Fredy Champi Vilca

Artista Plástico Visual

NUEVAS CORRIENTES ARTÍSTICAS

Reseña

Hablar de lo último del Arte no es fácil; sobre todo en tiempos donde el "objeto" o “producto artístico” que tenemos frente a
nosotros, no es ni clara ni objetiva, y porque los últimos fenómenos artísticos, al ser tan nuevos, en cierta medida nos producen
asombro o ceguera en algunos casos. Entonces; en lugar de preguntarnos cuáles son las últimas corrientes artísticas, deberíamos
plantearnos qué es el Arte en la actualidad, qué debemos pedirle hoy al Arte, y qué tipo de respuesta dan las últimas tendencias
artísticas a estas preguntas.

Las clásicas disciplinas artísticas como el Dibujo, la Pintura y otros, aún sobreviven a la última acometida de nuevas formas de
expresión como el vídeo, el cine y la infografía, constatando que las cosas han cambiado sustancialmente; incluso “manipulando”
y/o estilizando el entorno natural. ¿A qué responden estas últimas tendencias artísticas? ¿Al Arte? ¿Quién se ocupa de producir la
imagen actual? ¿El Arte? o, ¿Acaso la Publicidad y la Política; tal como lo hizo Man Ray con su Fotomontaje que recurrieron a la
imagen para hacerla más perversa y a la vez disfrazada de un modo muy atractivo?

En comparación con estos productores de la imagen, el Arte tradicional necesita contar con una red de museos, salas y galerías;
hecho que impide que por su técnica llegue a todas las personas y por la misma dificultad del lenguaje que emplea. Así, en los
últimos años el Arte, en su afán de llegar hasta el último rincón del planeta, se ha dilatado tanto en sus formas de expresión, que ha
terminado por volverse "transparente"; es decir, se ha extendido a las calles, en el paisaje, en los videos, para producir sentimientos
de Belleza o Fascinación, o simplemente apelar a la conciencia e invitar a participar en ellos. De manera que, es imposible señalar
cuál es la última tendencia que predomina, porque el discurso y el lenguaje que utiliza, están totalmente desperdigados. Y, lo que es
más, en los exitosos encuentros de Arte de los últimos años no se ha podido siquiera definir una corriente imperante; solo se han
limitado a distinguir algunos nombres y a realzar varias posturas o adjetivos como "último", "nuevo", "ciber", "net-art", "media-art",
etc. Que son más que etiquetas o apelativos puntuales de presentar y producir Arte, en este imperante sistema mercantil que rodea
a la cultura, el mercado contaminado, el sistema artístico podrido, bajo el poder del dinero y la especulación.

Esta forma de Arte conceptual, presenta sus propuestas critico-sociológicas de una manera distinta, añadiendo a la disciplina de los
años 70s, más alegría, sin caer en dogmatismos, buscando su eficacia social, su salvación individual y colectiva; siendo la respuesta a
la pregunta "a qué responde el Arte actual" no es sino, a la de hablar del propio Arte en su máxima extensión.

El Land Art

Corriente del arte contemporáneo, que utiliza el marco y los materiales de la naturaleza (madera,
tierra, piedras, arena, viento, rocas, fuego, agua etc.). También denominado, «arte de la
construcción del paisaje» o «arte terrestre». Por ello, expuestos a la erosión natural y su
desaparición, quedando de ellas sólo el recuerdo fotográfico o filmación.

Las primeras obras se realizaron en los paisajes desérticos del Oeste estadounidense a finales de
los años sesenta, realizadas con equipamientos de construcción, excavadoras y otros; siendo su
apariencia exterior, formas escultóricas, arquitectónicas o híbridos entre escultura y arquitectura
de paisaje, donde juega un papel determinante el espacio público contemporáneo.

En realidad, puede considerarse como un nuevo comportamiento artístico, alejado de los modos
tradicionales, como otros que surgieron en los años sesenta y setenta en respuesta a la
comercialización del objeto artístico tradicional (cuadros, esculturas).

Otras nuevas modalidades artísticas del mismo tipo serían en body-art, el happening o el arte
povera.
Finalidad y principio

El principio fundamental del Land Art es alterar el paisaje con un sentido artístico. Su
finalidad es producir efectos, emociones estéticas y sensaciones en el observador,
pretendiendo reflejar el dolor debido al deterioro ambiental que existe hoy en día y
buscar la relación del hombre con la naturaleza, utilizando el medio ambiente o el
paisaje existente, tanto urbano como rural: montañas, desiertos, ríos, etc. Ellos
corrigen la topografía, cavan zanjas, surcos; hacen grandes movimientos de tierras;
construyen enormes rampas o embalan edificios o rocas; distribuyen colorantes en
playas o desiertos, pintan árboles o piedras... algunos, simplemente caminan una y
otra vez para marcar un camino, o colocan piedras, o hacen espirales con algas.

El Land Art establece un diálogo, muchas veces de carácter arquitectónico; expone delante del espectador un mundo que requiere
de éste para su comprensión, para conseguir que el hombre pueda apropiarse del territorio. El resultado de esta experiencia artística
es mucho más efímero que el arte convencional. De ahí que la fotografía y el video son parte importante de este proyecto.

El Land Art se inició por los años 60, con varios artistas que apoyaban esta
noción, como Robert Smithson y Michael Heizer, empleando materiales de la
naturaleza para sus obras. Michael Heizer denomino a su arte como “Negative
Sculputure”, porque a través de un trabajo tridimensional planteó la mímesis
con el entorno, enfatizando su apreciación aérea como presencial.

Robert Smithson murió en un accidente aéreo, mientras iba en camino a

apreciar una de sus obras de arte. A pesar de su corta carrera, Smithson logró
desarrollar muchas obras, que incluían el uso de miles y millones de pequeños
materiales que formaban grandes figuras en la tierra.

EL BODY ART

También conocido como arte corporal, es un estilo enmarcado en el Arte conceptual, de gran relevancia en los años 60 en Europa y,
en especial, en Estados Unidos. Es un género artístico en el que se fusionan la expresividad del cuerpo y el color y la creación de
imágenes sobre este, junto a otras manifestaciones artísticas como la danza, la música, etc.

El término Body Art nació como noción para denominar un tipo exclusivo de comportamiento artístico, sintetizado por la revista
Avalanche, llevado a cabo, entre finales de los sesenta y principios de los setenta en Estados Unidos, por artistas como Vito
Acconci, Chris Burden, Bruce Nauman o Dennis Oppenheim. Dentro de la praxis del Body art han confluido las más variadas formas
de presentación artística: happenings, performances, arte de acción, arte de comportamiento, body painting, etc. De esta manera el
body art se consolida como trabajo en conjunto de los sujetos frente al individualismo típico del modernismo.

El Body painting: es una pintura artística aplicada sobre la piel y se considera como una de las primeras
formas de expresión plástica utilizadas por los primeros hombres. El hombre prehistórico gustó de
recubrir su cuerpo con disímiles sustancias con la finalidad de transmitir determinados significados o
representar acciones mágicas y religiosas. Los pigmentos aplicados sobre el cuerpo le sirvieron como
pinturas de guerra, como método para impresionar al enemigo o como señal reconocimiento en la
propia tribu; además esta técnica de decoración funcional primitiva pudo servir de camuflaje para la
caza y para ceremonias de iniciación.

Como fundamento el Body art trabaja el cuerpo humano con pintura especial y diseñada por el propio
artista o actores preparados con anterioridad al futuro performance a realizarse.

Performance: muestra escénica con predominio de la improvisación, en que la provocación o el asombro, así como el sentido de la
estética, desempeñan roles protagónicos en la presentación-representación. El término performance se ha difundido en las artes
plásticas a partir de la expresión inglesa performance art con el significado de arte en vivo. De forma general las performace están
ligadas al arte conceptual, a los happenings, al movimiento artístico fluxus events y al body art de los años setenta.
Happenings: manifestación artística, frecuentemente multidisciplinaria, surgida en los 50s y caracterizada por la participación activa
de los espectadores. Los happenings integran el conjunto del llamado performance art y mantiene afinidades con el llamado teatro
de participación. Es común confundir el happening con la llamada performance el primero difiere de la segunda por la
improvisación, dado que es difícil una real improvisación.

Características del Body art

Carácter efímero. La realización del espectáculo solo puede ser observada, mientras dura la representación. Usa el cuerpo como
material y forma expresiva, potencializando su acción con el público espectador a través del proceso de demostración y creación
artística. Es un género que reclama del artista conocimientos básicos de expresión, proyección espacial, música, danza, etc. Algunos
de sus representantes han sido: Yves Klein, Bruce Nauman, Vito Acconci, Youri Messen-Jaschin y Eduardo Sanguinetti, entre otros.

EL ARTE DIGITAL

El Arte Digital, producto de la tecnología informática, consiste básicamente en un instrumento o procedimiento que posibilita una
creación, basadas en el soporte usado: net art, CD-Rom-art, videoarte, instalaciones interactivas y sus híbridos, que suelen
etiquetarse como «arte multimedia», etc. El escritor y docente argentino Diego Levis opina a este respecto que «las herramientas
por sí mismas no representan un estímulo para la creatividad personal, pues la capacidad artística depende de factores más
profundos que la mera disposición de medios tecnológicos». Para Levis, el Arte Digital se inserta en un proceso progresivo de
desmaterialización de la obra artística que se retrotrae a la incorporación de la fotografía al ámbito de las artes.

Una imagen digital es el resultado visual de un proceso en el que la función de la luz en los soportes químicos de la fotografía o
magnéticos del vídeo ha sido sustituida por el cálculo matemático efectuado por una computadora. Desde finales de la década de
1950 las computadoras pudieron tratar sonidos e imágenes. Pese a su inicial limitación de capacidad, el potencial de la nueva
tecnología atrajo a numerosos artistas, y actualmente las computadoras están presentes en distintas fases del proceso de creación y
reproducción de obras en muchas disciplinas artísticas.

La primera exposición de gráficos generados por una máquina electrónica tuvo lugar en 1953 en el Sanford Museum de Cherokee,
Iowa (EUA). Desde ese momento, cuando todavía el expresionismo abstracto y el informalismo eran las corrientes estilísticas
hegemónicas en el panorama artístico occidental, la realización de gráficos con la ayuda de máquinas empezó a multiplicarse hasta
llegar a ser vertiginoso y alcanzar su éxito. Fue a finales de los sesenta y principios de los setenta, cuando esta práctica se extendió a
numerosos países. La revolución tecnológica del último siglo ha propiciado un arte digital hecho mediante la innovación de
programas informáticos, y también el surgimiento de un gran abanico de cámaras digitales.

Fotografía e imagen digital

Desde finales del siglo XX las tecnologías de la imagen han conocido una
transformación tan radical como los cambios que se dieron tras los debates
fotográficos de finales de la década de 1920 y principios de la de 1930, o por
el pop entre las décadas de 1950 y 1960. De ser entendida como un mensaje sin
código, una plasmación directa de la realidad, a contemplarla como algo
atravesado por complicados códigos de diversos tipos, matizando su presunta
referencialidad y revisando sus posibles aplicaciones en el arte. Con la
manipulación digital, sea de imágenes tomadas con una cámara digital o por la
digitalización de imágenes o negativos fotográficos escaneados, se ajustan las
proporciones, se corrige la perspectiva y se cambia el color, sintetizando
imágenes novedosas. El montaje, que antes se evidenciaba, se vuelve oculto, intrínseco a la imagen misma.

Las imágenes en el arte digital pueden ser generadas directamente por ordenador o bien tomadas de otras fuentes, como una
fotografía escaneada o una imagen dibujada con un software de gráficos vectoriales usando un ratón o tableta gráfica. Aunque
técnicamente el término arte digital puede ser aplicado al arte hecho mediante el uso de otros medios o procesos y posteriormente
escaneado, suele reservarse para el arte que no ha sido simplemente modificado por un proceso de computación (como un
programa de ordenador, micro controlador o cualquier sistema electrónico capaz de interpretar una imagen digitalizada)

Pintura digital
Se habla de pintura digital cuando la obra se crea imitando las formas, técnicas y estilos de la pintura tradicional, pero utilizando el
software de una plataforma informática. La imagen obtenida puede ser vista desde la pantalla de cualquier ordenador, o bien
impresa en distintos soportes, como papeles o lienzo.

Escultura digital

Hasta hace poco el espacio virtual estaba separado del real por el monitor de una computadora. Los escultores digitales utilizan el
espacio virtual como lugar de creación, utilizando software de modelado en 3D, expandiendo las nociones tradicionales de la
escultura y a través de los nuevos contextos de exposición y distribución de las obras en línea. La exposición what we call
sculpture da cuenta de este tipo de propuestas, desarrollándose en la galería virtual de CERMÂ exhibiendo obras digitales en las que
su volumen puede ser percibido con el movimiento del ratón en el espacio.

Algunos artistas trasladan sus obras al espacio físico mediante máquinas de prototipado rápido (PR), control numérico por
computadora (CNC en sus siglas inglesas), sistemas de sinterización láser, impresoras de chorro de tinta que pulverizan adhesivo u
otras habituales en los laboratorios de diseño industrial o ingeniería, una especie de impresoras en tres dimensiones que traducen
los objetos virtuales que el escultor digital crea al mundo físico en distintos materiales, como plásticos poli
carbonados, resinas plásticas y metales. Artistas como Joaquin Cervera y Elizabeth utilizan las tecnologías de escultura digital sólo
para la fabricación de la obra, creando las maquetas de estas con métodos tradicionales, como el ensamblaje o el modelado manual,
que luego se escanean en tres dimensiones, debido a la reducción de los costos que producen dichas técnicas en esculturas de
grandes dimensiones.

Interactividad

La obra de arte interactiva es una fuente de acciones potenciales, un universo de posibilidades abierto a la intervención del
observador. De la materia y la forma de la obra artística tradicional se pasa al proyecto y al trayecto que discurren en una estructura
espacio temporal, entroncando en cierto modo con formas del arte escénico. Estas formas de expresión permiten revelar la relación
cambiante que establecemos con el espacio y el tiempo.

El arte interactivo va ligado al arte digital, pero no son dependientes el uno del otro. Hay formas de arte interactivo que van desde
la danza interactiva, música, e incluso el drama. Las nuevas tecnologías, principalmente
sistemas de computación y tecnología informática, han permitido una nueva clase de
arte interactivo, como las instalaciones artísticas y la arquitectura interactiva: una de
las ventajas de la interactividad con medios digitales es que permite
una interfaz ‘ergológica’ de comunicación con la obra. Es posible, por ejemplo,
interactuar con un vídeo mediante el movimiento del cuerpo, captado por sensores y
aplicarlo a una pantalla que se visiona en el tiempo real.

Net art

Desde que en 1995 el artista esloveno Vuk Cosic inventara el término a partir de un
mensaje ilegible que recibió en su correo electrónico, el net.art hace referencia a las obras creadas para internet y que tienen a la
red como tema, explotando y explorando la especificidad del medio, su potencial de crear contenidos a partir de estructuras
complejas que enlazan imágenes, textos y sonidos y su capacidad de comunicación e interacción con el usuario.

El net.art, debido al medio de difusión del mismo, es una muestra de otra característica del arte digital, la democratización del arte,
algo que ya recogían los miembros del movimiento artístico Fluxus en las décadas de 1960 y 1970, cuando Joseph Beuys hizo famoso
el dicho de que «todos somos artistas» o Wolf Vostell con el dicho «arte es vida, vida es arte» en el 1961. Más allá de la
experimentación tecnológica vinculada a las matemáticas y la ingeniería, los pioneros del arte en la red, como por ejemplo Jodi, se
basaban en la actitud anarquista frente a las tecnologías del colectivo Fluxus.

Arte generativo

El arte generativo es una metodología de arte digital que ofrece la posibilidad de generar la obra íntegramente por medios
informáticos a partir de unos parámetros variables establecidos por el artista. El componente digital, generalmente un ordenador,
efectúa cálculos para crear por ejemplo una imagen o un sonido combinando los parámetros programados por el autor con un
componente de aleatoriedad. Es utilizada, por ejemplo, en música electrónica, arte fractal y la literatura cut-up.