila Granados G. www.comfandi.com.co
1995, ´Arte para la Ciudad´ en 1998 y ´Umbrales para la Ciudad´ en 2000; el antecedente más inmediato lo constituye Tel. (1) 6180072 Federico Herrero. - Desde noviembre 9. ´Máximo
la propuesta hecha por la artista Doris Salcedo en 2003, para crear una intervención plástica en los columbarios del Ce- Fax. (1) 2363519 GALERÍA LA COMETA Respeto´: Andrea Valencia.
menterio Central, la cual fue retomada en 2007 por la maestra Beatriz González, cuyo resultado es la intervención ´Auras Carrera 10 # 94A – 25
alonsoarte@gmail.com GALERÍA CASA CUADRADA
Anónimas´, obra financiada por el Instituto Distrital de Patrimonio Cultural, que actualmente se encuentra abierta al público.  Tel. (1) 6019494 Santa Marta
www.alonsoarte.com Carrera 7 # 83 – 20, Edificio
- Octubre 21 al 26. ArtBo 2009 Saturno. Fax. (1) 6019494 ext. 113
Para la selección de los artistas, se realizaron dos convocatorias públicas, una de carácter distrital de la cual resultó ganadora galerialacometa@gmail.com MUSEO BOLIVARIANO DE
la obra de Juan Peláez; otra local, a través de la convocatoria Localidades Culturalmente Activas, en la cual fueron seleccio- Stand 112: Carlos Alarcón, Jaime Tel. (1) 2576541, 2186987
www.lacometagaleria.com ARTE CONTEMPORÁNEO
nados cinco artistas: Julián Serna, Colectivo Red Ata, Yenny Perdomo, Ricardo Sánchez y John Bernal. Arango Correa, Nicolás de la Hoz casa_cuadrada@yahoo.com
- Desde octubre 15. ´El trazo Quinta de San Pedro Alejandrino
y Walbert Pérez. Curaduría: Alonso www.casacuadrada.com
del fuego: 7 artistas cubanos Tels. (5) 4332994, 4331021
Por su parte, un Comité Curatorial integrado por expertos en temas de ciudad, arte e investigación, propuso fortalecer el Restrepo. - Hasta noviembre 8. ´Expuesto´:
contemporáneos´: Esterio Segura, Fax. (5) 4332994
proyecto vinculando a otros artistas e invitó a participar a Hector Zamora (México), Tatzu Nishi (Japón), Giorgio Bevignani Johan Barrios.
René Peña, Adonis Flores, Fernando curaduría@museobolivariano.org.
(Italia) y Wilger Sotelo (Colombia). FACULTAD DE ARTES ASAB
Rodríguez, The Merger, Yoan Capote, co
Carrera 7 con Av. Jiménez Sótanos. LA PARED GALERÍA www.museobolivariano.org.co
Iván Capote. Curaduría: Clarisa
Artistas Invitados un fragmento de la torre, para replan- Instalación de pantallas de televisión, Cel. (300) 2730852 Carrera 15 # 88 – 64. - Hasta febrero 8 de 2010. ´El
Crive.
tear la significación de este espacio en propaganda comercial y elementos re- salaexposasab@gmail.com Tel. (1) 2185382 dibujo y la huella del tiempo´:
Giorgio Bevignani el entorno urbano donde se emplaza. ligiosos. - Desde noviembre 11. ´Bill Viola Fax. (1) 6163052 GALERÍA SEXTANTE Juan Carlos Dávila. Curaduría:
Teatro Jorge Eliécer Gaitán Este lugar podrá ser visitado por los Antología 1977 - 1980´: Bill Viola. laparedgaleria2@yahoo.com.mx Carrera 14 # 75 – 29. Javier Mejía. Galería Espacio
Hasta noviembre 8 transeúntes para encontrarse con otra Yenny Perdomo – Usme Curaduría: Santiago Rueda. www.laparedgaleria.org Tel. (1) 2494755 Abierto.
dimensión de la historia y la dimensión ´Los rostros de los hijos de Usme´ - Desde noviembre 6. ´10. Bienal - Hasta noviembre 7. ´Sobre circulos
Su trabajo suele situarse sobre facha- cultural del centro de Bogotá. Cra 1 entre calles 78 y 79 sur, Fax. (1) 2119358
ASAB´: Bajas, Medias y Altas y símbolos´: Edelmira Boller. sextante@artedos.com OTROS PAISES
das de edificios públicos, para propo- Av Usme.
Tecnologías. Carrera 13 # 14 - 69. - Noviembre 7 al 30. Exposición www.artedos.com
ner una transformación de sus referen- Wilger Sotelo Hasta noviembre 8
cias culturales. Le interesan especial- ´Versión Ilustrada´ Lunes a viernes de 10am a 5pm. Colectiva Fin de año: Edgar Negret, - Octubre 23 a noviembre 23. Madrid – España
mente los edificios que parecen señalar Paraderos de buses -Eucoles-. Instalación de seis piezas escultóricas Manuel Hernández, Hugo Zapata, ´Requiem NN´: Juan Manuel
cambios en el rumbo histórico de una Hasta noviembre 2 que reinterpretan rostros de niños y ni- CENTRO COLOMBO Carlos Blanco, Carlos Rojas, Susana Echavarría. GALERÍA FERNANDO
determinada ciudad y que por lo tanto ñas. AMERICANO Mejía, Edelmira Boller, Omar Rayo, PRADILLA
pueden presagiar nuevos desarrollos. La obra de Sotelo reflexiona sobre la Sede centro Hermes Berrio, Kindi Llatju, César MONTEALEGRE GALERÍA DE C/. Claudio Coello 20.
interpretación que tienen las palabras Ricardo Sánchez – Puente Aranda Avenida 19 # 2 – 49 Romero. Curaduría: Maestro Édgar ARTE E.U Madrid, 28001
Héctor Zamora a partir del trasfondo cultural que con- ´Casa Museo Antonio Nariño en Tel. (1) 3447640 ext. 235 Correal. Carrera 17A # 100 – 15 Tel. 34 (91) 5754804
´Delirios Atópicos´ llevan, como las expresiones coloqui- Cuarentena´ cblanco@colombobogota.edu.co Tel. (1) 6917007 Fax. 34 (91) 5776907
Fachadas del edificio Monserrate, Eje les de una región hacen referencia a Parque Ciudad Montes, Cll 10 Sur No.
www.colombobogota.edu.co LA GALERÍA Fax. (1) 6917006 gfp@galeriafernandopradilla.es
Ambiental con Cra 4; edificio Plaza situaciones, costumbres o anécdotas 39–29.
Comercial San Victorino, Eje Ambiental propias de un determinado pueblo. Hasta noviembre 8
- Octubre 22 a noviembre 12. Calle 77 # 12 - 03 montealegregaleriadearte@yahoo.com www.galeriafernandopradilla.com
con Cra 11. ´Cuando una pintura se mueve… Tel. (1) 6009795 www.montealegregaleriadearte.com.co -Octubre. ´Tristes Trópicos´:
Hasta noviembre 8 Artista distrital Intervención alrededor de la Casa Mu- algo debe estar podrido´, muestra info@la-galeria.com.co - Octubre 21 al 26. ArtBo 2009: Marcos López. ´Caso Fortuito´:
Ganador. Convocatoria  seo Antonio Nariño. del ciclo ‘Relevos Dos’: Ori Gersht www.la-galeria.com.co ´Éxodo´: Saír García. Curaduría: Starsky Brines.
Su obra para Bogotá consiste en la in- ´Lugares Comunes´ – FGAA (Reino Unido), Mariana Vassileva - Hasta noviembre 14. ‘El Tocador’ : Eduardo Serrano. Espacio proyectos. ´Sweet Illness´:
tervención de dos locales comerciales Colectivo Red Ata – Bosa (Bulgaria), Chus García-Fraile Adriana Marmorek. - Hasta octubre 31. Kindi Llajtu. Moisés Mohiques.
ubicados en los edificios Monserrate y Juan Peláez ´Desarme y guarde 78-10 siete días de
Plaza Comercial San Victorino, ambos ´Nubes´ ocho a diez´
sobre el Eje Ambiental de la Avenida Av Caracas. Dos sobre la Cll 28, senti- Plaza Fundacional de Bosa (Cra 88 G,
Jiménez. Allí los ventanales están atibo- dos sur norte y norte sur y una sobre la con Cll 59 C Sur)
rrados de plátanos, inicialmente verdes, Cll 33 sentido norte sur. Hasta noviembre 8
de modo que al transcurrir el tiempo Hasta noviembre 8
alcancen distintos estados de madura- Intervención de fotografías de gran for-
ción. Instalación de fotografías en tres vallas mato ubicadas en la fachada de una
publicitarias.   construcción patrimonial. 
Tatzu Nishi
Torre de la Iglesia de San Francisco, Eje Artistas locales John Bernal - Los Mártires
Ambiental con Cra 7. Ganadores. Convocatoria ´Plaza de Yerbas´
Hasta noviembre 8 Localidades Culturalmente Plaza Samper Mendoza,
Activas – SDCRD Cra 25 No. 22A – 13
Nishi seleccionó para su intervención Recorridos hacia la plaza.
en Bogotá la torre de la Iglesia San Julián Serna - Usaquén Punto de encuentro: Planetario Distrital. 
Francisco, en torno a este elemento, ´Cuerpo glorioso´ Octubre 29 - Noviembre 5
construye una estructura que en su in- Oratorio de la Casa Museo Francisco
terior parece una sala característica de de Paula Santander, Cra 7, N° 150-01 Intervención fotográfica y de reconoci-
una casa bogotana, en donde emerge Octubre 23, 24 y 25. miento del entorno.
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