Universidad Mayor de San Andrés

Carrera de Diseño Gráfico

Título del Tema: PINTURA DIGITAL VS PINTURA TRADICIONAL

(SOCIEDAD OPINIONES)
Nombre del estudiante:
Alexander Americo Reynoso Gomez

Nombre del Docente: MARGARITA VILA

Curso: SOCIOLOGIA DEL ARTE

Año: 2016
INDICE
1.-INTRODUCCION:………………………………………………………………2
1.1.-ANTECEDENTES Y JUSTIFICACION……………………………2
1.2.-HIPÓTESIS…………………………………………………………..3
1.3.-OBJETIVOS………………………………………………………….3
1.3.1.-GENERAL…………………………………………………3
1.3.2.-ESPECIFICOS…………………………………………….3
1.4.-UNIVERSO……………………………………………………………3
1.5.-METODOLOGIA Y MATERIALES…………………………………4
2.- RECOLECCION DE DATOS…………………………………………………4
2.1.-REVISION BIBLIOGRAFICA……………………………………….4
2.2.-CUESTIONARIOS…………………………………………………..11
2.3.-ANALISÍS DE DATOS………………………………………………12
3.-CONCLUSIONES……………………………………………………………...12
3.1.-IDEA O AFIRMACIÓN PRINCIPAL………………………………..13
3.2.-JUSTIFICACION, CON ARGUMENTOS DE SU PROPIO
PUNTO DE VISTA………………………………………………………..13

3.3.-CONCLUSIÓN Y RECOMENDACIONES………………………..13
4.-BIBLIOGRAFIA………………………………………………………………..14
5.-ANEXOS………………………………………………………………………..15

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 INVESTIGACION DE SOCIOLOGIA DEL ARTE
1.-INTRODUCCION:
La pintura y la escultura forman parte de la rama del arte, propiamente dicho, estos dos se
enfocan en el hecho en el que el artista expresa lo que siente, no se enfoca
necesariamente en un publico en particular y no necesariamente se espera que la
audiencia comprenda la pieza en cuestión, es su forma de expresar lo que siente aunque
bien, muchos artistas se dedican a no solo a producir y vender su arte si no a crearlo bajo
pedido, si se les solicitan piezas especificas, tienen esta flexibilidad y cualquiera de los
dos modos en que lo hagan es válido, sea la intención de expresarse o la intención de
complacer a alguien más.
El diseño gráfico meramente dicho es una actividad relativamente más joven, el diseño
gráfico abarca muchísimas áreas, no se trata solo de hacer "dibujitos" y pasarlos a digital
y crearlos en masa, como mucha gente cree, el diseño gráfico toma como herramientas el
arte en general, un diseñador gráfico te puede hacer un logotipo, una tipografía, una
identidad de marca, un diseño de experiencia de un servicio o un lugar, te puede tomar
fotografías ya sea de personas, de paisajes, de productos, etc., los diseñadores (aclaro:
no digo que todos!!) en nuestra formación profesional también llevamos cursos de
escultura, pintura y fotografía, no solo llegamos a la universidad y nos sientan frente a una
computadora, el que piense esto está inmensamente equivocado, el diseño gráfico se
trata de investigar, de ahondar muchísimo en un tema si se quiere llegar a un buen fin
sobre un proyecto, el diseño gráfico no entra en la categoría de arte puesto que a
diferencia de este, el diseño gráfico se puede definir como un proceso para solucionar una
problemática visual, es para comunicar un mensaje en especifico a un publico meta en
especifico, en cambio el arte, como anteriormente mencioné, expresa la mayoría de las
veces lo que el artista siente en el momento de creación.
1.1.-ANTECEDENTES Y JUSTIFICACION:
En la carrera de diseño grafico observe detalladamente el interés de mis compañeros y la
desidia tras unas largas jornadas de pintura tradicional y la fatiga emocional que ello les
hace, gracias esto llegan a creer que esto es inútil, que es absurdo y van en contra
totalmente del plan de enseñanza del licenciado de esta materia, al igual que el estudio de
otras materias relacionadas con la pintura tradicional en si argumentando para ello que la
pintura tradicional es algo insulso y poco práctico a la hora de desempeñar su profesión
en el diseño gráfico.
Para lo cual la mayoría observa las desventajas y más las ventajas de estudiar estas
materias ya sea por opinión propia o por un desagrado a los materiales de
pintura o a las exposiciones de la historia del arte donde se observa el uso de este tipo de
materiales.
Creando así un ambiente disconforme que más que llegar a un progreso retrasa el
aprendizaje de los mismos estudiantes, queriendo dejar en claro mi apoyo al cambio, pero
también mi apoyo a un aprovechamiento de lo que se aprende.

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1.2.-HIPÓTESIS:
En la enseñanza de la carrera de diseño grafico en las diferentes instituciones que las
enseñan y tratan de impartir conocimientos en base a ello pensando en la mayoria de
métodos digitales como únicos y como los mejores que hay.
Se ha visto perjudicada la materia en el entorno paceño por lo tanto lo cual hace que el
interés de muchos se malinterprete y acaba por no ser mas que un simple deseo que
acaba antes de empezar, al ingresar en la universidad y recibir una educación sobre
pintura tradicional.
Demasiados dogmas se imponen tanto estudiantes como docentes, lo cual hace de esto
una guerra de desprecio sobre la pintura, entrando así en un círculo donde los estudiantes
quieren cambiar el contenido creyendo saber lo que necesitan aprender, sin observar lo
que pueden aprovechar de las enseñanzas en el estudio de la pintura a lo largo del
tiempo.
Personalmente entro en la hipótesis de afirmar una utilidad bastante sustentable que
podrían tener algunas especialidades en diseño gráfico, como ser la ilustración o la
fotografía, que pueden aprovechar mucho de esta materia, aunque también me pongo en
la posición de que existe un error que se imparte en estas materias, pero quiero
enfocarme en aprender a aprovechar lo que puedo del diseño en estas materias.
Viendo para ello formar un equilibrio entre los estudiantes, los docentes y lo que se
enseña.
1.3.-OBJETIVOS
1.3.1.-GENERAL:
Encontrar una opinión general sobre la utilidad en la enseñanza de pintura tradicional en
la carrera de diseño gráfico.
1.3.2.-ESPECIFICOS:
-Encontrar formas sustentables y creativas para aprovechar la enseñanza de pintura
tradicional en el diseño gráfico de la carrera.
-Estudiar la relación directa entre pintura digital y pintura tradicional
1.4.-UNIVERSO:
Todas las personas ya profesionales así también como alumnos de último año de la
carrera de Diseño Grafico en la Umsa entre otras instituciones de diseño, tales como
Atenea, etc. Ilustradores ya definidos en las redes sociales, bloggers en internet,
entrevistas de periódicos y otros medios a diseñadores del exterior, opiniones de
diferentes partes en internet.
El Limite será marcado por la Sociedad del Diseño, que ha centro de investigación para
este tema en concreto, ya que es de su interés la búsqueda de nuevos conocimientos y
nuevas maneras de aprender obre el color entre otros tantos
1.5.-METODOLOGIA Y MATERIALES:

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El método de investigación que se aplicara es el método cuantitativo tanto como en
cualitativo, para reunir una información lo más aproximadamente exacta en el campo de
acción en el cual se desarrolla este proyecto.
Cuestionarios para cierto grupo de personas próximas del investigador y entre la lectura
de comentarios de profesionales en la materia que se puede encontrar en debates sobre
le temas en internet, blogs, entrevistas, así como secciones de libros sobre diseño que los
autores hablan sobre la educación en el diseño, su aplicabilidad, así también como los
recursos para un estudio eficiente y creativo que podemos hallar en varios textos
profesionales.
2.- RECOLECCIÓN DE DATOS:
2.1.-REVISION BIBLIOGRAFICA:
Alberto Perucha: “Entre la pintura tradicional y la digital, lo único que cambia es el
soporte”
UN CREADOR QUE DEJÓ LOS PINCELES POR EL AERÓGRAFO, Y MÁS TARDE SE
PASÓ AL ARTE DIGITAL... SIN PERDER EL ESPÍRITU CLÁSICO DE LA 'PINTURA',
QUE SUS OBRAS REFLEJAN AL CIEN POR CIEN
ALBERTO PERUCHA
Un artista clásico en el mundo digital: parece una paradoja, una incongruencia, un
contrasentido… Y sin embargo, es una realidad. Una realidad increíblemente realista, si
se quiere. Alberto Perucha lleva años dedicado al arte en general y al arte digital en
particular, reflejando en su lienzo de cristal imágenes de un realismo y un detalle
sobrecogedores. Tras iniciarse en el óleo y las disciplinas tradicionales, este artista realiza
hoy día sus obras en la pantalla del ordenador. Y aunque su técnica es digital, sus obras
son tan clásicas como las que más, con una atención al detalle difícilmente superable.
“LA PINTURA DIGITAL SE TRABAJA IGUAL QUE CUALQUIER OTRO MEDIO:
PRIMERO SE DIBUJA Y LUEGO SE PINTA. Y SI NO SABES HACER ESTO, OLVÍDATE”
Tan importante como la perfección de la técnica, es para este artista la elección del
motivo. Las obras de Alberto reflejan temas clásicos, como barcas en el agua o rincones
recónditos de un pueblo perdido, pero también se centran en imágenes tan curiosas como
un primer plano de unos clavos dejados caer de cualquier forma, unas viejas zapatillas de
deporte o una extensa colección de cinturones. Motivos que a Alberto Perucha le permiten
reflejar su arte y su maestría. Lleno de modestia y sinceridad, este estupendo creador
clásico enmarcado en de la era de la tecnología nos cuenta cómo ha sido su trayectoria, y
cómo vive el día a día un artista digital.
TalentyArt: Veo que tu trayectoria es muy amplia y que te iniciaste en el arte con tan sólo
16 años. ¿Podrías comentarnos un poco tus comienzos?
Alberto Perucha: Comencé a pintar algo “visible” al poco de apuntarme a una academia.
Lo curioso del caso es que me apunté a arte y decoración; allí había un par de
compañeros pintando con óleo… Y me pasé rápidamente a clases de pintura. Ceras,
acuarelas y óleos fueron los medios con los que me inicié.

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Unos años más tarde comencé a tomar clases en el estudio del pintor García
Santamarina, con el cual estuve algo más de un año. Fue por entonces cuando expuse
por primera vez, todo óleos. Más tarde conocí el aerógrafo y me puse a trabajar como
ilustrador freelance. De ahí pasé por diseño gráfico, y desde el 2008, como sabes, pintura
digital.
“EL ARTE DIGITAL ESTÁ CONSIDERADO UN ARTE MENOR”
BarcasTyA: Has pasado de la pintura tradicional a la digital. ¿Qué parecidos y qué
diferencias encuentras entre ambas disciplinas?
AP: La verdad es que encuentro más similitudes que diferencias; es decir, prácticamente
lo único que cambia es el soporte. Se trabaja igual que cualquier otro medio: primero se
dibuja y luego se pinta. Y si no sabes hacer esto, olvídate. Podrás hacer otras cosas, pero
una pintura no.
Como ventajas encuentro también que no te manchas, y que no existe tiempo de secado.
Por lo tanto, no hay que esperar y es más rápido. Como desventajas, sobre todo,
encuentro que la gente en general piensa que esto se hace solo: le das a un botón y ya
está. Digamos que el arte digital está considerado un “arte menor”. Desgraciadamente,
cuenta más la opinión que la verdad.
TyA: ¿Qué tal fue la experiencia como ilustrador freelance, en la época en la que
trabajabas con aerógrafo?
AP: Fantástica. Me encanta el aerógrafo y algún día lo retomaré, así como el óleo y
demás. También me hizo cambiar mi estilo de pintar, porque al trabajar sobre todo
ilustración publicitaria me exigían mucho detalle. Así mi pintura se hizo mucho más
realista, y la verdad es que me siento verdaderamente a gusto.
“EN MIS OBRAS TRATO DE REFLEJAN LA REALIDAD, UN TANTO ALTERADA”
Martes, 04 de Octubre de 2011 08:39 Marta Sánchez Galindez - TalentyArt.
Instrumentos y materiales
Se requieren pocos instrumentos para crear diseños en color. Aparte de los instrumentos
básicos, como lápices, raspadores, reglas y cartabones, habrá que recurrir a pinceles,
tiralíneas y compases.
Los pinceles de acuarela red sable de punta redonda son recomendables para aplicar
pintura a áreas pequeñas. Las brochas, de punta plana {hechas de cerdas suaves) son
aptas para aplicar pinturas a áreas grandes. Para las formas rectilíneas puede utilizarse
un tiralíneas con más colores licuados para indicar ángulos en vez de utilizar pinceles
para llenarlos de color. El compás puede utilizarse de modo similar para los bordes de
formas circulares.
El simple papel blanco por lo general es adecuado para esbozos o visualizaciones
iniciales de color aplicado con rotuladores con punta de fieltro. Una mesa de diseño de
granulosidad media y superficie blanca es ideal en las últimas fases del proceso de
diseño.

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Los pigmentos que deben utilizarse son colores de fábrica, presentados típicamente en
botes de vidrio o de plástico. Los colores gouache, que se venden en tubos, también
pueden usarse. Los colores deben ser de buena calidad, lo bastante brillantes para
ex-presar tonos de fuerte intensidad, y han de poder aplicarse uniformemente.
“Principios del diseño en color-Wucius Wong”
Conclusiones y recomendaciones
No perdamos de vista que todo análisis pormenoriza-do de los elementos integrantes de
realidades complejas y la comunicación visual y gráfica son unas de ellas-implica un
artificio intelectual: el de descomponer y desactivar, provisionalmente, el hecho real el
significado en su complejidad y en su interdependencia de las partes configurando el todo.
Hasta aqui hemos examinado partes de un todo: el color como realidad semiótica, y si
bien este ejercicio es artificial, el método se justifica por su interés intelectual al permitir un
acercamiento analítico para la comprensión de cómo funcionan las imágenes y los
mensajes en el diseño gráfico y la comunicación visual.
De modo que, advertidos del carácter artificial y provisional de este tipo de análisis, lo más
práctico es tomar nota de lo esencial y conservarlo en la memoria. Esta actitud tiene una
doble utilidad para el diseñador, ya que, al comprender mejor los recursos comunicativos
del color toma una mayor consciencia de sus capacidades en el manejo de estos
recursos.
Por otra parte, el examen que hemos hecho puede servir de modelo para que, más o
menos sistemáticamente, el diseñador trate de aplicarlo en sus propios trabajos, no como
doctrina ni como verdades indiscutibles, sino tal como lo propone el espíritu científico,
para poner mis propias apreciaciones en discusión. Yo pienso como Karl Popper, "No
creo en la autoridad". O, tal como más explícita y participativamente decía Edward Said
en su lección magistral sobre el arte de leer 15: "Lo que sobre todo he querido transmitir a
mis alumnos es que lean de manera dinámica, abierta a múltiples significados, no como
textos cerrados. Lo más importante es que cada uno aprenda a pensar por sí mismo y no
dejarse nunca intimidar por la autoridad. Más bien, retar a cualquier autoridad, sea del tipo
que sea, y enzarzarse en un debate para explorar la fortaleza de nuestras ideas".
Incluidas las mías, y también las tuyas, amigo lector. Cerremos el capítulo con las
palabras de Ed-gar Morin: "La misión de la didáctica consiste en estimular el
autodidactismo, desper-tando, suscitando, favoreciendo la autono-mía del espíritu"
“Conclusiones de Semiotica del color- Diseñar para los ojos Joan Costa”

El diseño se ocupa de configurar objetos y servicios para dar respuesta a las demandas,
necesidades y deseos de los usuarios finales.
Los profesionales del diseño son los diseñadores.
El diseño se desarrolla en diferentes áreas de trabajo:
Comunicación o diseño gráfico
• Imagen corporativa.

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• Diseño editorial.
• Diseño comercial.
• Ilustración.
• Cartelismo.
• Diseño digital.
• Señalética.
• Branding.

 Fotografía
“Introducción- La Profesión del Diseño Gráfico”
¿Digital o tradicional? - Blog de Jevi
Siempre he sido más de dibujo digital. Desde pequeñito con el Paint hasta hace un año
cuando hice los gráficos de un videojuego. Era un mundo difícil pero accesible.
Ahora, estudiando Ilustración, estoy conociendo técnicas tradicionales que siempre llaman
la atención pero quizás cueste dar el paso. Y empiezo a dudar. Pincel, color, manchas,
etc...
Son otros mundos. La magia del pigmento, la mezcla, mancharte, el olor, el dejar tu
huella, elegir el color apropiado para obtener otro, jugar con las propiedades de los
materiales, etc. me han cambiado mucho.
Comienzo a ver lo digital como algo más frío, menos bello, más mecánico. Cosa que
nunca pensé. Ahora cuestiono cuál tiene mayor significado para mí.
Pero en el fondo conozco la respuesta: no es el cómo, sino el qué. El dibujo digital no es
otro mundo, es una herramienta, una más, quitando esa separación clásico - moderno.
En ambas puedes ver obras de arte y otras cosa nada que ver.

Comentarios sobre el blog

Lo que importa es el sentimiento, y eso es algo que, en un mundo funcionalista y en el
que el arte actual es sinónimo de dinero, hay que valorar.
killeruy 98 Dom, 20/11/2011 - 06:16
Bueno, desde mi punto de vista creo que el tradicional es por mucho mejor que el digital,
por que el digital te obliga a saltear muchísimos detalles (a veces minúsculos) que con el
tradicional tienes que aprenderlos de todos modos, ejemplos clásicos serían el tipo de
hoja, en el arte digital simplemente se comienza con un lienzo en blanco y de ahí se
agregan los tipos de pinturas con sus respectivos efectos, micas, tramas o lo que fuera,
en cambio en el tradicional no es tan simple por que utilizar la técnica correcta en el papel
incorrecto termina en desastre. Otra diferencia es que en el arte tradicional se puede

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explorar más que en el arte digital, ya que si no esta dentro de las opciones lo que
deseamos hacer y no puede ser configurado de otra manera entonces simplemente no
podemos hacerlo (o por lo menos no en ese programa) pero por ejemplo mezclar acrílico
con quita esmalte, jugar con el relieve de oleo creando una imagen táctil. uff muchísimos
más ejemplos sin hablar ni siquiera del tema de la experiencia, ya que dense cuenta de
una cosa dejando de lado el tema del talento cursos de diseño gráfico existen hasta abajo
de una piedra, cursos de dibujos tradicional no los hay universales como en el arte digital
por que en el arte digital no se te enseña a dibujar sino a usar el programa, una vez
dominado es simplemente cuestión de ingenio y algo de practica, en cambio en el
tradicional como cada técnica es toda una biblia de conocimientos y practicas sin contar el
estudio universitario de bellas artes la diferencia es abismal.
Conclusión:
*el arte digital es muy practico si te te interesa poder hacer bocetos muy vistosos ( dudo
que veamos gente sentada en los museos frente a la mona lisa con una tableta).
*es extremadamente rápida a la hora del colore te puedes convertir semanas en horas,
(eso ayuda a ver como sería el resultado final y no lamentarse por alguna elección de
colores)
*muy muy popular, el uso digital hoy en día es como el agua, (eso implica que nunca
estarán en desventaja con la competencia)
Muchas veces he aconsejado a los que quieren iniciarse y compraron una tableta, que
primero hagan sus dibujos y bocetos en papel y luego los vuelvan a realizar de manera
digital así además de ver la diferencia logran practicar, luego que primero pinten su dibujo
en la tableta y seguido que lo pinten en papel, eso es lo que siempre aconsejo.
Narcyl 1490 Sáb, 19/11/2011 - 12:14
Yo mas bien lo veo como una forma de no gastarte tanta pasta en materiales de pintura,
me explico: unos buenos lapices acuareables, oleos, rotuladores, sea lo que sea, cuesta
una pasta. Y no solo eso, el tiempo que puede consumirte preparar todo para ponerte a
pintar.

Una tableta, te gastas una vez los 80 euros que cuesta una aproximadamente, y si solo
tienes 20 minutos para pintar algo, le das a guardar y listo.

Lo tradicional tiene su encanto (yo siempre he sido de manual 100%) pero desde que me
hice mas mayor y he tenido menos tiempo, me he pasado a digital a tiempo completo. Y si
a eso le sumamos el uso generalizado que tienen hoy en dia los soportes digitales...
phuk 7 Vie, 18/11/2011 - 19:10
yo hago una especie de mezcla, todo lo que es boceto y trazos hago a mano, a veces le
doy un poco de toques de colores de forma tradicional, pero hablando de colorear siempre
lo digital, aunque siempre me gusto acuarela..

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khalixti 565 Jue, 17/11/2011 - 20:41
100% de acuerdo!!!
asi hay que ver ambos, pero nunca despreciar el digital y/o tradicional, se pueden hacer
maravillas con todo, hay grandisimos maestros que admiro en el mundo digital y otros
igual de grandes en el tradicional,
Lo mejor que puedes hacer es aprender de los 2, lo que te pasara con el tradicional es
que aprenderás mas (luego hecharas de menos el control+Z jajaja) pero desde mi punto
de vista lo mas importante es la observacion y luego la practica.
Asi que animo con la ilustracion!!!
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Dibujando - Todos los derechos reservados
Barreras de la creatividad
Para ser creativo, se debe estar abierto a todas las alternativas. Este nivel de apertura
mental no siempre es posible puesto que todos los humanos elaboramos bloqueos
mentales en el proceso de maduración y socialización. Algunos de estos bloqueos tienen
orígenes externos, tales como el entorno familiar, el sistema educativo o la burocracia
organizativa. Otros esquemas se generan internamente a través de bloqueos a nuestras
reacciones a factores externos o mediante factores físicos.
Una cuestión clave a la hora de mejorar la creatividad es ser conscientes de nuestros
bloqueos y tratarlos de algún modo. Aún cuando todas las personas tenemos bloqueos
respecto a la creatividad, dichos bloqueos varían en cantidad e intensidad de una persona
a otra. La mayor parte de nosotros no somos conscientes de nuestros bloqueos
conceptuales. Estar alertas al respecto no sólo nos permite conocer mejor nuestras
fortalezas y debilidades, sino que también nos proporciona la motivación y el
conocimiento necesarios para romper tales bloqueos.
Los bloqueos mentales han sido clasificados en perceptivos, emocionales, culturales,
ambientales e intelectuales. Los bloqueos perceptivos son obstáculos que restringen
nuestra capacidad para percibir el problema en sí mismo, o la información necesaria para
abordarlo. Como es bien sabido, nuestros ojos pueden inducirnos a error cuando
observamos ciertas figuras. Nuestras percepciones no siempre son precisas.
Los bloqueos emocionales limitan nuestra libertad para investigar y manipular ideas.
Afectan a la comunicación de nuestras ideas a otras personas. Estos bloqueos también se
denominan barreras psicológicas y son los más significativos y persistentes entre los
obstáculos a la innovación. El temor a la novedad es una característica común a muchos
individuos en los países desarrollados.
Los bloqueos culturales se configuran a partir de la exposición a ciertos patrones
culturales. La cultura de las naciones industrializadas expulsa el sentido del juego, la
fantasía y la reflexión sobre uno mismo sustituyéndolos por el valor de la eficiencia, la
eficacia y el hacer dinero. Tabúes y mitos son los bloqueos predominantes del

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comportamiento creativo. Por tanto, hay que ser muy valientes para actuar creativamente
en una cultura que no promueve los cambios creativos.
Nuestro entorno físico y social inmediato produce bloqueos ambientales. Las personas
creativas tuvieron, en general, una infancia en la que fueron libres para desarrollar sus
propias potencialidades. Como sabemos, el clima organizativo puede ser una barrera o un
estímulo para las actividades creativas.
Los bloqueos intelectuales son producto del conservadurismo y la falta de disposición
para utilizar enfoques nuevos. Los mismos enfoques, las mismas herramientas y las
mismas personas se enfrentan a los mismos problemas durante años. Las personas con
bloqueos intelectuales generalmente son muy reacias a los cambios y están bien
predispuestas para criticar las nuevas propuestas.
Contextos de la actividad creadora
La creación está presente en todos los aspectos de la vida y puede surgir en cualquier
momento, pero cada uno tenemos una serie de lugares y situaciones en las cuales nos es
más fácil crear, por lo que tenemos que llevar a cabo nuestro contexto creativo.
Factores que impiden la creatividad
El desarrollo de la creatividad tiene numerosas barreras, algunas de ellas internas y otras
externas. Hasta tal punto tenemos impedimentos dentro de nosotros mismos que Adams
(un estudioso de estos fenómenos) se refería a ellos como auténticos //“muros mentales”//
que impiden la adecuada conceptualización de un problema para poder llegar a su
solución.
Dos importantes factores que limitan la creatividad está dada por la relación con el
entorno, lo cual impide que otras explicaciones puedan ser consideradas. Y el otro factor
es la contigüidad. Aquellos hechos que por sucesión en el tiempo han antecedido a la
aparición de un fenómeno serán las primeras explicaciones propuestas como causas,
impidiendo que se consideren otras explicaciones. Entre las principales barreras a la
creatividad tenemos:
LIBRO DE LA CREATIVIDAD – PLANETA Editorial
Observando los textos y comentarios de varios sitios web o blogs, a su vez que se
consulta libros de diseño gráfico para extraer de ellos párrafos o artículos que van con
relación a la hipótesis y los objetivos del trabajo de investigación sociológica en la
sociedad del diseño.
Podemos percatarnos que estamos ante un empate técnico que va en favor de un
aprendizaje personal por parte de cada estudiante de la materia, pero con un
conocimiento básico sobre lo que es realmente el diseño en estos días, así también como
sus distintas ramas y las aplicaciones del mismo.
2.2.-CUESTIONARIOS:
Los cuestionarios que se llevaron a cabo a la sociedad del diseño próximas en la
Universidad pero con una formación final y criterios avanzados sobre la materia de diseño

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gráfico como una herramienta de comunicación, tales como estudiantes de ultimo año y
también docentes de esta universidad, como de otras instituciones.
Contando para ello con un mínimo de 20 personas entre estudiantes y docentes de la
materia.
La hoja de cuestionarios constaba de una pregunta abierta la cual era:
-¿Usted cree que la enseñanza y le estudio de la pintura tradicional en la carrera de
diseño gráfico es útil de alguna forma? ¿Porque si? ¿Por qué no?
SIRVE: 72%
NO SIRVE: 25%
INDESISOS: 3%
Cuyos resultados finales fueron en mayoría a favor de la enseñanza de la materia y de su
práctica en las universidades como una materia obligatoria, tanto docentes que atribuyen
a este un comienzo a lo que es el diseño gráfico después y que para una buena noción de
aquello por donde comenzó y esto sirve para aprender cosas elementales sobre el diseño
gráfico, y que a estudiantes de diseño ya salidos así también como los de ultimo año
alegan que la creatividad se da por distintos medios y que la pintura en si al igual que el
diseño es comunicación y que de su análisis se puede aprender muchas cosas como
color, textura, formas, técnicas que más adelante se pueden aplicar en lo digital.
Docentes de diseño gráfico en institutos señalaron que con un aprendizaje básico en
estas pinturas se puede desarrollar mejor una enseñanza en lo digital después por que
tiene más idea de cómo pintar en lo digital y de que trabajos hacer frente al ordenador, así
también como aprender combinaciones básicas del color y sus uso en los medios de
información así también como en fotografía.
Estudiantes ya salidos de la carrera y entre otros de último año indican que del todo útil no
lo es y que cada estudiante con una noción práctica de la materia dirigida a la carrera le
puede sacar mucho provecho mientras sea esta una materia obligatoria e indican
maneras de aprender de ello.
Aquellos encuestados que respondieron que no sirve la materia alegaron a puntos
tecnológicos que hacen que en vez de una aprendizaje indirecto mediante la materia de
pintura, se puede pasar directamente al ordenador y acelerar más el proceso, y empeñar
el tiempo de esas materias en lago teórico y lo más pronto posible la introducción al
diseño digital que la sociedad de diseño se queda atrás en ello.
Personas indecisas mayoría entre estudiantes de último año dijeron que aprendieron algo,
pero no fue mucho y que se ponen en una posición crítica sobre el asunto, “sirve pero no
tanto”.
2.3.-ANALISÍS DE DATOS:
Tanto como en la revisión bibliográfica donde se acudió a información de libros, entre
otros artículos de diseño y también los cuestionarios se recogió demasiada información
útil y relevante sobre una opinión general de la enseñanza de la pintura en el diseño
gráfico.

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Los libros de grandes maestros del color y del diseño nos indicaron que la práctica del
color no tiene un método preestablecido y que un profesional en le diseño puede aprender
hasta del más mínimo detalle cómo nos señala Joan Costa en su libro: “Lo que sobre todo
he querido transmitir a mis alumnos es que lean de manera dinámica, abierta a múltiples
significados, no como textos cerrados. Lo más importante es que cada uno aprenda a
pensar por sí mismo y no dejarse nunca intimidar por la autoridad. Más bien, retar a
cualquier autoridad, sea del tipo que sea, y enzarzarse en un debate para explorar la
fortaleza de nuestras ideas".
Así también como el libro de la creatividad que señala que todo aquel buen diseñador
sabe hacer mucho con poco y que no existe n limite si se rompen todas esas barreras que
impiden ver más allá de lo que se desea aprender subjetivamente.
También en las entrevistas y blogs de profesionales de otros países quienes debaten
estos temas en la redes sociales invitando a más personas a participar de estos debates,
entre ellos estudiantes, docentes etc. Entre los cuales podemos observar un pensamiento
promedio que indica lo siguiente:
“Cursos de dibujos tradicional no los hay universales como en el arte digital por que en el
arte digital no se te enseña a dibujar sino a usar el programa, una vez dominado es
simplemente cuestión de ingenio y algo de practica, en cambio en el tradicional como
cada técnica es toda una biblia de conocimientos y practicas sin contar el estudio
universitario de bellas artes la diferencia es abismal.”
Y aquí en los cuestionarios a profesionales del entorno paceño señalan la misma igualdad
e importancia que hay en ambos, maneras de aprovechar totalmente la pintura tradicional
y luego pasar al digital, para tener cosa mejores que hacer de distintas maneras y ser
creativo con lo que has aprendido de uno y de otro y es más conocer los estudios básicos
de donde se sacó el desarrollo de pintura digital.
3.-CONCLUSIONES
3.1.-IDEA O AFIRMACIÓN PRINCIPAL:
El pensamiento contemporáneo de la sociedad del diseño sobre este tema apunta a que
la utilidad se define a la calidad de docente y estudiante que hay en cada clase un
docente enseña en base a la pintura tradicional, a su vez el estudiante con la nación
básica de los que es diseño gráfico aprende a la ves que puede proponer cambios para
mejorar la materia y le tiempo en que transcurre.
Para aprovechar todos estos conocimientos y utilizarlos de manera creativa sin
bloquearse con disgustos innecesarios, por pensamientos propios que lo alejan de este
beneficio que es la pintura tradicional y el estudio de grandes obras.
La sociedad del diseño gráfico no se hizo esperar para debatir este tema, en el cual
también afirman este equilibrio en la utilidad de la pintura en el diseño, donde comentarios
sobresalientes de profesionales y amateurs nos explican sus propios puntos de vista.
Generalizando esta materia sirve y es altamente aprovechable si el estudiante está
capacitado en el aprendizaje creativo de lo que es diseño gráfico.
3.2.-JUSTIFICACION, CON ARGUMENTOS DE SU PROPIO PUNTO DE VISTA

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Para aprovechar un enseñanza de la pintura tradicional y del estudio de obras con esta
clase de enfoques, sirve de mucho tener una mente creativa que te haga percibir más allá
de los que realmente es y entender todo esto pero con base en el diseño gráfico, no
dejándote limitar por las circunstancias sociales que parecen afectar terriblemente tu
aprendizaje, como indica el siguiente párrafo del libro de creatividad.
“Para ser creativo, se debe estar abierto a todas las alternativas. Este nivel de apertura
mental no siempre es posible puesto que todos los humanos elaboramos bloqueos
mentales en el proceso de maduración y socialización.”
Como en el libro de “Profesión del Diseño Grafico” donde todos los enfoques usan color y
la ilustración una de las ramas favoritas de muchos, consta en gran medida de un estudio
de las formas técnicas de este tipo de materiales así también como del estudio de formas,
sombras etc.
A su ves que uno de los grandes maestros de diseño gráfico como es Wucius Wong que
indica en su libro Diseño en color lo siguiente: “El simple papel blanco por lo general es
adecuado para esbozos o visualizaciones iniciales de color aplicado con rotuladores con
punta de fieltro. Una mesa de diseño de granulosidad media y superficie blanca es ideal
en las últimas fases del proceso de diseño.” Indicando lo mucho que se puede aprender
sobre el color en algo tan simple.
3.3.-CONCLUSIÓN Y RECOMENDACIONES:
La conclusión final a la que he llegado en esta investigación, fue que no debemos
desaprovechar lo que nos enseñan en la materia que está relacionado en con la pintura,
ya que como materia troncal tal vez no está enteramente dirigida a un mercado del diseño
y es más apoyo el movimiento de reducción de horas en la carga de estas y otras
materias, pero queriendo enfocarme en los estudiantes al proponerles ver desde distintos
puntos críticos la materia, no dejarse llevar por lo que dice el resto si no encontrar una
opinión propia y a su vez encontrar un camino en el cual enfocaran la mayor parte de su
vocación al diseñar, y que con esas bases estudien la materia con ese enfoque.
Debo aconsejar a los demás como a mí mismo como estudiante, la practica constante del
diseño gráfico y estudio de la esencia de la materia para luego aprovechar esta y otras
tantas clases que de seguro les parecerá una falacia, pero vamos que podemos encontrar
un camino en medio de la tormenta, a la vez que los apoyo a hacer los cambios que se
proponen en la carrera, siempre teniendo en cuenta a los demás ramas del diseño y las
opciones que le pueden aumentar o reducir a los estudiantes que van a entras en los
próximos años.

4.-BIBLIOGRAFIA:
EDITORIAL PLANETA (2010) LIBRO DE CREATIVIDAD ¡Q´BUENA idea! (Libro Digital)
Joan Costa (2012) Diseñar para los ojos (3ra Ed.), La Paz-Bolivia, Grupo Design
Surgenia ©(2009)La profesión del Diseño,(Manual) Manual de Buenas Prácticas del
Diseño,CENTRO TECNOLÓGICO ANDALUZ DE DISEÑO

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Wucius Wong (1999) Principio del diseño en color (2da Ed.), GG Diseño © Editorial
Gustavo Gili. SL, Barcelona.
Yapu Mario, (2014) Pautas Metodológicas para investigar en ciencias sociales y humanas,
UPIEB
Yapu Mario (2015) Investigación en Ciencias Sociales y humanas, (Resumen), UPIEB
Marta Sánchez Galindes,(2011) Alberto Perucha Pintura digital y tradicional,
(Entrevista)URL.-www.talentart.com, Disponible en:
www.talentyart.com/entrevistas/alberto-perucha-entre-lo-tradicional-y-lo-digital-lo-único-
que-cambia-es-el-soporte
Javier Aguilar, (2012) ¿Digital o Tradicional?, Blog de Jeir,dibujando.net, Disponible en:
http://dibujando.net/blog/jevi/digital-o-tradicional-25314

5.-ANEXOS:

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