LA FORMACIÓN INSTRUMENTAL EN LOS ESTUDIANTES DE LIC.

EN MÚSICA

PRESENTADO POR

LUCIA VELEZ

UNIVERSIDAD DEL VALLE

LIC. EN MÚSICA

BUGA, COLOMBIA

2018

 FABIO OROZCO
LA FORMACIÓN INSTRUMENTAL EN LOS ESTUDIANTES DE LIC. EN MÚSICA

LUCIA VELEZ

PRESENTADO A

FABIO OROZCO

ASIG NATURA

APRECIASION MUSICAL

UNIVERSIDAD DEL VALLE

LIC. EN MÚSICA

BUGA, COLOMBIA

2018
 La Formación instrumental

La formación instrumental en los estudiantes de Lic. En música, debe estar ligada a la

caracterización y reflexión hacia el instrumento de manera que el ejecutante pueda mejorar su

interpretación y pueda aportar en grupos que se encuentre, para ello los profesores encargados de

formarlos tratan de transmitir a sus alumnos a través de sus experiencias y/o ejemplos de la vida

cotidiana para ayudar al aprendiz a que su cerebro capte la información y pueda transmitirlo de

manera física a su cuerpo y este pueda ser llevado al instrumento.

A menudo se evidencia en los estudiantes la falta de reflexión que tienen hacia su instrumento

debido a que muchos de ellos no habían recibido una educación formal en él, esto crea nuevas

experiencias y expectativas en los estudiantes, e incluso retos para poder lograr lo que se quiere, es

allí donde el profesor deberá entrar a cambiar varios pensamientos que venían tiempo atrás.

Las formas de enseñanza, se realizan en clase individual, clase colectiva y música de cámara.

En la clase individual se espera que el alumno empiece a pulir su técnica poniendo en práctica las

indicaciones que le ha dado su maestro, mejorando así aspectos como: el sonido, la afinación, los

fraseos, el ataque etc. volviéndose así cada vez más competente y apropiándose cada vez mas de su

instrumento con el fin de abordar repertorios y distinguir los diferentes estilos histórico-musicales.

En la clase colectiva se pondrá en evidencia el proceso del estudiante, (todas sus mejoras)

aprendizajes obtenido y desarrollado en su artefacto permitiéndole así conocer cuáles son las

destrezas que ha ido adquiriendo como también cuales son las que debe mejorar y seguir trabajando

constantemente, además, expandir sus experiencias musicales y pedagogas que le ayudara en su

carrera como docente.

 En música de cámara, se trabajan y se refuerzan aspectos como: sincronización, fraseos,

articulaciones, afinación, ritmo, diferentes colores del sonido, dinámicas, notas de adorno etc.

Ayudando así a mejorar el ensamble. Normalmente estos grupos son de integrantes pequeños para así

ser más evidente las correcciones entre los músicos. Se deben abordar facilidades y dificultades del

instrumento en la interpretación de su partitura individual, y después en colectivo con la intención

de mejorar el ensamble firme del repertorio.

Es de suma importancia que el maestro pueda motivar a su pupilo, que logre adentrarse en él, de

tal forma que impacte y lo motive querer ser mejor cada vez, que despierte en el deseo de superación

dentro del proceso de educación que ambos comparten. Cuando el maestro logra esto inspira en el

discípulo a que indague mucho más sobre su instrumento, grandes interpretes de este, y cosas así por

el estilo que le ayuden a formularse preguntas, a experimentar nuevas cosas , complementa su

aprendizaje con otros conocimientos similares, quiere abarcar cada vez más sobre temas desconocidos

para él, se hace consciente de su proceso de las mejorías que ha tenido y de lo que debe estudiar con

mayor frecuencia, toma el papel de ser un juez para el mismo

convirtiéndose en su primer crítico.

Por ello es importante que el profesor le ejemplifique en la misma clase cuales son las destrezas

que se pueden lograr. Así, el estudiante debe escuchar el sonido de dicha interpretación y empezar un

proceso evaluativo de su forma de tocar, buscando mejor calidad sonora (en el caso de la trompeta

realizar el menor esfuerzo físico posible que le permita tocar pasajes extensos sin fatigarse y

ampliar su registro).

El pupilo debe fortalecer las bases dadas para así ir avanzando sin ningún tipo de inconveniente y

poder complejizar cada vez su rutina de estudio.

 Lo expresado anteriormente muestra una relevancia de tres condiciones para lograr un aprendizaje

optimo y eficaz , la actitud, el interés, el deseo de aprender del alumno

y la importancia de reconocer su saber y su experiencia de aprendizajes `previos y la propuesta

didáctica por el profesor para lograr y fortalecer sus aprendizajes anteriores con los nuevos

aprendizajes significativos que le indica su maestro.

Todo esto representa un verdadero reto para el educador, hablar de enseñanza y aprendizaje

instrumental implica un trabajo mental por parte de los dos, por un lado, tenemos al docente, debe

saber como y que pedagogías utilizar para no ir a estropear el proceso del estudiante y por otro lado

se debe hacer consciente al aprendiz haciéndole reflexionar como lo habíamos nombrado

anteriormente sobre las siguientes variables:

La técnica y la música se entrelazan de manera indisoluble en el momento de la interpretación de

una obra, sin embargo, pueden separarse especialmente para estudiar y resolver un problema técnico

que precisa de una idea musical.

Es relevante que el aprendiz conozca la división musical que se ha visto a través de los tiempos,

conocer como y cuando surgieron las obras que va a ejecutar. La música de occidente es estudiada

atreves de periodos históricos que han sido establecidos como: la edad media (música medieval) el

renacimiento, época barroca, periodo clásico, romántico, del nacionalismo, del impresionismo etc.

Para el ejecutante saber todo esto es verdaderamente necesario, puesto que le hará más fácil el

aprendizaje y la interpretación adecuada para las obras que ejecute.

Se es llamativa la técnica cuando podemos observar los diferentes problemas cuando se ejecuta el

artefacto sonoro fuera de esta. Por ello, es de suma importancia que el docente todas las

funcionalidades del cuerpo, cada uno de los músculos, tendones, órganos que trabajan cuando se está
en contacto con el instrumento musical, con el objetivo de hacer eficaz el aprendizaje y la enseñanza

de lo que se quiere lograr y no llegar a generar tensiones innecesarias y posiblemente causar daños

físicos.

La didáctica de enseñanza instrumental a nivel universitario, está ligada, al análisis individual de

cada clase, esto debido a que no todos sus estudiantes tienen las mismas experiencias, ni las mismas

expectativas de su forma de aprender. Es por ello que no se debe hacer algo global con todos los

aprendices, ni establecer reglas ya que como es visto cada estudiante trae diferentes niveles no todos

tiene las mismas habilidades ni el mismo desarrollo en su instrumento, esto hace que cada profesor

utilice diferentes pedagogías con cada uno de sus alumnos basado en su experiencia como docente y

relacionando también los problemas cotidianos que el ha podido evidenciar a través de su carrera

musical.

Cuando se llega al momento de la interpretación como tal, se deben tener habilidades ya ganadas

en el ejecutante como la buena lectura, solfeo, las notas, los fraseos, las ligaduras, improvisación, sin

mencionar que ya debe tener totalmente claro cada una de las posiciones en su instrumento necesarios

para la buena ejecución.

Abordamos el tema de la interpretación, que es cuando el musico ya tiene destrezas como las que

mencionamos anteriormente, después de cumplir con estos requisitos pasamos al estudio de la obra

como tal, se debe hacer una investigación sobre la obra en la cual se esta trabajando, sobre su

compositor, la época en la que fue escrita, que pasaba en el momento de su creación , escuchar

detenidamente la obra y hacer un análisis sobre ella y de otras creaciones musicales similares a esta,

todo esto para la ayuda de una buena interpretación, estableciendo así parámetros en lo cual todo se

pueda desenvolver sin problema alguno.

 En conclusión, las enseñanzas de los instrumentos musicales a nivel universitario aluden al

análisis individual de cada estudiante, de la relación del docente con cada uno de sus pupilos

dependiendo de las experiencias de vida, de sus habilidades, de su manera de captar la información y

como construye conocimientos, es por esto que no se puede estandarizar la enseñanza en todos los

estudiantes, porque, aunque sea el mismo instrumento sus destrezas son diferentes.

También se debe hacer reflexión a la hora de tocar por parte de los estudiantes, siendo ellos

conscientes de su propio proceso, tomando siempre muy en cuenta las indicaciones que se le dan,

mejorando cada vez sus dificultades técnicas, para así poder obtener mejorías, siendo esto constante

en su rutina de estudio el proceso será mucho más eficaz y rápido, se vera el avance con mayor

rapidez y se podrán abarcar cada vez aspectos más complejos según lo indique el docente encargado

de su proceso formativo.

Después, de abordar aspectos del instrumento tales como: escalas, arpegios, flexibilidad (en el

caso de instrumentos de boquilla) staccato, legatto etc.se espera que el ejecutante tenga todos estos

parámetros claros para pasar así a niveles mas avanzados como lo es la improvisación, como lo

nombramos anteriormente el pupilo debe dominar todas estas, para no retrasar este proceso, por ello

se pide y se espera del estudiante un manejo claro de todos estos.

Es de suma importancia tener clara la teoría para así poder ser llevada a la practica con mayor

facilidad, por ejemplo: el maestro da a su estudiante la fórmula de cómo se construye una escala

mayor y este parte de allí para empezara construir las escalas siguientes. Debemos ser capaces de

tomar la teoría a nuestro favor, pero esto no debería ser problema, puesto que los estudiantes

musicales universitarios ya tuvieron una preparación previa a todo lo que se cree en teoría básica.
 Conocer otros aspectos que están externos al instrumento es relevante como, conocer los conceptos

de sonido proporciona una idea lógica para su proporción, saber como funciona el sistema respiratorio

para tener mayor capacidad pulmonar(trompeta), como funciona nuestra lengua y como la podemos

usar para los registros graves y agudos etc. todo lo nombrado anteriormente varia para cada

instrumento, sería muy diferente cuando hablamos del piano, esto quiere decir que debemos conocer

a fondo todo lo que esta internamente y externamente, para así poder tener claro todos estos aspectos

y poder hacer mucho más eficiente el aprendizaje con respecto al artefacto sonoro