Professional Documents
Culture Documents
INDUSTRIAL
Temas del 10 al 19
Tema 10
A la hora de examinar una obra destacamos otros aspectos a tener en cuenta, el qué cuenta y el
cómo lo cuenta. Se considera que la obra de arte tiene una composición dual, en cuanto a forma
y contenido, el contenido o significados corresponden al qué cuentan (contenidos) y el cómo a
la forma.
Rafael (1504)
mucho más estable, los brazos tienen una componente horizontal, manzanas prácticamente
alineadas, sobre esa componente vertical y horizontal marca una composición simétrica.
Establece cinco categorías complementarias que representan esa doble característica sobre el
arte.
Clásico Barroco
(países del sur de Europa) (países del sur de Europa)
1. Lineal (Táctil, predominio del dibujo y 1. Pictórico (visual, predominio del color,
silueta) luz)
2. Evolución de lo plano 2. A lo profundo
3. Composición cerrada 3. Composición abierta
4. Autonomía (líneas independientes, 4. Subordinación o dependencia (el
equilibrio en la suma de las partes) equilibrio está en todo)
5. Claridad absoluta 5. Claridad relativa
El teórico fundamental es E. Panofsky que en 1923 publica el significado de las artes visuales.
En el ejemplo de las 3 gracias a Panofsky no hubiese hecho una interpretación pura visual, le
interesaría el mito y el porque de la importancia en la actualidad y el planteamiento variable de
los tipos para distintos autores, la variación de los modelos. En el renacimiento, recuperación
del mundo clásico, se representa el ideal de la belleza. Las tres gracias como manifestación de la
eterna juventud. En la otra obra, barroco, hay una correlación entre gracias y flores, figuras
mucho más naturalistas.
Hay que establecer gradaciones entre significados, los dos primeros son los más comunes:
Desde el punto de vista de Wölflin, Miguel Angel resulta claramente clásico. Primero
identificamos hechos, aparece una figura femenina (triste) y otra masculina (desnuda sin vida
aparente), corresponde a la descripción primaria, lo identificamos con la Virgen y Cristo.
La piedad sería el significado segundo, interviene lo que sabemos, la historia sagrada, es una
constante iconográfica. Esculpida a principios del S. XVI. Otra muestra es la Pietà de Florencia
en 1540, y más tarde esculpe la Pietà de Palestrina en 1555 y otra versión interrumpida es la
Pietà Rondamin al final de su vida.
Piedad Vaticano
Piedad Florencia
Piedad Palestrina
Aparece la idea del non finito, hay zonas perfectamente acabadas junto con
zonas que están simplemente abocetadas, Miguel Ángel preludia lo que será
el barroco, está exigiendo al contemplar que finalice la composición. Miguel
Ángel vive 90 años y se interesa por el tema de la muerte, de la piedad.
Hay cosas en la historia del arte en la que las formas son las mismas y los
significados son los mismos, sin embargo hay grandes diferencias entre
ellos. Por ejemplo, en el Barroco, Rubens y Rembrandt. Desde el punto de
vista de Panofsky los dos tratan los mismos temas, significados, las pinturas
son muy diferentes entre si, es lo que se pregunta A. Hauser.
Estética y diseño industrial Página 4
Rembrandt se pinta como un pintor con el pincel y la paleta mientras que Rubens se dibuja
como un caballero. Retratos.
Elevación de la Cruz:
El descendimiento:
Retrato de familia:
Arnold Hauser es el autor de una de la más conocida historia del arte, reconocido como obra
estética cuyo objetivo principal es el placer estético, pero además tiene un segundo aspecto, es
el de documento histórico cuyo análisis nos habla de un tiempo y un lugar en el que se produce.
Cuando Hauser habla de un enfoque social del arte habla fundamentalmente del contexto social
y en las circunstancias en las que se produce.
La obra de arte está condicionada por los agentes que intervienen en su producción como objeto,
esos agentes son: ‘el autor’ y ‘el taller’ como la creación y ‘el público directo’ (cliente) y
‘público indirecto’ (crítico) como observadores del arte.
El contexto social de Rubens y Rembrant son muy diferentes, por lo que su producción artística
también es diferente.
Estética y diseño industrial Página 5
2. Una sociedad mejor no tiene por que producir un arte mejor, lo que si que se asegura es
que los cambios de cliente si que supone un cambio de estilo del gusto por el arte.
3. La obra de arte como documento, la obra de arte es también un documento que nos
habla de tiempo y de lugar. Tenemos una doble relación. Cuando miramos la obra de
arte hay que intentar verla con los ojos de alguien de la época. ‘Cualquier obra que
contemplamos la hacemos contemporánea’, ‘El ser humano tiende a rechazar lo nuevo,
tiende a ir a lo fácil y tranquilizador’.
Semiótica. Es la ciencia de carácter superior que estudia el signo en general. Habrá una rama
que estudiará la estética semiótica (se ocupa del signo artístico).
Intérprete
Significante Significado
Ausente/presente Nº Significantes>>>Nº Significados
Siempre existe
Relaciones Humo
Intérprete
Código Habla
uso del código
norma
Neoplasticismo
Piet Mondrian
Tema 11
La época de las Vanguardias: experimentalismo y utopía
Definición: Lo que acaba en –ismo se entiende como vanguardismo. Son un fenómeno europeo,
se habla de vanguardia para referirse al arte europeo hasta 1905-1939 (inicio de la 2ª Guerra
Mundial).
Viene de la terminología militar, la primera línea del ejército. Pasa de la terminología militar a
la artística, el primero en utilizarla es Bandelaire (S. XIX), a partir de mediados del S. XIX
empieza a escribir comentarios de arte, utiliza el término de vanguardia aplicado al arte.
El código académico ha ido fracturándose, empieza a estar pasado, es el tema de una cultura
vieja y hay que derribarlo, hace esa especie de símil, habla de pintores de vanguardia que abren
paso a esa nueva ola, a los que están en la avanzadilla. El objetivo es romper el código
académico y normas caducas y abrir paso a la modernidad.
Todas las vanguardias tienen una doble faceta, necesariamente, el propósito es fracturar la
cultura tradicional, pues tendrían una primera faceta destructiva, y una segunda contractiva. No
necesariamente es al cincuenta por ciento, todos participan de esa doble tendencia, pero hay
algunas en las que predomina más de unos que de otros, las del principio, en general, son más
destructivos por tener mayor oposición. En los que predominan los aspectos destructivos se
encuentra Dadá, futurismo, y en los constructivos el neoplasticismo y constructivismos.
Fauvismo
Expresionismo
Die Beucre ‘El puente’
Características generales
1. experimentación
- En todos los niveles, propósito de disolver las fronteras de las artes. Hay obras
en las que las fronteras empiezan a no estar claras.
- Se produce la re-unión de artes mayores (el artista además de ser hábil con las
manos ha de hacer un proyecto) y artes menores (forja, ebanistería, vidrio, etc.
Puramente manuales). A partir del Renacimiento, S. XV, se produce esa
división que más tarde con las vanguardias se volverá a reunir (las vanguardias
del S. XX la hacen desaparecer). A partir de la revolución industrial y de la
producción en serie necesitan un proyecto para trabajar industrialmente, reunión
de artes mayores y menores, ya no hay fronteras.
3. Compromiso social
El artista no puede ser indiferente, tiene que trabajar con la sociedad con la que vive, la función
de este es la mejora de las condiciones de vida, a través del arte. Eso implica tres temas
fundamentales, objeto de la mayoría de artistas, el tema del diseño industrial. Lo que hace es
mejorar los contenidos (cultura material, objetos de uso), vivienda (barata, social, proletaria) y
en tercer lugar la ciudad (mejora de las condiciones urbanas, espacios públicos, zonas verdes).
4. Diversidad/Polémica/Enfrentamiento
Moderno ≠ Vanguardia
Estética y diseño industrial Página 9
Tema 12
1. Definición
3. Diversidad
4. Variantes
En 1905 (anterior a la primera guerra mundial en 1914), aparecen las primeras vanguardias en
Paris (Fauvismo, ‘faure’ es fiera) y en Alemania (Die Brücke, el puente). Aspectos que terminan
en la primera guerra mundial. El grupo Alemán se bifurca en dos grupos diferentes, ‘nueva
objetividad’ (carácter figurativo) y ‘der blaue reiter’ el jinete azul (carácter abstracto).
5. Características generales
- Liberación del color. El color no será imitativo, reproducción del color natural, será
creativo, se aplica con criterios subjetivos, a veces incluso arbitrarios. Además se rompe
con uno de esos pilares fundamentales de la cultura occidental desde el S. XV, el
claroscuro, se prefieren colores planos.
- El ritmo, gesto, acción. En las obras expresionistas normalmente está presente el ritmo
de las pinceladas. El ritmo se hace para reflejar el gesto, la acción del pintor, en
oposición al trabajo industrial, se trasparenta la obra del autor.
- Hay una cierta deformación relacionado con las caricaturas, no pretende ser subjetiva,
sino objetiva. La realidad parece ser vista a través de un espejo cóncavo/convexo.
6. Antecedentes (protoexpresionismos)
Cronológicamente son los primeros, principios de siglo, pero escaparán del fin de siglo
y participan de estas características sin ser grupos diferenciados. Munch es noruego pero
trabaja en París durante el cambio de siglo. La obra fundamental de Munch es ‘el grito’
(1892/93), el caso de Munch es un precedente, es el primero en pintar. Es la obra más
destacada, hace varias versiones.
El grito (Munch)
Pubertad (Munch)
Morfología. Perspectiva en forma de pirámide, con un río de gente que se nos viene encima, sin
embargo los colores destacan en el cuadro, relacionado con el carnaval, luces y color, rojos,
verdes y amarillos. Influencia de los colores complementarios, no hay una dirección de la luz,
no juega con eso, juega a que los colores construyen la luz, la caricatura fundamental, la
máscara, oculta la identidad. Los colores planos, la autoridad con la banda, lo asesora alguien
que parece un payaso.
Viene de Fauve, fiera, porque una fiera es una animal salvaje, las críticas dicen que los fauvistas
hacen un uso salvaje del color, que no se somete a la imitación de la realidad ni al claroscuro, no
es un color domesticado, es libre.
A partir de 1907 se interrumpe esa vanguardia porque Picasso de inicio al cubismo. Es cuando
la línea expresionista se rompe y de todos los autores sólo quedará Matisse como único
representante del Fauvismo con una ligera evolución.
Aspecto burgués de principios de siglo, pelo recogido.
Asimila la tradición de la pintura francesa, el puntillismo, aprende el uso del color de Seurat o
Signac, el paisaje de raíz impresionista pero transformada, árboles naturalistas, cielo rojo, hojas
de árboles naranjas, lo importante es el cielo, no la visión.
Iconografía: Es una danza en donde aparece el vínculo, personajes entrelazados, tres colores:
verde, azul y naranja. Verde la naturaleza, azul el cielo, y naranja los cuerpos. Forma: no hay
horizonte, perfil curvo, perfil terrestre sobre fondo cósmico del universo. Cinco personajes que
representan los cinco continentes, las figuras se entrelazan. La danza es una de las bellas artes.
Artes del espacio y del tiempo. Es un arte visual y musical. Habla del lenguaje universal del
arte, habla de la fusión entre artes, como característica de las vanguardias, pretende ser una obra
de arte total que verifica las diferentes culturas, razas y géneros. Mensaje optimista y pasivo
característico de Matisse.
Estética y diseño industrial Página 13
Matisse mantiene que la pintura sirve para decorar. El tema es intrascendente, no hay especial
crítica social, crítica o juicio.
Diferencias:
Comparte con lo anterior, composición en zigzag, como manifestación del dinamismo, contraste
de la composición en zigzag con la vertical del cinturón, los abanicos de diagonales como
palmeras, la huella del pintor, el trazo sobre el suelo, colores planos rojo y amarillo.
Temas, se trata de dos figuras contemporáneas, pelo cortado estilo cleopatra, pantalones de los
años 20, el nuevo tipo femenino de los tipos contemporáneos, mujer sofisticada, que se
desinhibe. Opinión sobre el mundo contemporáneo.
Aparecen tres figuras masculinas con sus atributos, marcando quien es el personaje con la pala
al fondo, trabajadores, figura central con uniforme militar, mutilado. En primer plano esa figura
cortada con el traje el bastón como nota de distinción, de poder.
Estética y diseño industrial Página 16
En cuanto a las víctimas, no se trata sólo de un asesinato, hay alevosía, tortura, refleja el
máximo de agresividad y tortura hay un cierto gusto con el detalle.
Lo singular de este cuadro es que aparece una representación dual, se divide en dos, la parte
superior representa las trincheras, bombardeos, desolación, nada vivo, figura fantasmal del
soldado, ramas secas, ruinas, y en la parte inferior aparecen una especie de sarcófago, en un
muerto, cadáver, establece
un paralelismo, el frente
(Francia y Alemania)
permanecía fijo durante
prácticamente 4 años, fuerte
de trincheras en las que
murieron soldados,
trincheras como cementerio
de una y otra banda, tanto
para Beckman como Otto
Dix lo importante es el
mensaje, no hay vencedores
ni vencidos.
Estética y diseño industrial Página 17
Der Blaue Reiter. Se centra en el arte por el arte, lo importante no son los temas, sino la técnica,
morfología, como se ponen los signos sintácticos. Los autores más importantes son W.
Kandinsky y P. Klee, siguen una investigación paralela. El grupo empieza a principios de 1911.
Empieza desde la premisa del expresionismo hasta la abstracción, se pierde la figura. La
abstracción era como las matemáticas para la física, es la abstracción que aparece a partir de
1910, aparece simultáneamente desde la abstracción, surrealismo y la fantasía, a la abstracción
se llega desde todos los caminos, implica hacer pintura sin figura. Lo importante no es la
semántica, ante una pintura abstracta no se puede hablar de referencias a la realidad, no hay
imitación, lo importante será la morfología, con qué elementos trabaja el pintor, formas con las
que trabaja y cómo las combina, cómo las pone juntas y porqué. De lo que se dan cuenta estos
autores, es que el conjunto de significantes es mucho mayor que el conjunto de significados, por
lo que únicamente trabajarán con lo signos.
Un niño todavía no ha aprendido los conceptos, es una realidad externa a si mismo, todavía no
tiene los conceptos de lo que es cada cosa, sin embargo, él defiende que aún sin conocer los
conceptos e ideas de su entorno (una cama, una silla...) Lo único que puede comunicar un niño
serían manchas de color e impulsos motores, movimientos.
Hay dos tipos de líneas y dos tipos de manchas diferentes, las líneas en principio o bien son
filiformes, implican dirección, movimiento, líneas unidas a manchas densas de color.
En cuanto a las manchas las hay trasparentes, diluidas, o bien concentradas, normalmente
formadas por dos colores, uno frío y otro cálido, con esos cuatro elementos se está haciendo una
composición ilimitada, el borde del papel parece aleatorio, se escapa del papel.
Las manchas diluidas significan espacio, nos da una vaga idea de profundidad, de lo que hay
delante y detrás, medio fluido, en ese espacio encontramos formas que se mueven, elementos,
formas que se mueven en el espacio, el equivalente a las figuras. El cuadro se ha convertido en
un campo de fuerzas en el que están en equilibrio los elementos, los signos entendidos como
fuerzas.
Estética y diseño industrial Página 18
Lírica (Kandinsky)
Improvisación nº 26 (Kandinsky)
Composición nº 4 (Kandinsky)
- En 1910, ‘Lo espiritual es el arte’. El arte es una tarea espiritual, es una actividad
estética)
- En 1925, ‘Punto y línea sobre plano’. Recoge la docencia que importa en la bauhaus y
en donde argumenta ese lenguaje plástico con sus características.
Colores de distinta naturaleza, juega con los degradados, marca un paisaje, elementos como que
se mueven, interpretan una especia de colores y arco iris, es una representación subjetiva y
personal.
Estética y diseño industrial Página 19
Simple (Kandinsky)
Klee
c-Silueta urbana
a-Remite a cosas que cuelgan del techo
b-Reflejos en el mar
La ‘M’ representa una puerta de doble hoja, da a un jardín, serpientes, árboles, pájaros, etc.
Árboles representados mediante rascaduras, introduce la textura, se incluye una capa
aglomerante en la que después se raya, nos recuerda a una tapia, si hay una puerta es por que
hay una tapia que define el jardín. Evoca elementos de un jardín sin representar el jardín,
mediante signos, evocaciones, estrellas, animales, puertas...
Vive prácticamente todo el S. XX. En 1920 se encuentra en París haciendo obras maestras.
Muere en 1973, tiene 70 años de producción, a diferencia de Matisse es una especie de
camaleón, investigando y cambiando.
Es prácticamente Dios, es la figura representativa del S. XX, en el arte moderno siempre está
Picasso de referencia desde 1907. Entre 1903-1907 tiene una época expresionista dividida en
dos partes, la etapa azul y la rosa, usa colores dominantes. Periodo expresionista por la técnica,
color azul, frío, triste, temas de miseria, desgracia, etc. Picasso intenta abrirse camino en Paris,
aunque no es su mejor etapa.
La vida (Picasso)
Tema 13
Cubismo
A partir de 1907 el cubismo se convierte en el lenguaje de arte moderno del mundo entero, en
mayor o menor medida y con varantes, va evolucionando, se distinguen cuatro variantes del
cubismo.
Cubismo analítico
Cubismo sintético
Cubismo crítico
Cubismo iconográfico
Collage tridimensional, es una técnica totalmente innovadora, se trabaja por sustracción, por
adición se va sumando formando un volumen. Se construye a partir de elementos como tela,
madera, lata y carbón.
La Montserrat (González)
Guernica (Picasso)
Mural que se pinta para la exposición universal de París, mide 8 por 3 metros.
Existe en España un gobierno democrático, hay una revelación en la que se impone la segunda
república, ese gobierno legítimo sufre en 1936 un golpe de estado militar, representa un
totalitarismo desde 1939 hasta 1975. El cuadro de Guernica se hace en 1937, iniciada la guerra
civil. La obra más importante es Guernica, se hace para la exposición universal del año 1937, el
gobierno de la república reúne a los principales artistas modernos.
Estética y diseño industrial Página 26
El arte moderno se identifica con democracia, libertad. Reúne a Pablo Picasso, Julio González,
Joan Miró, J. Luis Sert, etc. Todos ellos participan en la exposición del 37, pretenden ser un
manifiesto a favor de la democracia.
Picasso toma como motivo, tema, el bombardeo de las fuerzas alemanas sobre la ciudad de
Guernica, Franco fue apoyado por el resto de dictadores (Hitler y Mussolini), en 1937 se
produce el bombardeo. Guernica es una ciudad civil, sin objetivos militares, la ciudad fue
arrasada, poquísimos supervivientes, inventa el compromiso del artista, el arte debe ser un
intelectual comprometido ante el abuso de los intelectuales tienen que expresar su opinión, ser
la voz de los débiles. En este caso el tema del cuadro es fundamental, bélico, el horror de
bombardeo, pone en crisis el cubismo, es una especie de advertencia de los gobiernos europeos,
Francia, Gran Bretaña, EE.UU. por miedo a Hitler y lo que pasará después. La guerra española
es el preludio de la Guerra Mundial.
Futurismo
El futurismo empieza en 1909 como una vanguardia literaria, Marinetti publica el manifiesto
futurista, lo transmite a otros campos, teatro, pintura, arquitectura, escultura, cocina, etc.
Indefinición entre fronteras.
En 1914 aparece un arquitecto, Antonio Sant Eliá, monta una exposición llamada la cita Nouva
(la ciudad nueva), esta construcción adquiere el nombre de ‘Messagio’, lo reelaboran (tanto él
como Marinetti) y lo convierten en el manifiesto de la arquitectura futurista.
Muere en 1916 durante la primera guerra mundial en el frente. No tiene obra construida
relevante. Desde 1914-1916, obra muy corta y escasa, no son proyectos ni obra construida, son
imágenes. Cuando hablamos de un proyecto hablamos de la definición completa en la que hay
aspectos constructivos, funcionales y formales, también económicos e ideológicos. Sin embargo
en imágenes hablamos de forma. En proyectos hablamos de dibujos tridimensionales de
perspectivas, cuando uno dibuja en perspectiva lo que le interesa es cómo se ve, la visión, no le
interesa ni los aspectos contractivos ni funcionales.
Lo que Sant Eliá pretende es mostrar, enseñar, como se imagina la ciudad del futuro. En el
futurismo hablamos de tres ideas básicas:
- La máquina
Sant Eliá imagina como es a gran ciudad, trabajará
- La velocidad
con la metrópoli.
- La metrópoli
Tema 14
Protoracionalismo
Principales focos:
1. Caso Francés. Dos arquitectos con aportaciones importantes serán Auguste Pret
(defensor del hormigón armado para la industrialización) y Tony Garnier (introduce
otra gran preocupación, ‘une cité industrille’, introduce las ideas del urbanismo
moderno).
Auguste Perret
aislante térmico y acústico con gran resistencia mecánica; por estas características se convertirá
en el material más importante del S. XX.
Perret es un pionero en el uso del hormigón armado, las primeras construcciones serán las
viviendas de la calle Franklin en París.
Solar bastante estrecho, con una sola fachada, son típicas casi
parisinas, que nada tiene que ver con el diseño de Perret. Para
conseguir más fachada lo que hace es plegarla, mete un patio
delantero. En la planta todos los espacios tienen iluminación
directa, todas las habitaciones tienen luz y ventilación directa.
Utiliza el bastidor en hormigón, soportes verticales y vigas horizontales, lo que queda en medio
se rellena con vidrio. Para garajes cuantos menos pilares mejor, la estructura permite soportes
no muros. Estamos a inicios de la luz eléctrica pero es sistema sigue siendo muy primitivo, la
luz natural todavía es tema fundamental, la estructura puramente dormida, fundamentalmente es
una estructura industrial.
Perret dice que el hormigón no sólo sirve para industrias o casas, en el año
1923 le encargan una iglesia, la iglesia de Notre Dame Rainoy (1923), es un
encargo y le dicen que tienen poco dinero y tiene que ser una construcción
rápida. La organización de la iglesia es convencional, en ‘planta de salón’, lo
que hace es traducirla en hormigón, lo reinterpreta, no tiene revestimiento,
cubierta hecha a base de bóvedas, tiene naves, fondo en forma de ápside y
vidrieras.
Tony Garnier
Arquitecto francés que pasa a la historia de la arquitectura moderna por un solo proyecto, es
becario en la academia francesa en Roma, realiza un estudio sobre la ciudad, el urbanismo,
incluye todos los aspectos, plantas (función),secciones (construcción), alzados (forma) y
perspectivas (imágenes).
La condición fundamental es la higiene, una ciudad del S. XX tiene que ser zonificada, separada
de usos, no se mezclan las fábricas con las escuelas. Se separan la residencia de la industria y
de sanidad. Como novedad se construye en hormigón.
Zona sanitaria
Zona residencial
Monta una estructura en cuadrícula, horizontales y verticales, lo orienta según Norte, Sur, Este y
Oeste. Todas las viviendas tienen por lo menos una fachada orientada a Sur, por lo menos el
50% de la parcela se dedica a zona verde. Exige la construcción en hormigón armado, prohibe
los patios y segundas luces, en cambio impone luz eléctrica, calefacción eléctrica, agua, cocinas
y baños.
Zona central
Hace una equiparación, cualquiera de las civilizaciones antiguas tendían a dibujar su físico,
conforme vamos avanzando se desprende de esa decoración, cuando la arquitectura alcanza su
madurez (en la revolución industrial), la arquitectura debe ser civilizada y prescindir de ese
ornamento. Si se elimina la decoración entonces ¿qué queda?. Utiliza la geometría de manera
tridimensional, distingue tres ámbitos dentro de la arquitectura:
Ámbito de lo público, considera que es el exterior de los edificios y debe componerse de manera
muda, seria, neutra, cerrada, sin grandes exhibiciones, trabajará con volúmenes geométricos de
suma o resta de elementos cúbicos. Su geometría es tridimensional, y en paralelo a esa
composición interior prevalece el dominio privado, por lo que el usuario debe hacer propio ese
especio, debe adecuarlo, sus interiores serían espacios ricos y fluidos, complejos en los que
utiliza una técnica particular de composición, la técnica ‘Raumplan’, técnica de composición
tridimensional, lo que hace es elegir la altura de cada uno de sus espacios dependiendo de su uso
y dimensión en planta.
Un ejemplo es el salón, espacio de uso diario, suele ser el espacio de mayor uso, su altura es
mayor por su uso y por su dimensión en planta. En un dormitorio la dimensión es menor, dos
personas, su uso es privado lo que supone una altura menor. La sección de los edificios de Loos
es más importante que la planta, suelen ser secciones complejas.
Tipo de cubierta con Guardilla, espacio utilizable, se llama ‘Mansarda’ conecta con la tradición,
con la composición tripartita y con el eje compositivo, aún así el chaflán no es simétrico, lo que
hace es una composición simétrica en un chaflán asimétrico. Hace un cambio de plano.
Hay una diferencia entre exterior/interior: En el exterior trabaja con la suma y la resta de
volúmenes cúbicos como sistema constructivo, no aparece ningún tipo de decoración.
Estética y diseño industrial Página 35
Werkbund (Alemania)
Durante la primera mitad del S. XX será Alemania quien lleve las iniciativas de la arquitectura,
las principales iniciativas anteriores procedían de Inglaterra. La revolución industrial alemana se
realza a partir de 1870 (cuando se finaliza la guerra Franco-Prusiana), cuando se incorpora más
tarde posee desventajas para adaptarse, tiene ventajas como aprender de los demás y será la
coyuntura que aprovechará Alemania.
Entre 1902 y 1905 estará Herman Muthesius, que es agregado cultural de la embajada en
Londres, la función de Herman es conocer de primera mano la situación, es el puente, actúa de
transición entre Gran Bretaña y Alemania, activador de la producción en Inglaterra, conoce las
viviendas de Glasgow, a Mackintosh, Morris, etc.
- Publica un texto en dos volúmenes sobre la casa Inglesa, en ese texto defiende las
aportaciones de la casa inglesa, hay que extender los niveles de confort al resto de
Europa, a la vivienda alemana y a todas las clases sociales.
- Promueve la asociación de Werkbund en 1907. El Werkbund no es un estilo, tampoco
una vanguardia, no tiene esas características de ruptura. El Werkbund es una asociación,
es como un colegio profesional, la diferencia es que el Werkbund no es únicamente
profesional, reúnen tres categorías profesionales: técnicas profesionales (arquitectos e
ingenieros), profesionales sin título (artesanos, matriceros y mecánicos) y el capital
alemán (los que poseen el dinero).
La estrategia será la unión entre Arte e Industria, que los artistas participen en el proceso
industrial. Peter Behrens empieza a trabajar para la A.E.G. que lo que hace es comprar patentes
americanas, lo contratan como asesor artístico, trabajará como arquitecto diseñando fábricas,
pabellones expositivos, trabajará como diseñador industrial diseñando electrodomésticos y
como diseñador gráfico para la imagen corporativa, todo tipo de tareas de orden artístico, lo que
añade Peter Behrens es una idea de proyecto, proyectar significa dar forma sobre el proceso
productivo industrial, mejoras que se pueden añadir, etc.
Peter Behrens trabaja junto a W. Gropius (Bauhaus), en 1909 construye la ‘máquina de turbinas’
AEG en Berlín (Turbinenfabrik)
Estructura pequeña en celosía. Behrens adapta el modelo de la galería de las máquinas en París
al modelo de la fábrica. Una vez clara la organización de la fábrica, la estructura, finalidad, etc.
busca referentes a los que referirse, por ejemplo un modelo de arquitectura como templo. En el
frontón vemos el anagrama de A.E.G.
Debido a la grúa hay cambios de movimientos, la estructura es dinámica, por ello utiliza las
rótulas, para impedir movimientos.
Tres modelos con tres acabados y tres texturas diferentes, lo que busca Peter Behrens es la
diversidad dentro de la unidad. Hay que conjugar tres variables, cuanto mayor normalización
más fácil es de construir,
necesidad del catálogo para
elegir: forma, textura y color.
Tema 15
Neoplasticismo o Grupo ‘De Styll’. Abstracción, periodo entre Guerras Mundiales en Holanda.
Se han roto los fundamentos académicos desde el S. XV, el color y perspectiva. Una vez rotos,
el neoplasticismo genera un nuevo código a partir del cual componer obras.
De styll es la revista que se distribuye en Holanda, la publican ellos mismos con sus obras más
importantes.
Hasta ahora habían vanguardias anteriores a la Guerra, la primera Guerra Mundial supone una
interrupción en el discurso de las vanguardias. Europa fue campo de batalla, después estará
desolada y entre ruinas. El grupo Holandés del neoplasticismo se desarrolla a partir de 1917
(Holanda es un país neutral).
Este grupo Holandés entiende que la guerra es un acto de irracionalidad, como respuesta a la
guerra entienden que hay que hacer un acto de racionalidad extrema en todos los ámbitos del
arte y de la cultura.
1. Arte espiritual
2. Arte global, arte como un todo
3. Esencialidad
4. Buscan un método universal, para todas las artes
5. El código serán las variables más esenciales de la forma (punto, línea, plano; color
básico: rojo, azul y amarillo; y el no color: blanco, negro y gris)
6. Método. Se parte de un fenómeno, luego hace dos pasos:
- descomposición: analizar para identificar esas variables esenciales del código.
- recomposición: síntesis de esas variables esenciales que conservan su autonomía.
7. Muerte del arte, arte entendido como tradicional, como plus de belleza. Es un nuevo
concepto de arte que alcanza a todo el entorno humano, tanto al espacio (contenedor)
como a los objetos (contenido) de manera que en estas circunstancias el arte como
belleza desaparece
Protagonistas:
Piet Mondrian (Pintor)
Theo Van Doesburg (Artista plástico)
Jan P.P. Oud (Arquitecto)
Gerrit Thomas Rietveld (Arquitecto y diseñador industrial)
El que mayor peso tiene es Theo Van Doesburg, su muerte implica la disolución del grupo, es el
teórico más importante.
Espacio:
-Oud: Fachada Café ‘de Unie’
-Van Doesburg: Cafetería L´aubette
-Rietveld: Casa Schröeder (Utrecht)
Mondrian
Mondrian evita poner do colores aún siendo complementarios, no hay contrastes simultáneos de
color, por ello separa los colores con la línea negra.
Retícula cartesiana, líneas y sectores de plano (rectángulos), colores básicos, rojo, amarillo y
azul. Los blancos de Mondrian son puros, siempre están teñidos, blancos con amarillos
(cálidos), con azul (fríos) o con negros (grises) para fijar las gradaciones de la luz.
La base es la misma que la anterior pero destacan las intersecciones mediante puntos de color,
forma brillos.
Estética y diseño industrial Página 40
Es una obra de decoración interior, es un complejo que comprende café, cine, cabaret, sala de
fiestas, etc. en dos plantas, Doesburg hace la decoración de los espacios interiores.
En los primeros bocetos plasma la proyección sobre las paredes, la proyección de rectángulos,
cuadros de tipo Mondrian, esto sin embargo no le convence, en estas composiciones se
mantienen las aristas, las líneas continuas, de manera que permanece la idea de volumen,
finalmente opta por producir el giro, sigue teniendo esa proyección sobre paredes pero girada
45º ¿en qué varia?:
1. Al estar jugando con los giros está escapando, negando la tiranía de la gravedad,
vertical y horizontal son necesarios en arquitectura.
En arquitectura los elementos verticales son los sustentantes y los horizontales los sustentados,
la arquitectura neoplástica es arquitectónica (algo tectónico es estructural, que pesa), niega el
peso, trata los objetos como planos, carecen de peso.
Estética y diseño industrial Página 41
Rietveld diseña el contenido, las primeras cocinas modernas. Organiza la cocina en tres zonas:
limpieza, almacén y preparación.
Silla Rietveld
Antecedentes:
Se sitúan antes de 1905 cuando se produce un primer intento revolucionario en Rusia, e ese
intento ya se implican los artistas modernos, se produce la identificación entre arte moderno y
revolución social, participan en la revolución.
En 1917 se produce la revolución de octubre, Lenin será el jefe del nuevo gobierno, la guerra
civil durará hasta el año 1921. Los artistas quieren trasladar la revolución al arte, se llamará
revolución artística.
Periodos:
1. Utopía revolucionaria. Coincide con la revolución y la guerra civil, desde 1917 hasta
1921, revolución de debate teórico, planteamiento de obra gráfica y propaganda.
2. Postguerra. Entre 1921 y 1925, se presentan lo pilares de las instituciones Inkhuk
(Vjutemas). Organizaciones, O.S.A, A.S.N.O.V.A. Publicaciones de arte y diseño.
3. Proyección internacional, a partir de 1925-1931, se pasa a la práctica, periodo de
realizaciones maduras, recuperación económica.
4. El final de las vanguardias entre 1931-1933 por parte de presiones políticas,
“Stalinismo”, a causa de totalitalismos de izquierdas, implica la uniformidad, ‘Realismo
Socialista’.
Estética y diseño industrial Página 43
Características:
1. Abstracción
3. Máquina
Admiración por la máquina, revolución industrial, por lo tanto se entiende el arte relacionado
con la ingeniería, el artista a su vez construye formas, paralelismo entre el artista y el ingeniero.
Protagonistas:
Aparecen elementos geométricos, es el eso, como una historia paralela que viene a colaborar e
insistir, repetición a menor escala. Textos cívicos del Ruso, hace la analogía lingüística.
La sociedad negativa, rígida y estática está siendo abarcada por la revolución, mensaje
trasmitido a partir de conceptos genéricos.
Proun (Lissitzky)
Monumento a la 3ª Internacional
Plantea una obra mixta, inclasificable, arquitectura, escultura y máquina, es una utopía
tecnológica, manifiesto a favor de la industria y de lo nuevo, tiene las características de
movimiento revolucionario, la transformación, es definitivo, el planteamiento de partida es
diferente, los resultados son parecidos, es más teórico que práctico. Ese debate se rebaja en 1945
cuando es posible pasar de la teoría a la práctica. Las dos tendencias confluyen.
Konstantin Melnikov
Dentro se exponen los logotipos de las vanguardias soviéticas. Los artistas rusos del momento
están trabajando en los Vjutemas, mobiliario, libros, carteles, lámparas, etc. con dos temas
fundamentales, la vivienda obrera, comunal y el club obrero, son un nuevo tipo de edificios que
construyen en la unión soviética, se trata de centros culturales asociados a las fábricas, centros
de producción, pero en un sentido diferente a lo que puede ser un teatro, en un club obrero el
objetivo es crear cultura.
“Ajedrez”
Estética y diseño industrial Página 47
Se trata de un grupo obrero, por lo tanto tiene la función de producción de cultura para
trabajadores de una fábrica, la imagen exterior basada en la diagonal, tecnología posible,
multifuncionalidad, el espacio principal de Rusakon, las tres salas que componen el “engranaje”
pueden separarse para actos diferentes y pueden juntarse para actos multitudinarios.
Tema 16
Bauhaus (1919-1933)
-Academia de Bellas Artes, arquitectura, pintura y escultura (artes mayores) con teoría.
-Escuela de Artes y Oficios, aspectos artísticos (artes menores) con la práctica y ejecución.
Casa de construcción, se inspira en los gremios medievales, sin embargo aparece como escuela
superior de diseño, por primera ves aparece el nombre de diseño, Walter Gopius hablará en
todas las escalas, encontrará un método universal que valga para todas las escalas, para eso
aplica la racionalidad como instrumento, se aplicará a todos los aspectos.
Funcionalismo: Se intenta objetivar las formas, existe una forma óptima para cada uno de los
objetos. No habría que modificar la forma del objetivo sino cambiarán el resto de variables, es la
psicología de la percepción.
Aparece un primer nivel “Curso preliminar” que dura entre una y dos semestres y tiene carácter
eliminatorio-selectivo, en ese curso se enseña teoría de la forma, ciencias básicas, luego una
serie de conferencias sobre diversos temas.
En un segundo nivel están los “talleres”, además de selectivo pretende orientar y distribuir, la
distribución no es estable, sufre modificaciones pero está regido por técnicas-materiales (metal,
madera, textil, gráfico, escultura, pintura, cerámica, teatro). Este dura 3 cursos.
Profesores
1919-1923 Con la base de la fundación Weimar, son los años más duros de posguerra y miseria
económica. Hay un predominio de las tesis expresionistas cuyo principal representante es
Johanne Itten, director del Vorkurs, se incluyen aspectos relacionados con la forma y la
artesanía.
1923-1925 Hay una recuperación económica, Walter Gropius produce un giro individualista a la
Braun, hay una influencia del neo plasticismo y de los constructivismos más tarde Gropius
reformula el lema ‘arte y técnica una nueva unidad’, esto equivale al arte unido en la industria
para el Werkbund. A Walter Gropius se le despide, aparecen Josef Albers y L. Mataly (aspectos
relacionados con el constructivismo húngaro) para encargarse de ella.
1925-1928 En Weimar empiezan a subir los nazis al poder, le cortan las subvenciones a la
escuela y le proponen traspasarla. Periodo de madurez. En el nuevo edificio colaboran Walter
Gropius y los alumnos.
1928-1931 Nuevo director Hannes Meyer. Se produce un 2º giro en el que aparecen contactos
internacionales, sobre todo con las vanguardias soviéticas. Talleres de arquitectura. Giro
sociológico y político.
1931-1933 Meyer es obligado a dimitir, se produce el triunfo nazi, hay presiones políticas sobre
la Bauhaus, Meyer como comunista es obligado a dimitir y como nuevo director L. Mes Van
Der Rohe. Primero hará una limpieza de estudiantes extranjeros y comunistas, luego hace
énfasis en los talleres, la convierte en una escuela únicamente de arquitectura, produce e
traslado de la escuela y la privatiza sin ayudas políticas. En 1933 con el triunfo del grupo nazi se
ven avocados al cierre.
Itten
Tenían una orientación expresionista, era bastante místico, no solo enseñaba teoría sino
el gesto, la forma de convivencia.
El taller textil está dirigido por Gunta Stolz y Annie Albers, es el taller que mejor
sobrevive, es la industria más industrializada. Patentan un tipo de tela que evita que se desgarre,
será utilizado para muebles. Lo que hacen es un proyecto de tela, resultados en los que
predominan la geometría, racionalización.
El taller de metal es uno de los más fructíferos, atrás como protagonista habrá una mujer
‘Marianne Brandt’.
Hay dos versiones, pie y base de vidrio y otra totalmente metálica, características
similares a las de Marianne Brandt, formas geométricas elementales, materiales con sinceridad
material, elementos funcionales (se evita el deslumbramiento), uno de los diseños introducidos
en cadenas de producción.
Marcel Breuer
Es el inventor de las sillas de tubo metálico, fue alumno en la Bauhaus, los primeros
ejercicios que hace son tipos con mucha relación con los muebles de Rietveld (neoplásticos),
descompone líneas en planos de los diferentes elementos de la silla, utiliza la descomposición
de elementos, sirve de apoyo para los brazos. Telas antidesgarro, evita que la tela se rompa entre
costuras.
Silla B5(1926)
Sillón Breuer
Forma: Formas geométricas simples, uso de las líneas y el plano, líneas continuas,
monocromo, forma un dibujo espacial, el tubo funciona como una línea tridimensional, las
direcciones principales son cartesianas, los empalmes son cuartos de círculo o semicírculos,
telas oscuras, el tubo metálico se hace cromado, tiene ese carácter metálico, connotaciones:
elegancia, se le dan connotaciones de mueble industrial, maquinista, moderno, además es un
metal con brillo, cierto carácter de lujo y de limpieza.
Pocas piezas, facilidad de montaje, hay versiones en madera (asiento y respaldo), cuero,
tejidos vegetales como mimbre, separación entre estructura y brazos y respaldo.
Función: Silla barata gracias a la industrialización para casas sociales pequeñas con
muebles pequeños y ligeros. Otras características que también se buscarán es que sean plegables
o abatibles para aprovechar mejor los espacios. Viviendas pequeñas pero con estándares de
calidad (baño, cocina, ...)
L. Moholy-Nagy
Director del grupo ‘Workus’ además de ser profesor de la Bauhaus se encargó del
diseño editorial, la Bauhaus funciona también como editorial, primero edita 8 y más tarde 6
dedicadas a temas de arte y de arquitectura moderna. Procura la difusión de la arquitectura y
arte moderno, diseño de la topografía, carátulas y gráficos. Se hace un diseño como motivo
general la axonometría de una vivienda, simplicidad de tinta (rojo, blanco y negro).
Tipografías, se prefieren los tipos que no tienen Serif, letras de sección variable, ayuda a la
buena lectura de las letras, se empieza a utilizar en Bauhaus letras grotescas de pelo seco, sin
Serif, con formas elementales.
Cartel (Bayer)
Composición octagonal donde se cambia la orientación del texto, colores fundamentales rojo,
azul y amarillo.
Vjutemas (1920/1930)
Def.: Se forma por la unión de la escuela de artes y oficios de Moscú y la academia de bellas
artes de Moscú, también tiene la doble componente de práctica y teoría como en la Bauhaus.
Carácter de revolución en la pedagogía de las enseñanzas artísticas.
Importancia del contexto, hablamos del contexto revolucionario, guerra civil y construcción del
nuevo estado soviético, mucho más cambiante y conflictivo que el alemán, por eso los esquemas
de funcionamiento son más cambiantes, hay menos estabilidad, los Vjutemas tienen entre tres o
cuatro planes de estudio. El contexto también influye en los medios. El poderío industrial de
Alemania es mucho mayor, en los años 20 todavía Rusia sigue estando atrasada, la mayoría de
los diseños no pasan de prototipos, mientras que en la Bauhaus se comercializan.
El diseño gráfico si que pasará a producirse, por precio, es mucho más barato y fácil con menos
medios, en segundo lugar porque tiene un aprovechamiento por parte del estado, propaganda.
Evolución:
Plan de estudio:
1. El curso básico, punto de iniciación común para todos, dura entre 1 y 2 años.
2. Facultades, en la Bauhaus lo llamaban talleres, ejercicio práctico.
-Arquitectura/teatro
-Textil, madera, metal, cerámica
-Gráfico
Balance:
Mobiliario:
Principios paralelos a los muebles Bauhaus, para viviendas baratas (sociales) y clubs
obreros, son fundamentalmente prototipos que no pasaron a cadena de producción.
DISEÑO EXPOSITIVO
Lissitzky plantea un espacio cúbico, uno solo, parte de una idea de proyecto, el espacio
cúbico en el que se hace el diseño de todas las superficies, cada una de esas paredes se trabaja
manipulando los elementos fijos y arquitectónicos que ya existen. Se introduce el tema de
valoración de las texturas. En el interior hay una separación con cortinas, se separan dos
mundos diferentes. En principio los elementos son simples, elementos modernos, las peanas de
las esculturas son coherentes con la propia escultura, dinamismo, cuadros no alineados. Viendo
la secuencia se ven paredes con listones de madera, tiene espesor y con laterales de distinto
color (blanco y negro), la percepción es distinta.
Introduce otra innovación, aparecen cuadros de obra propia con bastidor móvil,
corredera que pueden cambiarse, hay obras ocultas que se pueden mostrar, se puede cambiar la
disposición, nuevo papel del observador quien tiene un papel activo. El espectador de arte
moderno puede elegir la mejor observación, componente dinámico.
Como tema visto entre diseño gráfico y exposición, transición del diseño gráfico al
diseño industrial, es un diseño comunicativo. Hay dos variables o temas fundamentales, todo lo
que tiene que ver con carteles y periódicos, anagramas y banderas.
Estética y diseño industrial Página 58
Los soportes son lo relativos de prensa, eso permite que el diseño móvil sea cambiante,
pueden girar y cambiar lo expuesto. También participa como arquitecto de mobiliario móvil,
tabique que gira respecto a una guía en el suelo, divide el espacio en dos, en su espesor contiene
a los distintos elementos de mobiliario.
Se mezcla el fotomontaje del pabellón, dos personas, se usa el rojo, el blanco y el negro.
Juega con las letras utilizando la parte común de los títulos (Kanst es arte),
composiciones geométricas, rojo, blanco y negro.
Tienen la calidad de jugar con las letra, el dibujo. Las letras son también dibujos y se
usan con el valor plástico del dibujo.
Monta la exposición del pabellón de exposición de Paris del año 1925. Tiene un
actividad en temas publicitarios. Para empresas soviéticas, los recursos son similares a
Lessitzky. Contraste de elementos sacados de escala, composiciones de base geométrica.
TEMA 17
Maestros del Movimiento Moderno
Se llaman maestros del arte moderno porque resumen la renovación disciplinar del
protoracionalismo y por otro lado la renovación del lenguaje de las vanguardias.
1. Le Corbusier
1. Pilotis, implica levantar, dejar la planta baja diáfana, implica el contraste entre naturaleza y
arquitectura, separa.
2. Planta libre, implica diferenciar la estructura de las distribuciones.
3. Fachada libre, implica que el sistema de estructura es diferente al cerramiento.
4. Ventana horizontal, por razones funcionales de luz y ventilación.
5. Terraza jardín. Introduce la naturaleza en el interior del edificio.
En la capilla semicircular para la oración personal no hay ornamento religioso, estamos viendo
la luz que resbala por las paredes pero no vemos la fuente de la que procede. Además al ser
curva se hace palpable y sensible.
Mobiliario Le Corbusier (1925), mobiliario modular, casilleros estándar, es el origen del
mobiliario modular posterior. Contenedor neutro modulado que puede admitir variantes con o
sin puertas, cajones, estanterías, variantes de color, material.
El objetivo es funcional, se trata de tener una estructura fija, con las mismas piezas y los paneles
para ir montando y solucionar necesidades.
Se trata de aplicar al mueble todos los criterios industriales, se llama mobiliario estándar y sobre
esa base el máximo número de variantes para conseguir la flexibilidad adaptación a cualquier
probabilidad de uso.
Se estudian los muebles de reposo, sillas, tumbonas, está pensando en lo que se llama posición
activa y pasiva, descanso, estudio, lectura...diferentes posiciones del cuerpo humano para la
función.
Pabellón Alemania para la exposición de Barcelona (1929, Mies Van Der Rohe)
Extensión tema vivienda de las casas típicas de Barcelona, el uso es de vivienda. Es una casa
grande, en pendiente, mira hacia un paisaje (colina), es una casa volcada al paisaje, funciona al
revés de lo convencional, se accede por la parte superior, hay una serie de volúmenes que
corresponden a espacios nocturnos, dormitorios, desde allí se accede a la planta inferior, es una
planta volcad al paisaje, para esa planta se diseña el mobiliario Tugendhat.
Función:
Significado primario una silla, secundario para
comedor, es una silla de actividad, de trabajo, para mantener
una cierta posición de actividad.
Separa la estructura del cerramiento, soportes interiores perforando la caja, reviste el sistema
estructural.
Características:
Composición de planos verticales que mantiene la materialidad del lugar son de piedra del
lugar, revestida, frente a esa materialidad los planos horizontales de hormigón blanco.
Nos obliga a recorrer la casa por todos los puntos de vista antes de entrar. Aparece una
geometría que se descompone, el volumen está descompuesto, siguiendo el perímetro vemos
que es parte de un cuadrado, a partir de esa geometría se abren las tres direcciones del espacio
de una manera muy poco rígida,
cuadrado compuesto en diagonal, las
cuatro esquinas comunican con la
tierra, el aire, el fuego y el agua.
Los planos verticales revestidos con piedra natural sin desbastar se contraponen a los voladizos
horizontales de hormigón, transparencia, vidrio, vemos el interior de la casa.
En el trayecto de entrada a la casa vemos por fuera toda la estructura, pasamos el puente y
accedemos a ella, cambia el paisaje, la luz, es
cambiante.
Wright tiene una participación en el tema del diseño, diseño integral, en la casa de la cascada
diseña el contenedor y el contenido, vive prácticamente 100 años. En la formación se enraízan
aspectos del S. XIX, va por delante de los europeos, en cuanto a temas tecnológicos va por
detrás. Referencias con Arts & Crafts en cuanto a la sinceridad, cierto arte de fin de siglo en su
vertiente más geométrica también hablamos de un estilo oriental (Japón). Fundametalmente son
temas domésticos, mobiliario, lámparas, vajilla...
Lámpara piramidal, pantalla simulando el papel de arroz, influencia japonesa, la hace simulando
un tatami, combina los materiales naturales y la geometría, el organicismo.
La vajilla tiene el anagrama del hotel, es un círculo con una cruz, formas circulares de colores
asimétricas.
Maestro de la vertiente del organicismo, Finlandia (el país de Alvar Aalto), está en una posición
marginal (margen de frontera), paisaje duro, ártico, influencia del entorno natural, no tiene
influencia del patrimonio, por ello la ruptura de las vanguardias no tiene tanto sentido, cultura
más flexible, se introduce la curva. Será la referencia fundamental del diseño escandinavo.
Las habitaciones están proyectadas desde el punto de vista del residente, se hace más
confortable la estancia del enfermo. Las habitaciones son dobles, el sistema de colores es
inverso al actual, habitualmente lo convencional es que las paredes tengan un color más oscuro
que el techo, en este caso es inverso, están pensados para el punto de vista horizontal, para los
acostados, el techo si es claro actúa como reflector de la luz, se ilumina más, se busca que el
techo no refleje tanta luz, se evite el cansancio visual.
El mobiliario está diseñado con el objetivo de que el enfermo disfrute del exterior, la apertura se
hace por arriba para evitar corrientes de aire directamente.
Alvar Aalto descubre dos cosas. No es un sillón de actividad, desde el punto de vista formal es
similar a la silla tugendhat, tiene la calidez de la madera, descubre que el coeficiente de
elasticidad es superior al del acero. En Finlandia es un material abundante y hay tradición de
trabajar la madera. Diferencia la estructura, barnizada, del plano de descanso que está lacado en
negro.
Confort y comodidad fundamentales para el diseño escandinavo, diseño del detalle, es un diseño
que busca las minorías. Desde el punto de vista industrial es una tecnología blanda, no son
diseños que necesiten una alta tecnología, generalmente asequible, se trata de una industria de
bajo consumo eléctrico y bajo consumo material. Hay una cultura ecológica, los nórdicos tienen
asumido el vinculo de convivencia con lo natural.
pata en ‘L’(1933)
pata en ‘Y’ (1946-47)
pata en ‘X’ (1954)
Se gana organicidad, sofisticación e integración. En ‘L’ está muy diferenciado el soporte del
soportado, el montaje es elemental, tipificación, lo más elemental la barra de madera doblado y
con tornillo se sujeta la ‘L’ a la base. En la estructura en ‘Y’ sólo hay estructura, no hay base, en
este caso es más rígido, las patas forman una unidad inseparable. En la ‘X’ se produce la
intersección entre soporte y soportado, forma una especie de abanico, es muy sofisticado.
Estética y diseño industrial Página 70
TEMA 18
Art deco Viene de la exposición de Paris de 1925, art decoratif
Periodo entre guerras en Europa con centro en las grandes ciudades (Paris, Londres, Viena...) a
partir de los años 30 influencia también en Nueva York. Es una prolongación del arte de fin de
siglo después de la 1ª Guerra Mundial, diferenciación de clases sociales, clase media (alta
burguesía), progresiva introducción de técnicas y procesos industriales, es más mayoritario.
Características morfológicas
- Todos los temas hablan del transporte (años 20-30 incremento del automóvil y trazado
del ferrocarril, primeras líneas aéreas y transatlánticas). Empieza la cultura del viaje,
indumentarias, equipaje, hoteles...
Diseñadores:
Teñidos, incrustaciones y talla procesos para desarrollar el vidrio, predominan los aspectos
decorativos sobre los funcionales. Utiliza formas exóticas, peces compuestos siguiendo las
ondas.
Exclusivo en cuanto a la forma, materiales y técnica. El mueble está pensado o diseñado casi
como una escultura, por ello le pone pedestal, mantiene técnicas de ebanistería ancestral de gran
calidad, pinturas, tallas. Tiene una preocupación funcional, los temas de medidas se estudian,
respecto a la técnica son materiales caros y raros, se utilizan maderas exóticas de alta calidad
(palo santo, caoba), se combinan con incrustaciones de plata, cerrajes, se combinan con sedas,
materiales de muy alta calidad, el resultado un mueble muy depurado, exclusivo y raro.
Mueble femenino, para escribir correspondencia, cordón de seda, cerrajes y tiradores de metal
de calidad (es probable que sea plata). Influencia oriental, el tema de los lacados, es un secreto
oriental y es en este momento cuando empieza a dominarse en Europa, se usa para cubrir los
muebles, es un signo de exclusividad. Es un compromiso entre tradición y modernidad.
Progresiva actualización de la vanguardia.
Dentado superior en marfil, tiradores de seda, línea inferior en plata, es una forma muy
geométrica y sobria, no se trata de inundar todo de elementos, pocos elementos y de muy buena
calidad.
Temas decó, compañías de transporte de ‘ferrocarriles del norte’. Efectivo, hay una
concentración de contenidos, está publicitando una línea que une Paris, Bruselas y Ámsterdam.
Utiliza un horizonte muy alto, punto de vista de gusano, muy rasante, aparece la fuga de los
raíles y en el horizonte, en donde figuran las líneas, encontramos el anagrama de la compañía, te
lleva al destino a la meta, a las estrellas. Mezcla de colores, fríos y cálidos.
Está utilizando un horizonte muy bajo, el trasatlántico aparece enorme, resalta la pequeña barca,
sirve de contraste. Es un rectángulo azul, simplificación muy rotunda y efectiva.
La pelota es el elemento principal que está descentrado, mínimos elementos la red y la línea de
la pista de tenis.
Estética y diseño industrial Página 73
TEMA 19
Diseño aerodinámico
La forma prima sobre la función. El lema ‘lo feo no se vende – Raymond Loewy’
Nacimiento deel diseño industrial en EE.UU. por el crack de Nueva York del 29, prolongación
años 50 y 90.
Europa:
-Pioneros, 1908 Peter Behrens AEG
-Teoría 1919-20 Bauhaus y Vjutemas
-Arquitectos y artistas como padres
-Compromiso social
-Margen de la moda y del mercado
EE.UU.:
Capitalismo:
La crisis del 29 implica un giro del capitalismo, implica la aparición del Fordismo (años 1910-
20) que implican pocos modelos y larga duración, cambia a partir de 1929, que se produce por
la saturación de los mercados, saturación de Stocks y no pueden seguir produciendo porque no
venden, se cambia la filosofía de capitalismo, se pasa a muchos modelos de poca duración para
que el sistema no se pare y pasar a la filosofía del consumismo.
Morfología:
Diseñadores:
Raymond Loewy
Empieza a trabajar en EE.UU. como diseñador industrial. Trabaja con las grandes empresas,
Kodak, Westing house, american electric, Gestetner, Hoover.
Otro de los éxitos es la nevera, apertura con el pedal, codo, introduce las bandejas de rejilla para
que circule el frío por la nevera, son más fáciles de limpiar.
La empresa Hoover llegó a ser sinónimo de aspirador, son diferentes a las europeas.
Dreyfuss (antropometría)
Tiene un concepto del diseño como una prolongación del ser humano,tiee libros publiados sobre
medidas humanas.
Unión entre auriculares y micrófono en la misma pieza, marcación por disco, material en
baquelita, formas de una sola pieza, donde prácticamente no hay arista, se hace por
estampación, generalmente blancos o negros y de formas discretas, para que puedan combinarse
con cualquier tipo de decoración, tiene que ser común, neutro, asequible. Surgen variantes pero
siguiendo el tipo.
Trabaja en el modelo ‘DIMAXION’ lo que serán cúpulas geodésicas, vehículo con tecnología
aeronáutica para reducir la penetración con el aire y así reducir el consumo, llega a hacer
prototipos.
Cadillac 1958
Sedan 1956