Tema 1.

Introducción

1. El papel del artista y el papel de los clientes

2. Las técnicas artísticas
2.1. La pintura
2.2. La escultura
2.3. La arquitectura
3. El patrimonio cultural
3.1. Definición
3.2. Problemas y amenazas para el patrimonio
3.3. Tipos de intervención

1. El papel del artista y el papel de los clientes

Toda obra de arte es una producción humana realizada por hombres a los que
denominamos “artistas”. Pero ni todos los objetos que hoy consideramos “obras de
arte” fueron pensados originalmente como tales, ni sus autores fueron considerados
“artistas” en sus correspondientes épocas.

Esto significa que los conceptos de “arte” y “artista” han ido evolucionando a lo largo
del tiempo. Por ejemplo, es obvio que el anónimo pintor de Altamira y Picasso no
tuvieron los mismos objetivos ni disfrutaron de la misma consideración social. Y no
debemos caer en el error de aplicar nuestros esquemas mentales a hechos que en su
origen nada tenían que ver con ellos.

A lo largo de la historia, las personas que realizaron las obras que hoy figuran en
nuestros museos ocuparon posiciones sociales muy diferentes: algunos, en la
Antigüedad, fueron esclavos; en la Edad Media, eran simples artesanos; en la
actualidad, muchos son considerados genios y gozan de un estatus privilegiado.

En este sentido, es muy importante el papel desempeñado por los clientes de los
artistas. No debemos olvidar que las obras de arte estaban destinadas a
“consumidores” finales, que influían más o menos sobre el artista.

En cuanto a la Prehistoria, poco sabemos del lugar que ocupaba el “artista” dentro del
grupo, sobre todo si tenemos en cuenta que la explicación habitual de que las obras de
arte constituían una especie de magia propiciatoria ha sido recientemente puesta en
cuestión.

En Egipto y Mesopotamia, los artistas eran meros servidores del rey o de los templos y
sus obras estaban destinadas a realzar su prestigio. Sin embargo, su situación variaba

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desde la simple esclavitud hasta casos excepcionales como el de Imhotep, arquitecto,
médico, mago y visir del faraón Zóser.

En Grecia, el arte se ennobleció y los artistas son ensalzados por filósofos y poetas. Los
nombres de Fidias, Policleto y otros muchos han llegado a nosotros llenos de
veneración.

Los romanos heredaron el entusiasmo griego por el arte, pero no la valoración de los
artistas, seguramente porque su configuración como sociedad esclavista les llevaba a
despreciar a todos los que trabajaban con sus manos.

Durante la Edad Media, los artistas trabajaban dentro del rígido marco de los gremios.
Normalmente, permanecían en el anonimato porque su labor no se valoraba más que
la del resto de los artesanos. Interesaba más el resultado que la personalidad del
autor. Solo al final de este periodo, comienzan a figurar los nombres de algunos
artistas, lo que anuncia lo que va a pasar en el periodo siguiente.

Es durante el Renacimiento cuando surge la figura moderna del artista, un ser al que la
sociedad considera “genial”. Con la idea del “genio”, triunfan los valores de lo
individual y la originalidad. La tarea del artista ya no es repetir un oficio sino innovar,
plasmar en las obras su visión personal. En este sentido, hay que señalar que en los
contratos se imponía menos la calidad de los materiales a utilizar que el hecho de que
la obra saliera de la mano del artista principal y no de sus colaboradores.

El pensamiento de la Ilustración produjo una importante consecuencia artística: el

surgimiento del concepto de lo público. Los nuevos conceptos políticos (recordemos a
Rousseau o a los ideales de la Revolución Francesa) exaltan la idea del pueblo o de la
nación y rechazan la idea de los súbditos sometidos a un rey absoluto por derecho
divino. En estas circunstancias, surge la idea del museo: las grandes colecciones reales
ya no serán patrimonio privado del rey, sino que pertenecerán a la nación. Entre
finales del XVIII y la primera mitad del XIX, se crean grandes museos como el Louvre, el
Prado, el Museo Británico, el Kunsthistoriches de Viena o la galería de lo Ufizzi de
Florencia. A medida que el arte va a interesando a capas más amplias de la sociedad,
los museos se can complementando con “salones”, galerías de arte, exposiciones,
revistas, academias, etc.

Durante los últimos ciento cincuenta años, se desarrolla la figura del artista
contemporáneo. El Romanticismo llevó al extremo la idea del “genio”, que se plasmó
en la imagen típica del artista “maldito”, despreciado por la sociedad y por los artistas
más conservadores, pero que sigue el camino de su propia inspiración, que lleva
incluso a su vida personal (artista “bohemio”).

Sin embargo, pasado el momento de las grandes vanguardias artísticas en las primeras
décadas del siglo XX, la capacidad de ruptura con lo anterior se agota y debe

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renovarse periódicamente investigando con nuevas formas, expresiones, soportes,
materiales, etc. No obstante, el sistema capitalista dominante encuentra pronto la
forma de integrar a los artistas y sus excentricidades: los tolera como figuras exóticas
que no ponen en peligro la estructura. A lo largo del siglo XX, el arte se convierte cada
vez más en una mercancía canalizada a través de una red de museos, galerías, casas de
subasta, críticos, revistas, etc.

El arte actual se caracteriza por una variedad nunca vista de propuestas y por una
explosión del objeto mismo del arte, que llega a perder uno de sus rasgos esenciales, la
permanencia, para hacerse efímero. El artista de hoy no se limita a los modos de
expresión habituales sino que “artistiza” los objetos más insospechados (objetos de
uso cotidiano, elementos orgánicos o geológicos…), experimenta con todo tipo de
materias: realidades geográficas (land art) o el mismo cuerpo humano (body art), y
recurre a las inmensas posibilidades que ofrecen los avances tecnológicos (infografía,
vídeo, etc.).

Todo ello ha dado como resultado una situación en la que arte y público han llegado a
niveles de incomprensión e incomunicación preocupantes.

2. Las técnicas artísticas

Podemos definir las técnicas artísticas como el conjunto de operaciones manuales,

codificadas a través de una larga práctica, y realizadas sobre materiales específicos con
utensilios también específicos.

Podemos afirmar que no hay arte sin técnica, aunque esto no nos debe llevar a
exagerar el papel de lo técnico. La obra de arte es una mezcla de aspectos técnicos e
intelectuales, que ha variado según las épocas. Ha habido periodos en los que la
técnica se encuentra, por así decirlo, en segundo plano; y periodos, como el
Renacimiento, en los que hubo progresos técnicos (por ejemplo, se inventó la pintura
al óleo) que se convirtieron en elemento fundamental.

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 2.1 La pintura

La pintura es una representación sobre una superficie bidimensional.

A)

El mundo exterior,
la naturaleza
(pintura figurativa)
¿Qué representa la
pintura?
El universo mental
del artista (pintura
abstracta)

A lo largo de la Historia del Arte, en general, ha predominado la pintura figurativa.

Pero no podemos olvidar que los hombres del Neolítico pintaron en las paredes de sus
refugios signos geométricos y abstractos; y que en el arte del siglo XX lo abstracto es
un componente básico.

Dentro de la pintura figurativa, podemos establecer nuevas divisiones:

 La naturaleza se puede imitar con afán de exactitud (ejemplos: arte clásico,

Renacimiento)
 La imitación de los seres del mundo que nos rodea se puede hacer de una
forma más vaga, menos “realista” (ejemplo: pintura medieval)

B)

Del tipo de superficie utilizada para pintar, dependerán las técnicas utilizadas:

 PINTURA MURAL (muros o paredes de los edificios): técnica del fresco, en la

que el pintor tiene que aplicar sus colores sobre un muro previamente
preparado y humedecido que, al secarse, fija la pintura.

 PINTURA DE CABALLETE:
o Encáustica o a la cera. Utilizada en Grecia y Roma. Muy mal conocida
por nosotros porque apenas han que restos.
o Temple. Los pigmentos se disuelven en agua y se aglutinan con materias
orgánicas como la grasa animal o la clara de huevo.
o Óleo. Inventada en Flandes en el siglo XV, significó un avance
importantísimo. Se utiliza aceite para disolver los pigmentos, antes de
aplicarlos sobre tela o sobre una tabla de madera.

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 o Acrílico. Los pigmentos están contenidos en una emulsión de
un polímero acrílico. Es una de las aportaciones al arte de los avances
técnicos de los dos últimos siglos.

 OTRAS TÉCNICAS
o La acuarela, que consiste en disolver los colores en agua y aplicarlos
sobre papel.
o El collage. Consiste en añadir materiales de distinta procedencia a una
misma obra.

C)

Acabaremos este apartado hablando de los géneros pictóricos, es decir, de los grupos
de temas que los pintores han representado a lo largo de la historia:

 Pintura religiosa
 Escenas históricas
 Retratos
 Bodegones
 Paisajes (con el subtema marinas)
 Escenas populares
 Etc.

En muchas épocas, gozó de especial predilección la llamada “pintura de historia”, que

era la que representaba los temas religiosos y los relacionados con los reyes o los
grandes hombres. Sólo era considerado gran artista el que triunfaba en estos temas.
Este prejuicio de considerar menores los demás géneros fue puesto en cuestión
durante la Ilustración y despareció en las décadas siguientes.

2.2 La escultura

(VER PRESENTACIÓN DEL TEMA)

2.3 La arquitectura

En la arquitectura es donde se plantea de una forma más directa el problema de la

técnica. No olvidemos que la solidez y estabilidad son las características más
importantes que debe tener un edificio.

Cuando hablamos de “técnica” en arquitectura, debemos entender una gama muy

amplia de elementos:

A. Los planos del arquitecto (dibujos, maquetas, etc.), que deben ser aceptados
por los clientes y, después, bien comprendidos por los que van a hacer la obra.

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 B. Los problemas de cimentación, que tienen que ver con la geología y con los
materiales que se van a usar.

C. Los materiales. Hay épocas, en las que el desarrollo de nuevos materiales se

convierte en elemento característico de la arquitectura que se hace. Ejemplo: el
hormigón y el ladrillo en la antigua Roma; el hierro y el vidrio, a partir del siglo
XIX.

D. La estructura y los muros. A lo largo de la historia, ha predominado la

construcción con muros de carga (fuertes paredes exteriores que soportan
todo el peso del edificio). Pero ha habido épocas en las que la mayor parte del
peso era sostenido por un sistema de pilares interiores, lo que permitía,
pongamos el caso de las catedrales góticas, la construcción de amplias vidrieras
en las paredes externas. Al similar, ocurre en la arquitectura contemporánea,
en la que los nuevos materiales permiten que las paredes externas cumplan
una función meramente decorativa.

E. Las cubiertas. El modo de cubrir un edificio puede ser variado: cubiertas en

terraza, a dos aguas a cuatro aguas, etc.

F. Instalaciones de agua potable, iluminación, eliminación de aguas residuales y

pluviales, etc.

Por otro lado, también en arquitectura se puede plantear el problema de los tipos de
construcciones: la iglesia, el palacio, el castillo o fortaleza, los teatros, las obras de
ingeniería civil, etc.

Digamos también que la arquitectura es la más “social” de las artes. Un pintor o un

escultor pueden crear una obra en soledad, para sí mismos, y con relativamente pocos
medios. Un arquitecto, no, pues necesitará que alguien le haga el encargo y negociar
el pago, que muchas veces puede ser alto.

Para terminar, apuntemos que la obra arquitectónica necesita situarse en un contexto

urbano o territorial. Esto significa que el urbanismo tiene que formar parte de la
Historia del Arte.

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 3. El patrimonio cultural
3.1 Definición

La Real Academia Española de la Lengua define el término patrimonio como “la

hacienda que una persona ha heredado de sus ascendientes”. Según esta definición,
cada uno de nosotros somos herederos de una “hacienda”, un legado histórico,
artístico y cultural que podemos disfrutar pero que tenemos la obligación de conservar
para las generaciones posteriores.

En 1972, la UNESCO (Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia

y la Cultura) incluyó lo siguiente en el concepto de patrimonio cultural:

 Los monumentos: obras arquitectónicas, esculturales y pictóricas relevantes.

También los conjuntos arqueológicos, cavernas o inscripciones que tengan
valor gran valor desde el punto de vista de la ciencia, el arte o la historia.

 Los conjuntos: grupos de construcciones cuya unidad e integración en el paisaje

les dé un valor universal excepcional desde el punto de vista de la ciencia, el
arte o la historia.

 Los lugares: obras del hombre o conjuntas del hombre y la naturaleza que
tengan un valor universal excepcional desde el punto de vista de la ciencia, el
arte o la historia.

Este documento de 1972 simbolizaba cómo había cambiado la percepción que la

sociedad tenía del patrimonio y de la necesidad de conservarlo. Pero quizás el
momento clave en esta nueva concepción de la conservación del patrimonio se había
producido una década antes. En efecto, a partir de 1959, la UNESCO lanzó una
campaña internacional para salvar el templo egipcio de Abu Simbel, que iba a
desaparecer bajo las aguas de la presa de Assuán. Mucha gente tomó conciencia de
que el templo no pertenecía sólo a Egipto sino a toda la humanidad, y de conservarlo
debía ser un compromiso de todos.

3.2 Problemas y amenazas para el patrimonio

Las obras de arte sufren un deterioro natural derivado del envejecimiento. Pero, con
frecuencia, este deterioro puede ser provocado o se acelera por diversos factores.

Las causas más frecuentes de deterioro del patrimonio son las siguientes:

 Factores de deterioro químico. Normalmente están asociados a la

contaminación provocada por fábricas, automóviles, etc. Constituyen un grave
peligro para las obras al aire libre, que a veces son trasladadas a museos (las

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 Cariátides del Erecteón de Atenas o la escultura de Marco Aurelio de la Plaza
del Capitolio de Roma.
 Factores de deterioro físico. Los más frecuentes son los cambios bruscos de
temperatura y las temperaturas inadecuadas. En la pintura, pueden provocar
desprendimiento de los pigmentos; y en la arquitectura, resquebrajamientos de
la piedra. Otros factores físicos son la humedad, la erosión del viento y las
catástrofes naturales (inundaciones, terremotos, etc.)
 Factores de deterioro biológico. Provocados por microorganismos,
excrementos de aves, acción de insectos o roedores, etc.
 Factores de deterioro económico. El crecimiento de habitantes en algunas
poblaciones conlleva un deterioro del patrimonio, que las autoridades deben
paliar con medidas adecuadas. Recordemos, en este sentido, cómo el
Ayuntamiento de Segovia ha prohibido el tráfico bajo el Acueducto.
 Otros factores de deterioro: falta de mantenimiento constante, traslados
continuos, manipulación inadecuada. En la actualidad, un factor que contribuye
mucho al desarrollo es el turismo de masas, que altera las condiciones para una
correcta conservación. En este sentido, recordemos que la Cueva de Altamira
tuvo que ser cerrada al público; y se construyó una “neocueva” para recibir a
los visitantes.

3.3 Tipos de intervención

La conservación y restauración de los bienes culturales es una tarea compleja en la que

intervienen muchos profesionales: arquitectos, restauradores, historiadores del arte,
etc.
Dependiendo de la situación de cada obra, se pueden realizar dos tipos de
intervenciones:

 Intervenciones de conservación. Se trata de mantener la obra en buenas

condiciones el mayor tiempo posible.
 Intervenciones de restauración, cuyo objetivo es restablecer en lo posible la
obra de arte, procurando no caer en la falsificación. Por tanto, las
restauraciones deben ser muy cuidadosas, para no añadir nada y para respetar
el envejecimiento natural.


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