Características generales de la música barroca: concepto de “barroco”, nuevos estilos,

texturas y estética.

El Barroco se define comúnmente como el periodo que abarca aproximadamente desde 1600
hasta mediados del siglo XVIII. Es ampliamente aceptado que la música de esta
época tiene ciertos rasgos que justifican que se le considere un “periodo estilístico”. En la crítica
de arte, el término “barroco” –palabra francesa derivada del portugués barroco,
que significa perla desfigurada– fue aplicado por primera vez a la música de la ópera de Rameau
Hippolyte et Aricie (1733), para expresar atrevimiento, aspereza e incoherencia.
Pronto fue adoptado en la crítica del arte y la arquitectura de la época anterior para indicar
irregularidad y extravagancia. J.-J. Rousseau (1768) definó la música barroca como aquella en
la cual “la armonía es confusa, cargada de modulaciones y disonancias, la melodía es dura y
artificial, la entonación es torpe y el movimiento constreñido”. En la crítica de arte del siglo
XIX, llegó a representar las etapas finales “decadentes” del arte del Renacimiento; fue sólo a
principios del siglo XX que se comenzó a usar para el estilo musical de un periodo y perdió sus
connotaciones negativas.

La música barroca se vio dominada por actitudes italianas. Desde mediados del siglo XVI hasta
la misma época del siglo XVII, Italia fue la nación musicalmente mas influyente de Europa
(aunque debiésemos decir Region). En cuanto a los demás países Europeos durante el periodo
barroco, en la década del 1630 Francia comenzó a desarrollar un estilo musical nacional que se
opuso a las influencias italianas durante mas de un siglo. En Alemania, la cultura música ya
debilitaba en el siglo XVI, fue avasallada por la calamidad de la guerra de los Treinta años,
pero a pesar de la desunión política, huno un poderoso resurgimiento en las generaciones
siguientes que culmino con J S Bach. En Inglaterra, las gloriosas de los periodos isabelino y
jacobino se esfumaron con la época de la Guerra Civil y la Commonwealth.

Si bien se acepta que el siglo y medio que va de 1600 a 1750 es una división apropiada, es
ampliamente admitido que muchas características del estilo barroco pueden encontrarse en parte
de la música de la segunda mitad del siglo XVI (especialmente italiana) y que
otras persistieron en algunas partes de Europa –en su mayor parte periféricas– hasta finales del
siglo XVIII, aunque en otras regiones, los signos de una nueva era estilística se distinguen ya en
la década de 1720. Algunos escritores subdividen la época barroca en tres partes: temprana,
hasta mediados del siglo XVII; intermedia, hasta finales del siglo XVII; y tardía, hasta las
muertes de Bach y Handel.

Un rasgo de la música barroca fue el de que los compositores comenzaron a sentirse atraídos por
la idea de escribir música de forma especifica para un medio determinado, como el violin o la
voz solista, en vez de aquella que pudiese cantarse o tocarse por casi cualquier combinación de
voces e instrumentos.
Comenzaron a aparecer las indicaciones Dinamicas en la escritura.

El principio estético central del Barroco fue que la música debía expresar estados afectivos y
que debía mover las pasiones del oyente; éstas estaban prescritas por las palabras que habrían de
musicalizarse (o la interpretación que el compositor hacía de ellas) en el caso de las obras
vocales, aunque también se aplicaba a las obras instrumentales.
En la época barroca los compositores buscaron contraste en varios planos distintos: entre suave
y fuerte (como se ve en el ejemplo de la Sonata pian e forte de Giovanni Gabrieli, 1597); entre
solos y tuttis u otros grupos contrastantes (el estilo concertado), como en los varios tipos de
concierto incluyendo el motete vocal así como el de tipo instrumental que surgió en esta época y
afectó muchos otros géneros de música; entre los distintos colores vocales e instrumentales;
entre lento y rápido, al alternar secciones de una obra de varias secciones, incluso entre
diferentes voces o instrumentos (una voz de movimiento rápido combinada con una de
movimiento lento)

Un rasgo fundamental de la música barroca, comparada con la de etapas anteriores, es el papel

del bajo, vocal o instrumental, como la voz predominante de la armonía.

Claudio Monteverdi: datos biográficos, obras representativas y aportes a la historia de la

música occidental.

Compositor italiano. La figura que mejor ejemplifica la transición en el ámbito de la música entre
la estética renacentista y la nueva expresividad barroca

Nació el 15 de mayo de 1576 en Cremona en el seno de una familia humilde, su padre fue un
barbero. Cursó estudios de música con Marco Antonio Ingegneri, maestro de capilla de la
catedral.

Con 15 años, compuso su primera obra, un conjunto de motetes tripartitos y en 1605 ya había
compuesto 5 libros de madrigales. En 1599 contrajo matrimonio con Claudia de Cataneis. En el
año 1607 se estrenó Orfeo, favola in musica, su primer drama musical. La partitura de Orfeo
contiene 14 partes orquestales independientes. Su siguiente ópera Arianna (1608), cuya música se
ha perdido, excepto el famoso 'Lamento de Ariadna', consolidó su fama (puede considerarse la
primera gran escena operistica)

En su trabajo subyace el concepto de que la música “debe conmover al hombre en sus entrañas” y
expresar las emociones mas profundas; incluso en sus canciones mas ligeras proyecta una
trascendencia interior.

El músico de mayor influencia para Monteverdi parece haber sido el compositor flamenco Giaches
de Wert, para quien lo esencial de su estilo era que la música debía expresar exactamente el mismo
carácter emocional que el texto.

La incorporación de avanzados recursos musicales, disonancias mas severas y la melodía en

ocaciones mucho mas irregular (pero el resultado es de una emotividad mas variada y menos
neurotica), pero en especial las intensas y largas disonancias, fue muy criticado por compositores y
teóricos conservadores, y Monteverdi se convirtió en una especie de figura de vanguardia. Atacado
directamente por el teórico boloñés Giovanni Maria Artusi, Monteverdi se vio impulsado a
responderle con una importante declaración estética sobre la esencia de su arte en el prólogo del
quinto libro de madrigales (ampliado en el Scherzi musicali de 1607). Rechazó el calificativo de
revolucionario, argumentando que solamente era seguidor de una tradición que venía
desarrollándose desde más de 50 años atrás, e hizo una clarísima distinción entre dos tipos de
“práctica”musical, la anterior y la actual, dejando claro que las dos tenían el mismo valor intrínseco.

Su mérito como compositor de óperas fue combinar el cromatismo de la seconda prattica con el
estilo monódico de la escritura vocal (una línea vocal florida con un bajo armónico simple)
desarrollado por Jacopo Peri y Giulio Caccini. En 1613 fue maestro de coro y director de la
catedral de San Marcos de Venecia.