QUÉ ES EL ARTE:

Como arte denominamos el conjunto de disciplinas o producciones del ser humano realizadas
con fines estéticos o expresivos para representar, a través de medios como la pintura, la
escultura, la arquitectura, la literatura o la música, diferentes realidades y despertar una serie
de ideas, emociones o sentimientos.
Dependiendo de la disciplina, el arte se vale de diferentes lenguajes y medios: para la pintura
son las formas y los colores; para la escultura los volúmenes y las formas; para la arquitectura,
las formas y el espacio; para la literatura, las palabras, para la música, los sonidos, y para la
danza, fundamentalmente el movimiento y la expresión corporal.
Las diferentes disciplinas artísticas, además, tienen un conjunto de técnicas y patrones
específicos, que se adaptan o rompen con los criterios estéticos dominantes de cada época
como la belleza, la armonía o el equilibrio, y tienen un estrecho vínculo con esta y con las
ideas o conceptos relativos al arte, la filosofía o la sociedad.
En sus inicios, se ha determinado que el arte tuvo una función sobre todo ritual, asociada a
la magia y la religión, y que, con el transcurrir del tiempo, esta se fue modificando y se le
fueron atribuyendo al arte funciones sociales, pedagógicas u ornamentales, o, por el
contrario, se le negó toda función en el arte.
Etimológicamente, la palabra arte procede del latín ars, artis, y este a su vez del griego τέχνη
(téchne), que significa ‘técnica’. De ahí que fuera usada para referirse a disciplinas y
actividades que requerían técnicas, y que podían ir desde la del artesano o el herrero, hasta la
del pintor o el poeta.
Arte, también, es una palabra utilizada para indicar la capacidad o habilidad para hacer algo,
como, por ejemplo, el arte de la persuasión, de la venta, de la política. También se usa para
hacer referencia al conjunto de reglas o indicaciones para hacer algo bien: “Cocinar bien tiene
su arte”
QUÉ SON LAS BELLAS ARTES:
Como bellas artes se denomina el conjunto de manifestaciones artísticas de naturaleza
creativa y con valor estético, entre las cuales se encuentran la arquitectura, la danza, la
escultura, la literatura, la música y la pintura. Adicionalmente, desde el siglo XX, se incluye
como séptimo arte el cine.
Como tal, el concepto de bellas artes data del siglo XVIII, cuando su uso para aludir el
conjunto de artes donde prevalecían las ideas de belleza, estética y virtuosismo técnico se
extendió. Quien más temprano intentaría clasificarlas sería el francés Charles Batteux, en su
trabajo titulado Les Beaux-Arts réduits à un même principe (Las bellas artes reducidas a un
mismo principio), publicado en 1746, donde este se planteó la unificación de las artes bajo
el concepto de belleza y buen gusto.
No obstante, ya desde la Antigua Grecia se establecía una separación entre las distintas artes
existentes. Consideremos, desde luego, que para aquel entonces el término arte hacía
referencia, en un sentido general, al conjunto de los oficios, desde el escultor hasta el
talabartero. En este sentido, los griegos establecieron una distinción entre las artes que
impresionaban a los sentidos más elevados, como el oído y la vista, y les asignaron el nombre
de artes superiores o lo que hoy denominamos bellas artes, mientras que aquellas que se
dirigían a los sentidos menores, como el tacto, el gusto o el olfato, fueron designadas como
artes menores, entre las cuales incluían la perfumería, la gastronomía, la carpintería, etc.
Como Bellas Artes también se denomina, actualmente, la disciplina de estudio que combina
conocimientos de historia y teoría del arte, restauración, conservación, museísmo, crítica
artística, etc., y que se estudia en diversas universidades de Latinoamérica.
Las bellas artes y su clasificación
La clasificación tradicional de las bellas artes remite a los siete tipos de manifestaciones
artísticas modernas, incluyendo al cine, que ha venido a ser el último en incorporarse.
La arquitectura transforma la construcción de edificaciones en una forma de arte. Como tal,
la arquitectura idea, proyecta y erige edificaciones perdurables, estéticamente valiosas,
funcionales y artísticamente significativas.
La danza es un tipo de arte de naturaleza expresiva corporal, constituida por movimientos
rítmicos del cuerpo que pueden estar (o no) acompañados por música.
La escultura es el arte de crear formas en el espacio tridimensional, ya sean moldeadas,
talladas, esculpidas o en relieve.
La literatura es un tipo de arte de naturaleza eminentemente verbal, que puede subdividirse
en poesía, narrativa, ensayo y teatro, y que desarrolla asuntos de naturaleza filosófica-
trascendental que guardan relaciones significativas con la vida social, política e histórica de
la humanidad.
La música es un arte sonoro regido por los principios de la melodía, el ritmo y la armonía,
que emplea los sonidos, sea que procedan de la voz humana o de los instrumentos musicales,
para producir composiciones que conmuevan la sensibilidad.
La pintura es una manifestación artística de carácter visual, plasmada en un plano o
superficie, que se rige por principios estéticos que conjugan en su composición elementos
como las formas, los colores, las texturas, la armonía, la perspectiva, etc.
El cine o la cinematografía es la última de las artes en ser agregada dentro de la categoría de
bellas artes. Como tal, el cine es una especie de síntesis de las otras seis artes, pues combina
elementos de la literatura (guion), la danza, la música, y, desde luego, la pintura, la escultura
y la arquitectura (la imagen, las formas, los escenarios).
QUÉ ES ARTES PLÁSTICAS:
Como artes plásticas denominamos a todas aquellas formas de expresión artística que
manipulan y moldean materiales para construir formas e imágenes con la finalidad de
presentar una visión del mundo o de la realidad de acuerdo a un conjunto de principios
estéticos.
Las disciplinas artísticas catalogadas como plásticas son, fundamentalmente, la pintura, la
escultura y la arquitectura, pero también podemos contar entre ellas el dibujo, el grabado, la
cerámica, la orfebrería y la pintura mural.
El término artes plásticas data del siglo XIX. Se utiliza para referirse a las disciplinas
artísticas en las cuales es necesario manipular, transformar, modificar o moldear materiales
como el papel, la tinta, el yeso, la arcilla, la madera, los metales o las telas, mediante un
conjunto de técnicas concretas, para la producción de piezas artísticas que atienden a un
conjunto de criterios estéticos de composición, como la figura y el fondo, la proporción, el
color, el movimiento o los planos, etc.
En este sentido, el concepto de artes plásticas vendría a establecer una diferencia de estas
disciplinas artísticas con respecto a otras disciplinas de las bellas artes, como la música, la
danza, la literatura o el teatro.
Artes plásticas también puede ser una carrera universitaria que ofrece a los estudiantes la
posibilidad de desarrollar su potencial creativo en las distintas disciplinas de la plástica. En
esta carrera se forma al alumno en los diferentes principios y conceptos comunes a todas las
disciplinas artísticas, así como en las distintas problemáticas inherentes a la creación artística
y a la historia del arte.
Artes plásticas y artes visuales
La diferenciación entre artes plásticas y artes visuales comenzó a ser problematizada recién
en el siglo XX, con la irrupción de nuevas formas de expresión artística que se caracterizan
por el predominio de lo visual y la ausencia del trabajo plástico de los materiales.
Las artes visuales, pues, vienen a ampliar las posibilidades del arte fuera de sus lugares
tradicionales de representación, trasladándolo a nuevos formatos y formas de expresión como
lo son la fotografía, el videoarte, el grafiti, el arte digital, el performance o las intervenciones.
Pese a todo, el concepto de artes visuales es tan amplio que permite abarcar desde disciplinas
tradicionales como la pintura y la escultura, hasta formas más recientes de expresión
relacionadas con la informática.
QUÉ ES ARTE ABSTRACTO:
El arte abstracto o abstraccionismo es un estilo artístico moderno de las artes visuales que
prevalece las formas abstractas en detrimento de los objetos y figuras que representan algo
de nuestra propia realidad. De esta forma, se puede afirmar que el arte abstracto es lo opuesto
al realismo y fotografía, por lo que requería de la imaginación o comprensión más allá de lo
lógico por parte de quien observa la pintura.
El arte abstracto se caracteriza por emplear, fundamentalmente, las formas esenciales del
lenguaje plástico, como las figuras, las líneas y los colores, como medio de expresión
artística. El concepto de arte abstracto ya existía desde la prehistoria pero obtuvo fuerza en
1910, como una reacción al realismo, de allí que se lo considere una tendencia opuesta al arte
figurativo.
En este sentido, el arte abstracto se distingue por trascender la representación de la apariencia
externa de las cosas, y por plantear búsquedas plásticas que apuntan más bien hacia los
aspectos formales, cromáticos y estructurales. De allí que la abstracción se valga de los
recursos más esenciales del lenguaje plástico para procurar crear un lenguaje autónomo que
evoque sus propios sentidos.
No obstante, el grado de abstracción de sus obras puede variar e ir desde un nivel de
abstracción parcial, donde los rasgos figurativos aún son evidentes, hasta una abstracción
total y absoluta.
El abstraccionismo orgánico es una variante del abstraccionismo, tal como lo dice su palabra
busca representar formas orgánicas, como rocas, plantas y organismos unicelulares. No
obstante, tal como el arte abstracto busca representar personas, figuras u objetos.
A pesar de que el arte abstracto sea más conocido por sus expresiones en el campo de la
plástica (pintura, escultura), otras vertientes del arte, como la arquitectura, la danza, la música
o la literatura han desarrollado también tendencias abstraccionistas. Entre muchas obras
pictóricas se puede mencionar Composition IV (Wassily Kandisky – 1911), Composition in
red, blue and yellow (Piet Mondrian – 1921), Senecio (Paul Klee – 1922), entre otras.
Conceptualmente, el arte abstracto se alimentó de las experiencias vanguardistas del
momento y según sus características formales existen dos tendencias, a saber:
Abstracción lírica, también llamada abstracción expresivo, vertiente que fue influenciada por
el fauvismo y expresionismo, siendo sus principales características los tratamientos del color,
el sentimentalismo, la intuición y una mayor libertad artística. El mayor representante de esta
vertiente fue el artista ruso, Kandisky.
Abstracción geométrica, influencia por el cubismo y futurismo, se encuentra relacionada por
la geometría de las formas y el racionalismo. El mayor representante de esta tendencia fue el
pintor holandés Mondrian.
QUÉ ES ARTE CONTEMPORÁNEO:
Como arte contemporáneo se denomina el conjunto de manifestaciones artísticas surgidas a
partir del siglo XX.
Como tal, el concepto de arte contemporáneo es relativo a cada época. Esto significa que el
arte que se produce en cualquier periodo histórico siempre será contemporáneo para sus
coetáneos. Contemporáneo fue el arte de Leonardo da Vinci para quienes vivieron en el siglo
XV.
No obstante, existe un conjunto de criterios para determinar el momento a partir del cual
podemos denominar como contemporáneas las expresiones artísticas de nuestra época.
En este sentido, uno de los criterios juzga como contemporáneo aquel arte surgido a partir de
la eclosión vanguardista de los inicios del siglo XX. Estas propuestas artísticas, como tal, se
distinguieron por presentar, tanto a nivel formal como conceptual, una serie de ideas que
revolucionaron la institución del arte, como la ruptura con los modelos tradicionales o su
carácter crítico y experimental. Algunos movimientos artísticos contemporáneos de
relevancia, en este sentido, serían el fovismo, el expresionismo, el cubismo, el futurismo, el
neoplasticismo, el dadaísmo y el surrealismo
Otro criterio utilizado para considerar las producciones artísticas como manifestaciones
contemporáneas es aquel que toma como punto de partida el inicio de la Postmodernidad o
Posmodernidad (tradicionalmente ubicado entre fines de la década del 60 e inicios de los
años 70) o el fin de la segunda guerra mundial, en 1945. Este arte contemporáneo se reflejaría
en la segunda sacudida vanguardista del siglo, conformada por movimientos como el arte
pop, el nuevo realismo francés, el arte povera, el arte conceptual, el minimalismo y el
expresionismo abstracto, así como con el hiperrealismo, la neofiguración, las instalaciones o
la deconstrucción.
Finalmente, existe un tercer criterio, más amplio, que vincula el inicio del arte
contemporáneo con el principio de la Edad Contemporánea, a finales del siglo XVIII con la
revolución francesa.
Museo de arte contemporáneo
Los museos de arte contemporáneo son instituciones destinadas a la adquisición,
conservación y exposición de colecciones artísticas de periodos relativamente recientes. Por
ejemplo, en la ciudad de México se encuentra el Museo Universitario de Arte
Contemporáneo, cuya colección está constituida por obras realizadas a partir del año 1952,
cuando fue inaugurado. Asimismo, el Museo de Arte Moderno de México contiene una
colección de obras artísticas contemporáneas, con un catálogo que abarca la producción de
artistas mexicanos e internacionales a partir de los años 30 del siglo XX.
QUÉ ES BARROCO:
Como barroco se denomina un periodo histórico, artístico y cultural caracterizado por una
gran exuberancia ornamental que se manifestó en el arte, la literatura, la música y la
arquitectura. Como tal, abarcó los siglos XVII y XVIII. Como estilo artístico, se desarrolló
posteriormente al renacimiento y antecedió al neoclasicismo.
El barroco surgió en Italia y, a continuación, se extendió al resto de Europa y América. En
un principio, el término barroco tenía un matiz peyorativo, con el cual daba a entender la
desmesura expresiva que pretendían sus cultores.
De allí que, según su etimología, la palabra provenga del portugués barroco, que significa
‘perla irregular’. También se apunta su origen del francés baroque, como resultado de fundir
la palabra Barocco, que es una figura de silogismo de los escolásticos, y el lusismo barroco.
Como barroco, por otra parte, también se designa aquello que es perteneciente o relativo al
barroco. Así, barroco puede ser un edificio, un poema, una pieza musical. Como barroco,
asimismo, se designa aquello que está excesivamente recargado u ornamentado.
Barroco, por su lado, también es el autor o artista que se ha dedicado a cultivar el estilo
barroco. Alejo Carpentier, por ejemplo, fue un escritor barroco del siglo XX.
Finalmente, es importante indicar que cuando nos referimos a Barroco, específicamente
como periodo histórico, debe escribirse con mayúscula inicial. En el resto de los casos, debe
escribirse en minúscula.
Barroco en literatura
En Literatura, como barroco se conoce el estilo de composición caracterizado por presentar
un lenguaje muy ornamentado, abundante en figuras retóricas y con una fuerte complejidad.
Algunos de los más prominentes autores del barroco español fueron Luis de Góngora y
Francisco de Quevedo, así como sor Juana Inés de La Cruz en América.

QUÉ ES GÓTICO:
Como gótico se conoce un estilo artístico que se desarrolló en Europa entre el siglo XII y el
inicio del Renacimiento. También se denomina gótico lo perteneciente o relativo al pueblo
germánico de los godos o a la lengua que hablaban. La palabra, como tal, proviene del latín
tardío Gothĭcus.
Como gótica también se conoce, en tipografía, un tipo de letra, originaria del siglo XII, que
fue posteriormente usada en la imprenta.
En años recientes, ha surgido una subcultura urbana asociada a lo gótico (arte, cine, literatura,
música, moda), que adopta elementos propios de este estilo, como la vestimenta, los peinados
o el maquillaje, caracterizados por el uso del color negro para acentuar la impresión de
oscuridad (lo dark, en inglés).
Arte gótico
El arte gótico es aquel que se desarrolló principalmente en la Edad Media, en Europa
occidental, entre los siglos XII y XV aproximadamente. La designación de gótico, usada
inicialmente con un sentido peyorativo para distinguir el arte de este periodo del arte del
Renacimiento, se empleaba para aludir al arte desarrollado por el pueblo germánico de los
godos. El arte gótico surgió en el norte de Francia, y de allí se expandió por Europa. Se
manifestó principalmente en la pintura, la escultura y la arquitectura. Se caracterizó, en la
arquitectura, por la importancia que le daba a la luz en contraposición con el estilo románico,
y por el uso del arco ojival y las bóvedas; por el naturalismo en la escultura, y por su pintura,
sobre todo desarrollada en vidrieras y retablos. En el arte gótico son marcadamente
predominantes los temas religiosos.
Arquitectura gótica
Como arquitectura gótica se conoce el estilo artístico que se desarrolló en Europa occidental
a partir del siglo XII, y que se situó entre los periodos románico y renacentista. Se caracterizó
presentar espacios amplios, mayor luminosidad en el interior de las construcciones,
construcciones de gran altura, y el uso del arco apuntado u ojival, y la bóveda de crucería. Es
apreciable sobre todo en construcciones religiosas, como iglesias, monasterios y catedrales,
pero también en castillos y palacios.
Literatura gótica
Como literatura gótica se conoce un subgénero literario, propio del romanticismo, en que son
rescatados ciertos temas medievales y abordados desde una óptica en que se entremezclan el
horror y la oscuridad. Se caracteriza por una rica descripciones de los ambientes, por lo
general oscuros y lúgubres, por la explotación de temas de misterio, relacionados con el
ocultismo y la magia negra. Se considera su iniciador el escritor Horace Walpole, con el
Castillo de Otranto, del siglo XVIII.

QUÉ ES EL ARTE POP:

El arte pop, también conocido por su nombre en inglés pop art, fue un movimiento artístico
del siglo XX.
Se caracterizó por emplear imágenes y objetos de la cultura popular, tomados de los medios
de comunicación de masas (anuncios publicitarios, revistas, comics, cine) o de la realidad
cotidiana.Campbell-Warhol
El arte pop surgió como movimiento a finales de la década de 1950 en Inglaterra, y mientras
que en Estados Unidos empezó a despuntar con la década de 1960.
La intervención del arte pop consistía en sacar estas imágenes u objetos de su contexto
habitual para así, al aislarlas o combinarlas con otros elementos, lograr resaltar o iluminar
algún aspecto banal o kitsch, o destacar algún sentido o rasgo cultural concreto.
Se valía de materiales industriales, carteles, publicidad, artículos de consumo, ilustraciones
de revistas, muebles en serie, vestidos, latas de conservas, botellas de gaseosas, etc.
En este sentido, el arte pop podía también considerarse un síntoma de la sociedad de la época,
caracterizada por el consumismo, el materialismo, el culto a la imagen y a la moda.
De allí que la ironía y la sátira de sus intervenciones artísticas fueran utilizadas como
instrumento de crítica y cuestionamiento de los valores y las ideas arraigadas en la sociedad
de consumo.
Pero el arte pop y toda su controversial estética y postura ante la realidad, además, suponía
una reacción frente a los cánones de las bellas artes tradicionales, del mismo modo en que la
música pop constituyó en su momento un gesto de ruptura a los preceptos tradicionales de la
música.
Suele colocarse al arte pop en la frontera entre el final del arte moderno y el comienzo del
arte postmoderno. En este sentido, algunos lo consideran una manifestación artística
crepuscular de la modernidad, mientras que otros lo ven como una de las más tempranas
expresiones de la posmodernidad en el arte.
Uno de los más famosos representantes del arte pop es el estadounidense Andy Warhol, autor
de la obra Lata de sopa Campbell, una de las más reconocidas.
Sin embargo, entre los representantes de este movimiento, también destacan artistas como
Richard Hamilton, creador del collage ¿Qué es lo que hace de los hogares de hoy en día tan
diferentes, tan divertidos?; Roy Lichtenstein, autor de Good Morning, Darling, o Tom
Wesselmann, creador de la serie Gran desnudo americano.
 QUÉ ES LA CULTURA:
Cultura es todo complejo que incluye el conocimiento, el arte, las creencias, la ley, la moral,
las costumbres y todos los hábitos y habilidades adquiridos por el hombre no sólo en la
familia, sino también al ser parte de una sociedad como miembro que es.
La palabra cultura es de origen latín cultus que significa “cultivo” y a su vez se deriva de la
palabra colere.
La cultura en la lengua latina, entre los romanos, tenía el sentido de la agricultura, y se refería
al cultivo de la tierra para la producción. Aún se conserva de esta manera cuando se habla de
la cultura de la soja, la cultura del arroz, etc.
La cultura también se define en las ciencias sociales como un conjunto de ideas,
comportamientos, símbolos y prácticas sociales, aprendidos de generación en generación a
través de la vida en sociedad. Sería el patrimonio social de la humanidad o, específicamente,
una variante particular del patrimonio social.
El término cultura posee varios significados todo depende del contexto en donde se emplea
la palabra:
La cultura física es el conjunto de rutinas de cuidados personales como el deporte,
ejercitación física, tratamientos, entre otros, que buscan el bienestar en cuerpo y el alma;
La cultura política es el conjunto de actos de poder y autoridad de los cuales se forma la
estructura de la vida política;
La cultura organizacional son el grupo de normas, políticas, costumbres y valores que
comparten en una institución y logra una mejor interacción entre el grupo que la compone;
La cultura clásica tiene como finalidad facilitar o proveer los conceptos de la cultura Greco-
Romana, desde el punto de vista político, social, artístico, religioso, literatura, entre otros
tópicos.
En biología, la cultura es una creación especial de organismos para fines determinados.
La principal característica de la cultura es que el mecanismo de adaptación, que es la
capacidad que tienen los individuos para responder al medio de acuerdo con cambios de
hábitos, posiblemente incluso más que en una evolución biológica. La cultura es también un
mecanismo acumulativo porque las modificaciones traídas por una generación pasan a la
siguiente generación, donde se transforma, se pierden y se incorporan otros aspectos que
buscan mejorar así la vivencia de las nuevas generaciones.
En referencia a lo anterior, cada país tiene su propia cultura, que está influenciada por varios
factores, entre ellos, los pueblos que ya pasaron por el país, la música, la danza, la forma de
vestir, la tradición, el arte, la religión, etc. La cultura puede ir más allá de las fronteras,
pudiendo haber una misma cultura en diferentes países y diferentes culturas en un mismo
país.
La cultura es un concepto que está en constante evolución, porque con el tiempo se ve
influenciada por nuevas formas de pensamiento inherentes en el desarrollo humano.

CULTURA EN FILOSOFÍA
La cultura en la filosofía se explica como el conjunto de manifestaciones humanas que
contrastan con la naturaleza o el comportamiento natural.
Es una actitud de interpretación personal y coherente de la realidad, dirigida a las posiciones
susceptibles de valor íntimo, razonamiento y perfeccionamiento. Además de esta condición
personal, la cultura siempre implica una exigencia global y una justificación satisfactoria,
sobre todo para sí mismo.
Podemos decir que hay cultura cuando esta interpretación personal y global se une a un
esfuerzo de información para profundizar en la posición adoptada con el fin de intervenir en
los debates. Esta dimensión personal de la cultura, tales como la síntesis o la actitud interna,
es esencial.

CULTURA EN LA ANTROPOLOGÍA
La cultura en la antropología se entiende como el conjunto de patrones aprendidos y
desarrollados por los seres humanos.
La cultura como antropología busca alcanzar o representar el conocimiento con experiencia
de una comunidad aprendido por la organización de su espacio, la ocupación de su tiempo,
en el mantenimiento y la defensa de sus formas de relación y conceptos humanos, llegando
a lo que podríamos llamar su alma cultural en el sentido de los estándares ideales estéticos
de comportamiento y formas de presentación, todos ellos diseñados para sus necesidades.
Obtiene estos resultados todos los días fortuitamente y regularmente, pero también en sus
expresiones de celebración, fiesta, honor, homenaje y sacrificio.

CULTURA POPULAR
La cultura popular es algo creado por un determinado pueblo, y este pueblo tiene un papel
activo en su creación. Puede ser la literatura, la música, el arte, etc. La cultura popular es
influenciada por las creencias de las personas en cuestión y se forma a través del contacto
entre los individuos de ciertas regiones.
 DANZA
La danza o el baile es un arte donde se utiliza el movimiento del cuerpo usualmente con
música, como una forma de expresión y de interacción social, con fines de entretenimiento,
artísticos o religiosos. Es el movimiento en el espacio que se realiza con una parte o todo el
cuerpo del ejecutante, con cierto compás o ritmo como expresión de sentimientos
individuales, o de símbolos de la cultura y la sociedad. En este sentido, la danza también es
una forma de comunicación, ya que se usa el lenguaje no verbal entre los seres humanos,
donde el bailarín o bailarina expresa sentimientos y emociones a través de sus movimientos
y gestos. Se realiza mayormente con música, ya sea una canción, pieza musical o sonidos.
Dentro de la danza existe la coreografía, que es el arte de crear danzas. La persona que crea
coreografía, se le conoce como coreógrafo. La danza se puede bailar con un número variado
de bailarines, que va desde solitario, en pareja o grupos, pero el número por lo general
dependerá de la danza que se va a ejecutar y también de su objetivo, y en algunos casos más
estructurados, de la idea del coreógrafo.

LA DANZA EN OTRAS APLICACIONES

En el deporte también se incorpora la danza, como en la gimnasia, el patinaje artístico sobre
hielo o sobre ruedas, la natación sincronizada y la gimnasia rítmica, como asimismo el kata,
de las artes marciales, que puede asociarse como un tipo de baile. Por otro lado también se
utiliza como figura literaria metafórica, por ejemplo, al describir el movimiento de objetos
inanimados: las hojas bailaban con el viento. Asimismo la danza también desempeña un
papel comunicativo dentro de los patrones de comportamiento de los animales, como la danza
de las abejas, o algunas especies de aves como el Fusil magnífica, en que el macho baila para
atraer a la hembra al apareamiento (a esto se le conoce como cortejo).

HISTORIA
La historia de la danza estudia la evolución de la danza a través del tiempo. Desde la
prehistoria el ser humano ha tenido la necesidad de comunicarse corporalmente, con
movimientos que expresaban sentimientos y estados de ánimo. Estos primeros movimientos
rítmicos sirvieron igualmente para ritualizar acontecimientos importantes (nacimientos,
defunciones, bodas). En principio, la danza tenía un componente ritual, celebrada en
ceremonias de fecundidad, caza o guerra, o de diversa índole religiosa, donde la propia
respiración y los latidos del corazón sirvieron para otorgar una primera cadencia a la danza.
TIPOS DE DANZA
Danzantes de ballet.
Danza contemporánea.
La danza ha ido evolucionando en muchos estilos, desde la danza académica o ballet, hasta
el breakdance y el krumping. Las definiciones que constituyen a la danza dependen de
factores sociales, culturales, estéticos, artísticos y morales, así como también del rango de
movimiento funcional (como la danza folclórica) hasta las técnicas virtuosas (como el ballet).
Cada danza, independientemente del estilo, tiene algo en común, ya que en la mayor parte de
los casos implica tener flexibilidad y movimiento del cuerpo, así como condición física.
Clásicas
Principalmente llevan movimientos y elementos armoniosos, suaves y coordinados:
Ballet
Danza Medieval, Barroca, Renacentista
Danza moderna
Danza contemporánea
Ballet contemporáneo
Folclóricos
Las danzas folclóricas son danzas que por lo general pertenecen a la cultura y etnia de una
región, país o comunidad y pertenecen a la cultura popular:
* Bailes de salón
* Tango
* Charlestón
* Danza árabe
* Baile de las cintas
* Danza del Garabato
* Huella
* Diablada de Oruro
* Danza clásica jemer
* Marinera
* Festejo
* Bacchu-ver
* Danza griega
* Danza azteca
* Gomba
* Diablada puneña
* Flamenco
* Jota
 * Chacarera
* Danzas de conquista
* Cumbia
* Joropo
Urbana
La danza urbana es una expresión corporal artística que se ve influenciado por diferentes
corrientes dancísticas académicas, aunque rompe con ellas. Sus movimientos son una
expresión libre y fluida de estados, emociones, metáforas o ideas abstractas.
Algunas danzas urbanas son:
 Hip Hop
 K-Pop
 Breakdance
 Krump
 Rock n' Roll
 Para para
 Moonwalk
 Jumpstyle
 Popping
 Hardstep
 Hustle
 Funky
 Jerk
 Electro Dance
 Pop
 Hiplet
 House

ESTUDIOS DE DANZA
Bailarinas en clase de ballet
En la década de 1920, los estudios de danza (práctica de la danza, la teoría crítica, análisis
musical y de la historia) comenzaron a ser considerados como disciplinas académicas. Hoy
en día estos estudios son una parte integral de las artes en muchas universidades y programas
de humanidades.
Al finales del siglo XX se reconoció el conocimiento práctico como igual al académico, esto
condujo a la aparición de prácticas de investigación. Una amplia gama de cursos de baile
están disponibles, incluyendo:
Práctica profesional: habilidades de interpretación y técnica, docencia
Práctica de investigación: la coreografía y el desempeño
Etnocoreología, que abarca los aspectos relacionados con la danza de: antropología, estudios
culturales, estudios de género, estudios de área, la teoría post-colonial, etnografía, etc.
La danzaterapia o terapia del baile
La danza y la tecnología: los nuevos medios y tecnologías de alto rendimiento
Análisis del movimiento Labán y estudios somáticos
Títulos académicos están disponibles, desde licenciaturas hasta doctorados y otras becas
postdoctorales.
Coreografía y elementos de la danza
Coreografía (literalmente "escritura de la danza", también llamada composición de la danza).
De las palabras griegas "χορεία" (danza circular, corea) y "γραφή" (escritura). Es el arte de
crear estructuras en las que suceden movimientos; el término composición también puede
referirse a la navegación o conexión de estas estructuras de movimientos. La estructura de
movimientos resultante también puede ser considerada como la coreografía. Las personas
que crean la coreografía son llamados coreógrafos.
Los elementos (movimientos) y características específicas de una danza, se utilizan para
elaborar una coreografía, y a partir de ellos pueden inventarse nuevos movimientos para crear
nuevas coreografías. La coreografía también es utilizada en situaciones especiales, como en
la cinematografía, el teatro, musicales, conciertos, performances, eventos y presentaciones
artísticas.

ELEMENTOS DE LA DANZA
Breakdance, forma de baile típica del hip hop.
La danza se compone de diversos elementos básicos que se interrelacionan, logrando
transmitir emociones al público y para el mismo bailarín.
 Movimiento
 Ritmo
 Expresión corporal
 Espacio
 Estilo
El uso predominante de uno u otro elemento no es siempre parejo. En ciertos bailes
predomina el ritmo, en otros el uso del espacio, en otros el estilo, etc. También es importante
destacar que de acuerdo al tipo y género de baile, se acentuará el uso de uno u otro elemento.
Dentro del baile se van creando nuevos géneros y variantes al crear nuevas coreografías y de
esta forma se van diversificando.
Cuando la danza se manifiesta con una intención determinada, diferente a lo que es el puro
bailar o como el equilibrio estético que es el ballet clásico, se puede complementar con lo
que se puede denominar «adicionales no danzantes». Estos son: mímica, gesto simbólico,
canto y palabra.

PIRÁMIDE DE LA ACTITUD ESCÉNICA

Ésta es la cual los bailarines experimentan durante su actuación, conduciéndolos a una actitud
escénica, el cual es originado por los cambios realizados por el bailarín para poder rendir al
máximo. En la base se encuentra la motivación, posteriormente la confianza en uno mismo,
consecuentemente la intensidad y por último la concentración.3
Motivación
La motivación es cuando una persona encuentra por cierto medio una manera de satisfacer
alguna necesidad y así crea una mejor disposición o aumento por la realización de dicha
acción.
Hay algunas situaciones donde se puede observar que el bailarín lo tiene todo (extensión,
técnica, fuerza), sin embargo, no llegan a dar su máximo. En cambio nos encontramos con
otras situaciones de bailarines que les cuesta más trabajo, queriendo decir que carecen del
talento pero llegan a obtener un nivel más alto.
Confianza en uno mismo
Este es el segundo nivel en cuanto a la pirámide de actitud escénica, siendo uno de los niveles
más influyentes en la actuación de la danza, al igual que parte integral del programa
psicológico de rendimiento. Esta confianza dentro de la danza se identificará por la sólida fe
que obtenga el bailarín en el momento de aprender y realizar cierta técnica o al representar
algún papel. Por lo tanto, nunca se le debe limitar a un bailarín a la enseñanza de habilidades
técnicas y artísticas, por lo que se debe mostrarles la confianza en cuanto a la capacidad de
la ejecución de dicha técnica.3
Intensidad
Es cuando llega la hora de actuar, refiriéndose al grado de preparación psicológica que tendrá
el bailarín al momento previo de su actuación. Esta se caracteriza por las diversas evoluciones
que presentarán en el estado fisiológico, como lo son los latidos del corazón, presión
sanguínea, producción de adrenalina e incluso miedo. Los bailarines la pueden presenciar de
una manera tanto positiva como negativa.3
Concentración
El máximo punto de la pirámide de actitud escénica. En ciertas ocasiones es el menos
comprendido, sin embargo es el que sintoniza a los bailarines en su actuación. Este es la
capacidad que se tiene hacia una cosa en un largo periodo de tiempo