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5 “No hay rosas sin espinas”: Estereotipo de lo femenino/ El Rosa/ La Rosa /Entrevista
a Rosacchicle………………………………………………………………………………………………………………36
8 Conclusión………………………………………………………………………………………………………………55
Bibliografía…………………………………………………………………………………………………………………57
Prólogo.
Perspectiva de la investigación en arte.
Esta Tesina en Arte ha sido llevada a cabo en el transcurso del cuarto año de
Profesorado en Artes Visuales, cursado en la Escuela de Artes Visuales Martin A.
Malharro, siguiendo la especialidad de Grabado y Arte Impreso, durante el ciclo lectivo
2017.
Tiene como principal fin abordar la investigación teórica y práctica como una
conjunción de saberes propios de la disciplina artística, en la búsqueda de un espacio
reflexivo y crítico, tanto para los aspectos propios del arte, como para los de la
educación. Comprendiendo al arte como conocimiento a través de la poética y por
medio del crecimiento y la formación de un rol docente que responda a los paradigmas
contemporáneos.
Los comienzos de este estudio se remontan al 2016 durante el curso del tercer año de
carrera, en el cual surge una temática determinada por el universo femenino y la
relación entre el espacio de lo íntimo y lo privado.
Esta relación condicionada por los nuevos espacios digitales de realización y exposición
de la imagen, tanto por el factor tecnológico como por las condiciones subjetivas que
estos implican. Volviéndose la selfie temática y recurso inicial del proyecto.
Manteniendo e indagando sobre la construcción del punto de vista femenino, por medio
de los estereotipos y tendencias que lo reflejan.
Dos producciones del año 2016: “Segunda piel” remera estampada mediante litopoliéster; y
“Cruz” dije estampado mediante la misma técnica, montado sobre impresión en cartulina
perlada, manteniendo la silueta de la cruz con el doble sentido de la contención de la toallita
femenina.
La palabra clave es precisamente “proceso”, pero concebido este desde un lugar lúdico,
de aprendizaje. Es un trascurso muy dinámico, una búsqueda personal en la imagen y a
su vez colectiva, debido al vital acompañamiento social dentro de la institución que
genera intercambios y nuevos puntos de vista constantemente.
Lo interesante de trabajos como este en los que por momentos hay obstáculos, o
bloqueos, es que la búsqueda es constante y los caminos múltiples. Ya que en el arte no
hay leyes, y los límites son siempre los propios. Aunque sea complicado encausar todas
esas opciones, la investigación que corresponde a una tesina otorga herramientas para
este orden y coopera a sobrellevarla.
1
Mencionamos este proceso de manera tan general porque se pretende utilizar dicha
definición no solo en los aspectos más tradicionales del Grabado como disciplina de las
artes visuales sino, por aquellos relacionados con la fotografía, el dibujo y la escultura,
como también se pueden aplicar a la música, o a lo audiovisual. Abordado desde lo
conceptual, siendo un procedimiento que permite retratar lo acontecido
temporalmente.
Para esto recorreremos una serie de conceptos claves que comparten las diversas
disciplinas entre sí: la textura, la obturación, la copia y la reproductibilidad.
La copia y la reproductibilidad, surgen en la historia del arte por medio del grabado. Ya
nos lo dice Benjamin en “La obra de arte en la época de la reproductibilidad técnica “,
probablemente fueron los griegos mediante la fundición y la acuñación los primeros en
realizarlo. Pero fue recién en la edad media con la xilografía, y más próximamente en el
Renacimiento con la imprenta, el grabado en cobre y el aguafuerte que se posibilita una
cantidad de tirada que se vuelve indispensables para la propagación de imágenes y
textos. Así mismo la litografía y la fotografía en el siglo diecinueve, (y como en casi todos
los aspectos tecnológicos) estos procedimientos han ido mutando, superándose a sí
mismos y respondiendo a las necesidades del momento.
Hasta la contemporaneidad donde cada vez ganan más terreno los sistemas de
reproducción y copia digitales.
El Grabado y la Fotografía.
En la fotografía la grabación está dada por la luz y los fotoreceptores, mientras que en
el grabado tradicional es la presión ejercida sobre la matriz lo que produce la copia, la
fijación de la imagen.
Si bien público esto en 1936, podemos ver lo contemporáneo que resuena en esta
actualidad mediatizada. Este “acercamiento” al que refiere, esa “superación del
acontecimiento” no podría describir mejor lo que es hoy el uso testimonial de cualquier
red social. En la actualidad la fotografía esta automatizada, disponer de una cámara,
tomar una foto, es algo cotidiano incuso rutinario y está al alcance como nunca antes de
un público más extenso y diverso, debido a los avances tecnológicos que vuelven
accesible el dispositivo que permite tanto realizar la foto como compartirla, sin
necesidad de revelarla, copiarla o imprimirla. Lo cual suprime un factor que compartía
con las técnicas tradicionales del arte impreso, pero le otorga un valor de
democratización y exposición a la imagen como nunca había tenido.
Andrea Ostera es una artista rosarina, que realizó una serie de impresiones en plata
sobre gelatina de capturas de pantalla de su Smartphone, combinando los procesos
analógicos que comparten la fotografía y el grabado, generando así, un diálogo con los
dispositivos digitales en los cuales la impresión material ha dejado de circular.
Como se puede apreciar, en las siguientes obras sin título de la serie, las imágenes
obtenidas son estampas, denotadas por estar en espejo y en negativo. Y son también un
claro ejemplo del concepto del grabado como indicio temporal, ya que materializa en la
copia la hora y minutos en los que actúa el proceso de fotograbado, como así también
los logos y otros íconos que aparecen y desaparecen durante el periodo de sesenta
segundos.
¿Cómo definirías la acción de capturar una imagen?
Me parece que hay que hacer una distinción entre el grabado como acción de grabar y
como una forma, hoy un poco anticuada, de nombrar a las artes impresas. La acción de
grabar se me representa como la idea de marcar una huella, pero con algún tipo de
incisión. Hay algo de violencia implícito en ese concepto. Grabar es herir una superficie.
Si pensamos en grabado como sinónimo de artes impresas, entonces pienso
rápidamente en la idea de multiejemplaridad, de múltiple. Entonces, cualquier estampa
hecha a partir de una matriz sería un grabado. Y lo que vemos en los últimos años es una
inmensa diversificación, tanto en los objetos que pueden ser considerados matrices (una
madera tallada, un esténcil, un archivo digital) como en la materialidad de las estampas.
¿Cómo sientes que afecta el espejo (puede ser el espejo concreto o el mecanismo por
el cual la imagen se espeja) a la copia o representación?
El espejo es un problema con el que tienen que lidiar frecuentemente los autores que
hacen arte impreso. La necesidad de “espejar” la imagen para que luego salga
correctamente en la estampa es un tema en el que deben insistir los docentes de
litografía o xilografía, por nombrar solo un par de técnicas que requieren esta operación.
La imagen en la matriz debe estar invertida lateralmente para que en la estampa
aparezca como fue concebida. Un grabador debe lidiar con el efecto espejo a cada
momento. Si pienso en la producción fotográfica, inmediatamente se me aparece el
mecanismo de visualización de la imagen de las cámaras réflex. Una serie de espejos se
encarga de que la imagen pueda ser observada, a través del visor, como se observa a
simple vista. El lente invierte la imagen. El dispositivo réflex, con su espejo a 45° y su
pentaprisma, se encarga de invertir esa inversión. En ese sentido, el espejo hace posible
una percepción ajustada de la escena que va a ser fotografiada. Porque luego, en el
momento exacto de la obturación, el dispositivo se desactiva. El primer espejo se levanta
y ya no hay imagen que se refleje. La luz llega a una superficie sensible y hace lo suyo. El
espejo queda afuera, y en nada afectará a la imagen impresa.
Ahora que hemos definido a grandes rasgos las características que atraviesa el grabado
en las diversas disciplinas, nos centraremos en aquella que las une: el indicio.
Monocopia, sobre cartulina. Realizada por entintado simultaneo y obturación. Aquí observamos
como la huella de la red de mango (matriz), funciona como indicio de la misma, en la estampa.
El indicio puede se da tanto en la textura visual como en la táctil, siendo estas dos caras
de la misma moneda. En este boceto digital, observamos como los diferentes contrastes
dados por el tratamiento elegido (pixelización), nos dan el indicio de cómo se construyó
la imagen fotográfica original, o sea la acción de la luz en la captura. Si observamos más
detenidamente sobre el margen izquierdo superior también se aprecia como indicio, el
logo que corresponden a la red social y el nombre de la usuaria autora de la imagen.
En la siguiente página ejemplos de estas categorías por orden de aparición (de derecha
a izquierda) sustraídos de la usuaria de instagram: arvidabystrom. Emma Arvida, que
además es artista, modelo y fotógrafa nos deja observar claramente las relaciones que
establece entre la exposición de la intimidad y el autorretrato, por medio de sus
imágenes.
A estas categorías aportamos otras tres de Canga Sosa:
1. Aquellas tomas que han sido realizadas con rapidez, de manera improvisada, para
aprovechar la ocasión, en las que no importa tanto la imagen en sí como la captura del
instante irrepetible, lo fotográfico en estado puro. Sirven, para certificar que su autor ha
estado ahí, captado en el tiempo y el espacio.
2. Las selfies preparadas, son en contraposición a las primeras, diseñadas para conseguir
una imagen determinada del autor, el cual tiene plena conciencia de la puesta en escena
y el valor de la pose.
3. Tendencia a fotografiar fragmentos del cuerpo que no están sometidos a la impostura
de lo imaginario y reproducen zonas marcadas, tatuajes, cicatrices y rasgos individuales,
las huellas del tiempo sobre la piel.
Silvia C. Carpallo en la nota “Nuestro cuerpo, el arte y los 'selfies' postorgasmo”, nos comenta
otra clase: las selfies-aftersex, un fenómeno surgido de la aplicación Instagram, que básicamente
retrata el momento posterior de una pareja que ha tenido relaciones sexuales.
Estas imágenes entran en algunas tipologías que ya hemos visto: son selfies del tipo usie,
la captura es instantánea, suele ser un primer plano, y su contexto está dado por un
marco íntimo como puede ser la cama o la ducha.
Por último, tenemos la Fitness selfie, narcisista por excelencia, documenta el culto al
cuerpo. Suele ser un plano americano o general, para lo cual se utiliza un espejo,
generalmente ubicado en el gimnasio o el baño.
Ejemplos sustraídos del usuario de Instagram: malacki351 y sanctumapparel_:
Cada variable nos acerca de diferente manera al usuario, haciéndonos parte de su vida
desde un rol de espectadores virtuales. Vemos dónde está, con quien, cuáles son sus
gustos, etcétera, siempre desde su único e íntimo punto de vista subjetivo. Teniendo en
cuenta también que no es un aporte menor de este fenómeno, como la brecha temporal
se ha ido acortando en el elemento testimonial que implica reproducir una imagen.
Pensemos sino en las histories en vivo, o en cualquier app que nos permita transmitir en
tiempo presente.
El factor espacio- tiempo que manejamos desde la tecnología, implica nuevas formas de
relacionarnos no solo con nuestro presente sino con el del otro.
Apropiación de la imagen.
“Soy la misma persona cuando estoy en línea que cuando estoy fuera. Por lo tanto, lo
que hay en línea es lo que hay fuera, y lo que hay fuera es también lo que hay en línea.
No soy dos personas distintas” Janelle diecisiete años
(Howard Gardner y Katie Davis, 2014:71)
En este comentario Janelle nos deja muy claro la coherencia que existe entre su
identidad física y su identidad virtual. Debemos entender que esta naturalización de
dichas dimensiones se da en los jóvenes que experimentan los cambios en la tecnología,
no precisamente como cambios sino más bien como parte de su cotidianidad.
Howard Gardner y Kate Davis, nos hablan en “La generación app”, de una identidad
multifacética y muy personalizada, ya que permite el encuentro en comunión casi
instantánea entre personas que comparten gustos e intereses, pero a su vez esta
“identidad app”, es prefabricada. Las apps son atajos, rápidos sin riesgos, pero también
afectan nuestras elecciones, volviéndonos consumidores cuantificables. Como podemos
observar en los buscadores y las redes sociales, estos funcionan por asociaciones, nos
muestran aquello que queremos ver o mejor expresado, “lo que creen que queremos
ver” cómo nos comenta Eli Pariser en “The Filter Buble”: “el buscador aísla, solo nos
muestra el contenido por similitud”.
Si bien las posibilidades de elección se amplían en un espectro casi infinito, plurificando
la identidad y dando lugar, por ejemplo, a la aceptación de las diversidades. Hay que
aclarar que la aceptación no es lo mismo que la empatía, ya que por más que sintamos
como Janelle que no somos dos personas distintas, si somos dos personas paralelas.
Estos dos sujetos paralelos son llamados el Yo Ideal, el sujeto que se ve y reconoce en el
lugar, en la imagen; y el Ideal del Yo que se identifica cultural y simbólicamente.
La selfie, tiene el carácter tácito de refractar la relación que establecemos entre estos
dos sujetos, mediados por la tecnología.
Este es un aspecto presente en las producciones por medio del espejo.
Poéticamente el espejo aparece como la representación del reflejo. Se encuentra
intrínseco en el grabado, y es a su vez, un arma de doble filo. Un arma por su poder y de
doble filo por su cualidad multiplicadora.
El espejo nos atrae, nos llama, nos muestra y juega con nosotros a la doble dimensión.
... “La extrañeza del actor frente al aparato, como describe Pirandello, es del mismo tipo
que la extrañeza del hombre frente a su aparición en el espejo. Pero la imagen del espejo
se ha vuelto separada de él, se ha vuelto transportable ¿Hacia dónde es transportada?
Ante el público” …
(Walter Benjamin, 2017: 64)
Al autorretratarse cada quien hace uso de objetos y lugares que den acento en alguna
situación que los identifique en su entorno cotidiano, intimando así con el espectador.
Pueden ser autorreferenciales directos, como es el caso de las fotografías en las paredes
de los primeros ejemplos, en donde además juegan con el formato de estas en la
composición, o como en los ejemplos posteriores donde el espejo es el determinante
del espacio retratado.
Desde su cuenta: sacha_dupre, mantiene un registro prácticamente diario de
autorretratos. Fue la usuaria elegida desde la catedra de dibujo para realizar un libro
álbum. Basándome en una variedad de tomas, surgieron nuevas dimensiones
conjugando fotografías que (como veremos en el ejemplo de abajo) fueron tomadas en
el mismo lugar, pero en distinto tiempo, siempre encontrándose el espejo como testigo
de la acción.
Libro realizado en papel felpina, papel vegetal, papel metalizado autoadhesivo, papel cristal y
cartulina. Mediante las técnicas de: puntillismo en microfibra, fibra y litopoliéster.
Para el pliego que corresponde al mencionado collage se utilizó un papel con calidad reflectante,
lo que permite que la página izquierda y el lector se van reflejados durante la lectura del mismo.
Así, el espejo funciona como canalizador del Yo Ideal y del Ideal del Yo, siendo este
círculo completado por las redes sociales, al momento de compartir la imagen.
Para dar cierre a este capítulo, apreciaremos la obra de Amalia Ulman, artista argentina
que en 2014 con su proyecto "Excelencias y perfecciones" asumió diferentes roles
femeninos por medio de las tendencias de las redes, generando así tres identidades:
de chica arty, de sugar baby , y de Goop. Por medio de Instagram desde la cuenta:
/amaliaulman.
En esta, recrea una estética por personaje y relata en imágenes las identidades de los
mismos, por medio del uso del estereotipo para darle forma a su performance, la cual
desarrollo durante cinco meses.
La artista cuenta que al observar su cuenta personal antes del proyecto, se percató de
que sin intentarlo, ya formaba parte de un cliché de artista indie, lo que le dio la pauta
para reinventarse en la imagen de mujeres a las que no se es da un lugar en el ambiente
artístico.
…“Para las mujeres todo es una construcción. Tú no naces y decides qué tipo de chica
quieres ser, es algo que viene de fuera. Por eso las mujeres entendieron mejor esta
performance. Los hombres no entienden cuánto trabajo supone ser una chica. Son una
serie de rituales, desde vestirse a teñirse el pelo, que se dan por hechos y que los
hombres pueden escoger hacer si quieren, pero no están obligados a seguir”…
Tres de los personajes que se pueden encontrar en el Instagram de la artista.
En su obra Amalia eleva ese papel, (que si bien pertenece a un estereotipo y con el cual
convivimos incluso frívolamente) a un status artístico, performático. Rescatando el costo
de la construcción de una imagen que nos identifique.
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Como hemos venido desarrollando las redes sociales tienen una amplitud de caracteres
que, sin necesidad de realizar criticas enjuiciando los valores positivos o negativos de
estas, son una parte importante en nuestro devenir subjetivo.
¿Pero qué sucede ante el deseo de autonomía en estos espacios tan prefabricados?
En este capítulo desarrollaremos las maniobras que diversas artistas utilizan para evadir
creativamente la censura de las redes.
…” El monitoreo constante que Instagram hace de tu trabajo, ¿qué nos dice acerca de la
manera en que la sociedad ve a las mujeres?
Hay múltiples casos en los que podemos observar como los usuarios hacen frente a
dicha situacion compartiendo imágenes de su identidad sexual, utilizando herramientas
igualmente creativas propias del lenguaje plástico como son la obturacion, la
sobreexposicion, o el collage. En la mayoria de estos casos la propia piel de los
autoretratados, funciona como superficie a la hora de cuestionar la censura y sus limites
esteticos, como veremos en estos ejemplos:
Si bien el cuerpo y la sexualidad son de los factores más “reprimidos” (y explotados) por
las redes, cuando hablamos de censura no solo entramos en el campo de lo que se niega,
sino también de los espacios que esta otorga para la resignificación de los mismos.
Para finalizar este capítulo me gustaría mencionar una performance llamada “Selfie”
realiza por un conjunto de artistas entre los que se encuentran Juan de Dios Valdez, Yuyo
Oviedo y Emilio Cutillo, durante la Bienal de Arte de Asunción en 2015. La misma
constaba de auto fotografiarse en las calles de dicha ciudad, siendo estos artistas parte
de los excluidos de la Bienal, acompañados de figuras acartonadas a escala real de los
curadores.
“Somos los artistas que quedamos fuera de la Bienal, pero de esta forma estamos
haciendo algo supervisado por los curadores”, dijo Juan de Dios Valdez en forma irónica,
mientras se tomaba una selfie con su cámara.
Los artistas utilizaron las redes y sus herramientas, para democratizar su lugar como
compositores del arte y su situación frente a la exclusión. No solo produciendo su propio
proyecto, sino estableciendo un nuevo vínculo con el espacio público.
Ningún espacio sea real o virtual está libre de los limites sociales que se le imponen en
forma de censura, determinando su contenido por el formato o el lugar de pertenencia.
Es importante ver estos límites, como una red por la cual también podemos espiar, haces
un agujerito, camuflarnos. Utilizarlos para resignificar el espacio público y privado, (y el
artístico, dicho sea de paso) como también para indagar sobre las relaciones de la
imagen del cuerpo.
El Rosa.
En “La armonía en el color. Nuevas tendencias” Bride M. Whelan, clasifica los matices y
tonos del rosa en varias familias que se relacionan: Primeramente, dentro de los claros
donde encontramos los pasteles, que se caracterizan por su claridad y son casi
transparentes, sugieren liviandad, descanso y fluidez. Dentro de estos descubrimos a los
pálidos, que posee por lo menos un sesenta y cinco por ciento de blanco en su
composición, disminuyendo así su tonalidad, insinúan suavidad y son tranquilizantes. Y
por último los que se desprenden de estos, los románticos, se dan por excelencia en el
caso del rosa, que comparte con el rojo el despertar del interés y la excitación, pero de
un modo más dócil y tranquilo.
Un caso particular es el del fucsia, un tono muy problemático de generar o por lo menos
desde la experiencia en el taller de grabado. Tiene un grado de saturación y luminosidad
muy elevado, lo que lo hace sumamente seductor. Dentro del circulo cromático se
encuentra entre el Magenta y el rojo. A cuatro partes de magenta y una de amarillo. Si
tuviéramos que situarlo en alguna de las categorías que propone la autora, esta sería la
de los brillantes, vinculados a recuerdos ensoñadores, días de estío, y ramos de flores
veraniegas.
Para comenzar la exploración de este matiz, escogí una serie de fotografías propias
tomadas en 2015 de diversos rosales, y descompuse, mediante una captura de pantalla,
el color de determinados píxeles en diversas coordenadas de la imagen para obtener así
una paleta aproximada de su composición (página siguiente).
Del resultado de este estudio se dieron dos conclusiones, la primera es que el rosa deriva
de los matices tierra, (con un alto contenido de rojo) y la segunda que este rojo, es en
realidad magenta.
La primera descomposición me remitió puntualmente al color de la piel.
La segunda al maquillaje.
La tercera coincidía con una paleta que venía observando en objetos de consumo
masivo, sobre todo infantiles y ofrecidos a las niñas.
Estos son tres aspectos que conforman parte del estereotipo que se mencionaba. La piel
como superficie de seducción femenina, el maquillaje como portador social de la
imagen, y en su grado de mayor saturación como el producto atractivo al púbico.
Entonces concluimos que el poder perceptivo del rosa, que es tanto dócil y
tranquilizante, como excitante, es sugestivamente utilizado en la imagen social que
asociamos a lo femenino.
El fucsia de la valijita de Juliana hace de filtro para iluminar el montaje, entre los objetos
destacados encontramos: un evatest, plumas, elementos de cotillón, un estuche de
celular, las esculturas mencionadas, esmalte de uñas, y pruebas en diversos materiales
como porcelana fría, cerámica, y parafina.
Pruebas para el estudio de los matices realizadas en el taller de grabado:
Al tomar conciencia del origen tierra del matiz analizado, se comenzó a implementar el cian en
la paleta, y a experimentar con la aplicación de diversas proporciones de blanco cubritivo y
blanco lacatine (tintas graficas) en las mezclas.
A continuación, veremos el trabajo Humanae Project, de la artista brasilera Angélica
Dass, que utilizó la cooperación por medio de las redes sociales para realizar un estudio
sobre los matices de la piel, planteadolo desde la riqueza de la diversidad y
contraponiéndose a los mecanismos de discriminación racial.
La Rosa
Es una conocida flor que da el rosal, arbusto espinoso de la familia de las rosáceas. Por
sus propiedades curativas y legendarias es utilizada en medicina, cosmética y hechicería.
Pero es el uso ornamental debido a su carácter simbólico y estético, el que hace más
representativa a esta flor. De las primeras flores en ser cultivadas, símbolo de belleza,
amor y romance, es también asociada al corazón y la sangre en un sentido más religioso.
Protagonista de mitos y poesías, la rosa es elementalmente femenina, y dependiendo
de su variedad y color puede representar: juventud, pureza, inocencia, elegancia, y
deseo entre otras cualidades asociadas a la mujer.
Entrevista a rosacchicle:
El rosa siempre estuvo presente, desde chica. Lo adopté como parte de mi imagen hace
cuatro años aproximadamente. Y lo uso es prácticamente todo, desde mi pelo y mi ropa
hasta mi decoración y objetos cotidianos.
Según lo investigado, el rosa deviene de los tonos tierra, como el color de la piel.
¿Consideraste alguna vez a la piel como elemento plástico?
Yo creo que la piel siempre fue un medio de expresión, desde las antiguas tribus hasta
la actualidad, con el tema de los tatuajes. Es una forma de hacer nuestro cuerpo una
especie de obra de arte también. Yo soy muy fanática de los tatuajes y tengo muchos.
Me parece divertido convertir nuestro cuerpo, nuestra piel en un lienzo para transmitir
algo.
Y finalmente. Si tuvieras que elegir un tono o grado de saturación del rosa ¿Cuál
elegirías y por qué?
A mí me gustan todas las variaciones del rosa, me inclino quizás más por los tonos menos
saturados. Quizás porque no generan tanto impacto visual, y son más "suaves" a la vista.
Yo, igualmente, adopto todos los tonos de rosa en mi vida. Un rosa que me serviría de
ejemplo es el "Pink Flutter" de la paleta de Pantone.
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“Superficies de Placer” de
Federico Moura y Roberto Jacoby
Virus, fue una banda adelantada a su tiempo, o si se quiere futurista, que nos ilustra en
esta letra como en la contemporaneidad, aun nos vemos encantados por ese flash
seductor de impresiones instantáneas, de las cuales somos espías encantados.
Monocopia y gofrado de tanga, estampa que surgió a finales de tercer año en el taller principal,
cuando comenzaron a trabajarse las relaciones mencionadas.
En esta estampa se vislumbra como un elemento intimo casi oculto la mayoría del
tiempo y en constante contacto con la piel, es también un elemento que por su detalle
y uso es destinado a lo púbico, a ser visto. Destino que es paralelo a las relaciones inter
e intrapersonales, que conformamos en las redes.
Desde lo plástico, y por medio de la investigación en color, puedo aportar que la piel es
rosa. El otro pigmento que contribuye a colorear la piel es la hemoglobina, que se halla
en los glóbulos rojos de la sangre, y que hace referencia directa la piel como órgano
corporal.
A continuación, relatare en una serie de imágenes en planos detalle, descubrimientos
sobre la relación del color y la textura de la piel.
Primera imagen: fotografía de una rosa, durante la búsqueda de las dimensiones del color,
comenzaron a aparecer paralelismos con la superficie de la piel; segunda imagen: recorte de
monocopia sobre papel vegetal, vista de cerca las marcas de la impresión son muy similares a
los poros y los pliegues de la piel; la tercera imagen forma parte del archivo de la bitácora digital,
para la observación de la superficie y textura de la piel.
Primera imagen: monocopia sobre papel
vegetal, aquí se comenzó a experimentar
con la luz y los pliegues del papel, la
relación de la piel como barrera; segunda,
monocopia sobre papel vegetal esta vez
con una iluminación a contraluz
generando un efecto muy similar al de
cuando iluminamos una parte del cuerpo y
visualizamos el pigmento de la
hemoglobina; la última imagen es
precisamente una fotografía del
fenómeno descripto anteriormente,
ejemplificado en una mano.
Desde el aspecto bidimensional tan propio del grabado, donde se suele imprimir sobre
superficies planas o incluso pensando en la imagen digital, resultó un reto que esa
superficie de placer, tan seductora y suave como es la piel, se trasladara a la tridimensión
desde técnicas propiamente planas. Aportando desde la materialidad nociones que
permitieran no desprenderse del detalle y la delicadeza que implica palpar un pétalo,
una gaza, o plegar un papel, ya que indiscutiblemente tenemos presente la percepción
del tacto, cuando hablamos de piel.
Hacer visual lo táctil
La artista hace uso del carácer tanto visual como táctil de la estria (estiramiento de la
dermis), reforzando el contraste de esta por medio del brillo.
Asi algo tan usual, natural y representativo del cuerpo, como son las estrias (que son
producidas por el desarrollo corporal, aparecen en la adolecencia, cuando practicamos
un deporte, o durante el embarazo) que suelen ser ocultas, disimuladas, o tratadas
como algo incómodo o antiéstetico, se vuelven un motivo o inspiracion para la creacion
de una tendencia que genera una revaloración del cuerpo a travéz del arte y las redes
sociales.
Las estrias son indicio del crecimiento, y como cualquier otra marca o cicatriz, nos
permiten percibir la relacion temporal que mantenemos con la piel, y por ende con el
cuerpo.
Siguiendo la tendencia a fotografiar fragmentos del cuerpo que no están sometidos a la
impostura de lo imaginario y reproducen zonas marcadas, tatuajes, cicatrices y rasgos
individuales, vemos como las huellas del tiempo sobre la piel, son las protagonistas en
estas imágenes.
Por medio de estos indicios podemos percibir la relación que mantiene los cuerpos como
superficies sociales ( moda, marcas, indumentaria).
Si bien la ambigüedad del espacio lo hace difícil de teorizar, estos autores nos aproximan
a la instalación por medio del espacio escultórico que, según ellos, se apodera del
espacio circundante por medio de la materia (lo que ocupa un lugar) Este espacio
circundante se vuelve obra en la instalación, como se da en el caso de la instalación
lumínica, donde el espacio es ocupado virtualmente.
Por su parte, Claire Bishop en “El arte de la instalación y su herencia” la caracteriza por
su relación con el espectador, por medio de su participación física, una presencia literal
y que, a través de la experiencia de la instalación es capaz de posicionarse como un
sujeto comprometido con sus nociones sociopolíticas, desde múltiples perspectivas, por
lo que esta lo activa y lo descentra.
La instalación es espacial.
Este espacio está determinado por las relaciones que lo habitan.
La luz es un factor determinante en estas relaciones.
El espacio es utilizado como material sensible.
Se da simultáneamente en la tercera y en la cuarta dimensión, ya que no puede
disociarse del aspecto temporal.
El espectador mediante su experiencia, es un componente en la relación con el
espacio.
Luz y cesía.
Ahora que nos hemos acercado a una caracterización de la instalación, nos enfocaremos
en los otros factores de la plástica visual a utilizar en este proyecto, la cesía, y la
iluminación.
Ambos están íntimamente ligados y dependen el uno del otro, como analizaremos desde
el apunte “Color y Cesía: dos aspectos de la apariencia visual de los objetos.” de José
Luis Caivano, arquitecto, docente e investigador.
La primera relación que según este comparten, es la que permite visualizar el objeto,
y que en su relación con la luz se hace visible y variable. Estas variables se dan por las
cualidades de absorción, reflexión o transmisión de los objetos, y son las que nos
permiten experimentar las sensaciones visuales que los identifican: el color y la cesía.
Como así también por las particularidades de la fuente lumínica, que recordemos
consta básicamente en: temperatura, intensidad, duración, cantidad y dirección.
Ambos aspectos además determinan la forma y la textura de los objetos.
En el caso de la cesía darán origen a las sensaciones de: transparencia, translucencia,
brillo especular o apariencia mate. Y los grados infinitos de variantes que se dan entre
estas, siendo particularmente afectada no
tanto por la longitud de onda o la intensidad
de la radiación, como ocurre con el color,
sino más bien por la distribución espacial de
la luz. Si bien el autor presenta esta
característica como una diferencia,
recordemos que son dos aspectos
intrínsecos entre si dentro de nuestra
percepción.
Proyecto Instalación.
Por medio de una serie de “capas-cortinas” ubicadas desde el techo hasta el suelo, que
el espectador puede recorrer por medio de un pasaje lateral, experimentando las
variables lumínicas y por tanto de color y de cesía, hasta llegar al fondo de la sala donde
podrá apreciar la fuente de luz primaria.
Podemos concluir que dicho proyecto es una instalación por el uso del espacio como
material, que es además lumínica, por ser la luz es determinante en las relaciones
plásticas que se abordan, e in situ, ya que está planeada par aun sitio especifico.
Proyecto Didáctica
Mono copia sobre fotocopia, de fotografía tomada por los chicos del Penal.
El proyecto a presentar, fue diseñado para educación no formal, en el marco de una
publicación editorial que consta en una serie de talleres de diversas disciplinas en el
espacio Taller Fanzine. Siendo este desarrollado en el área de menores del Servicio
Penitencial de Batan. Se presentará junto a un estudiante de Filosofía.
Fundamentación:
Propósitos:
Actividad:
El carácter destructivo no ve nada duradero. Pero por eso mismo ve caminos por todas
partes. Donde otros tropiezan con muros o con montañas, él ve también un camino. Y
como lo ve por todas partes, por eso tiene siempre algo que dejar en la cuneta. Y no
siempre con áspera violencia, a veces con violencia refinada. Como por todas partes ve
caminos, está siempre en la encrucijada. En ningún instante es capaz de saber lo que
traerá consigo el próximo. Hace escombros de lo existente, y no por los escombros
mismos, sino por el camino que pasa a través de ellos”
Estrategias:
Preguntas guiadas.
Evaluación:
Criterios:
Instrumentos:
Preguntas guiadas.
Dialogo.
El Rol docente es el papel con el que nos posicionamos al momento de actuar como
educadores, si bien está condicionado por las realidades socio históricas que afectan el
espacio en el que ejerzamos dicho papel, es ante todo sumamente subjetivo. Por lo que
el docente de arte debe tener como objetivo una formación continua que implique tanto
el aspecto docente como el de artista. Siendo este consiente, no solo de las innovaciones
y características de las disciplinas artísticas sino también ser sensible a su contexto.
Dentro del contexto sociopolítico que nos enmarca, mencionaremos una serie de
aportes de la educación artística, presentes en los Diseños Curriculares regentes y en los
NAPS, y sus contribuciones:
Conclusión.
Fernández Paradas Antonio Rafael (2016), “La mercantilización del selfie como medio de
construcción de las identidades sociales”, Sistema de Información Científica, Red de
Revistas Científicas de América Latina y el Caribe, España y Portugal, Universidad de
Málaga, España.
Howard Gardner y Katie Davis (2014) “La generación APP”, Paidós, Buenos Aires.
Kabakov Ilya (1995), “Sobre la Instalación total”, Catálogo “Ilya Kabakov: instalaciones”,
C. G. Pompidou, Paris.
Lipovetsky Gilles y Serroy Jean, (2015) “La estatización del mundo. Vivir en la época del
capitalismo artístico”, colección Argumentos, Anagrama, Barcelona.
Moura Julio, Moura Federico, Jacoby Roberto, (1987) “Superficies de placer”, del álbum
“Superficies de placer”.
Ortega Lucas Patricia (2015), “La postfotografia y el selfie como instrumento para
ponderar la fotografía y las practicas fotográficas en las Redes Sociales: una
investigación antropológica basada en las Artes”, Artes Visuales y Educación: un enfoque
construccionista, Universidad de Granada.
Pinardi Sandra (2016), “Elementos combinatorios, acerca de algunas ideas que
caracterizan las prácticas artísticas contemporáneas” Revista, Colección Cisneros.
Rossi Martínez Sandra (2011) “La piel como superficie simbólica”, Procesos de
transculturización en el Arte Contemporáneo, Colección Tezontle, Fondo de Cultura
Económica de España, S. L, España.
Urzaiz Gómez Begoña (2015) “La artista que convirtió los clichés de Instagram en una
perfomance”, Diario digital El País, Madrid.
Whelan Bride M. (1994) “La armonía en el color. Nuevas tendencias” Guía para la
combinación creativa de colores, Editora de arte y diseño gráfico, Mexico.