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Similitudes visuales con el Movimiento de Artes y Oficios: la defensa del ornamento y lo sinuoso
• El Movimiento de Artes y Oficios tenía compromiso social, quería generar un cambio positivo
en la vida cotidiana; el Art Nouveau, fue reflejo de la sociedad y un movimiento meramente
estilístico.
• Los diseñadores e ilustradores del Art Nouveau trataron de hacer del arte parte de la vida
cotidiana. Mejoraron la calidad visual de las comunicaciones masivas.
• En 1881, se sanciona nueva ley sobre el cartel. Podían ser colocados casi en cualquier parte. Las
calles se convirtieron en galerías de arte para toda la gente (universalidad).
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Francia
Chéret
• Las figuras de sus carteles expresan energía y movimiento.
Toulouse-Lautrec
• Admirador del arte japonés, frecuentó los burdeles y cabarets
de París captando la vida nocturna de le belle epoque.
Alphonse Mucha
• Su tema dominante era una figura central femenina rodeada de
formas estilizadas derivadas de platas y flores, mosaicos bizantinos y lo
mágico y oculto.
Inglaterra
Un fuerte impulso del Art Nouveau en Inglaterra fue creado por la revista El Estudio. En la edición de
septiembre se incluyó Las tres novias del pintor holandés Toorop. Esta pintura muestra con claridad las
características del Art Nouveau, a partir de las largas curvas, la esbeltez de las proporciones y los perfiles
extrañamente oblicuos. Se observa un diseño complicado, ondulante, sinuoso, entrelazado que cubre
enteramente la tela.
Aubrey Beardsley
• Algunas de las características de su
estilo son su excelente manejo de la pluma,
sus vibrantes blanco y negro y sus figuras
escandalosamente eróticas.
Norteamérica
Will Bradley
• Bradley se inspiró en Aubrey Beardsley, lo cual lo
llevó a la producción de figuras planas y contornos
estilizados.
• Amplia gama de vocabulario gráfico: contornos de líneas delicadas, el dibujo de tono complejo
total y reducción de la imagen a siluetas en blanco y negro. Juega con una superposición simple
de elementos planos. Mezcla rostros de frente y cuerpos de perfil y viceversa.
Bélgica
Van de Velde
• Fundador del modernismo en Bélgica. Arquitecto, pintor y
diseñador.
• No aplicó el ornamento a la estructura, sino que su ornamento era un aspecto lógico del
conjunto. El trabajo de Van de Velde evolucionó desde las formas inspiradas por motivos de
plantas e ideas simbólicas hasta el estilo abstracto.
Durante los últimos años del siglo XIX, la economía de Austria-Hungría se encontraba detrás de las de
otras potencias. La economía y la sociedad de las diversas partes del Imperio eran muy desiguales. El
nuevo desarrollo es apoyado por la burguesía liberal.
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El pintor Gustav Klimt fue el primer presidente y guía espiritual que dirigió la
revuelta. Olbrich, Josef Hoffmann, Koloman Moser, Otto Wagner, Klinger,
Roller y Loffler fueron miembros clave.
La división social era aún mayor que la racial y en ocasiones se sobreponía. Pero
al no poder participar en las transformaciones políticas y sociales, la burguesía
liberal se centró en la literatura, la ciencia y el arte, apoyando a los jóvenes
creadores y participando de sus movimientos de rebeldía. Ya desde mediados
del siglo XIX, Viena dejó de ser algo más que una ciudad medieval para
convertirse en la meta cultural de Europa Central. El nuevo desarrollo es
apoyado por una burguesía liberal, especialmente abierta y sensible a causa de
una larga y equilibrada tradición.
Al ser uno de los objetivos del movimiento el acercar el arte moderno a los vieneses, buena parte de los
beneficios de las exposiciones se invirtieron en comprar cuadros de artistas modernos para donarlos a la
Galería Austriaca. Sin duda que esto causó un cambio tremendo en la faz social, política y artística de la
vida urbana. En este contexto se creó la Secesión Vienesa, con el fin de instaurar un arte verdadero, libre
del carácter comercial, en reacción contra el academicismo reinante.
Movimiento en oposición al florido Art Nouveau. Referencias a mitologías, figuras simbólica. Apreciaban
las letras limpias y sencillas de palo seco. Grabados, litografías y xilografías. Respeto a los materiales y la
armonía de la proporción.
Los distintos miembros se especializaron en una o más disciplinas. Construcción de diseños modulares.
Cuidadosa alineación horizontal y vertical de los elementos, espacios en blanco como parte de la
composición.
Gustav Klimt
Koloman Moser
Diseñó una amplia gama de trabajos artísticos: libros y gráficos desde estampillas a
viñetas para revistas, moda, vitrales, porcelanas y cerámicas, vidrio soplado, vajilla,
platería, joyería y mobiliario, entre otros.
Paradigma de la modernidad/posmodernidad
El Art Nouveau se vincula a tres aspectos de la revolución industrial; el liberalismo, el naturalismo y la
democracia.
Será naturalista inspirado en las formas de la naturaleza. Su objetivo es producir objetos, invadir la vida
cotidiana. Se dirige al pueblo; será social.
La modernidad es el resultado ideológico del modernismo, pero es también un impulso hacia la creación
en ruptura con todas las ideologías y referencias de lo antiguo.
La modernidad plantea preguntas que son contestadas por el modernismo; el Art Nouveau busca el
lenguaje universal y representativo de la época.
Buscaron la ruptura con el pasado. Arte propio. Existe la tipificación del lenguaje, es decir la
estandarización de recursos de forma tal que la reproductibilidad industrial sea posible. Se observa que
el lenguaje ornamental modernista, planificado, con volúmenes claros, simétricos, con ángulos rectos y
curvos dan un sentido estructural racionalista. Moser trata de unir el arte con la técnica utilizando un
nuevo lenguaje comprometido con la ciudad, integrando el ritmo de con repetición de las formas.
La secesión vienesa presenta un claro estilo: los diseños son modernistas, ni orgánicos, ni naturalistas
sino estilizados y abstractos. La tipografía es un elemento determinante, de gran importancia, que
sostiene un valor formal, compositivo y comunicativo. El concepto subjetivo de belleza busca la
originalidad a través de la síntesis, geometría, figuras planas con mayor simplicidad. El diseño y el trabajo
manual llegan a ser cada vez más importantes culminando con un énfasis en los modelos geométricos y
la construcción modular del diseño iniciada por Charles Mackintosh en la Escuela de Glasgow.
El diseño en todos sus órdenes y el arte es lo que distingue en especial a Viena como un lugar de
renovación. La filosofía moderna asume un modelo más racional, donde las formas contribuyen a la
funcionalidad mediante soluciones objetivas y el rechazo del individualismo. Moser sostiene un lenguaje
racional propio: a través de la razón comunicativa, la suma de diversos elementos (las percepciones y las
ideas simples) se unen mediante leyes de asociación formando las ideas complejas, estructuras
complejas donde se valoran todas las visuales.
Todo esto a partir de la realidad histórica del momento; Der Balue Reiter (El jinete azul)
guerra, injusticia, irracionalidad.
Es la segunda rama del expresionismo alemán. Fundada
Los expresionistas defendían un arte más personal e in- por Paul Klee, Kandinsky y Franz Marc.
tuitivo, donde predominase la visión interior del artista
(la expresión) frente a plasmar la realidad (la impresión). • Era una perspectiva más espiritual, no violenta.
• El arte como nexo de lo material y espiritual en el
Avances ciencia/tecnología: mostraron que hay más de lo mundo.
que podemos ver (ruptura con impresionismo). • Kandinsky pinta con formas abstractas; líneas y colo-
res que el burgués no entiende.
Arte subjetivo: representación de sentimientos y pasiones
extremas en temas como Discute con El Puente por
la angustia, soledad, amor. su visión violenta de las co-
Colores fuertes, rojos, agre- sas. Va a tratar de abstraer
sión, violación. Muchas la esencia de lo real.
manifestaciones diferentes
entre sí. El arte expersionista se
convierte en un grito de
Edward Munch alarma y protesta ante
Pintor y grabador noruego el absurdo de la vida y la
de la corriente expresionis- muerte, el vacío, el dolor, la
ta. Evocativas obras sobre no comunicación, el egoís-
la angustia. El amor y el mo.
odio, el deseo, las pasiones
y las emociones, son eleva- En 1912 se presenta su ma-
nifiesto. Las formas se van perdiendo más en manchas de
colores. No es necesario un tema o una historia. El color
es el protagonista.
Antecedentes
Madam Blavatsky
Monjes tibetanos, alquimistas, ciencias ocultas. Se fanati-
zó con el ocultismo y las doctrinas secretas. Asegura que
el hombre con el conocimiento esotérico puede liberarse
del yugo y liberar su conciencia. Relaciona los plantas, co-
lores, partes del cuerpo, elementos.
Cezanne
Todo es esfera, cilindro y cubo.
Kandinsky
Todo parte del círculo, triángulo y cuadrado. Kandinsky
dice que el error está en querer pintar en 3 dimensiones.
El cuadro solo ofrece 2; ancho y largo. Aprovecha las ideas
de Blavatsky.
Paradigma modernidad/posmodernidad
• Es considerado la primera vanguardia, ya que rompe Cezanne y su concepción de la distorción del punto de vis-
con el estatuto renacentista vigente: la perspectiva. ta, para plasmar la realidad como una incipiente “perspec-
tiva múltiple”. Mostraba lo representativo de los objetos
Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras aunque no se viera desde su punto de vista.
geométricas, fragmentando líneas y superficies. Se adopta
así la perspectiva múltiple: se representan todas las par- Teoría de los cuerpos: la naturaleza contenida en figuras
tes de un objeto en un mismo plano. madres: cilindro, esfera y cono. También tomó referencias
de la escultura africana.
Representar desde lo que sabemos de los objetos: apare-
cen al mismo tiempo y en el mismo plano diversas vistas. En cuanto a los aportes gráficos, trajo el collage, la sínte-
sis de la forma y simultaneidad
Pablo Picasso desarrolló el cubismo como un movimiento
artístico que sustituía la representación de las apariencias
con posibilidades infinitas de formas inventadas. Paradigma modernidad/posmodernidad
Analizó los planos del objeto desde diferentes puntos de Quiebre en la visualidad: un entender más conceptual
vista y utilizó estas percepciones para elaborar una pintu- que visual. Critica al arte académico porque muestra un
ra compuesta por planos geométricos rítmicos. Se intro- solo punto de vista. Nuevo lenguaje que pudiera acercar
duce el collage de papel como técnica en los trabajos. la imagen a lo real.
Georges Braque, tuvo unos primeros momentos fauvistas. Síntesis de las formas: estilo. Geometría, abstracción, se
En una primera época pinta cuadros de superficies super- pierden las formas de la naturaleza.
puestas y planos angulares, componiendo a base de cu-
bos; usaba pocos tonos cromáticos.
Vanguardia, cubismo, Rechazada por ser dema- Vanguardia, cubismo, Vanguardia, cubismo,
modernidad. siado futurista. Vanguardia, modernidad. modernidad.
cubismo, modernidad.
Futurismo
dial, por lo que la sensación general era de belicismo.
Paradigma modernidad/posmodernidad
Contexto histórico
Cualidades gráficas y conceptuales
Durante la turbulencia de la primera Guerra Mundial y de Color simbólico + bidimensionalidad + geometría
la Revolución Rusa, en Rusia hubo un florecimiento del
arte creativo. Al mismo tiempo que caía el régimen zarista Malévich toma ideas de Kandinsky. Agrega luz y sombra
y se precipitaba la guerra civil, daba inicio el proceso que, -blanco y negro- al simbolismo del color. El blanco es la
luego, consolidaría la Revolución en la Unión Soviética. verdad, la pureza; el negro es la mentira, la impureza.
El arte ruso ejerció una influencia internacional en el di- También tenía fascinación por las relaciones establecidas
seño gráfico y la tipografía del siglo XX. En 1910 con las por Blavatsky. Pintó geometrías duras y simbólicas. Las
conferencias de Marinetti, Rusia vio a los artistas de esa posiciones en el plano, los usos de color y diagonales, ha-
nación absorber las nuevas ideas del cubismo y del futu- blan de realidades humanas.
rismo rápidamente. La vanguardia rusa tenía suficientes
rasgos comunes con el cubismo y con el futurismo. El término de suprematismo es usado por primera vez por
Malevich en su manifiesto de 1915 El mundo de la no re-
Malevich, tras descubrir el Manifiesto Futurista de Filippo presentación. La primera manifestación de esta tenden-
Marinetti en 1909, el ruso, ajeno a la maquinaria loada por cia es la pintura “cuadrado negro sobre fondo blanco”.
el poeta italiano, lo adaptó a su realidad con el “cubofu-
turismo”, que combinó el dinamismo de los futuristas con Abandonó la figuración y pasa al arte basado en la supre-
las perspectivas fragmentadas de cubistas como Picasso macía de la sensibilidad plástica por encima de todo des-
o Braque. criptivismo. Sujección a la bidimensionalidad, estructuras
complejas, empleo de colo-
Kasimir Malevich (1878-1935) fundó un estilo de pintura de res planos contrastantes.
formas básicas y de color puro al que llamó Suprematis- Supremacía de la forma y el
mo. color por sobre el cuadro y
lo anecdótico.
• Buscaba la expresión suprema del sentimiento, sin
buscar valores prácticos, ni ideas. Pinta blanco sobre blanco.
Queda atrapado en su pro-
Las formas y colores separadas del mundo físico abrieron pia vanguardia e ideología y
el camino a la abstracción, hacia la que evolucionó en ple- doctrina. Porque si el blan-
na Primera Guerra Mundial y que culminó con La primera co es la pureza absoluta,
aparición del Suprematismo fue en una exposición reali- el blanco sobre blanco es
zada en Moscú en donde se mostró el cuadro “Cuadrado el hombre en la pureza ab-
negro y cuadrado rojo” en el año 1915. Ese año también el soluta, todo lo que pintara
pintor Kazimir Malevich y el poeta Vladimir Maiakovski que no fuera blanco sobre
escriben el manifiesto del Suprematismo. blanco, sacaba al alma del
nirvana. Deja de pintar.
De ahí surgió el suprematismo, uno de los movimientos
más influyentes del siglo XX, que exploró el potencial del
arte a través de formas geométricas sin conexión con el
mundo, creando un universo sin objetos.
En los años siguientes evolucionó del cubismo a una abs- Fue el primer artista abstracto que contribuiría a modi-
tracción geométrica pura. Abstracción: expresión de la ficar la visión de la Bauhaus, aunque sin intervenir como
realidad pura. docente. Muestra a los alumnos que es un tipo de arte que
se puede industrializar porque está íntegramente forma-
Para 1920 hará que sus pinturas se conviertan en tramas do por líneas rectas y colores primarios.
de líneas ortogonales que enmarcan plenos de colores
primarios en forma de cuadrados o rectángulos. Antes de eso en Bauhaus se había desarrollado su etapa
expresionista que flaqueaba por su dificultad de industria-
lización. El y otros miembros de De Stijl entrarían a formar
Cualidades / Influencias / Referentes parte de la Revista G, órgano del Constructivismo alemán
cuya redacción estaba formada por Hans Richter, El Lis-
Mondrian, líder de la van- sitzky y Gräff y contando, además, con Mies van der Rohe
guardia, plantea que la ver- como colaborador.
tical tiene directa relación
con Dios, la energía de la Vilmos Huszár Camino a
creación y lo masculino. la abstracción, geometría
Lo horizontal tiene que ver simbólica, grilla, equilibrio,
con la tierra, la espera, lo adyacencia.
femenino.
Pieter Oud su obra des-
Shoenmackers, matemá- pués influyó en Bauhaus.
tico que usaba las ciencias Modelista a escala, su prin-
exactas para buscar el ca- cipal influencia fue De Stijl.
mino a Dios. Propone una No llegó a firmar el mani-
grilla matriz a partir de la fiesto. Se fue apartando de
cual se crea el mundo. La plantea ortogonal -X e Y. la ortodoxia del grupo.
El neoplasticismo es la vanguardia más esotérica y cerra-
da de todas, y también la que mejor se adaptó a la indus-
tria. Era fácil de usar, fácil de adaptar a diversas piezas.
Paradigma modernidad/posmodernidad
Con lo cual, deja de ser algo elitista. Le quita valor. Tan- • Quiebre: utilizaron un lenguaje despojado de tradicio-
to los cuadros como las estructuras, son construcciones nes donde aparecen los formalismos.
geométricas. No necesariamente significan algo.
• Síntesis: máxima abstracción, fondos planos, color
Segunda Fase (1917) Sociedad + industria uniforme, sobre todo negro y colores primarios.
= Construcción
• Formación racional: funcionalidad y legibilidad en la
Contexto comunicación.
• Revolución Rusa tras la Primera Guerra Mundial.
• Rusia, a pensar de haber estado en el Triple Entente
y de haber “ganado” dicha guerra, fue el país que tuvo Referentes
mayor cantidad de bajas militares y civiles, y perdió
un importante combate contra Alemania. Esto gene- Aleksandr Rodchenko:
ró tensiones políticas internas. fotógrafo, diseñador grá-
• Lenin toma el poder. Busca una nueva cultura, una fico, diseñador industrial,
nueva bandera, una nueva ideología y por lo tanto un arquitecto.
nuevo lenguaje. Propio, único. Influencia comunista
de Marx. Buscaba una reforma total. Plantea que la vanguardia
este orientada a un fin po-
Hereda un país con un 80% de analfabetismo. Convoca a lítico publicitario. Hizo sus
todos los artistas, entre ellos Mayacovsky que llama a Ro- primeros dibujos abstrac-
dchenko quien propone el Constructivismo, pero de una tos, influido por el Supre-
nueva manera, resignificado, reinventado según los inte- matismo de Malévich.
reses de Lenin.
La fotografía era una forma
La construcción ya no remite a un término de construc- de venta. Significaba tec-
ción física, sino de reconstrucción social. La industria re- nología, progreso. Era símbolo de poder económico y po-
presenta los nuevos materiales. Es la primera vanguardia lítico. De esta forma usó la cámara fotográfica para crear
que resulta partidaria de una política específica. sensaciones desconcertantes, a la vez que usaba las foto-
grafías con un objetivo de compromiso social. Se propuso
Como tenían que hablarle a un país analfabeto, el cine fue liberar a la fotografía de convenciones.
crucial como medio de comunicación. Una de las bases
del Constructivismo fue la masividad (Universalidad). No Las tipografías eran de palo seco y mayúsculas. Rod-
chenko tuvo influencia futurista, y en sus obras se ve se-
mantización de las palabras. La geometría no tiene sim-
bología, sino que se utiliza para simplificar la lectura, la
comprensión y el orden.
Surrealismo
Con raíces del dadaísmo, el surrealismo irrumpió en París
en 1924, buscando el mundo de la intuición, los sueños y el
reino de lo inconsciente explorado por Freud. André Bre-
ton fue el fundador del Surrealismo, palabras como la ma-
gia de los sueños, el espíritu de la rebelión y los misterios Referentes
del subconsciente, aparecían en su manifiesto.
René Magritte de gran influencia dadaísta, en el sentido
de la idea. No se pinta la obra en sí, sino la idea detrás de
ella, lo que quiere decir. De gran autorreferencia. Los artis-
Cualidades gráficas y conceptuales tas de esta vanguardia pintan cada uno su propio mundo.
Su mente,
Los críticos de arte no apoyaron el surrealismo; lo consi- su inconsciente, su mundo interior.
deraban viejo, no se relacionaba con la abstracción divina
y simbólica que estaban trabajando. El público lo aceptó Salvador Dalí influyó de 2 formas en el diseño gráfico, sus
ya que podían entenderlo estéticamente y psicológica- perspectivas han inspirado intentos de llevar la profundi-
mente, al tener que ver con la abstracción del mundo de dad a la página impresa plana, su enfoque realista de si-
los sueños. multaneidad ha sido utilizado para introducir este efecto
en los carteles y portadas de libros.
Salvador Dalí fue un surrealista que volcó las ideas de la
Gestalt, en tanto a la ambigüedad y la doble significación
de la imagen.
Paradigma modernidad/posmodernidad
• Según Adolf Loos, ornamentar el objeto era una pérdida de tiempo y dinero. La
revolución de la máquina era inevitable y era más fácil adecuar el gusto de la
sociedad a la máquina, que el gusto de la máquina a la sociedad.
La escuela de artes y oficios Dusseldorf (dirigida por Behrens) fue una de las primeras
de Alemania en dar una imagen de modernidad. Mayer, futuro profesor del Bauhaus
se formó allí. Gropius ingresó al Werkbund en 1912, también Van de Velde, quien fue
un gran influente de la Bauhaus.
Gropius reconoce haber sido influenciado por Morris, Ruskin y por Behrens, Olbrich y
Van de Velde, todos ellos buscaron unificación de lo artístico con el mundo del trabajo.
• Había una gran deuda de guerra posterior al tratado de Versalles -entre otros
de la índole-, y había inflación y desempleo.
El puntapié inicial para la creación de Bauhaus fue político: era necesario reconstruir
la ciudad y generar nuevas mejoras, y formas de pensar la vida.
Bauhaus creó los modelos y estableció las normas del diseño industrial vigentes,
aportó en el progreso hacia la arquitectura moderna, alteró la imagen de todo.
WEIMAR (1919-1925) Director: Gropius: 1919-1928
Programa
Profesores y Referentes
Itten consideraba, como Kandinsky, que era imposible considerar al color sin la
forma y viceversa. Sus estudiantes empezaban sus estudios de color limitados a las
formas y colores básicos. Para Itten, las cualidades del color y la forma no eran
solamente ópticas. Éste pensaba que los colores y las formas transmitían emociones.
Entre 1920 y 1922 Gropius nombró a otros cuatro maestros de forma: Klee,
Kandinsky, Muche y Schlemmer.
Muche ayudó a Itten en el curso preliminar y enseñó diseño básico a los aprendices.
• Sin embargo, el taller con el que tuvo más contacto fue el de tejido.
• Dio clases en el curso de diseño básico, donde su enseñanza se basaba en las
formas elementales, de las que, derivaban todas las cosas naturales. El arte
debía descubrir estas formas, desvelarlas, hacerlas visibles.
• Los colores primarios apropiados para las formas elementales eran el amarillo
para el triángulo, el rojo para el cuadrado y el azul para el círculo.
EXPOSICIÓN DE 1923
• Cree que la fotografía reemplazará a la pintura en los afiches y que por medio
del uso experimentado de la cámara y de las técnicas fotográficas (retoque,
distorsión, ampliación, montaje, doble exposición) se logrará aumentar la
efectividad en los mismos.
Programa
Profesores y Referentes
Yamawaky
Mies van der Rohe (arquitecto berlinés) sustituyó a Meyer, cuyo lema es menos es
más. Éste pensó que la formación en arquitectura era fundamental en el programa de
la escuela y puso en ello aún mayor empeño que Meyer.
La teoría lo dominaba todo y la práctica se restringió hasta tal punto que los talleres
comenzaron a estancarse hasta finalizar la producción por completo.
Por otro lado, estableció un nuevo plan de estudios, en el que fijó la no-obligatoriedad
del curso preliminar.
Por otro lado, hacia esta época los nazis consiguieron el control del parlamento de la
ciudad de Dessau.
Estos creían que la Bauhaus era cosmopolita y no cultivaba los valores específicos
alemanes, optando por un estilo anónimo y antialemán. A su vez, casi todo el personal
y los estudiantes eran judíos.
Hacia 1933 el acoso del partido Nazi era insostenible y los profesores votaron
por disolver la Bauhaus. Muchos profesores huyen a Estados Unidos (Gropius,
Breuer, Bayer, Moholy-Nagy) y este éxodo tuvo un impacto significativo en el
diseño estadounidense luego de la Segunda Guerra Mundial.
Paradigma de la modernidad/posmodernidad
Racionalidad: uso de los recursos económicos y gráficos.
Al disolver los límites entre las bellas artes y las artes aplicadas, el Bauhaus trató de
establecer una estrecha relación entre el arte y la vida por medio del diseño, entendido
como un vehículo para el cambio social y cultural.
Después de la Primera Guerra Mundial, las naciones de Europa y Los Estados Unidos
buscaron el regreso a la normalidad.
La fe en las máquinas y las tecnologías estaba en su punto más alto. Las formas
industriales se convirtieron en un recurso importante para el diseño, las ideas cubistas
de la organización espacial inspiraron una nueva dirección en las imágenes gráficas.
Las condiciones del mercado cambian, instaurándose un clima por demás complejo
presentado por la nueva variante: la competencia y la incipiente diversificación del
mercado. Los empresarios comprendieron rápidamente el valor de establecer una
comunicación efectiva, clara, pregnante, diferenciadora.
Década del ’20
Art Decó
• El Art Decó era un estilo de diseño dominante en las décadas entre las dos
Guerras Mundiales.
FRANCIA
Cassandre
Paul Colin
• Colin es un diseñador
constante de las
proporciones art decó y
está influenciado por vanguardias, tales como el cubismo y el futurismo.
Charles Loupot
Jean Carlú
EN INGLATERRA
McKnight Kauffer
Austin Cooper
ENTREGUERRAS: HOLANDA
PIET ZWART
Multifacético, reunió en su persona casi todas las disciplinas del arte aplicado:
arquitecto, diseñador industrial, diseñador gráfico, fotógrafo y educador.
PAUL SCHUITEMA
• Superpone imágenes,
tipografía con imágenes
y entintados. Su gráfica
es moderna y logra un
equilibro asimétrico.
• Utiliza una tipografía sans serif, en ocasiones en minúscula, por influencias de
la Bauhaus.
HENDRIK WERKMAN
• Su proceso de construcción de un
diseño a partir de componentes previos
se puede comparar con el proceso
creativo dadaísta del collage.
• Entre 1940 y 1945 realizó una serie de 40 panfletos subversivos contra los
nazis a través de la imprenta clandestina De blauwe Schuit. Todas las
publicaciones fueron diseñadas e ilustradas por Werkman. Se representaron en
los panfletos historias jasídicas y se hicieron comentarios en contra de la
ocupación nazi, llamando a una resistencia espiritual.
• Werkman fue arrestado por los nazis y ejecutado en el año 1945, tres días
antes de que las tropas aliadas alcanzaran Holanda.
ENTREGUERRAS: ALEMANIA
Lucien Bernhard
Ludwig Hohlwein
• Después de la guerra,
Hohlwein era muy
solicitado por firmas
comerciales que buscaban
su estilo.
• Al igual que Bernhard, logra una síntesis formal a partir de colores planos. Va a
representar los sombreados reduciéndolos a dos o tres colores lisos de
diferentes tonos; en algunos casos utilizará más de tres colores para generar
las sombras y acercará a sus figuras a una representación más real.
John Heartfield
• Usaba la foto como elemento que tiene simbología. Expresaba a través de sus
trabajos una actitud crítica y social. Utilizaba metáforas y convierte las piezas
en elementos de comunicación. Realizó fotomontajes para protestar ante la
guerra de Vietnam y llamar a la paz mundial.
Aportes
Nueva Tipografía, Escuela Suiza, Ulm.
Diseño Suizo (estilo tipográfico internacional + la
nueva tipografía)
• Suiza. No había participado de las guerras mundiales, por lo que tenía
un contexto propicio para el desarrollo del diseño en cuanto a lo político,
social y económico.
Estas influencias se dieron por las características que el país tenía a su favor.
Por un lado, en Suiza se hablaban 4 idiomas. Muchísimo intercambio cultural
con extranjeros. Y por otro lado, se refugiaban en este país muchísimos artistas
(Tschichold, Breuer, El Lissitzky) y diseñadores que escapaban a la guerra y
sus consecuencias.
Además, Suiza había sido ajena a las dos guerras, económica y políticamente,
no había tenido los decaimientos que habían sufrido países como Alemania.
La Escuela Suiza
Emil Ruder fue un mentor intelectual del movimiento cartelista del estilo Suizo,
trabajó como maestro de tipografía tanto en Zurich como en Basilea.
Su pensamiento:
• La tipografía para ordenar los objetos
Theo Ballmer
Diseño italiano
• El diseño era visto como una de las principales formas para crear un
reputación basada en la calidad y la confianza.
Los sistemas de identificación visual que se iniciaron durante los años ’50
fueron mucho más allá de la marca de la fábrica o del símbolo. Al unificar todas
las comunicaciones a partir de una organización y traducirlas a un sistema de
diseño consistente, la corporación podía establecer una imagen coherente para
realizar metas específicas.
Referentes italianos
Vignelli
Cartel polaco
Tomaszewski solía dejar que les hablara el arte, ya que sólo sabía polaco.
Después de jubilarse siguió diseñando carteles y haciendo viñetas hasta 1996,
cuando la enfermedad le privó del control de las manos.
Van a existir intereses del mundo democrático de que Alemania entierre lo que
ha pasado y resurja en un marco democrático. Es así como los años de
posguerra en Alemania Occidental (entre 1945 y 1952) estuvieron
caracterizados por fuertes planes de reconstrucción y financiamiento, como
el Plan Marshall.
Tras la partida de Bill la escuela fue dirigida por un rectorado colegiado que
incluía a Otl Aicher, Hans Gugelot y Tomás Maldonado. Maldonado era un
arquitecto formado en bellas artes que participó del movimiento de arte
concreto e Argentina.
Estilo
Sobre Argentina
La edición de las revistas Arturo (1944), Nueva Visión (1951) y la actividad del
grupo Arte Concreto-Invención (1944) provocaron un nuevo discurso.
Además del CIDI otras instituciones fueron creadas durante los años 50 y 60.
En 1960 se creó en la Universidad del Litoral, el Instituto de Diseño Industrial
(IDI), sobre la base de la influencia explícita y exclusiva de Ulm. El
Departamento de Diseño de la Universidad Nacional de la Plata comenzó con
los cursos en 1961.
Principales exponentes
OTL AICHER
• Critica el racionalismo
moderno como fruto del
predominio de un
pensar abstracto del
arte.
TOMÁS GONDA
HANS GUGELOT
TOMÁS MALDONADO
En 1954 se fue a Alemania en donde fue profesor de Ulm. Entre 1956 y 1966
fue parte de la junta de directores de la institución. Definió el nuevo plan de
estudios a través de un pensamiento científico, sistematizando el diseño.
Trabajó en temas como el rol social del diseñador, la comunicación, la
semiótica, la importancia del cuidado del medio ambiente.
Tanto Ulm como Bauhaus intentaron establecer parámetros del objeto moderno
y su producción para ofrecerlo a toda la sociedad. La utopía, el progreso a
través de la ciencia siguen vigentes.
Lucien Mauzán típicas del campo. Molina Campos, pintor, se ubica en el rol
Llega en 1927, rápidamen- de diseñador gráfico, encuentra en una caricaturización la
te es contratado por las situación tradicional. Estas imágenes se llevan a los almana-
empresas, donde comienza ques, que, como objeto de comunicación, tenía una presen-
a incorporar una gráfica mo- cia diaria en las casas de los argentinos.
derna vinculada a la gráfica
de producto. Xul Solar
En 1919, la Argentina estaba a la vanguardia del mundo, con
Creó personajes con humor nuevas formas de pintar, nueva realidad de espacio tiempo,
para Geniol y Naranja Bliz- la tridimensionalidad (cubismo). La paleta cromática y las
con, trayendo a la Argentina, formas abstractas construían algunos cuadros de Xul Solar.
la idea de que un personaje La idea de un presente y un ausente como en el surrealismo,
acompañe al producto (por donde el ausente se convierte en figura
ejemplo, el hombrecito de
Dubo, Dubon, Dubonnet de Cassandre) como elemento de Juan Del Prete
conexión y para que el mensaje sea amigable al consumidor. Juegos perceptivos, relaciones de color y forma. Revisión
profunda de los academicismos.
En el caso de Geniol, esta idea posicionó la marca para
siempre. Para Bayer realizó piezas que estaban en revistas, Alfredo Hlito
periódicos y en la vía pública, pero además para el subte. Influencia de De Stijl en cuanto al nivel de abstracción,
Gráfica para Cafiaspirina Incorpora humor, slogans, y tipo- Bauhaus, paleta cromática entre líneas ortogonales y figuras
grafías pesadas. geométricas.
Molina Campos
En 1932 la empresa Alpargatas, necesita promocionar sus
productos y contratan al pintor para que pinte imágenes
Arte Concreto Premio Di tella: Arte óptico;
efecto Moiré con tramas,
colores, experiementación.
La designación se origina en el movimiento iniciado en Euro-
pa por el arquitecto y escultor suizo Max Bill, ex estudiante Axis:
de la Bauhaus, quien se opone a la utilización de la expresión Empresa de diseño integral
“arte abstracto” y propugna la de “arte concreto”, lanzada que aparece en 1951. Tomás
en 1930 por van Doesburg, para denominar al arte de rumbo Maldonado toma la inciativa
constructivo o geometrizante. para crearla con el arqui-
tecto Méndez Mosquera y
Como preludio a la aparición pública de los miembros de la Alfredo Hlito, del ámbito de
Asociación, Edgar Bayley escribe un artículo en la revista la pintura. En aquellos años
Orientación, en el que predica los fundamentos de la Asocia- se van a preguntar, si eran
ción. diseñadores gráficos, si era
publicitarios. Existía la necesidad de una empresa que pudie-
Según el movimiento... ra ofrecer diseño integral, para luego poder diferenciarse con
otros productos del mercado.
• El fin de la Segunda Guerra Mundial marca el momento
de la reconstrucción y del socialismo; el Arte Concreto Tomás Gonda
tiene conciencia del mundo y de los medios para su Fue un diseñador húngaro, se marchó a vivir a Argentina
transformación. entre los años 1948 a 1958. Llegó a la Escuela Alemana de
• Este arte, con su capacidad inventiva, encarna los valo- Diseño de Ulm en 1958, clave en el desarrollo de la profesión
res de los adelantos científicos y técnicos. del diseñador gráfico, y enseñó allí hasta 1966. Se expresa
con lápices, crayones y la máquina fotográfica como una
En 1946, la Asociación realiza una exposición en el Salón herramienta de trabajo. Uno de sus primeros trabajos fue
Peuser, presentándose por primera vez al público. En esta para Bunka, revista para la sociedad japonesa en Argentina,
ocasión se difunde el Manifiesto Invencionista firmado por utilizando la fotografía y las técnicas de impresión, utilizando
Maldonado, Bayley, Hlito, Iommi, Lozza, Núñez, y Souza, entre la superposición de entintados.
otros. Allí proclaman por el júbilo inventivo, una técnica
precisa y la función blanca. La expresión “función blanca”, Ediciones Infinito
evoca a la obra de Malevich (Blanco sobre Blanco) que Se crea en 1955 con el arquitecto Mendez Mosquera y Alfre-
parecía revelar el mínimo grado de existencia perceptual de do Hlito. Publicaciones vinculadas con el arte, la arquitectura
una imagen. y el diseño, apoyando la corriente nacionalista.
Referentes editoriales
Deja de creer en términos absolutos, en una sola verdad para todos, deja de
creer en soluciones que se pueden aplicar universalmente (característico de las
vanguardias y la modernidad, búsqueda de la respuesta universal).
Fragmentación
Falta de profundidad
Tipografía posmoderna
EN SUIZA
Wolfgang Weingart
EN ITALIA
Armando Testa
EN ESTADOS UNIDOS
El lector de sus revistas pone más atención para decodificar el texto que si lo
hiciera leyendo un párrafo de arriba abajo y de izquierda a derecha. Lee
al derecho y al revés; adivina palabras que parecen incorrectas o que les falta
alguna letra; de esta manera, Carson convierte la lectura en un proceso de
descubrimiento, en una experiencia interactiva.
Imagen: Carson considera que tanto la imagen como la palabra, ambos tienen
valor textual y valor visual. Algunos de los recursos que utiliza son el
fotomontaje y el collage, fotos al revés, encuadres y cortes raros, fotos
deterioradas, repetición de secuencias de fotos contiguas.
En 1993 abrió su
propio estudio en
Nueva York, en el
que trabajó con
muchos clientes del
mundo de la
música, diseñando
portadas cargadas
de poder retórico. Su estilo es muy directo, y a veces hasta crudo. En el cartel
que diseñó a para la conferencia del American Institute of Graphic Arts, pidió a
su ayudante que tallara los detalles de la conferencia sobre su torso con un
cuchillo, luego fotografió el resultado para convertirlo en un cartel.
Jamie Reid
EN INGLATERRA
En 1981 se convirtió
en director de arte
de The Face, para
la que diseñó una
nueva tipografía que
recogía las
influencias del punk
y las nuevas
corrientes de la new
wave. Otras publicaciones en las que trabajó fueron
Arena y City Limits. En 1987 abrió un estudio en
Londres y sus diseños recibieron un increíble
reconocimiento.
EN FRANCIA
Grapus (1970-1991)
Posters increíblemente
sencillos y fáciles de leer.
Adquirió renombre en el mundo
por su mirada poco
convencional. El cartel
conmemorativo del fin de la
segunda guerra mundial nos
muestra el carácter no-verbal
de sus imágenes.
ESTADOS UNIDOS: COMUNICACIÓN PERSUASIVA
Estados Unidos quiere contener esta situación de miseria con un motivo oculto:
desterrar el comunismo. La guerra fría (término de la IIGM 1945 – disolución de la
Unión Soviética 1991) fue un período de gran tensión entre dos bloques
completamente antagónicos con ideologías contrarias queriéndose imponer en el resto
del mundo: un bloque occidental capitalista liderado por Estados Unidos y un bloque
oriental comunista liderado por la Unión soviética.
Carrera armamentista: ambas potencias habían generado suficiente arsenal durante las
dos guerras, pero llamaban la atención las armas no convencionales como la bomba
nuclear. Fue una temática principal para el cine y los afiches, despertando a
debates, siendo propaganda masiva. La carrera espacial comenzó como una
pantalla para esconder las bases militares y la investigación en misiles, pero por otro
lado las potencias tenían en cuenta que era una propaganda internacional.
Sueño Americano: concepto antiguo del 1600 (cuando los ingleses enviaban a su gente
a las colonias en Estados Unidos con promesas de abundancia) que se populariza en
1950 más aferrado a los bienes de consumo. Explota el capitalismo, tras ganar la
guerra, Estados Unidos prosperaba.
Comienza un interés por conocer al comprador y por consiguiente al mercado. Con los
años donde surge el marketing, el estudio de mercado, la psicología aplicada al
mercado. Por otro lado las agencias empiezan a especializarse: director de arte,
redactor publicitario, fotógrafo.
Los contrastes visuales caracterizan su obra. El juego del color rojo contra el fondo
verde, de la figura orgánica contra el tipo geométrico, del tono fotográfico contra el color
plano son algunos de los contrastes usuales de Paul Rand.
La marca de fábrica que diseñó para IBM está desarrollada a partir de un tipo de letra
diseñado en el año 1930 y llamado City Medium. Este es un tipo de letra slab-serif
construido geométricamente como los estilos sans serif geométricos. La literatura
corporativa diseñada por Rand para IBM a finales de los años cincuenta sentó el estilo
para la literatura corporativa por muchos años.
Pentagram
Durante los años 60, Warhol descubrió las posibilidades plásticas de las imágenes
comerciales, que empezó a reproducir: las latas de Sopa Campbell o brillo, botellas de
Coca-Cola, billetes de dólar. Estos objetos eran para él íconos culturales
estadounidenses. Los retratos de Elvis y Marilyn son también de esta época; en ellos
experimenta con técnicas serigráficas. Es conocido sobre todo por estas series
serigráficas de elementos de consumo de la cultura norteamericana, donde repite el
elemento a partir de cambios de color.
En 1963, su estudio empezará a ser conocido como “The Factory”. En 1965, Warhol
conoció al grupo de música “The Velvet Underground” y en poco tiempo se volvió en su
manager.
PSICODELIA
La psicodelia tiene que ver con la divulgación de drogas como elementos de consumo,
lúdicos o creativos. La LSD, el cannabis y la mescalina se introdujeron en la sociedad
modificando hábitos y actitudes. Se conjuga el consumo masivo de drogas con la
música y el diseño y se empiezan a representar estos viajes.
El movimiento de los gráficos que expresaba este clima cultural (música del rock,
experimentación con drogas y oposición a los valores norteamericanos establecidos)
combinó las fluidas curvas sinuosas del art Nouveau con la intensa vibración óptica del
color asociada con el breve movimiento del arte óptico (colores fuertes y como el
fucsia, el verde manzana, el naranja conjugados.
Se utilizaron símbolos como el amor, la paz, la flor y la revolución. Las letras muchas
veces resultaban difíciles de descifrar, se las deformaba, convertía en texturas,
adquiriendo importancia como parte de la realidad visual total.
La psicodelia también toma referencias de culturas exóticas como la India, a diferencia
del pop art que defiende el nacionalismo.
Tiene un estilo ilustrativo, volviendo a criterios antiguos como la línea orgánica fluida
del art Nouveau. Se realizan afiches cuyas letras son difíciles de descifrar, con
tipografías deformadas, convertidas en texturas.
Alan Aldridge