Historia Del Diseno I P PDF

Historia del
Diseño I
Historia del diseño I 2
CIBERTEC CARRERAS PROFESIONALES

ÍNDICE Página
Presentación 7
Red de contenido 8
Unidad de aprendizaje 1: La Historia. Arte y Diseño. 9

Inicios del Diseño
Tema 1 : Diseño y arte en la antigüedad
1.1 Diseño y Arte Rupestre

1.1.1. Diseño e imagen
1.1.2. Arquitectura y diseño de interiores.
1.1.3. Diseño textil e indumentaria
1.2 Diseño y Arte Antiguo (Arte Egipcio y Mesopotámico)

Tema 2 : Diseño en Grecia y Roma
1. 1 Diseño y Arte Griego

1.1.3 Diseño textil e indumentaria
1.2 Diseño y Arte Romano

1.2.1 Diseño e imagen
1.2.2 Arquitectura y diseño de interiores.
1.3 Diseño y arte peruano

(Resumen y cronología en el arte peruano)
Tema 3: Exposiciones grupales. Primera evaluación contInua
Unidad de aprendizaje 2: Diseño y Arte en la Edad Media 35

Tema 4 : Diseño paleocristiano y bizantino
1.1 Diseño y Arte paleocristiano


1.1.2 Arquitectura y diseño de interiores.

1.2 Diseño y Arte Bizantino

1.2.2 Arquitectura y diseño de interiores
Tema 5 : Exposiciones grupales. Segunda evaluación continua
Tema 6 : Diseño Románico y Gótico
1.1 Diseño y Arte Románico

1.2 Diseño y Arte Gótico


Tema 7 :
1.1. Examen Parcial de teoría
Unidad de aprendizaje 3: Diseño y Arte en la Edad Moderna 53

(1400 – 1800)
Tema 8 : El Renacimiento
1.1 Diseño y Arte Renacentista

1.1.3 Diseño textil y vestuario
1.2. Origen de la Imprenta
Tema 9: El Barroco y Rococó
1.1 Diseño y Arte Barroco y Rococó


Tema 10: La Revolución industrial
1.1 La Revolución industrial (1,750 – principios del s.XIX)
1.1.1 Diseño Industrial

1.1.2 La Tipografía en la época industrial
1.2 El Desarrollo de la Litografía

Tema 11: Exposiciones grupales. Tercera evaluación contInua
Unidad de aprendizaje 4: Diseño y Arte en el s.XIX 77
Tema 12: Diseño y arte en el s. XIX ( Inicio)
1.1 Diseño y Arte del Neoclasicismo y Romanticismo

1.2 Koening y la prensa a vapor

1.2.1 Principios de la prensa masiva
1.2.2 La prensa rotativa
1.3. El ascenso del Diseño Editorial y publicitario
Tema 13: Diseño y arte en el s. XIX ( Intermedio)
1.1 Londres y Paris. Capitales del Diseño comercial del s. XIX
1.2 Diseño de Modas
1.2.1 Origen del termino

1.2.2 Inicios de la alta costura
Tema 14 : Exposiciones grupales. Cuarta evaluación contInua

Tema 15 : Diseño y arte en el s. XIX ( Fin de siglo)
1.1. Períodos del Impresionismo y Post- impresionismo

1.1.3. Diseño textil y vestuario
1.2 El Cartel como medio de Comunicación

1.3 El ART NOVEAU y el cambio de siglo
Temario (Sesión 17)
1.1. Examen final

PRESENTACIÓN
El curso de Historia del Diseño I pertenece a la línea de Teoría del Diseño y se

dicta en la carrera de Diseño Gráfico. Brinda al alumno una introducción básica
para entender mucho mejor la historia del diseño en sus diferentes etapas.
El manual para el curso ha sido diseñado bajo la modalidad de unidades de

aprendizaje, las que se desarrollan durante semanas determinadas. En cada una
de ellas, hallará los logros, que debe alcanzar al final de la unidad; el tema
tratado, el cual será ampliamente desarrollado; y los contenidos, que debe
desarrollar, es decir, los subtemas. Por último, encontrará las actividades que
deberá desarrollar en cada sesión, que le permitirán reforzar lo adquirido en
clase.
El curso se desarrolla a través de sesiones expositivas con alta participación y

análisis de casos visuales. Está compuesto por unidades que permiten explorar
la relación entre las disciplinas del diseño (diseño gráfico, diseño arquitectónico,
diseño textil, diseño de interiores /de mobiliario y diseño de modas).Las
actividades sugeridas en estas unidades de aprendizaje son realizadas en clase
a modo de trabajos grupales dedicando cada sesión al análisis y a dinámicas del
tema tratado.

RED DE CONTENIDOS
Historia del Diseño I
Inicios del Diseño y arte

Diseño. en la Edad Diseño y arte
Diseño y arte en Moderna en el s. XIX
la Edad Media
Inicio: Término: Inicio: Término: Inicio: Término:

Arte Arte Renacimie La Neoclasici ART
Antiguo Gótico nto Litografía smo NOVEAU

UNIDAD DE
APRENDIZAJE
LA HISTORIA (INICIOS DEL DISEÑO)
LOGRO DE LA UNIDAD DE APRENDIZAJE
• Al término de la unidad, el alumno comprende cuales fueron las

manifestaciones visuales mas tempranas en la historia de la humanidad
explorando los inicios del arte y el diseño.
TEMARIO
• Diseño y arte rupestre
• Diseño y arte egipcio
• Diseño y arte griego
• Diseño y arte romano
• Cronología del diseño y arte peruano
ACTIVIDADES PROPUESTAS
• Los alumnos analizan la historia del Diseño a través de las diferentes

imágenes que nos ayuden visualmente a analizar los temas a tratar.

1.1 La historia (Arte rupestre / Inicios del diseño)

En términos generales, se denomina arte a la actividad o producto en los que

el ser humano expresa ideas, emociones o, en general, una visión del mundo,
a través de diversos recursos; como los plásticos, lingüísticos, sonoros o
mixtos. Se considera que con la aparición del homo sapiens el arte tuvo en un
principio una función ritual, mágico-religiosa, pero esta función cambió a través
del tiempo.
La noción de arte hoy está sujeta a profundas polémicas. Esto debido a que el
significado de la palabra "arte" varía según la cultura, la época, el movimiento,
o el grupo de personas para las cuales el término es productor de sentido.
Que el arte es verdaderamente un derecho de nacimiento resulta obvio desde

sus comienzos. No empieza en la historia, sino en la prehistoria, hace miles de
años.
Nuestros ancestros del Paleolítico, que vivieron entre los años 3000 y 8000 a.
C., eran pequeños, peludos y analfabetos, y poco más se puede decir de ellos
con certeza desde el punto de vista arqueológico. Pero una cosa está
totalmente clara, y es que los habitantes de la edad de piedra eran artistas, y
no sólo artistas capaces de describir en términos visuales los animales que
veían a diario (este tipo de arte puede ser una mera ilustración). La pintura
rupestre es mucho más que eso, es arte a lo grande, arte maravilloso que se
manifiesta en obras de una fuerza y sutileza jamás superadas.

Las pinturas de las cuevas de Altamira, cerca de Santander, son las primeras
que se descubrieron durante la época moderna, en 1879. El descubrimiento
tuvo tales implicaciones, fundamentales para la arqueología, que al principio se
creyó que se trataba de una falsificación. Este gran bisonte se halla en el techo
de un pasillo largo y estrecho que lleva a una cueva subterránea en Altamira.
No está solo; toda una manada surge majestuosamente del techo, un animal
tras otro -caballos, jabalíes y mamuts, entre otros, todos ellos presas deseadas
del cazador de la edad de piedra. A pesar de la confusión, imponen una fuerte
presencia animal.
Las cuevas son totalmente subterráneas y, por lo tanto, están en permanente

oscuridad.
Los arqueólogos han descubierto que los artistas pintaban con la ayuda de
pequeñas lámparas de piedra llenas de grasa animal o tuétano. Los diseños
iniciales se grababan en la roca blanda, o bien se soplaban en la pared finas
líneas de pintura con una caña hueca.
Caballo. Cueva de “Lascaux” (Francia)
Para conseguir pinturas coloreadas, los artistas utilizaban el ocre, un mineral

natural que machacaban hasta convertirlo en polvo y con el que podían
conseguir pigmentos rojos, marrones y amarillos; el negro probablemente lo
obtenían a partir de carbón machacado. Los pigmentos en polvo se
restregaban por la pared con las manos o se mezclaban con alguna sustancia
aglutinante, como por ejemplo la grasa animal; después se aplicaban con
cañas o con pinceles de cerda. Los medios eran simples; sin embargo, el
efecto es abrumador, especialmente en el sobrecogedor silencio de la cueva.
Se cree que estas pinturas tenían una profunda importancia para la sociedad
prehistórica. El bisonte casi parece vibrar con fuerza al mostrar su imponente
pecho, su compacta rabada y sus patas cortas y delgadas. Además, sacude un
agresivo par de cuernos. Es más que probable que nunca lleguemos a conocer
el verdadero significado de la pintura rupestre, pero casi seguro que tuvo una
función ritual, incluso mágica. En qué medida este arte se creó porque sí, y
esto no podemos descartarlo totalmente, seguirá siendo un misterio.
Al parecer, el extraordinario naturalismo y la exactitud anatómica del retrato de
animales en estas pinturas tienen relación con el propósito que servían. Los

artistas también eran cazadores, y sus vidas dependían de los animales cuyas
imágenes pintaban en las cuevas. ¿Es posible que estos cazadores-artistas
creyeran que al representar con exactitud la fuerza, el poderío y la velocidad de
los animales, adquirirían poderes mágicos? Así serían capaces de controlar su
espíritu y quitarles la fuerza antes de cazarlos. Muchas de estas pinturas
muestran a los animales heridos atravesados con flechas y lanzas.
1.1.2. Arquitectura y diseño de interiores
El hombre prehistórico, utilizó las cavernas como viviendas.

Aprendió a controlar el fuego, con el cual mejoró su espacio vital, pues, ya
tenía luz, calor y la posibilidad de variar su alimentación.
En realidad se sabe muy poco sobre la vivienda prehistórica y es que

normalmente se hacían de materiales biodegradables. Se emplearon los
recursos que ofrecía la naturaleza.
Las más antiguas de las que parece haber restos son las del Homo erectus. En
Tanzania, yacimiento de Olduvai, se han encontrado huellas que sugieren que
se refugiaban bajo estructuras hechas de ramas y madera sostenidas por
grandes piedras que delimitaban el perímetro. No hay restos de fuego. Este
patrón debió ser el más habitual durante la mayor parte del Paleolítico.
Los neandertales que llegaron hasta Siberia y a regiones esteparias con pocos
árboles, se empleaban los huesos de mamut recubiertos por pieles y
delimitados con tierra compacta.
Ya en el Mesolítico se han encontrado estructuras de piedra que claramente

pertenecen a viviendas, como chimeneas y pavimento, lo que sugiere que el
resto de la vivienda estaba hecha de elementos orgánicos. En esta época se
documenta la vivienda sobre palafitos en poblados construidos muy cerca de
las orillas de los ríos y lagos.
En el Neolítico, se generaliza la vivienda artificial y se sitúa en lugares

fácilmente defendibles, y que no sean superficie agrícola útil. La agricultura
obliga a la sedentarización de la población, cerca de los lugares buenos para la
agricultura. Suelen ser viviendas de una o dos estancias, de planta circular,
elíptica o cuadrada. El muro de cierre suele ser de piedra sin labrar o adobe
mientras que la techumbre está compuesta de elementos orgánicos, ramas,
paja, etc. En las comunidades agrícolas además de viviendas existieron

edificios específicos para guardar el grano y la cosecha.
Imagínense a un Neandertal cubierto con pieles. De acuerdo con los

arqueólogos y antropólogos, los signos de vestimenta más antiguos
probablemente consistieron en pieles, cueros, hojas o pasturas, envueltas o
atadas alrededor del cuerpo como protección de los elementos de la
naturaleza. El conocimiento sobre estas ropas queda en la deducción, ya que
los materiales mencionados se deterioran rápidamente comparados con
piedras, huesos, caparazones y artefactos metálicos. Los arqueólogos han
identificado agujas de coser muy antiguas cerca de Kostenki, Rusia en 1988,
de aproximadamente 30.000 años de antigüedad, A.C.
Hombre primitivo

Peinado masculino Peinado femenino
Hombre pelando un cuero para lo cual emplea un raspador de piedra.
Diseño de herramientas
Imágenes: Historia de la moda. Modahistoria.com

Historia de la moda. James Laver

1.2. Período antiguo (5000-100 A.c.)

Diseño y Arte egipcio
La mayoría de las pinturas murales egipcias se crearon con la técnica de

fresco. Según este método, la pintura al “temple” se aplicaba sobre yeso que
previamente se había dejado secar, a diferencia del “fresco”, en el que la
pintura se aplica sobre yeso húmedo. En la pintura, las típicas figuras de perfil
con los brazos y el cuerpo de frente de los murales egipcios, son producto de la
utilización de la perspectiva aspectiva. Los egipcios no representaron las partes
del cuerpo humano según su ubicación real, sino teniendo en cuenta la
posición desde la que mejor se observara, cada una de las partes: la nariz y el
tocado de perfil, que es como más resaltan; y ojos, brazos y tronco, de frente.
Esta práctica se mantuvo hasta mediados del Imperio Nuevo, luego se prefirió
la representación frontal.
Los jeroglíficos se desarrollaron a partir del año 3.300 AC sobre papel fabricado
a base de la planta del papiro. Está estrechamente ligada con la pintura, ya que
los murales y las pirámides estaban siempre acompañadas de textos y
fórmulas mágicas dirigidas a las divinidades y a los difuntos.
La escultura egipcia fue realizada sobre la base en creencias en seres

espirituales, es decir, fue animista. Eternizaba al hombre después de la muerte.
En el Imperio Antiguo, se exagera el naturalismo por los escultores como por
ejemplo la representación de un noble o un faraón y su reemplazante física del
muerto, su doble, en caso de descomposición del cuerpo momificado.

Escena de pesca
Nefertiti Thutankamon
Los egipcios no sólo decoraban las tumbas, también pintaban las esculturas.
Se cree que el busto de Nefertiti (arriba), una preciosa escultura de piedra
caliza pintada de la esposa del faraón Akenatón, era una prueba, porque fue
encontrada entre las ruinas del estudio del escultor Thutmosis. Es tan
espectacular como un rostro de Botticelli, con el mismo anhelo exquisito y

conmovedor. Muestra una relajación de las rígidas convenciones que

imperaron en el arte egipcio de la primera etapa (y de etapas posteriores), ya
que Akenatón rompió con el estilo tradicional. Durante su reinado, la pintura, la
talla y la escultura fueron muy elegantes y originales, a diferencia del arte
mesopotámico que destacó en la pintura pero como decoración de exteriores
de sus inmensas estructuras.
Características generales:
• Empleo de la piedra labrada en sillares, perfectamente aparejados,

unidos sin argamasa.
• Muros extraordinariamente gruesos y en talud.
• Muros con pilastras adosadas como elemento decorativo, ya que
ofrecen contrastes de luces y sombras.
• Arquitectura que establece una perfecta articulación entre los soportes
verticales y las cubiertas planas adinteladas.
• Predominio de los volúmenes geométricos.
• Edificios de gran tamaño, generalmente desproporcionados con su
función.
• Columna: además de ser elemento sustentante juega un importante
papel decorativo. Inspirada en la vegetación de la región, se distingue
por la forma de su capitel.

La indumentaria en Egipto era una consecuencia directa del clima: cálido y

seco, y de la forma de vida, al aire libre.
Se usaban ropas exclusivamente de lino. Aunque al principio se usaba el

algodón, se impuso el lino por la creencia de que era más puro, y se cultivaba
para fines textiles en exclusiva. El color preferido era el blanco, aunque podía
llevar algunos dibujos en los bordes. La lana era conocida, pero fue
considerada impura, ya que todas las fibras animales eran objeto de tabú. A
partir de la conquista de Alejandro Magno, comenzó a emplearse la lana en las
prendas de carácter cotidiano y continuaron prohibidas en los templos y
santuarios, dónde los sacerdotes debían usar ropas de lino de color blanco. En
la vida cotidiana, el hombre común iba descalzo y solo en alguna ocasión
especial usaba sandalias: cuando tenía que ir a algún sitio llevaba sus
sandalias en la mano o las ataba al extremo de un bastón para calzarse al
llegar al destino.
El uso de maquillaje siempre estuvo bien considerado, incluso tenían un mito
que explicaba esta costumbre: Cuando Horus peleó contra su tío Seth perdió
un ojo, por lo que inventó el maquillaje para restablecer la perfección de su
belleza: el uso de productos cosméticos para reparar los desperfectos del
tiempo o maquillar los accidentes de la vida son, por lo tanto, legítimos.
Indumentaria masculina y femenina. Imperio Antiguo

1.3. Período antiguo

Diseño y Arte griego
Al igual que sus predecesores cretenses, los griegos no daban tanta

importancia a las tumbas como los egipcios. Nos han dejado una serie de
estatuillas de bronce, objetos muy apreciados. Pero su pintura -un arte para el
cual, según aseguran sus escritores, tenían gran habilidad- se ha perdido en
casi su totalidad. La razón es que, a diferencia de los egipcios, de los minoicos
y los micénicos, que sólo pintaban murales, los griegos pintaban sobre paneles
de madera, que con el tiempo han perecido.
Una de las escasas muestras de la belleza de la pintura griega de que
disponemos es el arte relativamente menor y especialmente utilitario de la
pintura de los vasos griegos. La palabra vaso, que en un principio se utilizó
como término amplio para denominar la cerámica griega en el siglo XVIII,
puede resultar confusa. Los griegos nunca hicieron vasos con el mero
propósito decorativo, como puede suceder en la actualidad, sino que siempre
tenían en mente un propósito concreto. Los ceramistas griegos creaban una
gran variedad de productos de diversas formas: jarras para almacenar, vasijas
para beber, botellas para perfumes y ungüentos y vasijas para los líquidos
utilizados en las ceremonias. En las pinturas de la cerámica griega podemos
ver una preocupación por la anatomía y por la figura humana, que se convirtió
en el motivo central del arte y la filosofía griega. Se aprecia un alejamiento de
lo que mostraba la pintura funeraria egipcia, con sus fórmulas preconcebidas
para representar el mundo, y toda una nueva forma de ver el arte se abre con
respecto a lo que el ojo puede ver y da paso a lo que dicta la mente.
Estilos de pintura de cerámica griega

Si la pintura de cerámica fue un arte menor, los profesionales que la llevaron a

cabo fueron importantes. El artista ateniense Exequias, que vivió alrededor del
año 535 a. C., firmó como pintor al menos dos de sus jarras negras, y su estilo,
con su poesía y su perfección de equilibrio, son reconocibles al instante.
Merece la pena destacar que él mismo elaboraba la cerámica y la decoraba.
Las obras de Exequias son importantes porque revelan la dirección que el arte
representacional iba a tomar y muestran el salto de la representación simbólica
de los objetos del mundo mediante jeroglíficos hacia una representación que
intenta mostrar el mundo tal como es.
Mientras los pueblos anteriores desarrollaron sólo las arquitecturas militar,

religiosa y residencial, los griegos y romanos fueron responsables del
desarrollo de espacios propios a la manifestación ciudadana y de los
quehaceres cotidianos: el ágora griega se definía como un gran espacio libre
público destinado a la realización de asambleas, rodeado por templos,
mercados y edificios públicos. El espacio del ágora se convirtió en un símbolo
de la nueva visión de mundo, que incluía el respeto a los intereses comunes, e
incentivador del debate entre ciudadanos, en lugar del antiguo orden despótico.
La arquitectura griega clásica está representada, fundamentalmente, por
templos, pues se desarrolló en torno a los santuarios, siendo los principales los
de Olimpia, Delfos, Atenas, Eleusis, Delos, Epidauro, Mileto, Éfeso y Selinonte.
El formato estándar de los edificios públicos griegos se conoce a través de los
ejemplos supervivientes tales como el Partenón y el Hefestión de Atenas, el
grupo de Paestum, el complejo de templos de Selinunte (Selinus) y los
santuarios de Agrigento.
En la arquitectura griega, no se empleó ni el arco ni la bóveda. El elemento

sustentador de sus monumentales obras fueron las columnas. El sistema de
construcción utilizado fue el adintelado. Se destacan por orden jerárquico, los
templos como exponentes principales, luego, los teatros, las acrópolis, los
propileos, los estadios, los gimnasios y las palestras, las ágoras y los
monumentos funerarios. Los diferentes tipos y formas de columnas dieron
origen a los famosos órdenes arquitectónicos griegos: Dórico, Jónico y Corintio.

Los griegos y los romanos llevaban túnicas, o lo que es lo mismo, faldas. Los
pueblos de montaña como los escoceses o los griegos de hoy en día llevan
también faldas. Las mujeres del lejano y próximo Oriente han usado pantalones
y muchas siguen utilizándolos. Resulta, por tanto, evidente que la división de la
indumentaria basada en el sexo no se confirma.
Es posible hacer una distinción entre trajes ajustados» y trajes «drapeados»,

considerando a la mayor parte de la indumentaria actual dentro de la primera
categoría y a los trajes de los antiguos griegos, por ejemplo, dentro de la
segunda. La historia ha mostrado muchas variaciones al respecto y es posible
encontrar tipos intermedios.
Vestuario de la antigua Grecia. Fuente: Educima.com

1.4. Diseño y arte romano
La escultura romana reprodujo, en general, las tendencias de los modelos

griegos, pero renunció a la desnudez y cubrió a sus personajes con el atavío
típico del civil o del militar. Se destacó especialmente en la elaboración de
bustos que no sólo reproducían los físicos del personaje sino, también, los
elementos predominantes de su carácter.
El arte romano, la pintura y los mosaicos sobre muros tuvieron mucha

aceptación en la Época Imperial. A pesar de que la mayor parte de su
producción se ha perdido, quedan muestras muy importantes de ella en
Pompeya, una ciudad próxima al Vesubio, que en el año 79 fue cubierta por
capas de ceniza y lava del volcán. Hoy en día, se la ha desenterrado y se
puede recorrer sus calles, ver sus casas y mil objetos propios del arte romano
del siglo 1 después de Cristo.
Imagen : Historia de la pintura.“Guía esencial para conocer la historia del arte occidental". Wendy Beckett
1.4.2. Arquitectura y Diseño de Interiores
La arquitectura en el campo del arte romano fue la más importante y muestra

la influencia etrusca en el empleo del arco y la bóveda; y griega, en la adopción
de las líneas rectas y de las columnas. Se caracteriza por su monumentalidad y
por ser de utilidad pública; además, se manifestó en todas las regiones del
Imperio.

Las principales construcciones romanas fueron los foros, los templos, las
basílicas, los teatros, los anfiteatros, las termas, los circos, los arcos de triunfo,
los acueductos y puentes. Los foros, como las ágoras griegas, eran plazas
públicas rodeadas por los principales edificios de la ciudad. Servían de lugar de
reunión, asamblea política y mercado. Los templos, parte importantísima del
arte romano, eran generalmente de planta rectangular y líneas rectas, como los
templos griegos, pero se empleó también la forma circular y la bóveda de
origen etrusco. El templo más conocido es el Panteón, en Roma, que posee
una rotonda y una cúpula de 43 metros de altura. La arquitectura romana
adoptó, con frecuencia, la superposición de un orden arquitectónico a otro
diferente en un mismo edificio, quedando el más sencillo y robusto debajo del
más elegante y delicado, según es de notar en el grandioso Coliseo romano.
Coliseo Romano
En los primeros tiempos, se reducían las prendas a la túnica, semejante al

quitón de los griegos y a la toga propia y exclusiva de los ciudadanos romanos
que, por ello, se llamaban gens togata, mientras ellos decían de los griegos
gens paliata. A veces, llevaban otra túnica interior, denominada subúcula,
equivalente a nuestra camisa, y la superior solía ceñirse con un cinturón
llamado cíngulum o cintus, cerrado con broche o fíbula. La toga era una amplia
vestidura de lana, de corte elíptico, cerrada por abajo y abierta por arriba hasta
la cintura. Al llevarla, se recogía por los pliegues del lado derecho y se echaban
terciados hacia el hombro izquierdo. Su color era generalmente blanco (alba,
cándida), sobre todo, en los que aspiraban a la magistratura; de donde se
derivó el nombre de candidatos que hoy está en uso en nuestra lengua.
El calzado más común entre los romanos era la sandalia (sólea) atada con
unas correas (corrigia) constituían la cáliga. Pero se usaba también el cálceus,
especie de zapato con algunas variedades que llevaban los senadores y otros
magistrados (éstos, de color rojo y aquéllos, negro), y el campagnus o bota

más grande, propia también de nobles. El coturno estaba de uso entre los
romanos, lo mismo que entre los griegos.
Fuente: Educima.com
Entre los antiguos romanos, los gladiadores eran, por lo general, prisioneros,
esclavos o condenados a muerte que combatían entre sí o contra animales
feroces en espectáculos que atraían a gran multitud en los anfiteatros. Esa
costumbre data del siglo II a.C., pero se hizo muy popular en época de los
emperadores.
Los romanos distinguían a los gladiadores por sus armas y su manera de

combatir. Así estaban los mirmillones, que tenían un casco con una pieza de
metal que cubría totalmente la cara y podía levantarse; los reciarios, que
llevaban un tridente y una red con la que trataban de envolver la cabeza del
adversario; los traces armados con escudo redondo y puñal; los secutores, con
escudo y puñal, adversarios tradicionales de los reciarios. También, había
gladiadores que combatían a caballo. Cuando un gladiador era vencido, solo
podía salvar la vida si así lo decidía el emperador o el pueblo.
Fuente: Modahistoria.com

1.5. Diseño y arte peruano (Breve resumen)
La aparición del hombre en los Andes peruanos

(10 000 - 5 000 a.C.)
Recientes investigaciones y descubrimientos han puesto en evidencia que las

ocupaciones humanas en América del sur llegan a una antigüedad de 12,000
años a.C.. Para los Andes las ocupaciones territoriales se dieron entre los
10,000 y 5,000 a.C. y se habrían dado de manera simultánea con otras zonas
geográficas de América del Sur (selva de Brasil, llanos venezolanos), a través de
una oleada paralela de ocupación continental.
Pinturas rupestres
En las paredes de las cuevas, los hombres del arcaico dejaron las huellas e
impresiones de su quehacer diario.
La constante en las distintas pinturas rupestres es la escena de caza. Hombres

armados con lanzas se abalanzan sobre camélidos y cérvidos y estos huyen
despavoridos, pero muchos de ellos ya han sido heridos. En las cuevas de
Toquepala, Huargo y Lauricocha se aprecia a los animales y cazadores o a los
animales con heridas sangrantes. Las pinturas permiten establecer la dieta del
hombre andino y conocer las herramientas con las que cazaban y obtenían su
sustento diario. Se cree que estas pinturas responden a ritos ofrendatorios
relacionados con la caza con el fin de que los animales no se vayan o no se
terminen en la zona y por esta razón los hombres deban emigrar a otros
lugares en búsqueda de alimento.
Entre los principales pinturas rupestres se encuentran las ubicadas en las

cuevas de Lauricocha, Chuiqichaca (Junín), Huargo (Huánuco) y Toquepala
(Tacna).
Cronología de culturas pre- incaicas
· Caral (2500 - 1600 ac)

· Sechín (1800 - 1200 ac)
· Garagay (1400 - 200 ac)
· Kuntur Wasi (1100 - 80 ac)
· Kotosh (2500 ac- 200 dc)
· Chavín (1000 - 200 ac)
· Paracas (700 ac - 0)
· Vicús (200 ac- 600 dc)
· Salinar (200 ac - 200 dc)
· Gallinazo (200 ac - 300 dc)
· Moche (100 ac - 700 dc)
· Nazca (100 - 600 dc)

· Recuay (200 - 600 dc)

· Lima (100 - 600 dc)
· Tiahuanaco (100 ac - 1200 dc)
· Huari (550 - 1000 dc)
· Lambayeque (700 - 1350 dc)
· Chimú (1000 - 1460 dc)
· Chincha (1100 - 1450 dc)
· Chachapoyas (700 - 1500 dc)
· Chancay (1300 - 1450 dc)
Al poblador del periodo arcaico o Lítico se le conoce mayormente por las

herramientas e instrumentos que fabricaron que por los restos encontrados en
los diferentes estadios culturales. Son tres las grandes tradiciones que
permiten un análisis interpretativo: tradición lítica de los Andes, tradición
paijense y tradición noreste. En la tradición serrana, la industria lítica se
compuso principalmente de puntas de proyectil con especiales características
para la caza de grandes mamíferos: puntas con forma de hoja, triangulares o
con espinas laterales. Por su tamaño y forma, estas puntas debieron utilizarse
en las lanzas o como dardos para la caza de tarucas y camélidos,
principalmente guanacos. En la confección de utensilios domésticos, los
raspadores tuvieron un papel fundamental en la trata de pieles.
En las paredes de las cuevas, los hombres del arcaico dejaron las huellas e
impresiones de su quehacer diario. Ya sea porque fue parte de un rito ancestral
o porque simplemente quisieron expresar un hecho importante en sus vidas,
las pinturas rupestres son, qué duda cabe, uno de los principales registros que
el hombre andino ha dejado y que después de miles de años se conservan
intactas. Todas las pinturas se encuentran en sitios de difícil acceso y en las
partes medias y altas de la cordillera.

Ya en el período pre-cerámico, los tejidos aparecen una vez concluida la

domesticación del algodón. Para los Andes centrales, los tejidos más antiguos
fueron encontrados en Huaca Prieta por el arqueólogo Junius Bird en 1946.
Junto a varios objetos (mates, restos de comida, tallas en piedra, etc.) los
primeros textiles en algodón revolucionaron la concepción que hasta esa fecha
se tenía acerca del avance tecnológico del hombre andino. Los tejidos de
Huaca Prieta tuvieron un fechado de 2,500 a.C., mil quinientos años anterior al
estadio cultural Chavín, considerado hasta entonces como el primer horizonte
cultural de avanzada en los Andes.
La cumbre del desarrollo del Horizonte Temprano (posterior al pre-cerámico)

estuvo dada por la construcción del centro ceremonial de Chavín de Huantar en
el actual departamento de Ancash. Su importancia fue tal que el arqueólogo
peruano Julio C. Tello lo consideró el centro matriz de la alta cultura en el Perú.
Hoy se sabe que Chavín fue precedido por un largo desarrollo cultural que se
remonta al Precerámico, del cual fue su culminación. Su ocupación comenzó
hacia el 1,000 a.C. y las sucesivas etapas del sitio han quedado plasmadas en
su arquitectura.

Los mantos de Paracas miden en promedio dos metros y medio de largo por un
poco más de un metro de ancho; y su manufactura es aún un misterio, pues los
telares de mano no pueden ser tan anchos. El fondo es una tela de lana o
algodón sobre la que se ha bordado, con lana, motivos polícromos. Estos son
pequeños y se repiten con diferentes combinaciones, y representan seres
mitológicos y muy eventualmente motivos geométricos. Justamente, son estas
figuras mitológicas las que nos hacen ver la alta complejidad de la cosmovisión
Paracas, pues no sólo incluyen a seres humanos y animales, sino a seres
sobrenaturales profusamente ataviados.
Ya en el Intermedio temprano, los moche tuvieron no sólo un alto desarrollo

tecnológico en irrigación y una compleja estructura sociopolítica. Su arte fue
uno de los más desarrollados de la época y hasta hoy sus vestigios siguen
impresionando a todo el mundo. La cerámica, la orfebrería y la arquitectura
fueron manifestaciones culturales dominadas por el Estado, que fueron usadas
como medio de transmisión ideológica y de control, siendo no pocos los talleres
organizados para dichos fines. Según la fase de desarrollo moche es también
posible encontrar manifestaciones individuales. Uno de los ejemplos más
saltantes de esto es la cerámica, pues los motivos dibujados en ella o las
formas que los artistas moche les dieron nos brindan, además de una notable
belleza, una gran cantidad de información, siendo la cultura prehispánica que
más ha sido investigada a través de su iconografía.
Cerámica y Metalurgia Moche

Ya en el Horizonte Medio, los Huari dominaron diversas expresiones artísticas,

llegando a producir obras de gran calidad y belleza. Sus influencias Nazca y
Tiahuanaco se ven en los tapices y en la cerámica. Los tapices Huari que
fueron manufacturados entre los años 500 y 900 d.C. están considerados entre
los más finos del mundo, tanto por su belleza estética como por sus imágenes.
Fueron elaborados con algodón y lana de camélidos como la vicuña.
Horizinte medio Huari – Arte
Ya en el Intermedio Tardío, la cerámica Chancay se basa principalmente en la

utilización del color blanco para el fondo y el negro para los diseños sobre
peculiares representaciones modeladas de peces, monos, gatos, aves,
escaques y grecas. Estas formas se consiguieron con técnicas de modelado y
moldes, siendo comunes también los grandes cántaros con asas verticales, los
platos con pedestal como diversas representaciones escultóricas.
Pero, quizá, la representación más famosa de los Chancay son unos cántaros
en cuyo cuello se representa una cabeza humana modelada y pintada con
tocado, orejeras y pintura facial. A estos cántaros se les ha dado el nombre de
"chinas" por la forma de los ojos.
Ya durante el Intermedio Tardío, proliferaron pequeñas organizaciones

curacales, llamadas señoríos por los investigadores, por toda el área andina. Si
bien durante esta misma época estos señoríos coexistieron con organizaciones
más complejas como los Chimú, ninguna resaltaba en especial, a no ser por
ciertos vestigios anecdóticos y particulares de la zona andina. Nada hacía
presagiar que de entre estos curacazgos, uno del Cuzco se haría el más
famoso de todos: el de los Inca.
La milenaria cultura del Perú es fruto de profundos conocimientos empíricos y

de una larga y minuciosa observación. El mérito de los incas fue haber usado y
aplicado antiguos conocimientos, costumbres y logros del hombre andino de
siglos atrás y haberles dado un uso adecuado para satisfacer las necesidades
del dilatado Estado.

Machu Picchu
Foto: Alejandro Balaguer - Terra incógnita
Bolsa con diseño típico de tocapus

Foto del libro "Los Incas - Arte y Simbolos" del Banco de Crédito del Perú

Aríbalo
Foto: Yutaka Yoshii
Kero
Foto: Yutaka Yoshii

Resumen
La historia del diseño inicia con la necesidad del hombre y por su instinto de
supervivencia. Hemos revisado la etapa pre-histórica, el arte egipcio, griego y
romano desde diversos puntos de vista estéticos como lo son la pintura y su
arte, su diseño arquitectónico, de interiores y su diseño de vestuario.
Hemos revisado también qué pasaba con el arte peruano en esas etapas de la
historia, reconociendo las diferentes culturas pre-hispánicas, como también las
manifestaciones artísticas del Incanato.
Bibliografía de la unidad:
Bonavia, D.
Perú. Hombre e historia. De los orígenes al siglo XV. Vol. I. Lima: Edubanco. 1991.
Wendy Beckett
Historia de la pintura. “Guía esencial para conocer la historia del arte occidental".

ACTIVIDADES
Luego del desarrollo teórico del tema iniciamos una sesión de “Análisis de
imágenes” muy interesante que crea un clima de opiniones y una diversidad de
puntos de vista.
Analizamos la Historia del Diseño a través de los diferentes textos e imágenes y se

generan grupos de trabajo que interactuarán entre sí, con diversas dinámicas y
diseño de piezas gráficas basadas en los temas de cada sesión.


UNIDAD DE
APRENDIZAJE
DISEÑO Y ARTE EN LA EDAD MEDIA
• Al término de la unidad, el alumno identifica cuáles fueron las

manifestaciones más tempranas en la historia de la humanidad
explorando el diseño y arte en la Edad Media.
TEMARIO
• Diseño y arte Paleocristiano
• Diseño y arte Bizantino
• Diseño y arte Románico
• Diseño y arte Gótico
• Cronología del Diseño y arte peruano

imágenes que nos ayuden visualmente a examinar los temas a tratar.

1.1. Diseño y Arte Paleocristiano
Se denomina arte paleocristiano al estilo artístico que se desarrolla durante

los cinco primeros siglos de nuestra era, desde la aparición del cristianismo,
durante la dominación romana, hasta la invasión de los pueblos bárbaros,
aunque en Oriente tiene su continuación, tras la escisión del Imperio, en el
llamado arte bizantino.
1.1.1. Diseño e Imagen
El arte de la Edad Media es esencialmente religioso, aunque haya producido

obras maestras de carácter profano. La época medieval podemos dividirla en
cuatro, ya que fue un largo período en el que se produjeron distintos estilos de
arte. El primero fue llamado Paleocristiano, cuya pintura se inicia en las
catacumbas, está llena de simbolismo y cabe destacar la realización de los
muy famosos mosaicos, los cuales eran de un gran colorido y cuyos temas
eran litúrgicos, figuras de Cristo, apóstoles, la cruz, etc. Luego, nace el arte
Bizantino en la época de Constantino. En cuanto al dibujo y la pintura, adquiere
características propias, los artistas realizaban excelentes mosaicos centrados
en la representación de acontecimientos bíblicos, en las cuales se observa, que
las figuras representadas, poseen un hieratismo bastante acentuado que
siempre están colocadas de frente.
Fuente: Wendy Beckett .Historia de la pintura. “Guía esencial para conocer la historia del arte occidental".

1.1.2. Arquitectura y Diseño de interiores
Hasta el año 313, el arte escultórico de los cristianos se centró en la

excavación de las catacumbas y el reforzamiento de sus estructuras. Éstas
eran cementerios romanos, excavados, en un principio, en los jardines de
algunas casas de patricios cristianos, como las de Domitila y Priscila en Roma.
Más tarde, en el siglo V, y ante el aumento de creyentes, estos cementerios se
hicieron insuficientes, por lo que se adquirieron terrenos en las afueras de las
urbes donde surgen los cementerios públicos, en los que se excavan sucesivos
pisos formando las características catacumbas que ahora conocemos.
La primera vez que se aplicó el término catacumba es a la de San Sebastián en

Roma. El cementerio o catacumba se organiza en varias partes: estrechas
galerías (ambulacrum) con nichos longitudinales (loculi) en las paredes para el
enterramiento de los cadáveres. En algunos enterramientos, se destacaba la
notabilidad de la persona enterrada, cobijando su tumba bajo un arco
semicircular (arcosolium).
Plano de la Basílica de San Pedro en Roma

1.1.3. Diseño de vestuario
Los primeros romanos llevaban la túnica, semejante a una camisa, y la toga,

prenda característica de Roma que se mantuvo como traje oficial y de
ceremonia a lo largo de la República y hasta finales del Imperio romano de
Occidente. La toga, aunque similar a la clámide o al himatión griego, era una
pieza de lana de forma oval mucho más amplia que estas. Medía
aproximadamente tres veces la altura de la persona, se doblaba a lo largo y se
drapeaba de forma estudiada. En el Imperio de Occidente, esta prenda llegó a
quedar finalmente reducida a una tira de tela, la estola. La túnica (que
sobrevivió bajo diferentes formas y cada vez con más adornos) y la estola
fueron adoptadas por la Iglesia cristiana. La mujer llevaba una túnica larga que,
en principio, era de lana y más tarde pasó a ser de algodón e incluso de seda,
cada vez más sofisticada y recargada, y sobre ella, la estola drapeada cubrindo
cabeza y cuerpo.
Fuente: Wendy Beckett. Historia de la pintura. “Guía esencial para conocer la historia del arte occidental".

1.2. Diseño y Arte Bizantino
Bizancio, pequeña ciudad griega que había sido cabeza de una provincia
romana, asciende de repente (año 330), por decisión de Constantino el Grande,
al rango de “capital” imperial con el nombre de Constantinopla. Medio siglo
después, el emperador Teodosio divide su reino entre sus dos hijos, y crea dos
Estados Independientes: el Imperio de Occidente, con Roma como capital, y el
Imperio de Oriente, con centro en Bizancio.
Bizancio ofrece los rasgos de una monarquía exótica, teocrática y despótica;
fastuosa y bárbara, cuyas costumbres, gustos y estructuras, pertenecen más al
mundo asiático que al grecolatino, lo cual se refleja en su arte.
Fuente: Wendy Beckett


Fresco bizantino
1.2.3. Arquitectura y Diseño de Interiores
Está inspirada en las arquitecturas de los países con que Bizancio estuvo más
en contacto o que formaban parte de su misma tradición histórica y cultural. Por
eso, en sus construcciones encontraremos elementos tomados de los romanos,
de los griegos, de Siria o de Persia, combinados con otros de su propia
invención. Entre los más importantes tenemos la cúpula, las trompas y
pechinas, la bóveda, el arco, los contrafuertes, las columnas y las torres. La
construcción más importante de la arquitectura bizantina es la Iglesia.

El Imperio Bizantino duro poco más de diez siglos y, naturalmente, en tan largo
periodo debió defender muchas veces sus fronteras amenazadas por otros
pueblos. En el orden interno, eran frecuentes las intrigas palaciegas y
rebeliones. De allí la necesidad de contar con un fuerte ejército y para formarlo
se recurrió casi siempre a tropas mercenarias. Los soldados usaban una
coraza de metal hasta la cintura con caídas de cuero. Los jefes principales
llevaban una rica capa semicircular, sostenida por el clavus o insignia de
dignatarios. El calzado era de cuero suave y las calzas de seda labrada. La
espada fue alargándose y los escudos adoptaron una forma ojival muy
característica. Los soldados usaban una túnica corta y protegían su cabeza con
cascos lisos de metal, escudo y espada. Algunos cuerpos eran muy hábiles en
el manejo de las lanzas. Cada escudo tenía su estandarte con diversas
insignias, pero en la mayoría aparecían símbolos cristianos.

____________________________
Capitán del Ejercito Bizantino.Fuente: Modahistoria.com
En el Imperio bizantino del siglo VI, el cambio más notable respecto de la forma
de vestir romana fue la introducción de los bordados, flecos, orlas y adornos de
estilo oriental. Los emperadores romanos se habían convertido al cristianismo
y, en el Este, el máximo poder lo ocupaban la Iglesia y el Estado, por lo que la
indumentaria de la corte se hizo más seria y de apariencia cada vez más rígida.
La creciente influencia oriental puede apreciarse en los trajes de corte. El
cambio más claro fue la introducción del manto semicircular sujeto en el
hombro derecho y más tarde el caftán persa y el traje asirio de manga larga.
Ambos eran tal vez formas originales de la indumentaria de la corte rusa, que
sufrió pocos cambios hasta la occidentalización del país a principios del siglo
XVIII realizada por Pedro I, “el Grande”
La forma de vestir bizantina es única en la tradición occidental por haber
evolucionado al margen del atractivo sexual o la utilidad. Los trajes de corte se
confeccionaban según las pautas del libro de ceremonias imperial, y todos,
desde el emperador hasta al funcionario de rango más bajo, vestían de
acuerdo a este reglamento.

1.3. Diseño y Arte Románico
Entre los siglos XI y XIII, es decir, durante el período que se conoce como Baja
Edad Media, se forma en Europa un arte al que se le da el nombre de
Románico. Este nombre hace referencia a la fuente en que tiene su origen, que
es el arte de Roma, el arte romano, del que toma tipos de edificios y técnicas
constructivas. Este estilo o arte se ha denominado románico, por la semejanza
con el vocablo romance, el cual designa los idiomas derivados del latín.
La pintura románica tiene un desarrollo notable, pues las vastas extensiones de
pared lisa eran apropiadas a la decoración pictórica; por ello, también la pintura
era un arte subordinado a la construcción. La falta de perspectiva, los colores
planos, la composición simétrica, la rigidez de las figuras y la inexpresividad de
los rostros, que muestran siempre su mirada asombrada, prueban una
indudable influencia oriental a través del arte de Bizancio. La técnica empleada
es la del Fresco. Notables ejemplos son las iglesias románicas catalanas, de
fulgentes colores y motivos abstractos de significado simbólico; y las iglesias
italianas, donde las escenas religiosas pintadas muestran ya cierto empeño en
copiar la naturaleza con fidelidad.
Es una arquitectura religiosa, de creación monástica, porque son los

monasterios y los conventos los que la impulsan. Su edificio tipo es la Iglesia.
Expresa el ideal de austeridad y recogimiento, de disciplina y penitencia. Desde
el punto de vista técnico, pertenece al grupo de arquitecturas de arco y bóveda,
por ser estos sus elementos funcionales básicos. Tiene una apariencia robusta
y pesada. El principio de sustentación es estático, pues enfrenta masa contra
peso. Presenta un exterior sobrio, de muros desnudos y lisos, interrumpidos
nada más que por los elementos de refuerzo, que van incorporados a la
estructura. Otros elementos constructivos: contrafuerte, columnas, pilares,
cúpulas.
Con la invasión árabe en España y el suroeste de Francia, y la conquista

normanda de Sicilia llegaron a Europa abundantes y diversos materiales
orientales. Pero el gran cataclismo de la moda se produjo en el siglo XII con las
Cruzadas. Los cruzados, hombres y mujeres, trajeron a su vuelta no solo
nuevos tejidos como sedas, damascos y terciopelos de brillantes colores y
complicadas tramas, sino también nuevos estilos. Las calzas sustituyeron a los
pantalones y las prendas se adornaron con joyas, bordados y pieles.

1.4. Diseño y Arte Gótico
Entre los siglos XII y XVI, florece en Europa un arte poderosamente original,
que fue llamado, un tanto despectivamente, Gótico, en el sentido de bárbaro,
por suponerse que sus creadores habían sido los pueblos germánicos que
ocupaban el centro de Europa, y a los cuales se les designaba con el nombre
de Godos. También, se conoce este arte como Ojival, por la forma apuntada
(en ojiva) de sus arcos y bóvedas, que recuerdan una punta de lanza de filos
curvos. Los primeros monumentos góticos se levantaron cerca de París, en la
región llamada Isla de Francia.
En aquellos países donde el estilo gótico alcanzó mayor desarrollo, la pintura

mural fue perdiendo importancia, sustituida por las vidrieras, y a partir del siglo
XIV, aparece la pintura sobre tabla, consistente en pequeños altares portátiles
y retablos, formados por uno o varios paneles. Tratan temas religiosos, con
gran finura de detalles en la figura humana, pero sin profundidad. Los pintores
se esfuerzan por lograr la naturalidad y reproducen gestos y ademanes con
exactitud, un poco exagerado hacia lo dramático. Lo más hermoso de estas
tablas góticas es el colorido, que brilla con intensidad de esmalte. Destacan:
Jean Fouquet, Juan Van Eyck, Rogerio Van Der Weyden, Giotto, entre otros.
Patética expresión de dolor en uno de los ángeles del Llanto sobre el cuerpo de Cristo, pintura mural realizada por
Giotto (h. 1266-1337) en la Capilla de los Scrovegni de Padua.

Madonna con ángeles y San Francisco de Asís Cimabue hacia 1280

El arte gótico se manifestó magníficamente en la arquitectura. Se construyeron

casas particulares, palacios, edificios públicos, castillos, puentes, fortalezas e
iglesias. Pero en realidad, la obra máxima de estos siglos fue la catedral,
arquitectura extraordinaria que nunca deja de asombrar a quien la contempla.
Los elementos constructivos esenciales son el arco apuntado, la bóveda de
crucería ojival y el contrafuerte con su arbotante. Esta arquitectura es de
equilibrio dinámico y domina en ella la línea vertical, lo que produce una
impresión de impulso ascendente, acentuado por las formas agudas de los
arcos y la abundancia de elementos puntiagudos.
Bóveda gótica. San Juan (Świętej Janów), Toruń

Fuente: Wendy Beckett. Historia de la pintura. “Guía esencial para conocer la historia del arte occidental".

Al igual que el período Románico, con la invasión árabe en España y el
suroeste de Francia, y la conquista normanda de Sicilia, llegaron a Europa
abundantes y diversos materiales orientales, no solo nuevos tejidos como
sedas y terciopelos de colores brillantes y complicadas tramas, sino también
nuevos estilos. Las calzas sustituyeron a los pantalones y las prendas se
adornaron con joyas, bordados y pieles.

Fuente: Educima.com

1.5. Diseño y Arte peruano (Breve resumen)
Con la llegada de los españoles al territorio peruano, la activa producción de

elementos simbólicos-representativos andinos (al que hoy en día llamamos arte
prehispánico) sufrió un revés sin precedentes. La incompatibilidad entre las
percepciones españolas (basadas principalmente en el realismo) y las
tradiciones andinas (basadas en el simbolismo) hizo que, ante la
incomprensión del mensaje, los españoles destruyeran casi todas las formas
de representación local. Las quilcas o tablillas pintadas, los quipus, los tocapus
o los dibujos simbólicos de los incas no fueron entendidos por los peninsulares,
pues no encontraban ningún elemento cercano a sus tradiciones visuales.
Con este bagaje visual, los españoles utilizaron las imágenes de Cristo, la
Vírgen María, santos, etc, para llevar a cabo las primeras evangelizaciones en
el vasto territorio peruano, ante la estupefacta mirada de los indígenas.
Lo que probó ser una medida muy efectiva, pues logró facilitar el entendimiento
de la fe cristiana a los vernaculares.
El arte, durante los primeros años virreinales, fue exclusividad de los religiosos
y su uso tuvo un fin práctico principalmente en el adoctrinamiento. No sólo
pinturas o imágenes estuvieron presentes en esta tarea, esculturas de diversos
tamaños y retablos fueron herramientas imprescindibles para los misioneros
católicos.

Resumen
En esta unidad, continuamos en el proceso de la historia. Hemos revisado el
diseño paleocristiano, al arte Bizantino, Románico y Gótico desde diversos
puntos de vista estéticos como lo son la pintura y su arte, su diseño
arquitectónico, de interiores y su diseño de vestuario.
historia. Con la llegada de los españoles al territorio peruano, la activa
producción de elementos simbólicos-representativos andinos (al que hoy en día
llamamos arte prehispánico) sufrió un revés sin precedentes.
Read, Herbert. Las Bellas Artes. Vol. 1. Editorial Cumbre S.A. México. 1981. 316 pp.
Wendy Beckett
Vargas Ugarte, Rubén

Historia General del Perú. Lima: Milla Batres, 1971

ACTIVIDADES
puntos de vista.



UNIDAD DE
APRENDIZAJE
DISEÑO Y ARTE EN LA EDAD MODERNA

(1,400 – 1,800)

manifestaciones más tempranas en la historia de la humanidad
explorando el diseño y arte en la Edad Moderna.
TEMARIO
• Diseño y arte del Renacimiento
• Orígen de la Imprenta
• Diseño y arte Barroco y Rococó
• La Revolución Industrial (1,750 – principios del s. XIX)
• El Desarrollo de la Litografía
• Loa alumnos analizan la historia del Diseño a través de las diferentes

imágenes que los ayuden visualmente a estudiar los temas a tratar.

1.1. Diseño y Arte del Renacimiento
Se llama Renacimiento al gran movimiento artístico y filosófico que se produce

en Europa, en Italia en primer lugar, a fines del siglo XV, y que muestra como
principal característica, que se manifiesta particularmente en las artes, su
admiración por la antigüedad clásica, que toma como modelo.
El Renacimiento comenzó como un movimiento orientado por artistas e
intelectuales en Italia, bajo el signo del Humanismo. Es un renacer de las artes
donde los asuntos representados, desde el punto de vista ético y estético se
liberaron de los vínculos del concepto de vida cristiano. Para ellos el arte ya no
era un servicio anónimo, ofrecido a Dios y a la iglesia, sino un himno personal
en alabanza a la belleza; así, se perfecciona el dibujo y se utiliza como base de
la pintura. La cuna del Renacimiento fue Florencia. Naturalmente, la pintura no
se liberó en seguida de la influencia gótica, pero gradualmente evolucionó
hacia un nuevo concepto de la belleza. En el dibujo, los cuerpos adoptan
formas naturales y se vuelven plásticos. Se procura destacar la expresión
facial, que algunas veces revela los grandes conflictos del alma. Un ejemplo de
ello es la expresión de desesperación que Masaccio le dio a Eva en su cuadro
Expulsión de Adán y Eva del paraíso. En el siglo XV, adquiere preponderancia
el retrato. A las personas pudientes les gusta retratarse de busto o en
medallón, y por tanto surge multitud de personas cuyos rasgos quedan
labrados en madera. Raramente se ve un desnudo entre la profusión de
vírgenes y santos, sólo con suma discreción se insinúa la mundana
sensualidad en ciertas representaciones del arte eclesiástico, por ejemplo, las
referentes a mártires y pecadores. Al principio, la mayoría de las imágenes
alusivas a la carne pecadora se situaban en la periferia de grandes escenas
decorativas, donde el artista tenía más libertad de expresión. Ya en el siglo
XIV, se prefiere interpretar estos temas por medio del desnudo femenino. Entre
los representantes más significativos del Renacimiento, podemos destacar por
sus majestuosas obras pictóricas a Sandro Botticeli, Miguel Ángel Buonarroti,
Durero, Tintoretto, El Greco, Leonardo de Vinci y Rafael Sandio. De ellos,
Leonardo de Vinci, por ejemplo, destacó más como dibujante, ya que a través
del dibujo realiza sus famosos estudios anatómicos. Sus dibujos están plenos
de rasgos finos pero firmes, destacando las expresiones humanas, y también
se puede apreciar que están envueltos en una sutil y fina aureola de luz difusa.
La cultura greco-romana había sido desplazada durante la Edad Media. En
ésta época, lo novedoso es el arte gótico y bizantino, pero en Roma, estas
nuevas concepciones artísticas, enmarcadas en el acto religioso no tienen
mayor auge, debido a los recelos o tal vez a los afanes de cambio de los sabios
humanistas orientales que emigran a esta ciudad después de la caída de
Constantinopla. Es así como al ser rechazado el estilo gótico y bizantino, y
puestas en un primer plano las antiguas formas greco-romanas, surge el arte
del Renacimiento, que se expande por toda Europa (Francia, Inglaterra,
Alemania y la Península Ibérica, especialmente).

La Gioconda(1503-1506) por Leonardo Da Vinci Wendy Beckett

Las principales causas del Renacimiento fueron los siguientes:

- Conservación en universidades y conventos medievales de valiosos
manuscritos de autores griegos y romanos.
- Uso del latín como lengua culta, que hacía posible la lectura de las obras
clásicas.
- La presencia en tierra Italiana de ruinas romanas que tenían que despertar en
los curiosos el deseo de conocer la civilización que había levantado tales
monumentos.
- La invención de la imprenta, que contribuyó a la difusión de los escritos de los
poetas, filósofos y sabios de la antigüedad y de los modernos.

- Los descubrimientos geográficos, el avance de las ciencias naturales y el

progreso de las técnicas que inspiran una confianza ilimitada en el poder de la
inteligencia humana y estimulan a la acción.
Las características generales del arte renacentista fueron las siguientes:
- Imitación de la arquitectura y la escultura de Grecia y Roma.
- Realización de una belleza ideal, ajustada a cánones dictados por la razón.
- Búsqueda de la serenidad y el equilibrio que proceden de la armonía del todo.
- Creación de obras, cuya claridad y perfección, atributos exigidos por la razón
universal, les dan una validez permanente.
Etapas del Renacimiento:
- Prerenacimiento o Trecento : siglos XIII y XIV. Coincide con el período

gótico europeo.
- Quatrocento: llega hasta finales del siglo XV y su centro cultural es la ciudad.
- Cinquecento: llena todo el siglo XVI y su cabeza es Roma.
La arquitectura del Renacimiento empleó los órdenes clásicos (jónico, corintio y

dórico), combinándolos entre sí en un mismo tipo de construcción, pero no tal y
como aparecen en la arquitectura grecorromana, sino al amparo de la inventiva
y originalidad del arquitecto renacentista. De esta manera, surge el estílo
"colosal" propio de esta arquitectura.
En este nuevo acontecer arquitectónico, se le da mucha importancia a la

arquitectura civil, construyéndose los Palacios Municipales, que presentan un
aspecto de fortaleza, el Palacio de Habitación, que es de inventiva renacentista
y presenta, en su exterior, forma de cubo con tres pisos, que culmina en una
cornisa; y las Villas, que fueron construidas en las afueras de Roma, tenían
grandes pabellones con terrazas, escalinatas y patios internos, jardines y
parques

Fresco del Juicio Final en la Capilla Sixtina (1541). Wendy Beckett

La arquitectura religiosa renacentista utiliza, en sus inicios, la planta de la

basílica cristiana; sin embargo, el centro adquiere mayor importancia por el
empleo de la Cúpula, que desplaza a la ojiva gótica y presenta los famosos
Ojos de Buey (aberturas circulares). En relación con los elementos
constructivos, tenemos que los muros son de ladrillo o sillería, con apariencia
robusta, las bóvedas usadas fueron: las de "cañón seguido", "rincón de
claustro", "de arista" y la "cúpula"; se usan arcos de medio punto; las ventanas
suelen ser de varias formas: rectangulares, gemeladas (dos arcos de medio
punto subdividido en otros dos), con alfeizar saliente, o en forma de
tabernáculo.

Cúpula de la Capilla Sixtina. Miguel Angel. Historia de la pintura. “Guía esencial para conocer la historia del arte
occidental". Wendy Beckett

En lo que respecta a la decoración de las obras arquitectónicas, se observa

que se emplearon varios elementos, estos son los siguientes:
- La Escultura: cubre toda la superficie de los monumentos como un sutil
manto, en sus inicios; luego, se realizan esculturas en bulto que adornan el
conjunto arquitectónico. Posteriormente hay una gran profusión de ésta que
envuelve por completo el conjunto lineal arquitectónico.
- La Policromía Natural: consiste en el empleo de diversos materiales
naturales, los cuales al ser combinados reflejaban una diversidad de tonos; por
ejemplo, combinaron el mármol blanco de las paredes con la piedra de los
muros.
- El Esgrafiado: consiste en realizar sobre las paredes finos relieves pintados
con dos colores.
- Los Frescos y Mosaicos: llenan las cúpulas y paredes interiores de la
construcción. Se empleó una diversidad de tonos, los cuales los hacía muy
llamativos.
- Los Frontones: son de inventiva romana, colocados casi siempre sobre
puertas y ventanas. Generalmente, son rectilíneos, pero en ocasiones pueden
ser triangulares o curvilíneos.
- Las Pilastras: son columnas que se colocan contiguas a una pared. Las
pilastras tienen sus orígenes en la arquitectura romana.
Arquitectos Renacentistas:
- Italia: Filippo Brunelleschi, Donato Bramante da Urbino, Rafael Sanzio, Miguel
Ángel Buonarroti.
- España: Diego de Siloé, Juan Herrera.
- Francia: Salomón de Brosse.
Las prendas típicas del Renacimiento se desarrollaron en Italia, de donde, a

raíz de la invasión de Carlos VIII de Francia en 1494, se extendieron al resto de
Europa. No está claro por qué la moda italiana, bastante más sencilla, se
desarrolló de forma independiente del resto de Europa, pero parece probable
que esto se debiera a su clima más cálido. La túnica de cuello bajo y la camisa
en el hombre, y las capas igual de sencillas y también de cuello bajo en la
mujer (denominada capa Julieta) ejercieron un efecto breve pero intenso en la
evolución del vestido europeo en general. Hacia 1620, había desaparecido la
sencillez, y la línea vertical de las prendas medievales fue sustituida por la línea
horizontal del traje del renacimiento. Al tiempo que se producía este rápido
cambio de estilo, irrumpió en Europa la moda del "acuchillado". Esta tendencia,
que probablemente tuvo su origen en el sur de Alemania y que perduró hasta el
siglo XVII, consistía en unas aberturas semejantes a cuchilladas en el tejido
exterior que dejaban ver una tela distinta por debajo.

Tal vez, el desarrollo más interesante de esta época fuera la utilización, o al

menos la exposición, de las camisas por parte de hombres y mujeres. Una vez
que la camisa quedaba a la vista, tenía que ser adornada; los ribetes de
encajes y volantes en cuello y mangas se convirtieron en menos de 50 años en
gorgueras historiadas y almidonadas que estuvieron de moda durante otros
100 años. Estos cuellos, almidonados o no, evolucionaron hacia la chorrera.
Durante el Renacimiento, el único cambio importante en la indumentaria
masculina, aparte de una mayor ornamentación, fue el alargamiento de los
calzones, que, como era normal, iban muy adornados por quedar a la vista. Por
otra parte, la mujer fue luciendo unas prendas cada vez más restrictivas. A
principios del Renacimiento, apareció un corsé largo y rígido en forma de cono,
más largo por la parte delantera, que oprimía la anatomía de la mujer. Antes,
se había utilizado el corsé para realzar la figura pero nunca para distorsionar de
tal manera las formas femeninas, ya que el pecho era obligado a sobresalir por
encima del corsé. A partir de la Revolución Francesa (1789-1799), la moda
varió enormemente pero la práctica de distorsionar la figura de la mujer
persistió. Aunque la rigidez del corsé se vio algo aliviada al sustituirse las guías
metálicas por huesos de ballena, la moda se hizo algo más incómoda por la
costumbre de dar volumen a las faldas con la adición de armazones que
podían ser desde bolsas de salvado hasta complicadas armaduras metálicas.
Aunque en el Renacimiento las prendas básicas siguieron siendo las mismas
que las de la Edad Media, el estilo relativamente natural fue sustituido por
formas complicadas, encajes y forros que proporcionaban un aspecto de
rigidez. Esto era, en parte, consecuencia del extremado formalismo de las
cortes tradicionales de los Habsburgo del Sacro Imperio Romano,
especialmente de la casa de Austria en España. Los escasos intentos por
eliminar esta rigidez en la moda europea no fueron seguidos por la corte
española, como lo demuestran las enormes faldas armadas de los retratos de
la familia real del pintor barroco Diego Velázquez.
1.2. El Origen de la Imprenta
Johann Gutenberg, natural de Maguncia (Alemania), es considerado

tradicionalmente como el inventor de la imprenta en Occidente. La fecha de
dicho invento es el año 1450. Ciertos historiadores holandeses y franceses han
atribuido este invento a paisanos suyos, aduciendo abundantes pruebas. Sin
embargo, los libros del primer impresor de Maguncia, y en concreto el ejemplar
conocido como la Biblia de Gutenberg, sobrepasa con mucho en belleza y
maestría a todos los libros que supuestamente le precedieron. El gran logro de
Gutenberg contribuyó sin duda de forma decisiva a la aceptación inmediata del
libro impreso como sustituto del libro manuscrito. Los libros impresos antes de
1501 se dice que pertenecen a la era de los incunables.
En el periodo comprendido entre 1450 y 1500, se imprimieron más de 6.000
obras diferentes. El número de imprentas aumentó rápidamente durante esos
años. En Italia, por ejemplo, la primera imprenta se fundó en Venecia en 1469,
y hacia 1500 la ciudad contaba ya con 417 imprentas.

Los impresores del norte de Europa fabricaban sobre todo libros religiosos,
como biblias, salterios y misales. Los impresores italianos, en cambio,
componían sobre todo libros profanos, por ejemplo, los autores clásicos griegos
y romanos redescubiertos recientemente, las historias de los escritores laicos
italianos y las obras científicas de los eruditos renacentistas. Una de las
primeras aplicaciones importantes de la imprenta fue la publicación de
panfletos. En las luchas religiosas y políticas de los siglos XVI y XVII, los
panfletos circularon de manera profusa. La producción de estos materiales
ocupaba en gran medida a los impresores de la época. Los panfletos tuvieron
también una gran difusión en las colonias españolas de América en la segunda
mitad del siglo XVIII.
La máquina que se utiliza para transferir la tinta desde la plancha de impresión
a la página impresa se denomina prensa. Las primeras prensas de imprimir,
como las del siglo XVI e incluso anteriores, eran de tornillo, pensadas para
transmitir una cierta presión al elemento impresor o molde, que se colocaba
hacia arriba sobre una superficie plana. El papel, por lo general humedecido, se
presionaba contra los tipos con ayuda de la superficie móvil o platina.
Las partes superiores de la imprenta, frecuentemente, iban sujetas al techo y,
una vez que el molde se había entintado, la platina se iba atornillando hacia
abajo contra el mismo. La prensa iba equipada con raíles que permitían
expulsar el molde, volviendo a su posición original, de modo que no fuera
necesario levantar mucho la platina. Sin embargo, la operación resultaba lenta
y trabajosa: estas prensas sólo producían unas 250 impresiones a la hora, y
sólo imprimían una cara cada vez.
En el siglo XVII, se añadieron muelles a la prensa para ayudar a levantar
rápidamente la platina. Hacia 1800, hicieron su aparición las prensas de hierro,
y por aquellas mismas fechas se sustituyeron los tornillos por palancas para
hacer descender la platina. Las palancas eran bastante complicadas: primero
tenían que hacer bajar la platina lo máximo posible y al final tenían que
conseguir el contacto aplicando una presión considerable. Aunque las mejores
prensas manuales de la época sólo producían unas 300 impresiones a la hora,
las prensas de hierro permitían utilizar moldes mucho más grandes que los de
madera, por lo que de cada impresión se podía obtener un número mucho
mayor de páginas. La impresión de libros utilizaba cuatro, ocho, dieciséis y más
páginas por pliego.

1.3. Diseño y Arte Barroco y Rococó
1.3.1. Diseño e Imagen
El Estilo Barroco se inicia en Italia en el siglo XVI y perdura hasta finales del
siglo XVIII. Se extendió por todos los países europeos, desarrollando
características propias en cada país. En este arte, hay una marcada
predilección por el naturalismo, el dinamismo y los efectos ópticos. Aparecen
composiciones de naturaleza muerta, bodegones, animales, vida de santos y
de Cristo, enmarcándose dentro de esquemas asimétricos. En las
representaciones, personas o gente del pueblo aparecen con sus vestimentas
normales, pero en los retratos de clase social alta, son más adornadas las
vestimentas, pelucas, encajes, zapatos estilizados, sombreros, etc. Sin
embargo, lo que más caracteriza a la pintura barroca es el manejo de las luces
y sombras, la intensidad dramática y el empleo del color. En Italia, se
produjeron dos corrientes pictóricas, o estilos: el Ecléctico y el Clasicista. En
este país, destacó la figura de Miguel Ángel Merisi de Caravaggio; en Francia
destacaron Nicolás Poussin, Georges de La Tour y Claude Gelée Lorrain; en
España, el Barroco se torna serio y formal, representado magistralmente por
Diego Rodríguez de Silva y Velásquez, Francisco Zurbarán, José de Ribera y
Bartolomé Esteban Murillo. En los países bajos, el Barroco generó dos
escuelas: la Flamenca, que tuvo su apogeo en el siglo XVI en Flandes (Flandes
es una de las tres regiones que componen Bélgica, junto a Valonia y la región
de Bruselas, capital de Bélgica y de Flandes. Limita al Oeste con Francia y el
Mar del Norte, al Norte y Este con Holanda y al Sur con Valonia).
La Escuela flamenca estuvo representada por Pedro Pablo Rubens, Antón Van
Dyck y Jacob Jordanes, y la Escuela holandesa, la cual produjo un nuevo
estilo, contó con dos importantes personajes: Rembrandt H. Van Rijn y Jan
Vermeer o Van der Meer de Delft.
Este arte se desarrolló entre los siglos XVII y parte del XVIII. Su punto de
partida fue Italia, Roma, concretamente, donde dejó monumentos grandiosos
en el orden de la arquitectura. De Italia pasó al resto de Europa y llegó incluso
a Rusia. A través de España, el Barroco se difundió por toda América y alcanza
su momento culminante en el siglo XVIII.

El Rococó es un estilo característico del siglo XVIII europeo, que sucedió al

Barroco y precedió al neoclásico. El término procede del francés Rocaille, que
designaba en el siglo XVII la decoración de las grutas y jardines renacentistas a
base de conchas. El Rococó floreció principalmente en Francia, en un principio
junto con el Barroco, hasta que adquirió un lenguaje propio que se difundió por
toda Europa. Mientras la arquitectura conservaba su rigidez de origen clásico.
Los elementos decorativos del Rococó aportaron fantasía y elegancia a las
construcciones, pero fue sobre todo en los interiores donde la decoración
rococó consiguió los mayores logros. El carácter de la época rococó,
enamorada de la intimidad, favoreció en la pintura, lo mismo que en la
escultura, el cultivo del retrato. Este hubiese carecido de gracia sin el realismo,
y por tanto, se inspiró en la pintura holandesa y flamenca, especialmente en
Van Dyck. El cliente ya no es el Rey, con las grandes necesidades decorativas
de un palacio, sino que se halla entre los nobles y burgueses adinerados a los
que ha dejado de interesar las composiciones históricas y mitológicas, aunque
a menudo, se complacen todavía en hacerse retratar caracterizados como
personajes de fábula.
Joven mendigo, 1645. Diego Velásquez

Wendy Beckett. Historia de la pintura.
“Guía esencial para conocer la historia del
arte occidental".

“El triunfo de Baco”. Diego Velásquez

Wendy Beckett . Historia de la pintura. “Guía esencial para conocer la historia del arte occidental".

Las Meninas. Diego Velásquez. Historia de la pintura. “Guía esencial para conocer la historia del arte occidental".
Wendy Beckett

Los dos tipos de obra arquitectónica que el Barroco desarrolla son la Iglesia y
el Palacio. La iglesia, como típico estilo tiene dos robustas torres laterales que
enmarcan la gran linterna con su cúpula. El palacio, que toma por modelo el de
Versalles, consiste en una larga edificación de varias plantas, cuyo cuerpo
central contiene la mayor densidad de elementos decorativos y forma un frontis
de gran valor artístico. Elementos esenciales del palacio barroco son las
galerías, que son salones largos, abovedados y con ventanales, y la escalera
"a la imperial".
El Rococó consistía en que los adornos representaban falsas rocas, adheridas

a la arquitectura de las grutas y las cascadas, llamados rocallas. Estas
características fueron el principal elemento nuevo, introducido para sustituir el
rígido sistema de los órdenes clásicos, para evocar en la arquitectura el frescor
y la alegría de lo primitivo y lo campestre. Los palacios son los primeros en
adoptar como elementos básicos caprichosos recuadros, columnas esculpidas,
conchas, etc.
En el siglo XVII, no tuvieron lugar otros cambios en la vestimenta femenina que

los producidos por los vaivenes de la moda. Se siguió llevando el corsé en
forma de cono con el talle más alto o más bajo según la moda. A finales del
siglo apareció el traje suelto o mantua (derivado del nombre de la ciudad del
norte de Italia) anunciando un cambio que se produciría en el siglo siguiente.
El atuendo masculino sufrió el cambio más radical de la historia moderna. A
principios de siglo, los hombres seguían llevando las prendas de finales de la
edad media (casaca, calzones, calzas y capa) y una capa circular, aunque
durante la primera mitad del siglo se impuso la casaca como prenda militar o de
viaje. La casaca seguía siendo una capa pero constaba de dos piezas
delanteras, dos piezas traseras y dos piezas para los hombros. Las partes
delanteras y traseras se abotonaban para formar el cuerpo y las piezas de los
hombros formaban las mangas. Este práctico invento dio lugar más tarde al
tradicional traje de montar a caballo. En el siglo XVIII, después de algunos
cambios, pasó a ser el traje actual y más tarde se convirtió en el chaleco. Hacia
1680, el atuendo masculino ya tenía la apariencia actual excepto en el uso de
calzones en lugar de pantalones.
La peluca, excentricidad que alcanzó su máximo apogeo en el siglo siguiente,
fue introducida por Luis XIII para ocultar su incipiente calvicie (después de
haber puesto de moda su magnífica cabellera rizada) y figuró durante más de
un siglo como prenda indispensable en el guardarropa de todo caballero. La
peluca, empolvada en blanco o gris, grande y aparatosa o pequeña y sencilla,
sustituyó al pelo natural de los caballeros y fue utilizada en los actos sociales
hasta la llegada de la Revolución Francesa; en la corte, otros treinta años más;
y en los tribunales de justicia de Gran Bretaña, hasta hoy.

Nobles de la corte francesa del siglo XVIII
1.4. La Revolución Industrial (1,750 – principios del s. XIX)
1.4.1. Diseño Industrial
El cambio que se produce en la Historia Moderna de Europa por el cual se

desencadena el paso desde una economía agraria y artesana a otra dominada
por la industria y la mecanización es lo que denominamos Revolución
Industrial.
En la segunda mitad del siglo XVIII, en Inglaterra, se detecta una
transformación profunda en los sistemas de trabajo y de la estructura de la
sociedad. Es el resultado de un crecimiento y de unos cambios que se han
venido produciendo durante los últimos cien años; no es una revolución
repentina, sino lenta e imparable. Se pasa del viejo mundo rural al de las
ciudades, del trabajo manual al de la máquina. Los campesinos abandonan los
campos y se trasladan a las ciudades: surge una nueva clase de profesionales.
Algunos de los rasgos que se han considerado definitorios de la revolución
industrial se encuentran en el montaje de factorías, el uso de la fuerza motriz.
Además, esto trajo muchos cambios: se pasa de un taller con varios operarios
a grandes fábricas, de la pequeña villa de varias docenas de vecinos a la
metrópoli de centenas de miles de habitantes.
Esta revolución viene a ser un proceso de cambio constante y crecimiento
continuo donde intervienen varios factores: las invenciones técnicas
(tecnología) y descubrimientos teóricos, capitales y transformaciones sociales
(economía), revolución de la agricultura y al ascenso de la demografía. Estos

factores se combinan y potencian entre sí, no se puede decir que exista uno
que sea desencadenante
Las enormes transformaciones económicas que conocerá Europa
(comenzando estos cambios Gran Bretaña) a partir del siglo XVIII modificarán,
en gran medida, un conjunto de instituciones políticas, sociales y económicas
vigentes en muchos países desde al menos el siglo XVI que suelen
denominarse como El Antiguo Régimen. El nombre fue utilizado por primera
vez por dirigentes de la Revolución Francesa en un sentido crítico: los
revolucionarios pretendían terminar con todo lo que constituía ese Antiguo
Régimen.
Uno de los elementos sustanciales de la mecanización y modernización
industrial fue la aplicación de un nuevo tipo de energía: el vapor, cuya
producción requería carbón. La máquina de vapor del escocés James Watt
(1782) se convirtió en el motor incansable de la Revolución Industrial.
1.4.2. La tipografía en una época industrial
La Ilustración inglesa influyó en Francia y estableció los cimientos de la

Revolución francesa de 1789, de tintes burgueses, y favoreció el nacimiento de
la Prensa como una nueva fuerza en toda Europa continental.
En 1777, nació el primer diario francés, Le Journal de París que tenía sólo
cuatro páginas. En la capital de la prensa italiana, Milán, apareció el primer
periódico literario Il Café. En 1785, John Walter fundó el decano de la prensa
inglesa, el Times. Se produjo tal auge de los periódicos, que se crean las
primeras formas de verdadero periodismo político, sobre todo en Francia e
Italia, donde aparecen los Monitori.
Con el surgimiento de la Revolución Industrial, un gran número de personas

dejaron de laborar las tierras y buscaron empleos en las fábricas y, gracias a
esto, las ciudades crecieron rápidamente y hubo una distribución más amplia
de la riqueza.
La inversión de capital en máquinas, para la fabricación masiva, llegó a ser la

base del cambio industrial y del desarrollo. Se estableció un ciclo de producción
en espiral. La demanda de una población urbana que crecía rápidamente y
poseía gran poder de compra, estimuló las mejoras tecnológicas. Esta
circunstancia facilitó la producción en masa, lo que produjo un incremento en la
presencia de productos disponibles en el mercado, y la reducción de costos.
El progreso vertiginoso de la Revolución Industrial no se realizó sin costo

social. Esta enorme fuerza de trabajo de hombres, mujeres y niños, a menudo
era fuertemente recortada. Algunas de las causas que provocaron esta
situación fueron la sobreproducción anticipada (con el consecuente
almacenamiento de mercancía o la saturación del mercado), el incremento
desmesurado en los costos de la materia prima y la incapacidad o la avaricia
de los patrones para comprarla, las crisis comerciales, el fracaso en los
negocios, los errores de los bancos y la pérdida de la fuente de trabajo,
ocasionada por el desplazamiento de la mano de obra humana por nuevos

adelantos técnicos. Sin embargo, el nivel de vida de las personas en Europa y

América mejoró notablemente durante el siglo XIX.
Los críticos de la nueva era industrial pensaban que la civilización estaba

cambiando los valores humanos por el interés económico.
El grado más alto de igualdad que se inició a partir de las revoluciones francesa
y americana, trajo consigo un mejoramiento en la educación pública y, por
tanto, la posibilidad de leer y escribir, por lo que el público lector,
consecuentemente, aumentó. Este periodo inestable con continuos cambios se
caracterizó por una mayor trascendencia y disponibilidad de la comunicación
gráfica.
Las artesanías desaparecieron casi por completo. La unidad de diseño y

producción que tenía un artesano llego a su fin.
Hasta finales de siglo no comenzó a variar el aspecto uniforme de los vestidos.

En Francia (abocada a la revolución), la moda se hizo más rígida, más
sofisticada y formalista. En Inglaterra, que se dirigía hacia un cambio social
más ordenado y un desarrollo industrial explosivo, la moda cambió su
tendencia normal y los dictadores de la moda se decidieron por el atuendo más
práctico de las clases obreras. Mientras los franceses lucían rígidos brocados,
los ingleses adoptaron los tejidos de lana y algodón.
A raíz de la Revolución Francesa, se produjeron dos cambios radicales en la
moda europea; así, la vestimenta se convirtió en objeto de propaganda
ideológica de la nueva era. En el hombre, se volvieron a imponer los
pantalones después de 600 años. Los revolucionarios adoptaron la vestimenta
de las clases bajas en lugar de las medias y los calzones usados por la
nobleza. Este traje revolucionario, que evolucionaría hasta llegar a ser el estilo
ciudadano durante el siglo XIX, se componía de una casaca llamada
carmagnole, un pantalón largo llamado sans-culotte, una escarapela tricolor, el
gorro frigio y unos zuecos.
En la mujer, hubo una vuelta consciente hacia lo que se consideraba el estilo

griego clásico. Desaparecieron durante un par de décadas los corsés, los
guardainfantes y las armaduras, que fueron sustituidos por tejidos ligeros de
aspecto natural, cinturas altas, brazos desnudos y corpiños cortos. Sin
embargo, a causa del caótico clima social que se vivía, aparecieron durante el
periodo del Directorio tendencias absolutamente radicales o frívolas, como es
el caso de los llamados incroyables, hombres que llevaban cuellos altísimos,
grandes solapas, corbatas muy anchas, chalecos de colores estridentes y
calzones. La exageración también estuvo presente en la moda femenina: las
merveilleuses se vestían con tejidos finísimos, casi transparentes. A pesar del
miedo a la Revolución que existía en otros países europeos, la moda francesa
logró imponerse y afianzarse. Sedas, encajes y brocados desaparecieron del
atuendo masculino y, durante un tiempo, también del femenino.

Fuente: Educima.com
1.5. El desarrollo de la Litografía
Aloys Senefelder (1771-1834). Inventó la litografía (del griego literalmente

“impresión sobre piedra”) en el año 1796. La litografía es un procedimiento de
impresión mediante el cual se reproduce sobre papel la escritura o el dibujo,
realizado con tinta especial o lápiz graso, sobre la superficie de una piedra
calcárea, de estructura especial, muy compacta y homogénea.
Godefroy Engelmann, impresor francés, designó el sistema cromolitografía, el

cual se basaba en una placa generalmente impresa en negro y otras placas
detrás de ésta proporcionaban la plasta de color o los matices.
La Escuela de Cromolitografía de Boston:
1. William Sharp (nacido en el año 1803) introdujo la cromolitografía en

América.
2. Richard M. Hoe (1812-1886). Inventor americano y genio mecánico,

perfeccionó la prensa litográfica giratoria que fue apodada “prensa relámpago”,

porque incrementaba seis veces más la producción litográfica, en relación con

las prensas de imprimir planas entonces en uso.
3. John H. Bufford (muerto en 1870). Gran innovador de la cromolitografía en

Boston, y un hábil dibujante cuyas imágenes dibujadas al crayón lograron un
sorprendente realismo. Llegó a ser el primer litógrafo americano, no asociado
con Sharp. Se especializó en impresos de arte, carteles, portadas e
ilustraciones de libros y revistas y a menudo usaba cinco o más colores.
4. En el año 1864, los hijos de Bufford se asociaron a su empresa. El sello

distintivo consistía en un dibujo tonal minucioso y convincente. Una
preocupación muy importante del diseño gráfico de esta empresa era la
integración de la imagen y los letreros en un diseño unificado.
5. Las décadas de los años 1860 a 1900 fueron la mejor época de la litografía.
Esta llegó a ser el medio predominante para imprimir.
La ciudad de Lima jugó un rol preponderante en el desarrollo del arte en el

virreinato del Perú. Su rápido crecimiento urbano, la acumulación de riqueza
por parte de los encomenderos y la construcción de templos e iglesias fueron
motivos para la demanda de pinturas y esculturas de las principales ciudades
de los reinos españoles. Especial preferencia se tuvo por las obras
provenientes de Flandes e Italia, aunque las obras sevillanas y andaluzas
tuvieron igualmente gran demanda.
Lima como centro político del más importante virreinato durante el siglo XVI fue
plaza importante para destacados artistas que no dudaron en venir y ofrecer su
arte a la iglesia.
Destacan Angelino Medoro, Bernardo Bitti, Mateo Perez de Alesio, entre otros.
Otro rasgo importante en la evolución de las artes durante la colonia lo

constituye la exquisitez de la arquitectura religiosa. Los templos fueron
encomendados a alarifes que dominaban las técnicas de la edificación en
piedra y barro, por lo que erigieron obras de buena factura, muy superior a las
realizadas en otras partes del continente. Tan solo mencionar a los conventos
e iglesias de Santo Domingo, San Francisco el viejo, San Pedro, Las Trinitarias
o La Merced para dar cuenta del refinado gusto estético de los alarifes limeños.
En el interior del virreinato la situación no fue diferente. En Cuzco, Arequipa,

Cajamarca, Huamanga, Puno y Trujillo hubo una clara tendencia hacia la
búsqueda de lenguajes propios, basados en la utilización de elementos
locales.
La utilización del sillar en Arequipa o la Piedra en Cuzco es muestra clara de la

adaptación del arte europeo y su transformación para el uso local.

Otro punto a resaltar en el derrotero de las artes en el virreinato peruano es la

llegada del barroco. Como parte de la contrarreforma de la iglesia, el barroco
buscó sensibilizar al espectador a través de los sentidos antes que por la
razón. Es por ello que este estilo se caracterizó por la gran concentración de
elementos y ornamentos (mayormente vinculados a temas religiosos) y
también por la meticulosidad que tuvieron los artistas en colocarlos de tal
manera que crearan una atmósfera mística y ascética
El Barroco dominó casi por 200 años las artes en el Perú e impuso su sello en
la pintura, escultura, arquitectura, música y literatura. Hubo una gran influencia
externa, aunque la respuesta peruana fue a todas luces autóctona. El barroco
se reinterpretó y el resultado fueron obras de excelente calidad, que no dejaron
de plasmar los elementos simbólicos y realistas que el Barroco exigía.
El siglo XVIII se caracterizó por la llegada de nuevas tendencias procedentes

de Francia, Austria y Alemania. Las artes ya no fueron exclusividad de los
religiosos; por el contrario, fueron los civiles y la corte los principales
compradores de estas tendencias. Uno de estos estilos fue el Rococó.
Impulsado por los reyes borbónicos, este estilo manifiesta un gusto exquisito y
refinado, mostrándose principalmente en la pintura y la arquitectura. Destaca la
torre de la catedral de Santo Domingo, bello ejemplo de Rococó en el Perú y
atribuida al diseño del mismo virrey Manuel Amat y Juniet.
Los moldes neoclásicos llegaron a finales del siglo XVIII, producto de las
corrientes ilustradas. Los mejores receptores para esta tendencia fueron los
criollos; no obstante, en la política virreinal, también tuvo acogida. Matías
Maestro fue el introductor de esta corriente y manifestó su arte no solo en la
pintura sino también en la arquitectura, de la cual fue su máximo exponente. La
obra más reprensentativa de Matías Maestro es el famoso cementerio museo
que hace honor a su nombre: Presbítero Maestro.
Oración en el
Huerto de los
Olivos. Autor:
Bernardo Bitti,
siglo XVI (n.
1595).
Fuente: Museo
de Arte de Lima
100 obras
maestras.

Iglesia San
Francisco el
viejo (Lima).
Siglo XVII.
Arcángel. Anónimo
cusqueño, siglo XVIII.
La escuela cuzqueña se
caracterizó por sus
pinturas paisajistas y
por la representación de
ángeles a los que
añadían elementos
vernaculares en sus
ropas, principalmente
plumas.
Fuente: Museo de Arte

de Lima.

Vista nocturna de la
antigua casona de la
Universidad Mayor de San
Marcos.
Fuente:
www.geocities.com/amirhali

Resumen
En esta unidad, continuamos en el proceso de la historia del diseño. Hemos

revisado el diseño Renacentista, el origen de la imprenta, el diseño Barroco y
Rococó, la Revolución Industrial y la Litografía desde diversos puntos de vista
estéticos como lo son la pintura y su arte, su diseño arquitectónico, de
interiores y su diseño de vestuario.
historia. Lima, como centro político del más importante virreinato durante el
siglo XVI, fue plaza importante para destacados artistas que no dudaron en
venir y ofrecer su arte a la iglesia.
Destacan Angelino Medoro, Bernardo Bitti, Mateo Pérez de Alesio, Matías
Maestro, entre otros.
Phillips, B. Meggs. Historia del diseño gráfico. Madrid: Trillas, 1990
El mundo Contemporáneo; Alvear Acevedo; Editorial Jus; Págs. 42 a 44
Santue, Enric. "El Diseño Gráfico desde sus orígenes hasta nuestros días."
Vargas Ugarte, Ruben

Historia General del Perú. Lima: Milla Batres, 1971

ACTIVIDADES
puntos de vista.


UNIDAD DE
APRENDIZAJE
DISEÑO Y ARTE EN EL S. XIX

manifestaciones mas tempranas en la historia de la humanidad
explorando el diseño y arte en S. XIX
TEMARIO
• Diseño y arte del Neoclasicismo y Romanticismo
• Koening y la Prensa a vapor
• El ascenso del Diseño Editorial y Publicitario
• Londres y París. Capitales del Diseño Comercial del s. XIX
• Diseño de modas: El Origen del término
• Períodos del Impresionismo y Post- Impresionismo
• El Cartel como medio de comunicación
• El ART NOVEAU y el cambio de siglo

imágenes que los ayuden visualmente a estudiar los temas a tratar.

1.1. Diseño y arte del Neoclasicismo y Romanticismo
El Neoclasicismo fue un movimiento que se produjo en Europa en el siglo XVIII

ante los cánones ya agotados del Clasicismo (al producirse el desgaste de las
culturas barrocas) que aspiraba restaurar el gusto y las normas del clasicismo.
En la época neoclásica, el color pasa a un segundo plano y adquiere mucha
importancia el dibujo; es decir, el trazo puro, y el color es aplicado sólo como
complemento. Este arte trató de imitar los estilos utilizados antiguamente en
Grecia y Roma, por la influencia de los descubrimientos arqueológicos como
los de Pompeya y Herculano. En pintura, David fue el máximo exponente del
Neoclasicismo francés, que contó con pintores como Gross, Gèrard, Prud´hon
e Ingres, aunque en algunos de ellos ya apuntaba el germen del Romanticismo,
movimiento estético que explicamos a continuación.
El Romanticismo aparece en Francia a principios del siglo XIX como una
reacción violenta contra la frialdad del Neoclasicismo. Si este significaba la
razón, serenidad y límite, el romanticismo era imaginación, pasión e infinito.
Su pintura se caracterizó por el predominio del color sobre la forma. Eran
composiciones dinámicas, de gran movimiento y sus temas eran tomados de la
literatura y la historia medievales, y de la realidad pintoresca. Artistas
importantes en el campo de la pintura fueron, Gericaúlt, Delacroix, Francisco de
Goya y Caspar Friedrich.
La Arquitectura del Neoclasicismo se caracterizó por la simetría, la elegancia y

la sobriedad, el empleo de un solo orden (dórico, jónico o corintio, en lugar de
la superposición barroca); además del énfasis sobre los valores lumínicos, la
división tripartita de la fachada con tímpano central, la eliminación del color, el
gusto por los arcos de triunfo y las columnas conmemorativas.
A principios del siglo XIX, durante el Imperio napoleónico, se produjo una vuelta
al formalismo y a lo recargado, aunque la moda no varió mucho. El vestido
femenino presentaba una cintura excesivamente alta, y pretendía imitar las
formas de la Grecia y la Roma antiguas. Se trataba de sencillos vestidos
realizados en algodón, muselina, gasa o percal, que no necesitaban corsés o
guardainfantes, y que se acompañaban con chales o boleros, muchos de ellos
de cachemira, un tipo de tejido importado que supuso una durísima
competencia para las sedas de Lyon. La restauración de la monarquía francesa
en 1814 produjo una reacción en la moda femenina que trajo de nuevo los

corsés, las crinolinas y las armaduras. A partir de la década de 1820 bajó el

talle de la cintura y surgieron las mangas de pernil (ahuecadas desde el
hombro hasta el codo y muy estrechas en la muñeca).
En este momento, la moda femenina era dictada por Francia, mientras que en
Inglaterra se decidían las tendencias masculinas. Inglaterra contaba además
con una maquinaria textil superior, una avanzada industria de la lana y unos
sastres más refinados. En cualquier caso, sería la burguesía la que marcaría
estas tendencias.
1.2. Koening y la prensa a vapor
Friedrich Koenig es un impresor alemán que llegó a Londres alrededor de 1804

e hizo cambios muy decisivos para transformar la imprenta. Presentó sus
planos para una máquina de imprimir operada a vapor a los impresores más
importantes de Londres. Finalmente, después de recibir ayuda económica por
parte de Thomas Bensley en 1807, Koenig obtuvo la patente para su prensa en
marzo de 1810. En abril de 1811, fabricó su primera producción de prueba:
3000 hojas del Annual Register. Esta prensa imprimía 400 hojas por hora, en
comparación con la producción de 250 hojas por hora de la prensa manual de
Stanhope. La primera prensa mecánica conectada a una máquina de vapor, se
diseñó en forma muy parecida a la prensa manual. Otras innovaciones
incluyeron un método de entintado de los caracteres por medio de rodillos, en
lugar de utilizar las balas de entintar manualmente. El movimiento horizontal de
la forma de los tipos en la cama de la máquina y el movimiento del tímpano y la
frasqueta era automático.
Esta prensa fue un preludio al perfeccionamiento de la prensa mecánica a

vapor con cilindro de tope realizado por Koenig que permitía una operación
mucho más rápida. En este diseño, la forma tipográfica se encontraba sobre
una cama plana que se movía hacia delante u hacia atrás, debajo de un
cilindro. Durante la fase de la impresión, el cilindro giraba encima del tipo,
transportando la hoja que iba a imprimirse. Esta se detenía, mientras la forma
tipográfica se movía por debajo del cilindro para ser entintada por los rodillos.
Mientras el cilindro se detenía, el prensista ponía nueva hoja de papel sobre el
cilindro.
1.2.1. Inicios de la prensa masiva
El primer diario estadounidense nace en Filadelfia, el Pennsylvania Evening

Post en 1783. A principios del XIX, había unos veinte periódicos diarios, cifra
que fue en aumento según se propagaba la Revolución Industrial. En 1833,
Benjamin Henry Day editó la primera edición del New York Sun, pionero de la
prensa barata que dominó el mercado periodístico de este país hasta finales

del XIX y que dio paso al periódico moderno destinado a una audiencia masiva,
con unos contenidos de "interés humano", abiertamente sensacionalista y cuyo
precio era un centavo.
Tuvo un gran éxito por lo que tenía mucha publicidad que ocupaba gran parte
del periódico. Pronto aparecieron imitadores: el New York Tribune en 1841, de
Horace Greeley, republicano y antiesclavista, considerado un gran vivero del
periodismo norteamericano, y el sudista New York Herald (fundado por Gordon
Bennett en 1835), que alcanzaron decenas de miles de ejemplares. El tercer
gran periódico que nace en esta época es The New York Times, en 1851, de
Henry Raymond. Las razones por las que surge este tipo de prensa de masas
son los adelantos tecnológicos, un papel más barato, el desarrollo de unas
rotativas más rápidas, un fuerte porcentaje de publicidad y la creación de la
Agencia AP (Associated Press), en 1848, mediante la unión de seis periódicos
de Nueva York, para compartir los costos de la transmisión telegráfica de
noticias desde Washington y Boston hasta Nueva York.
En plena "edad de oro" del periodismo, que abarcó desde la segunda mitad del
XIX hasta la Primera Guerra Mundial, Joseph Pulitzer lanza el New York World
en 1883, y renace el periodismo de masas, sensacionalista, bautizado como el
"New Journalism". Pero será William Randolph Hearst, con el San Francisco
Examiner y el New York Morning Journal, quien competirá con Pulitzer,
convirtiéndose en el máximo representante del sensacionalismo periodístico y a
quien se le responsabiliza del "Yellow Journalism" o prensa amarilla, que tiene
su cúspide con la guerra hispano-norteamericana participando de forma activa
en una contienda a la que se llamó la "guerra de Hearst". Cuando se inicia la
Primera Guerra Mundial, Hearst y su cadena de periódicos no toman una
postura claramente aliada, frente a los New York Herald o el mismo The New
York Times, que se sitúan a favor de la intervención contra Alemania.
1.2.2. La prensa rotativa
Los avances en el mundo de la impresión tienen como objetivo aumentar la

velocidad, y fue durante el siglo XIX cuando se van a producir las mejoras
necesarias para el desarrollo de la prensa. Gracias a Friedrich König, quien
inventó la prensa accionada por vapor que revolucionó toda la industria de la
impresión. Una de las consecuencias fue la prensa de cilindro, que utilizaba un
rodillo giratorio para prensar el papel contra una superficie plana. Con la
rotativa, unos años más tarde, se iba a permitir la impresión simultánea por
ambas caras del papel.
En 1822, después de que el francés Simon Ballanche concibiera la idea de

construir una máquina automática para componer textos, el estadounidense
William Church logra construir la primera máquina de este tipo: la
componedora.

La idea era mecanizar y facilitar al máximo la complicada tarea de componer

manualmente los tipos de plomo de la tipografía, uno a uno, formando textos
completos, como se hacía desde Gutenberg. De todos modos, el hecho de que
la máquina cometiera ciertos errores hizo que no se impusiera de modo
universal. Habría que esperar la invención de la linotipia en 1884.
Cuando en 1829 surgen los estereotipos, que permiten fabricar duplicados de

planchas de impresión ya compuestas, se incrementaron las ediciones de las
publicaciones.
En 1846, el inglés Smart inventa una rotativa para la impresión litográfica, en la

que todo el proceso se automatiza excepto para la entrada (alimentación) y
salida (retirada) del papel. Surge así la primera imprenta de offset automática.
Aunque en 1845 Richard Hoe (EEUU) ya había obtenido una patente referida a
la primera rotativa moderna, la gran demanda en este período de grandes
tiradas de los periódicos existentes, llegó a superar incluso la producción de
libros, lo que hizo posible el éxito de las rotativas.
Imagen del libro de Phillips, B. Meggs. Historia del diseño gráfico. Madrid: Trillas, 1990
Así, en 1848, el diario londinense The Times pone en funcionamiento por

primera vez una rotativa rápida de este tipo. Esta máquina fue perfeccionada
por Augustus Applegath y Edward Cooper, ingenieros ingleses, siguiendo el
principio de la máquina inventada por Hoe, aunque seguía trabajando
únicamente con pliegos sueltos de papel.
Algunos años después, en 1851, el constructor británico T. Nelson logra por fin
desarrollar una rotativa para la impresión sobre bobinas continuas de papel y,

más tarde, en 1863, el inventor estadounidense William A. Bullock obtendrá la

patente de la primera prensa rotativa que se alimentaba por bobinas, para la
impresión de libros sobre papel continuo, modelo para las rotativas posteriores.
Esto permitía imprimir los periódicos en rollos en lugar de hojas sueltas.
A partir de este momento, se darán algunos problemas, que van a ser

corregidos años después, por ejemplo, los cuellos de botella producidos en las
fases de cortado y plegado del material impreso, así como la lenta tarea de la
composición de los textos a mano.
Será en 1884 cuando Ottmar Mergenthaler logre mecanizar este último proceso
con la linotipia.
Siguiendo con la progresión cronológica, hubo algunos intentos como el del
inglés Black, quien inventó en 1850, una máquina plegadora automática capaz
de plegar en octavo hasta dos mil pliegos por hora, al estar equipada con
dispositivos de plegado y corte.
Imagen del libro de Phillips, B. Meg. Historia del diseño gráfico. Madrid: Trillas, 1990
Es importante mencionar también a los técnicos ingleses Johnson y Atkinson,

que, en 1853, consiguieron construir una máquina completa de fusión de
caracteres de imprenta, que era capaz de fabricar hasta 30.000 caracteres
diarios. Este dato es especialmente relevante porque, desde el instrumento
manual ideado por Gutenberg para fundir tipos, apenas había variado esta
técnica.
Por su parte, en 1859, el fotógrafo inglés Warren de la Rue desarrolla un nuevo
procedimiento que permite elaborar planchas para imprimir libros hechos de
cola y glicerina. Esta técnica, denominada hectografía, se convertirá muy
pronto en el procedimiento estándar empleado para imprimir normalmente
pequeñas tiradas.

Al pasar de los años, en 1871, el impresor Richard March Hoe perfeccionó la

prensa de bovina o papel continuo, lo que facilitaba la impresión de 18.000
periódicos a la hora.
En 1881, el muniqués Georg Meisenbach, obtuvo una patente referida a un

proceso fotográfico de impresión conocido como autotipia, basado en las
técnicas del heliograbado y en las propiedades que adquirían ciertas resinas a
través de la acción de la luz sobre ellas (palidecían, se oscurecían...). Aunque
se considera inventor de la autotipia al científico británico William Henry Fox
Talbot, en 1852.
En 1890, Max Levy introducirá diversas mejoras, consiguiendo una mayor

calidad en las imágenes (tramas más finas).
Imagen del libro de Phillips, B. Meg. Historia del diseño gráfico. Madrid: Trillas, 1990
En 1884, destaca un hito importante en la historia de la impresión: el invento de

la linotipia por parte del relojero alemán Ottmar Mergenthaler, basado en la
composición totalmente automatizada de los textos. La innovación consistía en
la posibilidad de poder escribir una a una las líneas del texto mediante un
teclado, en lugar de ir componiéndolas letra a letra con sus correspondientes
tipos de plomo manualmente. Así, una vez finalizada la composición de una
línea, se fundía el molde de impresión en negativo, con plomo líquido,
obteniéndose un sello de plomo para la impresión.

1.3. El Ascenso Del Diseño Editorial Y Publicitario
1. En Nueva York en el año 1817, los hermanos James (1795-1869) y John

(1797-1875) Harper, establecieron una imprenta. Sus hermanos menores
Wesley (1801-1870) y Fletcher (1807-1877) se unieron a la empresa en los
años 1823 y 1825 respectivamente.
Para mediados del siglo, Harper y Hnos. había llegado a ser la empresa
publicitaria e impresora más grande el mundo.
2. Durante la década del año 1840, Harper y Hnos. lanzó un proyecto

monumental que estaba destinado a convertirse en el máximo logro del diseño
gráfico y la producción de libros hasta la fecha en la historia del joven país, la
Nueva Biblia Pictórica e Iluminada de Harper.
3. Joseph A. Adams, inventó un procedimiento de electrotipia. Esto implicaba

ejercer presión sobre el grabado en madera dentro de cera, para hacer un
molde (el cual se espolvoreaba con grafito para hacerlo electroconductor,
fabricando luego un eletrodepósito de metal -generalmente cobre- dentro del
molde).
4. Thomas Nast (1840-1902) fue un precoz y talentoso artista se le conoce

como “El padre de las Caricaturas Políticas de los Estados Unidos”.
5. Edwin Austin Abbey (1852-1911) fue un experto en dibujos a pluma
6. Charles Dana Gibson (1867-1944) es el creador de bellas mujeres jóvenes y

hombres de mandíbula cuadrada que establecieron reglas de perfección en los
prototipos durante décadas.
7. Arthur B. Frost (1851-1928) llegó a ser querido por sus dibujos a pluma de
animales y campesinos americanos.
8. Howard Pyle (1853-1911): su trabajo y sus notables dotes como maestro lo

convirtieron en la fuerza más importante que lanzó la etapa conocida como “La
edad de Oro de la Ilustración Estadounidense”.
9. Uniendo las décadas del año 1890 hasta las del año 1940, se observa que,
en esta época, las comunicaciones visuales en Norteamérica quedaron bajo el
dominio del ilustrador.
10. La repercusión de la fotografía, la nueva herramienta de las

comunicaciones, sobre las ilustraciones gráficas puede ser rastreada en la
carrera de Pyle, la fotografía evolucionó con las nuevas tecnologías para la
reproducción
11. En el año 1893, Pyle logró otro avance cuando el iluistrador de 40 años
realizó su primera ilustración a dos colores.

12. En el año 1841, Volney Palmer de Filadelfia abrió la que se considera la

primera agencia de publicidad. Vendía espacio a los editores; la agencia de
publicidad como empresa de consulta con un conjunto de especialidades fue
promovida por otro agente de publicidad de Filadelfia, N.W. Ayer e hijo.
13. Ayer daba a sus clientes un contrato abierto que les permitía tener acceso a
los precios reales que cobraban las publicaciones.
En la década del año 1900 Ayer afirmó la idea de que una agencia de
publicidad debía proporcionar los servicios que los clientes no podían realizar y
que los editores no ofrecían. A fines de siglo, Ayer estaba bien encaminado
para ofrecer un espectro completo de servicios: redacción de textos
publicitarios, dirección de arte, producción y selección del medio.
1.4. Londres y Paris. Capitales del Diseño comercial del s. XIX
En 1814, se inaugura oficialmente la era de la mecanización de la industria de

la impresión incorporando la máquina semiautomática proyectada por el
alemán Friedrich Köenig, posteriormente surge la linotipia.
El uso de este nuevo proceso condujo a un cambio conceptual notable, ya que
la sustitución de las arcaicas prensas permitió la ampliación de los formatos de
papel a imprimir, con lo cual los papeles y las letras pudieron superar los límites
de los anteriores pequeños y estrechos formatos.
En este siglo, se crean las tipologías Finas, Negras y Supernegras (según el
grueso del palo), y las Estrechas o chupadas y Anchas (según el ojo de la
letra). Así mismo, se distinguen tres familias genuinas: las Egipcias, las
Antiguas, grotescas o góticas, y la escritura Inglesa.
Otro acontecimiento relevante fue la Revolución Industrial, la cual impulsó el
desarrollo del comercio. En lo que compete directamente al diseño gráfico,
Rowland Hill crea el sello de correos. Se asume la técnica del grabado
calcográfico como unidad estilística propia y aparece el billete con el uso del
papel moneda. La publicidad directa empieza a perfilarse como estrategia e
instrumento propagador y embellecedor, así surge otro elemento innovador: el
uso de la figura femenina como elemento simbólico de atracción.
1.5. Diseño de Modas
1.5.1. Origen del término
El diseño de modas es un arte que se dedica al diseño de ropa y accesorios.
El primer diseñador de modas fue Charles Frederick Worth (1826-1895) que

fue el primero en ponerle una etiqueta con su nombre a sus diseños. De hecho
el término “costurero” fue hecho para referirse a él. Charles tuvo muchísimo

éxito. Solo la ropa creada después de 1858 se puede considerar diseño de

modas.
Charles Frederick Worth (1826-1895)
1.5.2. Inicios de la Alta Costura
Fue durante este período que muchas casas de modas comenzaron a contratar
artistas para bosquejar o pintar diseños de prendas. Las imágenes por sí
mismas podían ser presentadas a los clientes de forma mucho más económica
que produciendo una prenda de muestra en el taller de trabajo. Si al cliente le
gustaba la prenda, ésta era ordenada y pagada. Por lo tanto, la tradición de
bocetos de prendas comenzó como un método de las casas de modas para
economizar.
En la década de 1850, surgieron los grandes almacenes, donde se

comercializaban productos a precios más asequibles; también, las revistas de
moda comenzaron a desempeñar un papel importante en el desarrollo de la
vestimenta; por último, la evolución de los transportes, con el consecuente
crecimiento de las exportaciones, logró una democratización en el vestir.
A comienzos de la década de 1850, surgió el miriñaque, una enagua con aros
metálicos (lo más habitual eran los hilos de acero), que sustituyó a la antigua
crinolina, realizada con crin de caballo. De este modo, las faldas se
ensancharon enormemente, y dieron paso, una década después, al polisón. En
este caso, se trataba de una prenda también interior que realzaba el volumen
en la parte trasera de la falda, que se rellenaba con materiales de distintos
tipos. La industria de la ropa interior evolucionó notablemente, llegando a la
creación del brassiére, el prototipo del moderno sujetador.

1.6. Diseño y arte del Impresionismo y Post- Impresionismo

La primera exposición presentada por un grupo de impresionistas tuvo lugar en
1874 y el nombre les fue aplicado con intención de ridiculizarlos, por los críticos
que no veían con buenos ojos el nuevo estilo. Los impresionistas querían
captar la cualidad de la luz y de la atmósfera en una hora particular del día a
través de las cuales se ven los objetos, pues su condición determina la
apariencia de estos. La posibilidad de retratar la luz en términos de la pintura
fue resultado del nuevo análisis científico de los colores. El fundamento de este
movimiento pictórico se centra sobre la base de que a nivel cerebral las
manchas separadas de color se unen; así, una mancha junto a otra azul, da por
resultado un color verde si se miran desde cierta distancia. Este principio lo
tomaron en cuenta los pintores impresionistas al realizar sus lienzos. La
combinación de colores puros ya no se hará sobre la paleta ni sobre la tela,
sino que será el cerebro del espectador el que los una para formar así las
figuras. Se consideran iniciadores de este movimiento a los artistas Claude
Monet y Edouard Manet; también, destacan Edgar Degas, Pierre August Renoir
y Camille Pizarro. El manejo de la luz es la característica primaria, a través del
estudio de ella se logrará verificar que un mismo paisaje se verá distinto de
acuerdo con la hora del día en que se pinte. A la par de los grupos
impresionistas, nace un nuevo grupo de pintores que logran perfeccionar las
técnicas y posibilidades colorísticas impuestas por este movimiento. Estos son
llamados Neoimpresionistas o Post-impresionistas. Destacan en este
movimiento Paul Cézanne, Gauguin, Vincent Van Gogh y Henri Toulouse
Lautrec.
Monet Painting in His Floating Studio

1874; Bayerische Staatsgemaldesammlungen, Munich

Bar at the Folis-Bergère de Édouard Manet
Autoretrato de Van Gogh

“"La Habitación de Arlés" de Vincent Van Gogh
Con Henri Labrouste, que construye la Biblioteca de Sainte Geneviève de

París, se concilian las dos orientaciones. Se trata del primer edificio público
construido con hierro fundido y hierro forjado desde los cimientos hasta la
cubierta. Sin embargo, aún se "enmascara" el edificio con fachadas de estilo
clásico; lo mismo sucede en su Biblioteca Nacional de París.
El Palacio de la Industria, de París (1855), construido también para una

exposición universal, supera con creces la obra de Paxton, pues tiene un
cuerpo central de 48 metros de luz. En 1889, sorprende la Galería de las
Máquinas, edificado así mismo para una construcción.
La obra más conocida de la construcción mecánica fue la Torre Eiffel. Al

contrario que otras torres, no fue desmontada y se ha convertido en un símbolo
con sus trescientos metros de altura, toda ella hecha con piezas prefabricadas
y con cálculos precisos relativos a la dilatación térmica y a la fuerza del viento.
La Escuela de Chicago
En los Estados Unidos se opta por una arquitectura utilitaria y racionalista. La

ciudad de Chicago fue destruida por un incendio en 1871, lo que obligó a
levantarla de nuevo. Se produjo una gran especulación sobre los solares, ya
que Chicago es una ciudad floreciente y ello suscita una gran demanda de
construcciones. La solución que se adopta es la construcción en vertical:

muchos pisos elevados sobre una planta reducida. Nace así el rascacielos,
cuya estructura será metálica y permitirá la ubicación de ascensores. El primer
rascacielos es de 1864.
La escuela de Chicago está integrada por un conjunto de arquitectos que

proponen soluciones similares: estructuras metálicas revestidas según la
función del edificio; las ventanas pueden ser tan grandes como se quiera y el
muro de carga deja de tener sentido. El representante más importante de la
escuela de Chicago es Louis Sullivan (Auditorio de Chicago).

Al igual que la etapa del origen del diseño de modas, tenía vigencia el
miriñaque, una enagua con aros metálicos (lo más habitual eran los hilos de
acero), que sustituyó a la antigua crinolina, realizada con crin de caballo. De
este modo, las faldas se ensancharon enormemente, y dieron paso, una
década después, al polisón. En este caso, se trataba de una prenda también
interior que realzaba el volumen en la parte trasera de la falda, que se
rellenaba con materiales de distintos tipos. La industria de la ropa interior
evolucionó notablemente, llegando a la creación del brassiére, el prototipo del
moderno sujetador.
1.7. El Cartel como Medio de Comunicación
Fue en las calles de las ciudades que crecían vertiginosamente al final del siglo
XIX donde se presentaron los carteles como una expresión de vida económica,
social y cultural, compitiendo por la atención de los compradores de las nuevas
mercancías y audiencias para las diversiones.
Los carteles llenos de colores, impresos en un actualizado sistema litográfico,

atrapaban la atención de los transeúntes. Las ilustraciones, ayudadas por el
texto, revelaban un contexto preciso, introduciendo una nueva estética de
imágenes simplificadas ordenadas por los medios de reproducción gráfica.
En su libro Introducción al diseño gráfico, Peter Bridgewater enfatiza la

influencia de Toulouse-Lautrec, al utilizar la litografía a gran escala, en el
desarrollo del diseño gráfico de los carteles: "Henri de Toulouse Lautrec (1864-
1901) influyó notablemente en la elaboración del cartel moderno (poster).
Entendía que los carteles eran un medio de comunicación con otras personas,
que se dirigía a cierta audiencia. Descubrió la importancia de trasladar su
trabajo a la imprenta, y aprovechó la litografía a gran escala. La tradición
clásica de la tipografía centrada, usando varias formas de letras, tuvo sus
orígenes en los letreros y en la caligrafía, pero hubo innovadores que estaban
preparados para desafiar los valores existentes, en busca de una forma de
comunicación más efectiva y original.
Los artistas de todo el mundo miraban París como la capital del arte mundial y
admiraban sus carteles. Sin embargo, Amsterdam, Bruselas, Berlín, Munich,

Budapest, Viena, Praga, Barcelona, Madrid, Milán y Nueva York también

nutrieron escuelas de artistas del cartel y brillantes diseñadores individuales.
Milán produjo el número más destacado de creadores de carteles, cuya
originalidad desafió a los de París.
Tolouse Lautrec. Historia de la pintura. “Guía esencial para conocer la historia del arte occidental". Wendy Beckett

Tolouse Lautrec. Historia de la pintura. “Guía esencial para conocer la historia del arte occidental". Wendy Beckett

1.8. El ART NOVEAU y el cambio de siglo
Dos décadas contemplaron (del año 1890 al año 1910, aprox.) el desarrollo de
un estilo decorativo que dejó huellas en todo el mundo.
El Art Nouveau es el “estilo de transición” que se desvió del historicismo que

dominó al diseño durante la mayor parte del siglo XIX. El historicismo es el uso
casi servil de las formas y los estilos del pasado, niega la invención de nuevas
formas para expresar el presente. Al reemplazar el historicismo por la
innovación, el Art Nouveau se convirtió en la fase inicial del movimiento
moderno. Preparó el camino del siglo XX al eliminar este espíritu decadente del
diseño.
El Art Nouveau estaba a menudo gobernado por y evolucionaba con- el diseño

del ornamento. Esto determinaba un principio nuevo del diseño: la decoración,
la estructura y la función propuesta están unificadas. Debido a que las formas y
las líneas del Art Nouveau eran a menudo inventadas en lugar de copiarse de
la naturaleza o del pasado, se logró una revitalización del proceso de diseño
que apuntaba hacia el arte abstracto.
Los diseñadores gráficos y los ilustradores del Art Nouveau trataron de hacer
del arte parte de la vida cotidiana; fueron capaces de mejorar significativamente
la calidad visual de las comunicaciones masivas.
El carácter internacional del Art Nouveau fue posible gracias a los avances de
la tecnología de la transportación y comunicaciones. La comunicación entre los
artistas de varias naciones, principalmente por intermedio de la imprenta,
permitió que sus trabajos y conceptos se conocieran recíprocamente.
La influencia de la pintura de fines de la década de 1880 que se encontraba

bajo el hechizo oriental fue muy importante. Las formas turbulentas de Vicent
Van Gogh (1853-1890), los colores uniformes y contornos orgánicos estilizados
de Paul Gauguin (1848-1903), y el trabajo del grupo Nabis de artistas jóvenes,
desempeñaron un papel fundamental. Los Nabis exploraron colores simbólicos

y modelos decorativos. Dedujeron que una pintura era, ante todo, un arreglo de
color de patrones bidimensionales.
Diseño de Alphonse Mucha

Estas portadas de Alphonse Mucha, con su inconfundible estilo lleno de curvas y suavidad gráfica, que tanto gustaron desde
finales del XIX, influyeron a tantos diseñadores, incluidos los "psicodélicos" de la década de los 60.

Aviso Seneguina
Aviso aparecido en la revista PBT, 1907, los ornamentos de carácter
vegetal y
su disposición espacial hacen referencia al estilo
Afiche Paris
Afiche para los cigarrillos "Paris" de Pio Collivadino (1902) (Satúe,
1988, pág. 417)

Vidriera Las Violetas

Cartel pintado en la vidriera de la confitería "Las Violetas",
de estructura ochocentista, ya se pueden observar búsquedas
tipográficas con elementos ornamentales cercanos al art nouveau
(1886) (Rev Raf n°3, pág.33)
Aviso La Brasileña

Aviso 43-70
Aviso de para los cigarrillos 43, estilo art nouveau en el uso de
tipografía dibujada y ornamentada, formas planas y líneas onduladas.
(Rev. Caras y Caretas, 1904)

Ya en el s. XIX, el Perú ingresaba a su etapa de independización y, en la

pintura, destacó el gran pintor José Gil de Castro.
Gil de Castro es considerado un artista de transición, entre la Colonia y la

República. Por su labor retratística tuvo la posibilidad de viajar a Chile y
Argentina, realizando importantes encargos en estos países. En cuanto a su
formación artística, se tejen muchas versiones: que fue un pintor autodidacta, o
que perteneció a la Academia de Dibujo y Pintura (Cátedra de San Fernando),
fundada por el Virrey Abascal en 1808 (y cuya dirección fue encomendada al
pintor quiteno Javier Cortés) o que quizá fue discípulo de algún pintor de
renombre como José del Pozo o Julián Jayo. A continuación, se presentan dos
retratos de Simón Bolívar.

Retratos del libertador Bolívar

Retrato de San martín
Retrato idealizado de José Olaya

Otro gran personaje del s. XIX es sin duda el gran acuarelista Pancho Fierro.
Aunque no acostumbraba a firmar sus acuarelas, su nombre ha definido un

estilo y una inspiración inconfundibles. Se calcula que llegó a pintar,
aproximadamente, 1200 escenas de la vida limeña, las cuales ofrecería a la
venta a través de la casa "Ricordi" y contaron con la demanda de los
aficionados y entendidos del tema. Inclusive, existieron otros artistas que las
imitaron o plagiaron. La colección más conocida fue tomada por el literato
Ricardo Palma, cuyos herederos la entregaron a la Municipalidad de Lima, y es
la que en la actualidad se encuentra expuesta en el Museo de Arte de Lima.
Posible retrato de Pancho Fierro

Fuente: Sabogal, José, |Pancho Fierro, Lima, s. f.
Fuente: Sabogal, José, |Pancho Fierro, Lima, s. f

Fuente: Sabogal, José, |Pancho Fierro, Lima, s. f

Resumen
En esta unidad continuamos, en el proceso de la historia. Hemos revisado el

diseño Neoclasicista, el Romanticismo, el origen de la prensa a vapor, el diseño
editorial y publicitario, las Capitales del Diseño Comercial, el período
Impresionista y Post- impresionista, el Cartel como medio de comunicación y el
Art NOVEAU desde diversos puntos de vista estéticos como lo son la pintura y
su arte, su diseño arquitectónico, de interiores y su diseño de vestuario.
historia. En la época de La República, destacaron muchos pintores entre los
que figuran José Gil de Castro y el acuarelista Pancho Fierro, testimonios
artísticos vitales.
Sabogal, José, Pancho Fierro, Lima, s. f.

READ, Herbert. Las Bellas Artes. Vol. 1. Editorial Cumbre S.A. México. 1981. 316 pp.
Basadre Jorge, Historia de la República del Perú, tomo I, Lima, P. L Villanueva, 1964.

ACTIVIDADES
puntos de vista.
Los alumnos analizan la Historia del Diseño a través de los diferentes textos e
imágenes y se generan grupos de trabajo que interactuarán entre sí, con diversas
dinámicas y diseño de piezas gráficas basadas en los temas de cada sesión.
BIBLIOGRAFIA GENERAL
Sabogal, José, Pancho Fierro, Lima, s. f.
READ, Herbert. Las Bellas Artes. Vol. 1. Editorial Cumbre S.A. México. 1981. 316 pp.
Basadre Jorge, Historia de la República del Perú, tomo I, Lima, P. L Villanueva, 1964.
Vargas Ugarte, Ruben . Historia General del Perú. Lima: Milla Batres, 1971
Ernest Gombrich.La historia del arte. Alianza Editorial, S.A., 1ª Edición 1972 (15ª Edición 1989), Madrid,
España
James Laver Breve historia del traje y la moda. Ediciones cátedra.
Wendy Beckett
Bonavia, D.
Perú. Hombre e historia. De los orígenes al siglo XV. Vol. I. Lima: Edubanco. 1991.

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Unidad de aprendizaje 1: La Historia. Arte y Diseño. 9

Tema 1 : Diseño y arte en la antigüedad

1.1 Diseño y Arte Rupestre

1.2 Diseño y Arte Antiguo (Arte Egipcio y Mesopotámico)

Tema 2 : Diseño en Grecia y Roma

1. 1 Diseño y Arte Griego

1.2 Diseño y Arte Romano

1.3 Diseño y arte peruano

Tema 3: Exposiciones grupales. Primera evaluación contInua

Unidad de aprendizaje 2: Diseño y Arte en la Edad Media 35

1.1 Diseño y Arte paleocristiano

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1.1.2 Arquitectura y diseño de interiores.

1.2 Diseño y Arte Bizantino

Tema 5 : Exposiciones grupales. Segunda evaluación continua

Tema 6 : Diseño Románico y Gótico

1.1 Diseño y Arte Románico

1.1.1 Diseño e imagen

1.2 Diseño y Arte Gótico

1.3 Diseño y arte peruano

1.1. Examen Parcial de teoría

Unidad de aprendizaje 3: Diseño y Arte en la Edad Moderna 53

1.1 Diseño y Arte Renacentista

1.2. Origen de la Imprenta

Tema 9: El Barroco y Rococó

1.1 Diseño y Arte Barroco y Rococó

1.1.1 Diseño e imagen

CIBERTEC CARRERAS PROFESIONALES

Tema 10: La Revolución industrial

1.1 La Revolución industrial (1,750 – principios del s.XIX)

1.1.1 Diseño Industrial

1.2 El Desarrollo de la Litografía

1.3 Diseño y arte peruano

Tema 11: Exposiciones grupales. Tercera evaluación contInua

Unidad de aprendizaje 4: Diseño y Arte en el s.XIX 77

Tema 12: Diseño y arte en el s. XIX ( Inicio)

1.1 Diseño y Arte del Neoclasicismo y Romanticismo

1.1.1 Diseño e imagen

1.2 Koening y la prensa a vapor

1.3. El ascenso del Diseño Editorial y publicitario

Tema 13: Diseño y arte en el s. XIX ( Intermedio)

1.1 Londres y Paris. Capitales del Diseño comercial del s. XIX

1.2 Diseño de Modas

1.2.1 Origen del termino

Tema 14 : Exposiciones grupales. Cuarta evaluación contInua

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Tema 15 : Diseño y arte en el s. XIX ( Fin de siglo)

1.1. Períodos del Impresionismo y Post- impresionismo

1.1.1 Diseño e imagen

1.2 El Cartel como medio de Comunicación

Temario (Sesión 17)

1.1. Examen final

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El curso de Historia del Diseño I pertenece a la línea de Teoría del Diseño y se

El manual para el curso ha sido diseñado bajo la modalidad de unidades de

El curso se desarrolla a través de sesiones expositivas con alta participación y

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Historia del Diseño I

Inicios del Diseño y arte

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