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Historia de la música
Música barroca
Fusiones
Neoclasicismo europeo del siglo XX
La música del periodo barroco es el estilo musical, relacionado con la época cultural
europea homónima, que abarca desde el nacimiento de la ópera en el siglo XVII
(aproximadamente en 1600) hasta la mitad del siglo XVIII (aproximadamente hasta la
muerte de Johann Sebastian Bach, en 1750).
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Características generales
Se trata de una de las épocas musicales más largas y fecundas de la música occidental. Sus
características más definitorias son el uso del bajo continuo (que facilitó el desarrollo de la
armonía tonal, a diferencia de la anterior, modal) y el gusto por los fuertes contrastes
sonoros (entre coros, entre familias instrumentales o entre solista y orquesta), materializado
en la policoralidad y el «estilo concertante». Este gusto por el contraste y algunas otras de
sus características son compartidas por el movimiento homónimo en las artes plásticas:
profusión en el uso de ornamentación, teatralidad, dramatismo, utilización como medio
para la pompa y esplendor en los espectáculos públicos, etc.
Textura
Durante el Barroco los músicos siguen cultivando texturas a cuatro y cinco voces heredadas
del Renacimiento (polifonía imitativa, homofonía...), pero las voces de dichas obras no son
ya de similar importancia, sino que se destacan la voz superior y el bajo, abreviándose la
escritura de las intermedias en el llamado bajo continuo; esta textura suele llamarse bipolar
o de monodía acompañada.
La aparición de la monodía acompañada fue precipitada por la creación del estilo vocal
recitativo, en el cual el ritmo de la palabra determina el discurso melódico -La música ha de
ser sirviente de la poesía-, quedando reducido el acompañamiento a meros acordes.
En esta época se desarrollan como nuevas formas la sonata, el concerto grosso, la ópera, el
oratorio y el ballet francés, y se vive además un auge de la música instrumental pura, es
decir, sin relación con consideraciones ideológicas que se deriven de un texto, o
funcionales como en el caso de la música de danza.
Tienen gran importancia la teoría de los afectos, que considera a la música como creadora
de emociones, y la retórica, que transfiere conceptos de la oratoria tradicional a la
composición del discurso musical del Barroco.
Finalmente, cabe señalar que la música en esta época estaba abierta a cambios y
adaptaciones. Muchos compositores creaban nuevas obras adaptando o reescribiendo con
algunas modificaciones partituras anteriores, siendo estos cambios en la misma partitura o
en las combinaciones de instrumentos. En la música vocal, los cantantes tenían varias
partes donde podían improvisar.
Periodización y evolución
El Barroco temprano (1580-1630)
Desde las últimas décadas del siglo XVI se inició la disolución del antiguo estilo polifónico
renacentista, caracterizado por una textura polifónica imitativa homogénea. Dos fueron las
novedades principales:
- La monodía acompañada, en la que una sola voz aguda concentra todo el interés musical.
Su acompañamiento instrumental suele escribirse en forma taquigráfica en forma de bajo
continuo, consistente en una línea de bajo más unas cifras que indican los acordes con que
se rellenan las faltantes voces intermedias. La Camerata Florentina y la aparición de la
ópera fueron decisivas en la difusión de esta monodía acompañada.
El Barroco tardío se sitúa aproximadamente entre 1680 y 1730. Una vez más es Italia el
país que marcó las tendencias innovadoras, entre cuyos rasgos más notables están:
La enorme influencia de Corelli llevó el estilo italiano a toda Europa. En Francia desplazó
incluso a la fortísima tradición musical local originada en Lully, no sin grandes resistencias
(hasta la tardía querella de los bufones), y en Inglaterra fueron directamente sus discípulos,
como Francesco Geminiani, los autores más influyentes. Autores alemanes de primer nivel
como Bach, Telemann y Händel estudiaron e imitaron el estilo italiano.
Los compositores barrocos cuya música está actualmente más difundida pertenecen a la
generación nacida en torno a 1685: Antonio Vivaldi en Italia, Georg Friedrich Händel en
Inglaterra, Johann Sebastian Bach y Georg Philipp Telemann en Alemania, Jean Philippe
Rameau en Francia y Domenico Scarlatti, español de adopción.
A finales del Barroco hay varias tendencias estéticas: el estilo galante francés desde 1730,
el desarrollo en Italia de la ópera buffa, la sonata y la sinfonía, y el estilo sentimental
(Empfindsamer Stil) alemán; ellos conforman una suerte de preclasicismo. Carl Philipp
Emanuel Bach (1714-1788), uno de los hijos de Johann Sebastian, es considerado el padre
de la sonata clásica.
Los géneros y las formas
En los géneros del Barroco ya se percata una clara división en géneros instrumentales y
géneros vocales. En el ámbito vocal, junto con formas antiguas del motete y la misa, se
crean tres importantes géneros que supondrán una época dorada en este campo: la cantata,
la ópera y el oratorio, siendo la ópera el género vocal nuevo más importante del Barroco y
uno de los de la música académica.
La ópera
Las corrientes humanistas buscaban una puesta al día del antiguo teatro griego, en
particular el grupo conocido como Camerata Florentina, basándose al mismo tiempo en
formas musicales recientes, como el drama litúrgico, el drama pastoral, las comedias
madrigalescas con figuras de la commedia dell'arte y los intermezzi teatrales. Les
interesaba sobre todo la antigua monodia helénica con acompañamiento de khitara.
Vincenzo Galilei, padre de Galileo el astrónomo, escribió en 1581 un tratado contra el
género musical polifónico neerlandés bajo el título Dialogo della Música Antica e della
Moderna. Los géneros musicales recitativo, espressivo y representativo llevan a nuevas
libertades en los medios sonoros empleados en las composiciones (disonancias y
modulaciones).
Entre las primeras óperas conservadas se cuentan Dafne de Jacopo Peri, cuyo tema fue
tomado de Las metamorfosis de Ovidio, Eurídice, también de Jacopo Peri y Orfeo de
Claudio Monteverdi.
- Recitativos, en los que los cantantes hacen avanzar los diálogos de la obra dramática en
un canto silábico apenas acompañado por el bajo continuo.
- Arias, verdadero núcleo musical de la ópera. Son números solísticos líricos y muy
elaborados, a menudo virtuosos, al servicio del lucimiento del cantante y del puro deleite
musical (aun a costa del decurso teatral, aquí suspendido). Hacia el final del periodo se
impuso la forma A-B-A, llamada aria da capo.
- Números instrumentales ejecutados por la orquesta desde el foso, como la sinfonía inicial
y, sobre todo, las danzas bailadas en escena.
Musicalmente casi idéntico a la ópera (aunque con más énfasis en los coros), solía tener una
temática religiosa y no era representado escénicamente (esto es, era ejecutado al modo de
las actuales "versiones de concierto"). A diferencia de la ópera, casi siempre en italiano, los
oratorios solían escribirse en lengua vernácula. El más famoso ejemplo es El Mesías, de
Händel.
La cantata
El motete
Este periodo vio aparecer la orquesta en el sentido moderno del término, y conoció la
transformación de los instrumentos renacentistas hacia modelos dinámicamente más
flexibles. Nacida durante el siglo XVI, la familia del violín (violines, violas, violonchelos)
alcanzó su grado máximo de perfección constructiva en el XVII, hasta el punto de que
entonces quedaron fijados los modelos que, en lo fundamental, han sido reproducidos
durante los trescientos años siguientes, gracias a la labor de familias de artesanos como los
Stradivari y los Amati. Paralelamente a ella sobrevivió a pleno rendimiento la fabricación
de violas da gamba, extinguidas sin embargo hacia el final del periodo. Los instrumentos de
madera fueron radicalmente transformados por la familia Hotteterre en la corte francesa de
Versalles, apareciendo entonces el oboe, el fagot y la flauta travesera barroca.
Sonata
Al igual que la palabra cantata designaba una composición para canto solista y bajo
continuo, la palabra sonata designa en el Barroco una composición para uno o dos
instrumentos de cuerda o viento (violín, flauta travesera, oboe...) y bajo continuo, dividida
en tres o cuatro movimientos de carácter contrastante, habitualmente allegro-adagio-
allegro (sonata da camera) o adagio-allegro-adagio-allegro (sonata da chiesa). Derivó de
la canzona del Barroco temprano; la alternancia contrastante de movimientos sucesivos es
paralela a la de la suite. Entre los más célebres autores de sonatas están Corelli, Vivaldi y
Bach.
A mediados del siglo XVIII la palabra sonata designa también obras para tecla, tales como
las más de quinientas sonatas para clave de Domenico Scarlatti.
La heredera del género polifónico renacentista y la principal forma de cámara del Barroco
es una sonata para dos instrumentos agudos (frecuentemente violines), uno bajo, y el
continuo, (el clavecín en la sonata da camera y el órgano en la sonata da chiesa) que era el
encargado de completar las armonías, de modo que la triosonata requiere cuatro
ejecutantes, pues la línea del bajo era interpretada por la viola de gamba, el bajón o un
instrumento similar y el continuo doblaba esta línea y realizaba el "relleno armónico". Se
destacan las obras de Corelli, Pergolesi, Sammartini, Händel, Buxtehude y Bach.
El concerto grosso
A mediados del siglo XVII se convierte en el género instrumental más típico de la época. A
diferencia de la música de cámara, cada parte es ejecutada por más de un instrumento,
como ocurre típicamente en la orquesta. La ejecución a tutti alterna con pasajes a soli a la
manera de la triosonata.
Importantes centros del género instrumental concertante son Módena, Bolonia y Venecia.
Los preludios, fantasías o tocatas son piezas para un instrumento solista (generalmente de
teclado) de carácter improvisatorio, y como tales de ornamentación cargada, forma
indefinida y textura variable. Solían ir seguidos de una fuga (a 2, 3, 4 ó 5 voces).
Una fuga a dos voces significa que hay una voz con una célula (uno o dos compases) que
crea un motivo (una melodía) y al cabo de un tiempo la otra voz lo imita. Una vez imitado,
transpone (cambia de tonalidad), hace alguna variación o crea unas falsas repeticiones
conocidas como puentes o colas (repetición de la célula sin hacer el motivo completo, sino
que simplemente se repite la célula para cambiar, en la mayoría de los casos, de tonalidad).
Si una fuga es a tres voces, pasa lo mismo, pero el motivo debe de repetirse tres veces (en
voces distintas) y así sucesivamente (si es a cuatro voces, cuatro veces se verá el motivo...).
La suite
La música de las suites suele ser aristocrática, vigorosamente rítmica y melódicamente rica,
uniendo la variedad y decoro italianos a la gravedad alemana.
Italia
Claudio Monteverdi (1567-1643) es el primer gran compositor del Barroco que inauguró el
nuevo género operístico en Italia y Europa. Girolamo Frescobaldi (1578-1643) tuvo gran
importancia en el desarrollo de la música para teclado, en particular por sus Toccatas para
clavecín. A mediados de siglo, sobresale Giovanni Legrenzi (1626-1690).
Arcangelo Corelli (1658-1711), Giuseppe Torelli y Alessandro Scarlatti (1660-1725) son
los que dominan la escena nacional de la segunda mitad del siglo XVII hasta principios del
siglo XVIII.
Ya en la primera mitad del siglo XVIII, Antonio Vivaldi (1678-1741), Tomaso Albinoni
(1671-1751), Domenico Scarlatti (1685-1757) y Giuseppe Tartini (1692-1770) son los que
más sobresalen, representando la cumbre y el ocaso barroco de su país.
Alemania
La obra de Bach está considerada la cumbre de la música barroca, cuyas "Pasión según San
Mateo" y el "Clave bien temperado" son cimas de la música occidental.
El Barroco alemán empezó con la figura de Heinrich Schütz (1585-1672), llamado el padre
de la música alemana, el más notable en la primera mitad del siglo XVII alemán. Johann
Hermann Schein (1586-1630), Samuel Scheidt (1587-1654) y Michael Praetorius (1571-
1621), contemporáneos de Heinrich Schütz, también son bastante notables en esta época.
Al cabo entre los siglos XVII y XVIII, Johann Kuhnau (1660-1722), Johann Joseph Fux
(1660-1741), Johann Caspar Ferdinand Fischer (c. 1665-1746) y Georg Böhm (1661-1733)
son los más prominentes.
El Barroco musical llegó a su máxima madurez y esplendor en la primera mitad del siglo
XVIII con uno de los compositores más importantes de la música universal, Johann
Sebastian Bach (1685-1750), que agotó todas las posibilidades de la música barroca. Su
obra es la cumbre y ocaso de la música barroca, y marca el fin del periodo en Alemania y
en Europa.
Reinhard Keiser (1674-1739), Johann Mattheson (1681-1764), Johann Adolph Hasse
(1699-1783) y Carl Heinrich Graun (1703-59) junto con un joven Händel (1685-1759) -
hasta que en 1712 se fue a Inglaterra- son los más destacables junto con Bach.
Georg Philipp Telemann (1681-1767), junto con Bach, es el músico más importante del
Barroco tardío alemán, y marca igualmente el inicio de la transición de la música barroca
hacia la música clásica de la segunda mitad del siglo XVIII en su país.
Inglaterra
En la primera mitad del siglo XVIII, Georg Friedrich Händel (1685-1759), desde su llegada
en 1712 al país, es el más importante, destacado e influyente, siendo la cumbre del Barroco
inglés y, junto con Bach, el más importante del Barroco tardío.
Después de Händel, la música inglesa vive un periodo de ocaso, aunque a mediados del
siglo XVIII destacan Thomas Augustine Arne (1710-78) y William Boyce (1711-79),
poniendo el punto final al Barroco inglés.
Francia
Al cabo de los siglos XVII y XVIII, François Couperin (1668-1733) es el más importante,
siendo una de las cumbres del Barroco francés. Louis Marchand (1669-1732) también
destaca, teniendo en 1717 un duelo musical con Bach.
Jean-Philippe Rameau (1683-1764) es, junto con Couperin, la cumbre barroca nacional y el
cenit del género francés barroco en la primera mitad del siglo XVIII, siendo en los últimos
años testigo del cambio del Barroco al Clasicismo en su país.
España
En España sobresalieron Gaspar Sanz, Juan Cabanilles, Antonio de Literes, el Padre Soler,
Juan Hidalgo, Sebastián Durón, José Marín, José de Nebra, Francisco Corselli, José de
Torres, Jaime Facco, Joaquín García de Antonio y Tomás de Torrejón y Velasco.
Por entonces vivieron en España, donde compusieron la mayor parte de sus obras, los
italianos Domenico Scarlatti y Luigi Boccherini. Fue muy importante la actividad musical
durante el reinado de Fernando VI, un gran amante de este arte. Por otro lado, la ópera no
fue asimilada sino hasta el siglo XVIII. En su lugar se llevaron a cabo las zarzuelas.
Una de las principales características de estos grupos es que buscan rescatar estilos de
interpretación e instrumentos propios de la época barroca. Utilizan afinaciones distintas a
las empleadas por las orquestas sinfónicas actuales, así como tempos y ritmos poco
ortodoxos respecto al canon que ha imperado desde finales del siglo XIX en Occidente.
El barroco musical
Contenido
1 Características del Barroco musical
2 Características de la música religiosa en el Barroco
3 Características de la música profana en el Barroco
4 Instrumentos del Barroco
Los hombres ricos y poderosos, usaban la música para mostrar su superioridad al pueblo .
La música entonces se vuelve indispensable para cualquier actividad. El músico pasa a ser
un sirviente más de los que acompañaban a los nobles y les componian canciones. En el
Barroco surgen los llamados castrati. También consiguieron gran popularidad los
instrumentistas, los cuales inventaron el muermo,una manera muy particular y difícil de
interpretar la música, debido a su velocidad y complejidad. La música más importante de
esta época es la profana, en la que destaca como una de sus formas la opera. En las formas
religiosas destaca el oratorio, la Cantata y la Pasión.
Cuerda:
Viento:
Madera: Oboe
Metal: Sacabuche, Trompa y trompeta (ambas sin pistones)
Mixto: Órgano de pared (viento y tecla)
Orquesta sinfónica
Contenido
1 Origen
2 Instrumentos de la orquesta
3 Director de orquesta
4 Enlaces externos
Origen
Dos ciudades fueron los principales centros de producción musical, catalizadores del
<<nuevo estilo>> y forjadores de la sonoridad del nuevo concepto sinfónico de la orquesta:
Mannheim y Viena. En estas ciudades, más que en cualquier otro sitio, se fraguó la realidad
de la forma sinfónica. Mannheim disponía de unos excelentes medios materiales para
experimentar una orquesta disciplinada y estable cuya calidad pudo apreciar Mozart. La
orquesta fue conocida por los detalles de fraseo, la utilización de unos recursos, como los
llamados crescendo y diminuendo Mannheim —que, en realidad, no fueron invención de
los miembros de este grupo—, la alta exactitud en la dirección y la precisión interpretativa.
Uno de sus principales directores fue Johann Stamitz (1717-57), también fructífero
compositor que introdujo notables cambios tanto en el arte de la instrumentación como en
los motivos musicales básicos del material sinfónico. En Viena destacó una serie de
compositores a los que, por lo general, no se ha tenido demasiado en cuenta, como Matthias
Georg Monn (1717-50), considerado el más importante por sus aportes al concepto
estructural de la sinfonía. Pero fue con Haydn y Mozart con quienes esta forma alcanzó el
desarrollo que llevó directamente a las realizaciones.
Instrumentos de la orquesta
De estos instrumentos, hay muchos que son el corazón de la orquesta y nunca se renuncia a
ellos, y otros que son auxiliares y no siempre aparecen en la orquesta, pese a ser parte del
modelo estándar. Por ejemplo, los violines son imprescindibles pero el piano no siempre se
encuentra.
Director de orquesta
El director de la orquesta cumple una función clave en la orquesta sinfónica, e incluso de la
formación musical. Es una persona que no sólo mantiene el tiempo de la pieza y da las
entradas de los instrumentos para que la interpretación sea coherente, sino que debe
interpretar la partitura según el concepto “global”, manteniéndose fiel al espíritu original de
la obra pero dando una visión personal. Para conseguirlo, debe conocer en profundidad la
vida y obra de los compositores.
En una orquesta sinfónica hay 100 instrumentos o másEn las normales hay 80 o mas
musicos o instrumentos.En una orquesta siempre hay tres familias de instrumentos cuerda,
viento,percusion.