Proyecto introspectivo sobre

estructuras físicas

María José Murillo del Carpio

Código: 20064356

PUCP Facultad de Arte

Noviembre 2010
Índice

1. Introducción

2. Referentes conceptuales

2.2 Prácticas contemporáneas de la pintura y el Collage

2.2.1 La pintura

2.2.2 El collage

2.2.3 El collage como pintura

Conceptos biológicos usados en el arte

2.2.4 Fractal natural

2.2.5 Reproducción

2.2.6 Mutación

3. Referentes visuales
3.2.1 Elio Rodríguez

3.2.2 Annie Varnot

3.2.3 Annie Varnot

4. Proyecto

4.2 Antecedentes

4.3 Método

5. Obras

6. Bibliografía
CAPÍTULO UNO
INTRODUCCIÓN

Me baso en la interpretación del funcionamiento de la naturaleza y en sus formas,

para crear sistemas personales que sean legibles pero sin otorgarle carga conceptual
alguna, es decir, no es de mi interés atribuirle significado a los elementos que
conforman esta unidad o sistema organizado, simplemente los entiendo como códigos
que se presentan de manera inconsciente en mis trabajos, traduciendo mi forma de
pensar y de ver el mundo en un lenguaje no figurativo. Tomo la definición de sistema
como un conjunto de partes o elementos organizados y relacionados, que interactúan
entre sí, llegando a conformar un cosmos como sistema ordenado y consiguiendo
entenderme y descubrirme por medio de la creación de estos sistemas.
CAPÍTULO DOS
REFERENTES CONCEPTUALES

I. Prácticas contemporáneas de la pintura y el collage

La Pintura (En proceso)

La pintura se ha reinventado a lo largo de su historia y lo seguirá haciendo.

En un primer momento la pintura era definida como una imagen de las
cosas visibles, donde la noción de mimesis se adscribía a ella y donde sus
productos eran considerados como representaciones del mundo sensible,
copias de la naturaleza.

La pintura fue tomada progresivamente como modelo de conocimiento, el

cuadro pasó a ser una representación de cómo podía conocerse el mundo,
de cómo el hombre le daba sentido. Aparecieron nuevas tecnologías como
la cámara oscura hasta llegar al descubrimiento del proceso de la fotografía,
el cual causó polémica al tener los mismos fines que tenía la pintura en ese
momento, mostrar el mundo como manera de conocimiento. La
importancia de la pintura radicó entonces en la transmisión del alma, de la
sensibilidad y la imaginación y dejó a un lado su objetivo pasado de
mímesis.

En estos tiempos, el hecho que la pintura haya traspasado barreras, tanto

de su propia técnica como soporte, no quiere decir que haya muerto o
desaparecido. La pintura ya no sobrevive como técnica sino como tradición,
existe por sí misma. Como dice David Barro “La pintura es una idea, una
forma de pensar, seguramente sobre la propia pintura (…) Se podría decir
que de la pintura sólo nos queda el propio término ‘pintura’ que actúa a
modo de caleidoscopio de significados.” (Barro, 2009)

La pintura ha dejado de ser restringida al formato de dos dimensiones o a

su materialidad, ahora la pintura es vista como idea, como forma de pensar.

El collage (En proceso)

Obra de arte realizada con una serie de objetos o partes de objetos

yuxtapuestos. La palabra “collage” viene del francés coller que significa
pegar.

El collage ha sido usado a lo largo del siglo xx por corrientes artísticas como
el futurismo, el cubismo, el dadaísmo, surrealismo y constructivismo, las
cuales se basaban en la manipulación de diversos materiales utilizados
como materia prima para componerlos sobre un espacio determinado.

Esta forma de expresión basada básicamente en recolectar, cortar, pegar y

componer elementos sobre un espacio con una intención determinada, está
por lo tanto muy ligada a la experimentación con diferentes materiales que
otorguen posibilidades tanto de volumen como de texturas visuales y
sensoriales. Ésta interacción con el material y las posibilidades que te pueda
dar son importantes.

El collage como pintura (En proceso)

En mi proyecto el collage ha sido incorporado a mis composiciones a causa

de mi interés por la costura, de modo que he dejado de pintar al óleo para
comenzar a hacer pintura con diversos materiales yuxtapuestos y
ensamblados, teniendo la posibilidad de experimentar con medios
alternativos a los tradicionales.

Este afán por componer con retazos de tela, envases de pastillas, pedazos
de pastico de diversas calidades y otros materiales, me otorga la
posibilidad de reorganizar estos elementos en un nuevo espacio que integra
y relaciona a cada uno de ellos en un todo unificado. Esta acción de
descontextualizar cada material que empleo en mis trabajos y lograr que
sean parte y funcionen en un nuevo contexto, ya de carácter personal, es lo
que hace que elija el collage como el lenguaje más adecuado para
expresarme debido a que encaja con mi proceso de crear de manera más
experimental e intuitiva.
II. Conceptos biológicos usados en el arte

Fractal natural (En proceso)

Muchas estructuras naturales son de tipo fractal. Un fractal se caracteriza

por ser en primer lugar demasiado irregular para ser descrito o calificado en
términos geométricos tradicionales, el fractal posee detalle a cualquier
escala de observación y tiene la propiedad de que sus partes sean exactas o
aproximadamente similares al conjunto en total, pero si variando su escala,
mas no la composición general. Esta característica se encuentra
frecuentemente en la naturaleza. Un fractal natural es un elemento de la
naturaleza que se ajusta a las propiedades de la geometría fractal, como
por ejemplo lo son las nubes, las montañas, los arboles o el sistema
circulatorio.

Reproducción (En proceso)

La reproducción es un proceso biológico que permite la creación de nuevos

organismos, siendo una característica común de todas las formas de vida
conocidas. El proceso de la replicación de los seres vivos, llamado
reproducción, es una de sus características más importantes. Crea
organismos nuevos, que pueden reemplazar a los que se hayan dañado o
muerto.
Las dos modalidades básicas de reproducción se agrupan en dos tipos,
reproducción asexual, que basta con un organismo para reproducirse y
reproducción sexual, en la que dos organismos de sexos opuestos o
hermafroditas pueden reproducirse

Mutación (En proceso)

La mutación es una alteración o cambio en la información genética de un

ser vivo y que, por lo tanto, va a producir un cambio de características, que
se presenta espontáneamente y que se puede transmitir o heredar a la
descendencia. La unidad genética capaz de mutar es el gen que es la unidad
de información hereditaria que forma parte del ADN. En los seres
multicelulares, las mutaciones sólo pueden ser heredadas cuando afectan a
las células reproductivas. Una consecuencia de las mutaciones puede ser
una enfermedad genética, sin embargo, aunque en el corto plazo puede
parecer perjudicial, a largo plazo las mutaciones son esenciales para nuestra
existencia. Sin mutación no habría cambio y sin cambio la vida no podría
evolucionar.
CAPÍTULO TRES
REFERENTES VISUALES

I. Elio Rodríguez (En proceso)

El artista cubano Elio Rodriguez a empleado en su obra titulada “Ceiba

Negra” materiales como tela de fieltro oscura, piezas de cerámica y una
especie de hilo sintético que utiliza para ensamblar cada pieza blanda
logrando asi una sensación de volumen, masa o bulto.
Al emplear materiales como tela rellenada, se incita de esta manera a una
apreciación no solo visual, sino también una apreción táctil y sensorial,
como si la obra invitase a ser tocada y sentida ya no solo vista, es
importante esta representación objetual y tangible de estas formas de
carácter orgánico, ya que se produce una sensación de carne, de cuerpo.

La composición es de formato irregular determinada por formas orgánicas

las cuales aluden a esta planta llamada Ceiba Negra, los ritmos son también
orgánicos produciendo la sensación de ser objetos con vida, de estar en
movimiento. La obra se caracteriza también por su monocromia, el artista al
emplear tela oscura casi negra en toda la composición es como si quisiera
quitarle importancia a lo que es el color, es decir, que la obra no se lea por
el color, sino más bien al bañar toda la composición de un tono, lo que
resalta a la vista primordialmente son los volumenes y la forma logrando así
que esto sea sea el eje comunicador de la obra. Pero el hecho de haber
escogido el color negro para cubrir completamente su obra tiene también
una presencia con carácter fuerte, imponente, agresiva, como si estas
especies de hojas pudieran atacarte o atraparte, muy difierente hubiera
sido el caso si toda la composición fuera completamente de color blanco. Al
ser Elio Rodriguez de nacionalidad Cubana, el color negro también puede
tener otro tipo de significado ligado a la raza negra, a la discriminación y al
racismo.

La distribuación de los elementos es agrupativa y densa provocando una

sensación de abultamiento, de frondosidad de la planta, de fertilidad.
Estaobra, con todas la característica nombradas anteriormente, trata de
reflejar en mi opinión el poder y la fuerza de la naturaleza sobre el resto.
Elio Rodríguez. “Ceiba Negra”, 2010, fieltro negro rellenado, medidas variables

Acercamiento de obra “Ceiba Negra. Elio Rodríguez. 2010

 II. Annie Varnot (En proceso)

El trabajo de esta artista americana me parece interesante en cuanto

descontextualiza los materiales cotidianos como sorbetes o cañitas de
plástico trabajando el material de una forma muy particular. La artista
corta las cañitas agrupándolas unas con otras en grandes cantidades de tal
manera que el producto final crea una sensación completamente nueva.
El trabajo de Varnot se caracteriza por la acumulación de materiales
similares que en su conjunto crean una forma más compleja. Ella describe
su trabajo como una representación sintetizada de la naturaleza así como
también ella encuentra en sus esculturas pequeños mapas de sistemas que
aún no los entiende y se encuentra en proceso de llegar a descifrarlos. Las
esculturas de Varnot También se pueden definir como abstracciones
orgánicas. Entre sus intereses están el calentamiento global, la topografía
del paisaje y las enfermedades. Varnot se preocupa por lograr en cada una
de sus obras una transformación en el aspecto del material utilizado, lo cual
relaciono con mi trabajo en cuanto a que también me interesa esta
alteración de la apariencia o la naturaleza de cada material

Annie Varnot. “Perelandra”, 2006, sorbetes plásticos, pompones, cables pintados, hisopos,
pedestal iluminado 23”x20”x5 ½”.
Annie Varnot “Varian Sea”, 2006, técnica mixta, 50”x17”x18”.
III. Karen Margolis

Karen Margolis explora el cambio como proceso y como necesidad

emocional, comparando las influencias de transformaciones físicas con
pensamientos y sentimientos. Mediante su trabajo ella procura darle
vida a cosas viejas y obsoletas como mapas desactualizados, basura y
piezas de arte abandonadas. Margolis se ha interesado por la
simplicidad de la línea y el círculo como forma y símbolo de infinidad, de
vacío y completo. El círculo es un elemento integral en casi todo su
trabajo.
Lo interesante que encuentro en esta joven artista americana es el
empleo que hace sobre el soporte y los medios que usa para ello. Ella
utiliza mapas antiguos y sobre ellos, con la ayuda de una punta para
soldar, hace pequeñas incisiones, de esta manera va superponiendo
capas iguales hasta lograr que se cree nuevas rutas en los mapas,
atribuyéndoles su valor nuevamente y dándoles lugar en el mundo.
Por otro lado, ella hace trabajos sobre papel pintado, basados en la
codificación de sus monólogos internos. Estos trabajos describen la base
física de las emociones por medio de crear especies de sistemas
moleculares, los cuales interpreta como sus estados mentales. Genera
una codificación de tanto sus pensamientos, sentimientos, como
recuerdos, plasmándolos en patrones moleculares que le sirven como
medio de medio de entendimiento de su persona.
Karen Margolis. “Connectives”, 2010, papel quemado, medidas variables
CAPÍTULO CUATRO
PROYECTO

I. Antecedentes

Durante el transcurso de mi formación académica primó la contemplación

y el análisis del natural a través de la pintura como medio expresivo. Fue
en ese periodo donde me dediqué a pintar paisajes observando la
naturaleza a modo de mímesis. Al mismo tiempo me interesaba pintar
paisajes desde mi propia cosmovisión.

Es cuando entro a talleres donde busco tocar el tema de la naturaleza, pero

ya no desde una mirada mimética, sino más bien desde una mirada más
personal optando por representaciones no figurativas, pero aun así
sumamente ligadas a este interés hacia la vida misma y la naturaleza.

De esta manera pasé por la necesidad de dejar el óleo por un momento

para comenzar a experimentar nuevas formas de pintura, para descubrir
nuevos materiales y vehículos que me ofrecieran la oportunidad de conocer
sus propiedades plásticas y nuevas posibilidades de entender lo que
podemos concebir como pintura. A la vez tuve la necesidad de escapar del
formato plano y recto del bastidor, lo que me hizo reflexionar sobre los
límites de la obra y hacer que el formato responda y se relacione con la
estructura de cada trabajo.

El origen de este proceso de experimentación fue completamente casual y

vivencial, todo comenzó con la caída de un incienso prendido a una bolsa
de basura que guardaba en mi taller, la punta del incienso ocasionó
pequeños orificios bien definidos en el plástico, de esta manera comencé a
hacer pequeñas incisiones en retazos de bolsas delgadas de color negro, ya
de mayor formato, con la punta del incienso prendido, a modo de plumilla
o instrumento para dibujar, luego cogía estos retazos y los unía con fuego
unos con otros creando así una composición irregular de gran tamaño. Las
formas que fueron saliendo de ésta acumulación de puntos pequeños
generaron sensaciones de desintegración y regeneración, de carácter
orgánico.

Desde ese momento, me atrajo la idea de crear sin tener límites

preestablecidos. No me interesaba planificar desde un primer momento
cuál iba a ser el formato o resultado final de la obra, que materiales iba a
emplear en mis trabajos o el simple hecho de contar con un boceto previo
que esboce a grandes rasgos la idea de cada trabajo. Esto no sucedía en mi
proceso creativo ya que al tener mucho de espontaneidad e intuición, la
idea de cada trabajo iba desarrollándose en paralelo con la producción
plástica que se iba originando en esta especie de laboratorio que se había
convertido mi taller, haciendo pruebas con variedad de materiales y medios
alternativos. La obra iba evolucionando junto al proceso de
experimentación que iba teniendo.

Los materiales que usé en ese primer momento de exploración de vehículos

y medios fueron variados, desde látex y tinta china hasta plásticos de
diferentes calidades, telas, tecnopor, clavos e imperdibles, entre otros. La
acumulación fue una característica importante en el empleo de estos
materiales, no me interesaba usar un imperdible como unidad, sino que al
momento de acumular este imperdible con decenas del mismo a su
alrededor, originaba una masa que formaba una unidad diferenciada
produciendo formas que yo encontraba interesantes, haciendo que el
imperdible ya no destaque independientemente sino que produzca una
sensación diferente a la que comúnmente produce.

Me interesó alterar la apariencia de los materiales, conseguir que no

parecieran lo que realmente eran. Procuré transgredir su naturaleza, su
valor cotidiano e intentar jugar con la versatilidad que me puede brindar
cada material.

Mis trabajos perdieron todo interés en crear un espacio ilusorio hacia el

interior del formato, por lo contrario partieron del soporte mismo hacia
afuera, es justamente en los relieves, en la textura y en el volumen
generado donde conseguí encontrar especies de códigos importantes a la
hora de componer.
María José Murillo. “Paisaje personal”, 2009. Óleo sobre lienzo, 161x 150 cm.
II. Método

Al haber pasado por un proceso de experimentación el ciclo pasado me

concentré básicamente en probar nuevos medios de experimentación para
alterar y escapar del formato convencional, intervine directamente sobre el
soporte y tomé el collage como componente importante para yuxtaponer
capas de diversos materiales transgrediendo la naturaleza de ellos mismos
al emplearlos no en la manera que se usan cotidianamente sino llevándolos
a un espacio donde su utilidad queda relegada.

Al definir mi proyecto de este ciclo como parte inicial de un proyecto mayor

y más complejo que seguirá en camino, quiero decir que yo no quiero
adelantarme a manejar conceptos o tratar de atribuirle como sea
significados precipitados a lo que estoy haciendo, siendo de alguna manera
deshonesta con mi obra. Me limitaré a describir lo que sí tengo claro hasta
esta etapa de mi trabajo.

Mi trabajo habla generalmente de la naturaleza, como referencia a los

fenómenos del mundo físico y a la vida en general. He podido deducir que la
mayoría de formas, ritmos, texturas (táctil/ visual), líneas y movimientos
generados en mis composiciones son de carácter orgánico, mostrando en
esencia el aspecto reproductivo, regenerativo e indeterminado de la
naturaleza haciendo referencia a sus espontáneos y cíclicos cambios así
como también a su organización y sistematización interna.

Me interesan las estructuras propias de la naturaleza, a diario puedo

observar como el mundo toma forma, en esferas, cilindros, espirales y
otras muchas estructuras que forman parte del mundo vivo. Me parece
sorprendente como la naturaleza se organiza interior y exteriormente de la
manera más beneficiosa para sobrevivir y perdurar. Las formas como los
patrones orgánicos no están en la naturaleza de manera gratuita, siempre
tienen una función específica para poder vivir. La fractalidad, por ejemplo,
es el mecanismo más efectivo para el crecimiento de las plantas, es el
mejor patrón para crear frondosidad ideal para aprovechar al máximo el
contacto con el exterior. Puedo observar que todo lo que tiene vida está
siempre condicionado a movimiento y crecimiento, y por lo tanto, cuenta
con características únicas, cada objeto vivo es diferente a otro, jamás serán
completamente idénticos. Esta indeterminación de lo vivo es la que me
llama la atención, y la que se contrapone al mundo material.
Me baso en la interpretación del funcionamiento de la naturaleza y en sus
formas, para crear sistemas personales que sean entendibles pero sin
ninguna carga conceptual, es decir, a cada elemento presente en mis
composiciones no le atribuyo significo alguno, simplemente sirven como
códigos que se presentan de manera inconsciente en mis trabajos, como
traduciendo mi forma de pensar y de ver el mundo en un lenguaje no
figurativo, donde importa sobre todo la organización propia de dicho
sistema. Tomo la definición de sistema como un conjunto de partes o
elementos organizados y relacionados, que interactúan entre sí, llegando a
conformar un cosmos como sistema ordenado.

Como parte de mi proceso creativo se manifiestan continuamente cierto

tipo de acciones repetitivas y básicas como reunir, recoger, recolectar,
reutilizar, acumular, juntar, pegar, agregar, amontonar. Acciones que son
de fundamental importancia llevándome a formar de manera no planeada
una suerte de retícula constituida por patrones orgánicos repetidos y
organizados dentro de un sistema. Me interesa como estas formas
empatronadas actúan en conjunto a manera de reproducción. Me importa
capturar en mis composiciones la manera física en la que la naturaleza se
agrupa, muta y migra creando así este tipo de formas y composiciones
involuntarias pero siempre con una intención y función específica que no
paran de captar mi atención hasta el día de hoy.

Mi trabajo depende de varios procesos como el corte y ensamblaje de

piezas de madera que me otorga la posibilidad de generar formas
irregulares tomando en cuenta los espacios de vacío y el espacio que
contiene la obra como elemento importante e integral a la composición.
Por otro lado he empleado la costura me otorga la posibilidad de fabricar
piezas con formas propias jugando con la particularidad que me ofrece
cada tipo de tela y sus propiedades sensoriales, además del volumen y
espesor conseguido. Tengo interés en la exploración del espacio entre la
pintura (forma y color) de dos dimensiones y tres dimensiones, de manera
que he empleado materiales que me lleven a generar volumen.
Asimismo he utilizado pintura en cuanto a su materialidad, he empleado
acrílico veteado sobre papel brillante, de manera que el resultado son la
simulación de líneas o estrías multiplicadas. El uso de materiales como
espejos rotos, cintas de tela, plásticos, entre otros han sido igualmente
empleados en mis composiciones.
 El resultado de mi trabajo son especies de collages no figurativos, sin
embargo evocando formas vivas, no con la intención de querer representar
la naturaleza tal y como es, más bien tomando el modo en que la naturaleza
se forma y desenvuelve. Mi intención no es imitar la naturaleza sino
interpretar su funcionamiento interno y crear estructuras orgánicas de
carácter personal.
CAPÍTULO CINCO
OBRAS

María José Murillo. s/t, 2010. Bolsas de plástico perforadas con incienso, medidas
variables.
María José Murillo. S/t, 2010. Plásticos, tinta china, crayola, tela, envases de pastillas y spray
negro sobre cartón, medidas variables.
S/t, 2010. Plásticos, tinta china, tecnopor, tela, látex, spray negro y clavos sobre cartón, medidas
variables.

S/t, 2010. Plásticos brillantes, retazos de cartón y tachas sobre cartón, medidas variables
S/t, 2010. Tinta china, látex, cartón corrugado, tela, imperdibles, chinches y tecnopor sobre
lona, medida variables.
Acercamiento a imagen.
María José Murillo. S/t, 2010. Madera, acrílico, tela, fibra sintética, medidas variables.

María José Murillo. S/t, 2010. Madera, acrílico, tela, espejos, plásticos, cartulina, papel
brillante, medidas variables
BIBLIOGRAFÍA (En proceso)

BARRO, David y Álvaro NEGRO

2005 “Sky Shout” La pintura después de la pintura .Santiago de Compostela:
Auditorio de Galacia

BARRO, David
2009 Antes de ayer y pasado mañana o lo que pueda ser pintura hoy.
Barcelona: Galaxia.

DANTO, Arthur C. (Se revisará más adelante)

1999 El arte contemporáneo y el linde de la historia, Barcelona: Ed Paidós

FRASCINA, francis, Nigel BLAKE y Briony FER

2006 La modernidad y lo moderno: La Pintura Francesa En El Siglo XIX. Madrid:
Ediciones Akal

SCHWABSKY, Barry
2004 “Vitamin P: New Perspectives in Painting”. London: Phaidon Press

TASCHEN
2005 Art of the 20th Century. Berli: Taschen

2009 100 Contemporary Artists. Berlin

WALLYS, Simon (Se revisará más adelante)

2001 “Hybrids: International Contemporary Painting”. Liverpool: Tate