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Música del Barroco

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Historia de la música

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Música contemporánea
Paleografía musical
Véase también: Portal:Música

Música barroca

Orígenes Música renacentista tardía (1550-1620)


musicales

Orígenes Barroco europeo


culturales

Instrumentos Clave, órgano, violín, viola, viola da


comunes gamba, laúd, fagot, violonchelo, flauta,
oboe

Popularidad siglo XVII y primera mitad del XVIII

Fusiones
Neoclasicismo europeo del siglo XX

La música del periodo barroco es el estilo musical, relacionado con la época cultural
europea homónima, que abarca desde el nacimiento de la ópera en el siglo XVII
(aproximadamente en 1600) hasta la mitad del siglo XVIII (aproximadamente hasta la
muerte de Johann Sebastian Bach, en 1750).

Contenido
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 1 Origen del término


 2 Características generales
o 2.1 Textura
o 2.2 Estética y nuevas formas
 3 Periodización y evolución
o 3.1 El Barroco temprano (1580-1630)
o 3.2 El Barroco medio (1630-1680)
o 3.3 El Barroco tardío (1680-1730)
o 3.4 La transición al Clasicismo (1730-1750)
 4 Los géneros y las formas
o 4.1 Los géneros vocales
 4.1.1 La ópera
 4.1.2 El oratorio
 4.1.3 La cantata
 4.1.4 El motete
o 4.2 Los géneros instrumentales
 4.2.1 El auge de la música instrumental
 4.2.2 Sonata
 4.2.2.1 La triosonata o sonata en trío
 4.2.3 El concerto grosso
 4.2.4 Preludios, tocatas, fantasías y fugas
 4.2.5 La suite
 5 Los compositores y sus países
o 5.1 Italia
o 5.2 Alemania
o 5.3 Inglaterra
o 5.4 Francia
o 5.5 España
 6 Obras destacadas del Barroco
 7 Intérpretes contemporáneos de música barroca
 8 Véase también
 9 Enlaces externos
Origen del término
El término barroco se tomó de la arquitectura (donde designaba algo «retorcido», una
construcción «pesada, elaborada, envuelta», siendo el significado original del término un
lusismo que describía una perla deformada o joya falsa). En el siglo XVIII se usó en
sentido peyorativo para describir las características del género musical del siglo anterior,
que se consideraba «tosco, extraño, áspero y anticuado».

Características generales
Se trata de una de las épocas musicales más largas y fecundas de la música occidental. Sus
características más definitorias son el uso del bajo continuo (que facilitó el desarrollo de la
armonía tonal, a diferencia de la anterior, modal) y el gusto por los fuertes contrastes
sonoros (entre coros, entre familias instrumentales o entre solista y orquesta), materializado
en la policoralidad y el «estilo concertante». Este gusto por el contraste y algunas otras de
sus características son compartidas por el movimiento homónimo en las artes plásticas:
profusión en el uso de ornamentación, teatralidad, dramatismo, utilización como medio
para la pompa y esplendor en los espectáculos públicos, etc.

Textura

Durante el Barroco los músicos siguen cultivando texturas a cuatro y cinco voces heredadas
del Renacimiento (polifonía imitativa, homofonía...), pero las voces de dichas obras no son
ya de similar importancia, sino que se destacan la voz superior y el bajo, abreviándose la
escritura de las intermedias en el llamado bajo continuo; esta textura suele llamarse bipolar
o de monodía acompañada.

La aparición de la monodía acompañada fue precipitada por la creación del estilo vocal
recitativo, en el cual el ritmo de la palabra determina el discurso melódico -La música ha de
ser sirviente de la poesía-, quedando reducido el acompañamiento a meros acordes.

Estética y nuevas formas

En esta época se desarrollan como nuevas formas la sonata, el concerto grosso, la ópera, el
oratorio y el ballet francés, y se vive además un auge de la música instrumental pura, es
decir, sin relación con consideraciones ideológicas que se deriven de un texto, o
funcionales como en el caso de la música de danza.

A diferencia de épocas anteriores, la música sacra y la música profana conviven


armoniosamente, formando parte de la profesión musical. La mayor permisividad estética
lleva a que la interpretación musical tienda a enriquecer las partes mediante una profusión
de ornamentos y recursos expresivos. Una característica importante fue que los detalles del
arte en el Barroco no se aplicaron a la música. Se buscó en un principio desechar las
complicadas líneas melódicas de la polifonía renacentista para dar lugar a la homofonía
(más tarde la polifonía recuperará con Bach todo el esplendor que la había caracterizado),
dando de esta manera más fortaleza y protagonismo al texto, pues la música giraba en torno
a una sola melodía bien formada y acompañada por acordes, para que fuera "entendible" el
texto. Esto fue debido en gran parte a la corriente humanista.

Tienen gran importancia la teoría de los afectos, que considera a la música como creadora
de emociones, y la retórica, que transfiere conceptos de la oratoria tradicional a la
composición del discurso musical del Barroco.

Finalmente, cabe señalar que la música en esta época estaba abierta a cambios y
adaptaciones. Muchos compositores creaban nuevas obras adaptando o reescribiendo con
algunas modificaciones partituras anteriores, siendo estos cambios en la misma partitura o
en las combinaciones de instrumentos. En la música vocal, los cantantes tenían varias
partes donde podían improvisar.

Periodización y evolución
El Barroco temprano (1580-1630)

Desde las últimas décadas del siglo XVI se inició la disolución del antiguo estilo polifónico
renacentista, caracterizado por una textura polifónica imitativa homogénea. Dos fueron las
novedades principales:

- La policoralidad, típica de la música religiosa de la escuela veneciana (Giovanni


Gabrieli), consistente en la alternancia entre diversos grupos vocales o instrumentales
situados en diversas ubicaciones (cori spezzati, típicos de la Basílica de San Marcos). Una
evolución natural de la policoralidad fue el estilo concertante, en el que se contrastan
instrumentos contra voces (como en los concerti ecclesiastici), o solistas contra el conjunto
general.

- La monodía acompañada, en la que una sola voz aguda concentra todo el interés musical.
Su acompañamiento instrumental suele escribirse en forma taquigráfica en forma de bajo
continuo, consistente en una línea de bajo más unas cifras que indican los acordes con que
se rellenan las faltantes voces intermedias. La Camerata Florentina y la aparición de la
ópera fueron decisivas en la difusión de esta monodía acompañada.

Alrededor del año 1600 se destaca en la historia de la música un compositor de inusual


talento: Claudio Monteverdi. Fue un maestro de los dos estilos entonces preponderantes: la
prima prattica (el polifónico género madrigal) y la seconda prattica o recitativo de la
música vocal solista (un subgénero de la monodia acompañada, esto es, una o varias voces
solistas y bajo continuo). Compuso una de sus obras más famosas, el "Lamento d'Arianna",
tanto en versión polifónica como en versión para solista y bajo continuo. Monteverdi sería
el máximo representante de la recién creada ópera en aquella época. En esta época
comenzaría a tener éxito en varios países, excepto en Inglaterra, debido a la proclamada
"guerra contra los espectáculos". En paralelo a la profana ópera se desarrolló el oratorio,
religioso, gracias a San Felipe Neri.
El Barroco medio (1630-1680)

El éxito internacional de la música italiana en general y de la ópera en particular expandió


por toda Europa (Alemania, Austria, Inglaterra, España...) los recursos de la monodía y del
estilo concertante. Mientras tanto, en Italia autores como Cesti, Francesco Cavalli y Luigi
Rossi suavizaban la dureza del estilo monódico original para desarrollar la ópera
belcantista, en la que se separaban ya claramente recitativos y arias. La ópera francesa (bajo
diversos nombres) comenzó su despegue en la corte de Luis XIV, en el mismo tiempo y
lugar en que la familia Hotteterre desarrollaba los nuevos instrumentos de madera barrocos
(oboe, fagot, flautas travesera y de pico...) y en que se fijaba la suite instrumental francesa.

En esta época sobresalieron, entre otros compositores, Jean-Baptiste Lully (1632-1687) y


Henry Purcell (1659 - 1695), en Francia e Inglaterra respectivamente, y su contemporáneo
alemán Johann Pachelbel (1653 - 1706).

El Barroco tardío (1680-1730)

El Barroco tardío se sitúa aproximadamente entre 1680 y 1730. Una vez más es Italia el
país que marcó las tendencias innovadoras, entre cuyos rasgos más notables están:

- La plena adopción de las fórmulas tonales, a partir de la escuela boloñesa (Torelli,


Stradella) y más tarde Corelli: cadencias frecuentes y muy claras como marco formal,
progresiones con movimiento de quintas, cadenas de retardos, acordes paralelos de sexta...

- La extensión del estilo de concierto, aplicado a la ópera y a la música instrumental: uso de


ritornelos, contrastes entre tutti y solo, bajos de gran empuje rítmico, pasajes en unísono,
homofonía gobernada por el bajo continuo...

La enorme influencia de Corelli llevó el estilo italiano a toda Europa. En Francia desplazó
incluso a la fortísima tradición musical local originada en Lully, no sin grandes resistencias
(hasta la tardía querella de los bufones), y en Inglaterra fueron directamente sus discípulos,
como Francesco Geminiani, los autores más influyentes. Autores alemanes de primer nivel
como Bach, Telemann y Händel estudiaron e imitaron el estilo italiano.

Los compositores barrocos cuya música está actualmente más difundida pertenecen a la
generación nacida en torno a 1685: Antonio Vivaldi en Italia, Georg Friedrich Händel en
Inglaterra, Johann Sebastian Bach y Georg Philipp Telemann en Alemania, Jean Philippe
Rameau en Francia y Domenico Scarlatti, español de adopción.

La transición al Clasicismo (1730-1750)

A finales del Barroco hay varias tendencias estéticas: el estilo galante francés desde 1730,
el desarrollo en Italia de la ópera buffa, la sonata y la sinfonía, y el estilo sentimental
(Empfindsamer Stil) alemán; ellos conforman una suerte de preclasicismo. Carl Philipp
Emanuel Bach (1714-1788), uno de los hijos de Johann Sebastian, es considerado el padre
de la sonata clásica.
Los géneros y las formas
En los géneros del Barroco ya se percata una clara división en géneros instrumentales y
géneros vocales. En el ámbito vocal, junto con formas antiguas del motete y la misa, se
crean tres importantes géneros que supondrán una época dorada en este campo: la cantata,
la ópera y el oratorio, siendo la ópera el género vocal nuevo más importante del Barroco y
uno de los de la música académica.

En esta época, los géneros instrumentales alcanzan su madurez y se crean formas


instrumentales como la sonata, el concierto y la suite, de gran trascendencia posterior.

Los géneros vocales

La ópera

Las corrientes humanistas buscaban una puesta al día del antiguo teatro griego, en
particular el grupo conocido como Camerata Florentina, basándose al mismo tiempo en
formas musicales recientes, como el drama litúrgico, el drama pastoral, las comedias
madrigalescas con figuras de la commedia dell'arte y los intermezzi teatrales. Les
interesaba sobre todo la antigua monodia helénica con acompañamiento de khitara.
Vincenzo Galilei, padre de Galileo el astrónomo, escribió en 1581 un tratado contra el
género musical polifónico neerlandés bajo el título Dialogo della Música Antica e della
Moderna. Los géneros musicales recitativo, espressivo y representativo llevan a nuevas
libertades en los medios sonoros empleados en las composiciones (disonancias y
modulaciones).

Entre las primeras óperas conservadas se cuentan Dafne de Jacopo Peri, cuyo tema fue
tomado de Las metamorfosis de Ovidio, Eurídice, también de Jacopo Peri y Orfeo de
Claudio Monteverdi.

La evolución posterior y su fusión con otras formas músico-teatrales acabó convirtiendo a


la ópera barroca en una representación teatral íntegramente musicada en la que se suceden
números de cuatro tipos:

- Recitativos, en los que los cantantes hacen avanzar los diálogos de la obra dramática en
un canto silábico apenas acompañado por el bajo continuo.

- Arias, verdadero núcleo musical de la ópera. Son números solísticos líricos y muy
elaborados, a menudo virtuosos, al servicio del lucimiento del cantante y del puro deleite
musical (aun a costa del decurso teatral, aquí suspendido). Hacia el final del periodo se
impuso la forma A-B-A, llamada aria da capo.

- Números instrumentales ejecutados por la orquesta desde el foso, como la sinfonía inicial
y, sobre todo, las danzas bailadas en escena.

- Coros, generalmente a cuatro voces.


El oratorio

Artículo principal: Oratorio.

Musicalmente casi idéntico a la ópera (aunque con más énfasis en los coros), solía tener una
temática religiosa y no era representado escénicamente (esto es, era ejecutado al modo de
las actuales "versiones de concierto"). A diferencia de la ópera, casi siempre en italiano, los
oratorios solían escribirse en lengua vernácula. El más famoso ejemplo es El Mesías, de
Händel.

La cantata

Artículo principal: Cantata.

La asunción de la monodia, el recitativo y el estilo concertante por la música de iglesia dio


lugar a una nueva forma musical, la cantata, obra de uso litúrgico que intercalaba sinfonías
instrumentales, recitativos, arias y coros. Se escribieron también cantatas profanas de
cámara, como la muy conocida Cantata del café de Bach.

El motete

El motete es una forma musical ya marginal en el Barroco. La denominación se reserva


para ciertas composiciones religiosas corales escritas a varias voces iguales, frecuentemente
en un estilo obsoleto. En el siglo XVII mantuvo cierta vigencia en Alemania e Italia, y en el
XVIII aún se usaba a veces la palabra para designar algunas cantatas de estilo concertante.

Los géneros instrumentales

El auge de la música instrumental

Este periodo vio aparecer la orquesta en el sentido moderno del término, y conoció la
transformación de los instrumentos renacentistas hacia modelos dinámicamente más
flexibles. Nacida durante el siglo XVI, la familia del violín (violines, violas, violonchelos)
alcanzó su grado máximo de perfección constructiva en el XVII, hasta el punto de que
entonces quedaron fijados los modelos que, en lo fundamental, han sido reproducidos
durante los trescientos años siguientes, gracias a la labor de familias de artesanos como los
Stradivari y los Amati. Paralelamente a ella sobrevivió a pleno rendimiento la fabricación
de violas da gamba, extinguidas sin embargo hacia el final del periodo. Los instrumentos de
madera fueron radicalmente transformados por la familia Hotteterre en la corte francesa de
Versalles, apareciendo entonces el oboe, el fagot y la flauta travesera barroca.

La música instrumental, que en la época anterior dio el primer asomo en la música


académica, tiene un auge sin precedentes en los siglos XVII-XVIII; por primera vez en la
historia, la música vocal e instrumental están en plena igualdad. La música instrumental
alcanzó su madurez: hay un gran florecimiento en géneros, técnicas, intérpretes y
compositores que se acercaban a un profundo conocimiento de los instrumentos.
El cultivo de la música puramente instrumental llevó a un importante desarrollo de la
técnica, al servicio de una fuerte expresión emocional. Se destacó el caso del violinista
Arcangelo Corelli quien, según el testimonio de François Raguenet, cuando tocaba en
público "perdía el dominio de sí mismo", tenía los ojos enrojecidos y, pese a todo esto,
lograba expresarse a la perfección.

Sonata

Al igual que la palabra cantata designaba una composición para canto solista y bajo
continuo, la palabra sonata designa en el Barroco una composición para uno o dos
instrumentos de cuerda o viento (violín, flauta travesera, oboe...) y bajo continuo, dividida
en tres o cuatro movimientos de carácter contrastante, habitualmente allegro-adagio-
allegro (sonata da camera) o adagio-allegro-adagio-allegro (sonata da chiesa). Derivó de
la canzona del Barroco temprano; la alternancia contrastante de movimientos sucesivos es
paralela a la de la suite. Entre los más célebres autores de sonatas están Corelli, Vivaldi y
Bach.

A mediados del siglo XVIII la palabra sonata designa también obras para tecla, tales como
las más de quinientas sonatas para clave de Domenico Scarlatti.

La triosonata o sonata en trío

La heredera del género polifónico renacentista y la principal forma de cámara del Barroco
es una sonata para dos instrumentos agudos (frecuentemente violines), uno bajo, y el
continuo, (el clavecín en la sonata da camera y el órgano en la sonata da chiesa) que era el
encargado de completar las armonías, de modo que la triosonata requiere cuatro
ejecutantes, pues la línea del bajo era interpretada por la viola de gamba, el bajón o un
instrumento similar y el continuo doblaba esta línea y realizaba el "relleno armónico". Se
destacan las obras de Corelli, Pergolesi, Sammartini, Händel, Buxtehude y Bach.

El concerto grosso

A mediados del siglo XVII se convierte en el género instrumental más típico de la época. A
diferencia de la música de cámara, cada parte es ejecutada por más de un instrumento,
como ocurre típicamente en la orquesta. La ejecución a tutti alterna con pasajes a soli a la
manera de la triosonata.

Importantes centros del género instrumental concertante son Módena, Bolonia y Venecia.

Preludios, tocatas, fantasías y fugas

Los preludios, fantasías o tocatas son piezas para un instrumento solista (generalmente de
teclado) de carácter improvisatorio, y como tales de ornamentación cargada, forma
indefinida y textura variable. Solían ir seguidos de una fuga (a 2, 3, 4 ó 5 voces).

Una fuga a dos voces significa que hay una voz con una célula (uno o dos compases) que
crea un motivo (una melodía) y al cabo de un tiempo la otra voz lo imita. Una vez imitado,
transpone (cambia de tonalidad), hace alguna variación o crea unas falsas repeticiones
conocidas como puentes o colas (repetición de la célula sin hacer el motivo completo, sino
que simplemente se repite la célula para cambiar, en la mayoría de los casos, de tonalidad).
Si una fuga es a tres voces, pasa lo mismo, pero el motivo debe de repetirse tres veces (en
voces distintas) y así sucesivamente (si es a cuatro voces, cuatro veces se verá el motivo...).

La suite

Una suite es un conjunto de movimientos o piezas de danza agrupados.

La suite habitualmente tenía seis partes:

 Allemande: danza alemana de compás cuaternario y tempo moderado.


 Courante: movimiento que generalmente es un poco más rápido que el anterior, de
compás ternario y frecuentes hemiolias.
 Zarabanda: danza lenta de compás ternario que acentúa característicamente su
segundo pulso, de origen español.
 Giga: danza rápida en diversos compases de subdivisión ternaria, de origen
irlandés.
 Minué: obra parecida a un vals. La suite suele contener dos minués emparejados.
 Rondó: pequeña obra basada en la repetición de un tema (A), con intrusiones de (B,
C, D, etc.).

La música de las suites suele ser aristocrática, vigorosamente rítmica y melódicamente rica,
uniendo la variedad y decoro italianos a la gravedad alemana.

Los compositores y sus países


En esta época, el compositor y/o músico no es considerado un artista como más adelante se
le vería, sino que su imagen yace al nivel de un artesano o siervo. Este no gozaba de tanta
libertad creativa, sino que su obra estaba adherida a la necesidad de satisfacer a un noble o
mecenas. Ya para el Barroco tardío, la producción musical comienza a innovarse y a
proponer nuevas formas.

Italia

Giovanni Gabrieli (1555-1612) es el principal exponente del Barroco temprano. Su música


contiene ya los estilos esenciales de la nueva época estética.

Claudio Monteverdi (1567-1643) es el primer gran compositor del Barroco que inauguró el
nuevo género operístico en Italia y Europa. Girolamo Frescobaldi (1578-1643) tuvo gran
importancia en el desarrollo de la música para teclado, en particular por sus Toccatas para
clavecín. A mediados de siglo, sobresale Giovanni Legrenzi (1626-1690).
Arcangelo Corelli (1658-1711), Giuseppe Torelli y Alessandro Scarlatti (1660-1725) son
los que dominan la escena nacional de la segunda mitad del siglo XVII hasta principios del
siglo XVIII.

Ya en la primera mitad del siglo XVIII, Antonio Vivaldi (1678-1741), Tomaso Albinoni
(1671-1751), Domenico Scarlatti (1685-1757) y Giuseppe Tartini (1692-1770) son los que
más sobresalen, representando la cumbre y el ocaso barroco de su país.

Alemania

La obra de Bach está considerada la cumbre de la música barroca, cuyas "Pasión según San
Mateo" y el "Clave bien temperado" son cimas de la música occidental.

El Barroco alemán empezó con la figura de Heinrich Schütz (1585-1672), llamado el padre
de la música alemana, el más notable en la primera mitad del siglo XVII alemán. Johann
Hermann Schein (1586-1630), Samuel Scheidt (1587-1654) y Michael Praetorius (1571-
1621), contemporáneos de Heinrich Schütz, también son bastante notables en esta época.

En la segunda mitad del siglo XVII, Dietrich Buxtehude (1637-1707) es el más


sobresaliente, siendo en 1705 visitado por un joven Bach. Johann Pachelbel (1653-1706),
Johann Jakob Froberger (1616-67) y Georg Muffat (1653-1704) destacan asimismo.

Al cabo entre los siglos XVII y XVIII, Johann Kuhnau (1660-1722), Johann Joseph Fux
(1660-1741), Johann Caspar Ferdinand Fischer (c. 1665-1746) y Georg Böhm (1661-1733)
son los más prominentes.

El Barroco musical llegó a su máxima madurez y esplendor en la primera mitad del siglo
XVIII con uno de los compositores más importantes de la música universal, Johann
Sebastian Bach (1685-1750), que agotó todas las posibilidades de la música barroca. Su
obra es la cumbre y ocaso de la música barroca, y marca el fin del periodo en Alemania y
en Europa.
Reinhard Keiser (1674-1739), Johann Mattheson (1681-1764), Johann Adolph Hasse
(1699-1783) y Carl Heinrich Graun (1703-59) junto con un joven Händel (1685-1759) -
hasta que en 1712 se fue a Inglaterra- son los más destacables junto con Bach.

Georg Philipp Telemann (1681-1767), junto con Bach, es el músico más importante del
Barroco tardío alemán, y marca igualmente el inicio de la transición de la música barroca
hacia la música clásica de la segunda mitad del siglo XVIII en su país.

Inglaterra

En Inglaterra el Barroco tarda en desarrollarse hasta la restauración de 1660, siendo John


Blow (1649-1708) y su alumno Henry Purcell (1659-95) los más destacados e influyentes
en la segunda mitad del siglo XVII.

En la primera mitad del siglo XVIII, Georg Friedrich Händel (1685-1759), desde su llegada
en 1712 al país, es el más importante, destacado e influyente, siendo la cumbre del Barroco
inglés y, junto con Bach, el más importante del Barroco tardío.

Después de Händel, la música inglesa vive un periodo de ocaso, aunque a mediados del
siglo XVIII destacan Thomas Augustine Arne (1710-78) y William Boyce (1711-79),
poniendo el punto final al Barroco inglés.

Francia

El género se consolida con Jean-Baptiste Lully (1632-87), un italiano de nacimiento, que


introduce la ópera en Francia, siendo el más importante compositor nacional del siglo XVII
en ese país. También sobresale en el mismo siglo Marc Antoine Charpentier (1640-1703),
siendo el máximo rival de Lully.

Al cabo de los siglos XVII y XVIII, François Couperin (1668-1733) es el más importante,
siendo una de las cumbres del Barroco francés. Louis Marchand (1669-1732) también
destaca, teniendo en 1717 un duelo musical con Bach.

Jean-Philippe Rameau (1683-1764) es, junto con Couperin, la cumbre barroca nacional y el
cenit del género francés barroco en la primera mitad del siglo XVIII, siendo en los últimos
años testigo del cambio del Barroco al Clasicismo en su país.

España

En España sobresalieron Gaspar Sanz, Juan Cabanilles, Antonio de Literes, el Padre Soler,
Juan Hidalgo, Sebastián Durón, José Marín, José de Nebra, Francisco Corselli, José de
Torres, Jaime Facco, Joaquín García de Antonio y Tomás de Torrejón y Velasco.

Por entonces vivieron en España, donde compusieron la mayor parte de sus obras, los
italianos Domenico Scarlatti y Luigi Boccherini. Fue muy importante la actividad musical
durante el reinado de Fernando VI, un gran amante de este arte. Por otro lado, la ópera no
fue asimilada sino hasta el siglo XVIII. En su lugar se llevaron a cabo las zarzuelas.

En las colonias españolas en América también hubo actividad musical, principalmente en


Perú con compositores -como el milanés Roque Ceruti-, Juan de Araujo, José de Orejón y
Aparicio cantantes, instrumentistas. Mucha de esta música aún se conserva y ejecuta.

Obras destacadas del Barroco


Obras destacadas del Barroco
Año Obra Compositor
1607 Orfeo (ópera) Claudio Monteverdi
1635 Fiori musicali Girolamo Frescobaldi
16-- Daniele Giacomo Carissimi
1640 Selva morale e spirituale Claudio Monteverdi
1629-44 Symphoniae Sacrae Heinrich Schütz
1666 Pasión según san Mateo Heinrich Schütz
1680 c. Canon Johann Pachelbel
1685 Rolando (ópera) Jean-Baptiste Lully
1689 Dido y Eneas Henry Purcell
1699 Hexacordum apollinis Johann Pachelbel
1700 Sonatas para violín y bajo continuo op. 5 Arcangelo Corelli
1717 Música acuática Georg Friedrich Händel
1722 Conciertos de Brandenburgo Johann Sebastian Bach
1722-44 El clave bien temperado Johann Sebastian Bach
1724 Giulio Cesare Georg Friedrich Händel
1725 Las cuatro estaciones Antonio Vivaldi
1727 Pasión según San Mateo Johann Sebastian Bach
1706-28 3 libros de suites Jean-Philippe Rameau
1713-30 4 libros de órdenes François Couperin
1733 Música para la mesa Georg Philipp Telemann
1738 Ejercicios para clavicémbalo Domenico Scarlatti
1742 El Mesías Georg Friedrich Händel
1749 Música para los reales fuegos de artificio Georg Friedrich Händel
1749-50 El arte de la fuga Johann Sebastian Bach
1728-1750 Misa en si menor Johann Sebastian Bach
1762 El juicio final Georg Philipp Telemann

Intérpretes contemporáneos de música barroca


En la actualidad la música barroca es interpretada por un gran número de conjuntos
musicales en todo el mundo, incluyendo aquellas que ejecutan una amplia variedad de
música clásica; existen, sin embargo, conjuntos que se han especializado en música de este
periodo.

Una de las principales características de estos grupos es que buscan rescatar estilos de
interpretación e instrumentos propios de la época barroca. Utilizan afinaciones distintas a
las empleadas por las orquestas sinfónicas actuales, así como tempos y ritmos poco
ortodoxos respecto al canon que ha imperado desde finales del siglo XIX en Occidente.

El barroco musical
Contenido
 1 Características del Barroco musical
 2 Características de la música religiosa en el Barroco
 3 Características de la música profana en el Barroco
 4 Instrumentos del Barroco

Características del Barroco musical


El barroco musical se desarrolla desde el siglo XVII, con la aparición de la primera ópera,
hasta la muerte de Johann Sebastian Bach en 1750. Su nombre procede del portugués
barrueco que significa perla grande e irregular. En esta época el poder real se fortalece
debido a la creación de la monarquía absolutista. La sociedad se dividía en privilegiados y
no privilegiados.

Los hombres ricos y poderosos, usaban la música para mostrar su superioridad al pueblo .
La música entonces se vuelve indispensable para cualquier actividad. El músico pasa a ser
un sirviente más de los que acompañaban a los nobles y les componian canciones. En el
Barroco surgen los llamados castrati. También consiguieron gran popularidad los
instrumentistas, los cuales inventaron el muermo,una manera muy particular y difícil de
interpretar la música, debido a su velocidad y complejidad. La música más importante de
esta época es la profana, en la que destaca como una de sus formas la opera. En las formas
religiosas destaca el oratorio, la Cantata y la Pasión.

Características de la música religiosa en el Barroco


El desarrollo de la música instrumental fue debido a las compositivas. Hubo una gran
proliferación de la música para el aburrimiento de las sociedades pobres. Se crean formas
como el Concerto la Suite y la Sonata. Todo llevaría a la organización de la orquesta. Por
tanto los instrumentos se perfeccionaron en todos los sentidos. En este período surgieron
grandes constructores de instrumentos, como es el caso de Stradivarius. Estos son
considerados obras de arte y están protegidos como tesoros. Cada uno de estos violines
puede llegar a costar 500.000 €, e incluso si fueron tocados por algún gran artista pueden
llegar a superar el 1.000.000 €.

Características de la música profana en el Barroco


La ópera fue una de las formas más destacadas del Barroco y tuvo gran influencia sobre el
resto de las formas vocales. En ella se concentran elementos como el teatro, la orquesta, los
coros, etc. La ópera nació en Florencia en el siglo XVII (1600) alrededor de un grupo de
intelectuales llamados Camerata Florentina. La primera ópera de la que se tiene constancia
es la ópera "Eurídice" de Jacobo Peri; de la cual solo se conservan algunos fragmentos.
Entre los primeros que fomentaron con éxito este género se encuentra Claudio Monteverdi,
quien compuso óperas entre las cuales destaca "Orfeo". En esta época todos los
compositores, excepto J. S. Bach, hicieron óperas como música de moda.

Instrumentos del Barroco


En el barroco vinieron nuevas costumbres, empezaron a pintar cuadros. En cuanto a los
instrumentos se empieza a organizar la orquesta más o menos definitiva. Se siguen
utilizando instrumentos de otras épocas como el sacabuche, la trompeta y la trompa (ambos
sin pistones). La nueva creación es la familia del violín, nacido de la evolución de otros
instrumentos.

Cuerda:

 Frotada: Violín y Viola (soprano, tenor y bajo).


 Golpeada: Clavicordio
 Punteada: Clavicémbalo y Guitarra. El clavicémbalo se usa como referencia de la
orquesta, acompañamiento.

Viento:

 Madera: Oboe
 Metal: Sacabuche, Trompa y trompeta (ambas sin pistones)
 Mixto: Órgano de pared (viento y tecla)

Percusión: en esta época se reutilizan instrumentos de épocas anteriores y se hace una


innovación a la percusión:

 Timbal: este instrumento tiene forma de semiesfera con un parche en la parte


superior que al ser golpeado emite sonidos de mayor o menor intensidad
dependiendo de la forma en la que se le golpee.
.ORGANO:Órgano tubular: es un instrumento musical de teclado. Los sonidos se generan
haciendo pasar aire por tubos de diferentes longitudes (desde pocos milímetros hasta varios
metros).

Orquesta sinfónica

Sala de conciertos de la Orquesta sinfónica de San Francisco.

La orquesta sinfónica u orquesta filarmónica es una agrupación o conjunto musical de


gran tamaño que cuenta con varias familias de instrumentos, como el viento madera, viento
metal, percusión y cuerda. Una orquesta sinfónica o filarmónica tiene generalmente más de
ochenta músicos en su lista. Sólo en algunos casos llega a tener más de cien, pero el
número de músicos empleados en una interpretación particular puede variar según la obra
que va a ser tocada y el tamaño del lugar en donde ocurrirá la presentación. El término
«orquesta» se deriva de un término griego que se usaba para nombrar a la zona frente al
escenario destinada al coro y significa ‘lugar para danzar’.

Contenido
 1 Origen
 2 Instrumentos de la orquesta
 3 Director de orquesta
 4 Enlaces externos

Origen
Dos ciudades fueron los principales centros de producción musical, catalizadores del
<<nuevo estilo>> y forjadores de la sonoridad del nuevo concepto sinfónico de la orquesta:
Mannheim y Viena. En estas ciudades, más que en cualquier otro sitio, se fraguó la realidad
de la forma sinfónica. Mannheim disponía de unos excelentes medios materiales para
experimentar una orquesta disciplinada y estable cuya calidad pudo apreciar Mozart. La
orquesta fue conocida por los detalles de fraseo, la utilización de unos recursos, como los
llamados crescendo y diminuendo Mannheim —que, en realidad, no fueron invención de
los miembros de este grupo—, la alta exactitud en la dirección y la precisión interpretativa.
Uno de sus principales directores fue Johann Stamitz (1717-57), también fructífero
compositor que introdujo notables cambios tanto en el arte de la instrumentación como en
los motivos musicales básicos del material sinfónico. En Viena destacó una serie de
compositores a los que, por lo general, no se ha tenido demasiado en cuenta, como Matthias
Georg Monn (1717-50), considerado el más importante por sus aportes al concepto
estructural de la sinfonía. Pero fue con Haydn y Mozart con quienes esta forma alcanzó el
desarrollo que llevó directamente a las realizaciones.

Instrumentos de la orquesta

Esquema de colocación de los instrumentos de una orquesta sinfónica.

La orquesta sinfónica típica consta de cuatro grupos proporcionales de instrumentos


musicales similares, por lo general aparecen en las partituras en el siguiente orden (con sus
respectivas proporciones indicadas):

 Viento madera: 1 flautín, 2 flautas, 2 oboes, 1 corno inglés, 2 clarinetes y 2 fagots.


Ocasionalmente también se incluyen 1 clarinete bajo o 1 contrafagot.
 Viento metal: de 2 a 5 trompetas, de 2 a 6 trompas, 2 o 3 trombones tenores y 1 o 2
bajos. Ocasionalmente, 1 tuba.

 Percusión: varía muchísimo dependiendo de la obra, pudiendo encontrar timbales,


caja.
 Cuerdas: de 16 a 30 violines o más, de 8 a 12 violas o más, de 8 a 12 chelos o más y
de 5 a 8 contrabajos o más. Ocasionalmente también se incluyen arpa, guitarras y
piano.

Cada sección de la orquesta tiene una colocación determinada de 15 tipos de instrumentos,


que ha venido siendo normalizada por la potencia sonora de los instrumentos. Así, los
instrumentos de cuerda se sitúan al frente, de más agudo a más grave, detrás se colocan los
instrumentos de viento, primero madera y luego metal, y al final se colocan los
instrumentos de percusión y el piano.Eso es todo

De estos instrumentos, hay muchos que son el corazón de la orquesta y nunca se renuncia a
ellos, y otros que son auxiliares y no siempre aparecen en la orquesta, pese a ser parte del
modelo estándar. Por ejemplo, los violines son imprescindibles pero el piano no siempre se
encuentra.

Director de orquesta
El director de la orquesta cumple una función clave en la orquesta sinfónica, e incluso de la
formación musical. Es una persona que no sólo mantiene el tiempo de la pieza y da las
entradas de los instrumentos para que la interpretación sea coherente, sino que debe
interpretar la partitura según el concepto “global”, manteniéndose fiel al espíritu original de
la obra pero dando una visión personal. Para conseguirlo, debe conocer en profundidad la
vida y obra de los compositores.

El director no aparece en la orquesta hasta el siglo XIX, cuando realmente se establecieron


los estándares de orquesta sinfónica, y surgió casi por motivos estéticos. Antes era el primer
violín (concertino), el Clavecinista u Orgnanista quien dirigía (Continuista), y actualmente
se encargan de afinar el conjunto y de la colocación del director dentro del campo visual de
los intérpretes. El solista en las obras se sitúa junto al director.

En una orquesta sinfónica hay 100 instrumentos o másEn las normales hay 80 o mas
musicos o instrumentos.En una orquesta siempre hay tres familias de instrumentos cuerda,
viento,percusion.

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