“Wateau: La Estética del Placer”.

Autor: Catherine Cusset

Localización: Referencia Bibliográfica:

Cusset, C. (1995). Watheau: La estética del placer. W.

Pape (Ed.), Icons-Text-Iconotext: Enssays on
Ekphrasis and Intermediality (págs. 129-143).
Berlin: Board.

Palabras claves: Estética, placer, inconsistencia, narrativa, ironía, atemporalidad, interpretación.

Resumen:

Es tradicional comenzar un artículo sobre Watteau recordando que su carácter y su pintura tienen una
relación peculiar con el texto. Todos ellos nos dejan la imagen de un Watteau con imaginación
licenciosa, pero una moral pura. Como si la función de la narrativa consistiera precisamente en
negar la realidad del placer en sus pinturas.

Mito melancólico del pintor

El novelista francés Philippe Sollers dedicó su novela de 1990 La Fête à Venise (nombre de un
Watteau falso) para luchar vigorosamente contra el mito de un Watteau melancólico: «pensarán que
simplemente vivió miles de pequeñas novelas privadas deslumbrantes. Él los pintó, eso es todo».
Es ridiculizado incluso al mencionarlo como “la historia de un joven pintor libertino que se arrepintió
en su lecho de muerte y pidió que se quemaran sus obras licenciosas”.
El mito de la melancolía es fuerte. ¿Por qué la imagen de un melancólico Watteau domina sobre la del
pintor del placer? ¿Es una forma más atractiva y tentadora para la narración?
¿Por qué una metafísica del placer sustituye sistemáticamente la representación del placer inmanente
con la tristeza y el arrepentimiento melancólico del pasado?
Esta pregunta se refiere a la relación entre palabra e imagen en el trabajo de Watteau, aludiendo a una
oposición entre ellas.
Por un lado está la melancolía, el placer que significa tristeza, la metafísica del placer, versus un
placer libertino sin ningún significado metafísico, es decir, un placer significado sólo a sí mismo.
Las dos versiones de Peregrinación a la isla de Citera serán objeto de este análisis.

Razones que justifican la elección

1. En primer lugar, estas pinturas representan el placer, como lo indica su corriente, el único
título dado cuando Watteau estaba vivo. Citera, en la mitología griega, es la isla cerca de la
cual Afrodita nació del mar: alegoría del amor cordial o del placer sexual. La pintura de
Watteau también está ligada al placer teatral: Watteau estaba probablemente familiarizado con
las obras del teatro de feria (théâtre de foiré). Los comediantes de 1697 y, entre 1710 y 1715,
representaron a menudo peregrinaciones a Citera: Un tono de burla es una de las
contribuciones fundamentales de la Feria en su abordaje.
2. Es probablemente que pintura de Watteau, la que más interpretaciones generó en virtud de su
ambigüedad: ¿es una salida o un regreso? ¿Es el final de la peregrinación, o el comienzo de la
fiesta? Revela que LA NARRATIVA (la ekphrasis o interpretación crítica) intenta resolver las
ambigüedades que describe y no puede. satisfacerse con una pregunta sin respuesta.
3. Hay dos versiones del cuadro. Uno, ahora en París, fue presentado a la Academia en 1717
como pieza de recepción de Watteau, bajo la corriente Peregrinación a la isla de Cytberar, la
otra, ahora en Berlín y conocida como Embarque para Cjthera, fue probablemente pintado un
poco más tarde. Entre el primero y el segundo Watteau hizo cambios que pueden considerarse
 como correcciones o refinamientos.
1. La inconsistencia narrativa
¿Qué pinta Watteau en Peregrinación a la isla de Cytherai? Es imposible definir el objeto de la
pintura, o designar su punto focal. Hay tres puntos focales: (1) el cielo despejado a la izquierda; (2) el
vestido blanco de la mujer sentada a la derecha; (3) la pareja de pie en el centro.
1. El primer punto focal, el cielo despejado a la izquierda que contrasta con los colores más bien
oscuros del resto de la pintura, absorbe la mirada como la promesa de un sueño, hacia el que
ascienden unos cuantos putti.
2. Una pequeña mancha blanca también atrae los ojos; es el vestido blanco de la mujer sentada, que
contrasta con los colores oscuros de la hierba y los árboles. Esta mujer de ojos abatidos parece estar
aislada del resto de la pintura, del movimiento general de partida y de este cielo nebuloso al que da la
espalda.
3. es la pareja de pie en el centro del cuadro. Domina a los otros personajes y se alza sobre la colina
que divide la pintura en dos mitades distintivas: la del cielo y el fondo remoto pintado en colores
fríos, y la de la tierra pintada en colores cálidos.

Estos tres puntos focales están conectados un arabesque rococó. El arabesque es una forma decorativa
que los románticos preferían el arabesco como una "escritura de feminidad y seducción". La pareja de
pie sobre el arabesco simboliza la ausencia de un significado central. También subvierte la autoridad
magistral de la mirada y nos invita a "mirar" más que a "mirar" el cuadro. El hombre toma por la
cintura a su compañera que mira hacia atrás , aunque está lista para avanzar. Esta pareja indica la
dispersión de la mirada; es la figura de la ambigüedad del cuadro, del "sinsentido", o de lo que
Donald Posner llamó la "inconsistencia narrativa" de Watteau.

OTRA INCONSISTENCIA es la representación de dos sucesiones temporales al mismo tiempo.

a. El movimiento de izquierda a derecha nos invita a leer el cuadro como una salida.
b. De derecha a izquierda (lectura normal), la ampliación progresiva de las figuras : representación
alegórica de las diferentes etapas del amor o de la seducción cortesana, y esto sería lo contrario de
una partida.

2. Placer e interpretación: el papel de la narración

"Para Bryson, con Watteau, sugiere, que la pintura comienza a independizarse de la autoridad del
texto escrito (histórico, mitológico o alegórico) que había caracterizado a la estética clásica.
Levey escribió: "La exigencia del tiempo es inexorable [...] Watteau no estaba pintando dos pedacitos
de tonterías escénicas, de una belleza deslumbrante que se resiste a cualquier interpretación real".
Por ejemplo, Michael Levey dice que la segunda versión, al igual que la primera, representaba una
partida; para los peregrinos que abandonaban la isla del placer, la fiesta había terminado. Este mito
lleva a ver en la pintura de Watteau la ausencia del placer que él representa. Es decir, la tristeza se
convierte así en el significado del placer significante.

El texto de Goncourt sobre Watteau, publicado por primera vez en 1856 en la revista L'Artiste bajo el
revelador título “Watteau's Philosophy”, que funciona como una antítesis de la cita anterior:

«bosques amorosos, prados desbordantes de música, arboledas que resuenan y ramas que cuelgan con
cestas de flores; lugares solitarios, alejados del mundo celoso, tocados por el pincel mágico de un
Servandone, refrescados por manantiales y habitados por estatuas de mármol, por náyades salpicadas
de las sombras temblorosas de las hojas [...] Oh el país amable y agradable!».

La ausencia de articulación gramatical para conectar sujeto, verbo y objeto, reflejan la dispersión de la
pintura de Watteau y la imposibilidad de expresar su unidad inexistente.

"[...] Islas encantadas separadas por una cinta de cristal de la tierra, tan despreocupadas como sin
pastorear [...]. Los Campos Elíseos de un maestro pintor! En algún lugar fortuito e inexplorado existe,
bajo los árboles, una eterna indolencia. La vista y el pensamiento languidecen en una vaga distancia
que desaparece [...]. Un arroyo letón difunde el silencio a través de esta tierra de olvido".

El significado de Cythera solo puede ser su inexistencia, su imposibilidad, descrito en una oración con
un sujeto, un verbo y un complemento. Cythera se ha convertido en los Campos Elíseos, que es el
paraíso que está al otro lado de la muerte y la definición de este objeto es la irrealidad como tal, la
imposibilidad, la falta de ser.
De esta forma, los Goncurt están buscando lo que está "detrás" de la superficie de la pintura, lo que
está detrás de la escena, los recesos ocultos por la representación en su aparente inmanencia, pues SIN
ESE DETRÁS, las palabras no podrían escribir sobre esta obra.
De alguna manera es más fácil luchar contra el intento de superar la resistencia de Watteau a la
interpretación que comentar sobre la pintura de Watteau sin intentar superar esta resistencia.
A través de la representación de dos sucesiones temporales contradictorias (una salida, un proceso de
seducción), la pintura de Watteau parece burlarse de todo intento interpretativo.

OTRA INTERPRETACIÓN A TRAVÉS DE ELEMENTOS HISTÓRICOS: Mary Vidal señala la

noción aristocrática de "conversación" como el tema mismo del arte de Watteau.
Vidal nos invita a leer el movimiento de derecha a izquierda en Peregrinación a Citera como una
salida de la intimidad a la sociabilidad: “Watteau se preocupa por transportar la alegre y civilizadora
charla de amantes en el mundo”.
Históricamente sitúa esta fiesta a principios del siglo XVIII, cuando las condiciones sociales y
culturales favorecían un cierto tipo de placer aristocrático, bajo los términos de "fête galante" y
"conversación".

Aunque este referente histórico de la pintura no explican el inquietante cielo que parece justificar el
ensueño de los poetas románticos. Es notable que ni un solo personaje solitario, ni una sola mirada en la
pintura se dirija hacia el cielo. Todos los personajes están en pareja; sus ojos son absorbidos por los ojos de la
pareja Sin embargo, la apertura del cielo se nos ofrece a los ojos: se abre para nosotros, espectadores
en busca de sentido.
La inconsistencia narrativa es el contraste entre la actividad de los personajes, su indiferencia hacia el
cielo y el fondo nebuloso del cielo que parece invitarnos a soñar y dotar a la pintura de un significado
melancólico.

3. La ironía de Watteau: placer sin metafísica

Cambios entre su primera y segunda versión como una AFIRMACIÓN DEL PLACER Y
RESISTENCIA A LA INTERPRETACIÓN METAFÍSICA /NARRATIVA. Según críticos, la
segunda versión es más alegre y sensual.
A pesar de ello, los cambios cromáticos y la adición de ciertos elementos subraya la ambigüedad de
la pintura e imposibilidad de interpretación.
1. materiales más cálidos, más brillantes y más parecidos al color del amanecer.
2. No distinción de montañas nebulosas para conferir carácter más melancólico.
3. La luminosidad se ha incrementado en todo el cuadro.
4. Ahora evoca más la presencia de la carne que la irrealidad del sueño.
5. Sustituyó el busto de Venus por una estatua que parece casi viva y cuyo cuerpo de piedra
parece convertirse en carne al jugar con un putti.

Las dos parejas de la izquierda, que se embarcan en el barco, refuerzan la idea de la partida. Las dos
parejas de la derecha, al pie de la estatua, absortas en actos de amor, confirman la indiferencia ante el
movimiento de partida, como una ambigüedad reforzada.
Crébillon fils dio más tarde a este importante interpretación: es el instante físico de la seducción, o el
completo olvido de un momento temporal dimensión que inscribiría el momento en una duración que
 lo limite.
Otro cambio en el cuadro, es que multiplicó el número de putti por cuatro; ahora son cuarenta y ocho
en vez de doce. El putti juega un papel sutil e importante en la declaración de Watteau sobre el placer.
Mezcla de Puttis y parejas sentadas y abrazadas son un espejo irónico. Si hay un "detrás", es muy
visible; es sólo el de los puttis, un detrás con hoyuelos que ridiculizan la mirada del espectador
absorbida por la perspectiva del remoto fondo.
En la pintura de Watteau, no hay nada en el círculo formado por el putti volador. No basta con decir
que no hay nada: el putti rodea y resalta la nada. La adición del círculo de putti pone de relieve la
atracción que ejerce sobre nosotros el cielo como fuente de ensueñ. El cielo no sólo está vacío, sino
que también se muestra como vacío por el círculo de putti como REPRESENTACIÓN IRÓNICA DE
LA NADA.
La ironía funciona como una reflexión sobre la noción de placer, sobre la resolución de inconsistencia
plástica y narrativa. Watteau se resiste a la interpretación pues más bien trabaja con la atemporalidad
del placer.
Watteau se resiste a la idea de que no puede haber reflexión sobre el placer sin negarlo, pues la
reflexión no es la profundidad del significado.
Watteau representa un placer que rechaza cualquier límite temporal. La historia (o el tiempo) moraliza
la noción de placer, ya que dice de una manera u otra: el placer debe terminar.
Pinturas de Watteau son representación irónica de la metafísica del placer. Da una negativa a inscribir
el placer en una progresión temporal y discursiva que lo circunscribe y por lo tanto lo niega.

Comentario:

El texto de Cusset nominaliza ciertos conceptos como el placer, la atemporalidad, la inconsistencia,

pero no con el afán construir nuevas perspectivas teóricas, sino más bien, con el de generar una
interpretación en las pinturas de Watteau que siempre fueron reacias a serlo.
El fin de la lectura por lo tanto es aprender a realizar análisis de cuadros pictóricos y demostrar cómo se
debe dibujar la dirección de la mirada, formalmente, en el intento de interpretar la narrativa de cualquier
manifestación plástica en el intento de una ekfrasis.

Aun así, resulta revelador que el placer en función del mismo placer, sea en Watteau, un trazo
atemporal, dotándose la posibilidad de vivirlo sin ningún climax que luego declina.
Me hace pensar en los registros de las tantas mujeres que parieron con placer, recibiendo el inicio de
una vida con este sentimiento o sensación, según la autora Casilda Rodriganéz (2007), y en su antítesis,
la Biblia, que condena a todo occidente a un dolor primigenio al dar a luz una nueva vida (En gran
manera multiplicaré tu dolor en el parto, con dolor darás a luz los hijos, Génesis: 3,16). Dolor y
sacrificio que tiñe muchas veces toda nuestra vida y cotidianidad. Como si no fuéramos dignos de vivir
en la condición placentera permanente.
Es por esto que muchos autores se resisten a comprender a Watteau, en su propia resistencia a vivir de
esta manera. Todos intentan temporalizarlo, de distintas maneras, y con esto, limitando la vivencia del
placer en sus propias vidas.
Citas relevantes

 “El arabesque es una forma decorativa, que sigue una lógica puramente ornamental. Este sería el
momento para recordar que Watteau pintó en una época en que los financieros recién
enriquecidos encargaban en privado pinturas a pequeña escala para decorar sus nuevas
mansiones parisinas. Hay razones económicas, sociales y culturales que explican el uso de
Watteau del arabesco. Puede que no sea necesario buscar un significado sofisticado: ¿no es la
"decoración" una justificación suficiente?”(p.5)
 “Podemos hablar de inconsistencia narrativa en el sentido de que el cuadro representa al mismo
tiempo dos sucesiones temporales contradictorias. El movimiento de derecha a izquierda nos
invita a leer el cuadro como una salida. Sin embargo, el movimiento natural de la lectura de un
cuadro -al menos en Occidente- es de izquierda a derecha, como sugiere Bernard Lamblin en
Peinture et temps. De izquierda a derecha, la ampliación progresiva de las figuras nos invita a
leer el cuadro como una representación alegórica de las diferentes etapas del amor o de la
seducción cortesana, y esto sería lo contrario de una partida”. (p. 6)
 “Esta inconsistencia narrativa ha generado una multiplicidad de interpretaciones críticas.
Watteau es, después de Van Gogh, el pintor que ha dado origen a la literatura más abundante.
Sus pinturas parecen contener algo que provoca el discurso o la narración”. (p.6)
 “En 1961, en un artículo titulado "El verdadero tema de la obra de Watteau Embarque en
Citera", declaró Michael Levey, que la segunda versión, al igual que la primera, representaba
una partida; para los peregrinos que abandonaban la isla del placer, la fiesta había terminado.
Levey escribió: "La exigencia del tiempo es inexorable”. (p.7)
 “Este tipo de interpretación comenzó en el siglo XIX, cuando los poetas y escritores románticos
dieron origen al mito de un Watteau melancólico (Posner, "Watteau mélancolique"). Este mito
lleva paradójicamente a ver en la pintura de Watteau la ausencia del placer que él representa. La
tristeza se convierte así en el significado del placer significante”. (p.7)
 “Los Goncurt están buscando lo que está "detrás" de la superficie de la pintura, lo que está
detrás de la escena, los recesos ocultos por la representación en su aparente inmanencia. Sin este
"detrás", las palabras no podrían injertarse en la pintura de Watteau; No podían dotarlo de
significado”. (p.8)
 “A través de la representación de dos sucesiones temporales contradictorias (una salida, un
proceso de seducción), la pintura de Watteau parece burlarse de todo intento interpretativo. Se
resiste a cualquier interpretación que intente darle un significado definitivo”. (p.8)
 “La inconsistencia narrativa radica también en este contraste entre la actividad de los personajes,
su indiferencia hacia el cielo, y el fondo nebuloso del cielo que parece invitarnos a soñar y dotar
a la pintura de un significado melancólico. Parece posible interpretar este contraste como un
gesto irónico de Watteau, que se burla de las tendencias metafísicas de sus espectadores. Es este
gesto irónico el que está en el corazón de la representación del placer de Watteau”. (p. 10)
 La afirmación de Watteau sobre el placer aparece en los cambios que introduce entre la primera
y la segunda versión de su pintura, que, sugiero, confirman su resistencia a la interpretación
metafísica e incluso a la narrativa (p. 11).
 El putti juega un papel sutil e importante en la declaración de Watteau sobre el placer. En el lado
terrestre, se mezclan con las parejas sentadas y abrazadas, de las que parecen ofrecer una versión
lúdica y atrevida en una especie de espejo irónico (p. 12).
 Es este gesto el que permite que el momento de placer esté fuera del tiempo, fuera de una
narración que intenta circunscribirlo. Es este gesto el que sitúa la pintura de Watteau en una
estética del placer: el placer es a la vez inmanente y reflejado. Si hay un fondo más allá del
placer, este fondo no niega, sino que, por el contrario, afirma el placer (p. 13).
 Watteau representa un placer imposible de definir, delimitar o rodear, un placer que rechaza
cualquier límite temporal y que es por eso misma razón condenada por la historia, ya que la
historia trata de historizar, es decir, de limitar el placer temporalmente (p.14).