JESÚS GETINO GRANADOS

DNI X9164215-A

Historia de las Teorías del Arte

2º curso
De
Historia del Arte

RESUMEN DE LIBRO

Teoría del Arte I

Gonzalo M. Borrás Gualis
 INTRODUCCIÓN

Este manual de Teoría del Arte trata de las teorías artísticas de la Antigüedad y de la
Edad Media, expone la problemática básica de la disciplina de la historia del Arte. Por
un lado nos habla de las obras d arte, y por el otro de las metodologías pero siempre a
modo de introducción.

LA HISTORIA DEL ARTE COMO DISCIPLINA

La Historia del Arte que conocemos en la actualidad, es el resultado de un largo

proceso que tiene su inicio a mediados del siglo XVIII, época de la Ilustración y punto
de partida de la Modernidad, este siglo se conoce como “Siglo de las Luces”. En esta
época, la autonomía del arte se desarrolla paralelamente con la autonomía del
conocimiento científico.
Lessing en su libro Laocoonte analiza las diferencias existentes entre la literatura y
las artes plásticas y las cataloga como totalmente opuestas. Las imágenes pictóricas,
debido a su condición de “signos naturales” representa aspectos que la palabra, como
“signos arbitrarios” no puede representar. A partir de Lessing los problemas del lenguaje
ocupan un papel cada vez más importante en el desarrollo del Arte contemporáneo. A
partir de estas teorías surgen tres disciplinas que se refieren al Arte: la Historia del Arte,
la Crítica del Arte y la Estética, son tres disciplinas que se diferentes entre si pero al
mismo tiempo se mantienen en una constante interacción. También en esa época se
publican tres obras al respecto. La Estética de Alexander O. Baumgarten, Los Salones
de Denis Diderot y la Historia del Arte en la antigüedad de Johan Joachim
Winckelmann.
Los comienzos de la Historia del Arte.
Winckelmann concibe al Arte como algo dotado de vida propia, en su análisis utiliza
la secuencia de los ciclos de la vida, (el nacimiento, el desarrollo, la madurez y la
decadencia) este sistema se lo aplica al Arte griego, las diferentes etapas las cataloga
como”antiguo” que correspondo al periodo arcaico, “sublime” que corresponde a la
época de Fidias, “bello o gracioso” época de Praxíteles y el “imitativo” que es el
periodo de la decadencia. El Arte griego se propone como un modelo a imitar.
A finales del siglo XVIII encontramos las primeras críticas de arte con Diderot.

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También por estos años surgen los “Salones” donde los artistas exponen sus obras,
ahora el artista no tiene que enfrentarse a le academia para que critiquen su obra,
también al juicio del público. Los conceptos de “Salón y de “exposición” son
complementados con los de “público “consumo anónimo” y “mercado”, y aquí es donde
nace la moderna crítica de arte como profesión. El crítico se enfrenta a una moda
artística donde da un juicio subjetivo de la obra.
La palabra crítica tiene su origen del griego “crino” y significa juzgar. La Crítica de
Arte se expresa por escrito, es la opinión individual sobre una obra de arte actual, y
debe adoptar un punto de vista exclusivo, pero que abra al máximo los horizontes. La
Historia del Arte se ocupa del arte del pasado y la crítica de Arte se ocupa del arte
actual.
EL ARTE Y LAS OBRAS DE ARTE

Existe mucha dificultad para poder darle una definición precisa al concepto de Arte,
ya que durante el proceso histórico de la modernidad está en perpetuo cambio y eso
complica su definición, mas bien se le tendría que dar una definición a cada uno de esos
cambios.
En la época de los 70s algunos historiadores nos dan una definición de lo que es
Arte. Dino di Formaggio nos dice; “Arte es todo lo que el hombre llama Arte”.
Theodoro Adorno nos da una definición postmodernista de Arte; “Ha llegado a ser
evidente que nada es evidente en el Arte”. Estas definiciones nos dan un acercamiento a
la naturaleza cambiante del Arte.
Por otro lado Nelson Goodman representante de la “estética analítica” nos habla del
lenguaje artístico, nos dice que “la búsqueda entre el símbolo y lo simbolizado es una
búsqueda sin fin. El pensamiento formalista considera al Arte como “forma” es decir,
que “predomina la forma al contenido”, y por otro lado el pensamiento lingüista
considera que el Arte es un lenguaje, esto es que “predomina el significado sobre la
forma”.
El término Arte, deriva del latín, “ars” y significa la facultad o destreza para hacer
algo. En el pensamiento medieval las artes de dividían en dos grupos; las Artes
Liberales y la Artes Mecánicas. Las artes liberales son las que aprenden los hombres
libres, se estudian es escuelas y están conformadas por la gramática, la lógica y la
retórica. Y las artes mecánicas, que son innobles, son artes manuales, requieren de
fuerza física, estas son las que en la actualidad conocemos como Artes Visuales.

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 En el Renacimiento hay un cambio conceptual de las artes visuales, dejan de ser
mecánicas, y se da el cambio de artesanos a artistas.
En la modernidad se utiliza el criterio de belleza y se les llama Bellas Artes, esa es la
actual delimitación de las artes visuales. Al final de la modernidad a partir de una
historia de las Bellas Artes, se llega a una historia de las obras de arte, esta disciplina
dedica su estudio a la arquitectura, escultura, pintura, artes decorativas, medios visuales
y a la ciudad.
La obra de arte es un hecho histórico que se refiere al pensamiento y al lenguaje
plástico, no es un reflejo de la realidad. Para que se de la obra de arte es necesario un
juicio crítico de valor artístico. Consideramos una obra como obra de arte cuando ésta
tiene una importancia dentro de la historia del Arte. En resumen, la Historia de Arte es
una Historia de las obras de arte valoradas como hechos históricos.

LOS ESCRITOS SOBRE ARTE

La obra de arte es el objetivo primordial de estudio del Historiador del arte, pero es
importante documentarte con las fuentes literarias. La diferencia entre fuentes literarias
y documentales, tiene una forma más bien funcional que conceptual.
El punto de vista conceptual es cuando los documentos aportan datos históricos para
la identificación o atribución de la obra de arte.
El documento es una fuente primordial para el historiador, pero para el historiador
del Arte es una fuente complementaria ya que su fuente primaria es la obra de arte.
Los géneros artigráficos son los diversos modos de escribir sobre arte. No es lo
mismo escribir un artículo de periódico que una crítica o una recensión, un artículo de
divulgación o un libro. Cada uno de estos géneros pertenece a un género con rasgos
bastante precisos.
Empecemos por el manual. Una primera lectura sobre un tema debería iniciarse por
el texto de un manual. Se le considera como el desarrollo impreso de una especie de
curso ideal, y “el peor manual es mas recomendable que los mejores apuntes.
Los libros de crítica y los artículos son necesarios para ampliar el conocimiento
adquirido en un manual. El estudio de estos libros nos da una mejor perspectiva de
investigación sobre el tema estudiado. En la práctica la cuestión es mas compleja ya
que en numerosas ocasiones el género artigráfico combina “el resumen de carácter
informativo con el juicio o valoración, a esta estilo de escritura se le llama recensión.

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 La diferencia entre los libros y los artículos, es que los libros están formados por
uno o varios tomos que tratan de un mismo tema y en cambio el artículo forma parte de
una revista con más artículos.

LOS LENGUAJES DEL ARTE: LA ARQUITECTURA

Nicolaus Pevsner y Sugfried Giedion nos dan una definición de la arquitectura en su

libro “Esquema de la Arquitectura Europea”1942. nos dice que la diferencia conceptual
entre arquitectura y construcción con un ejemplo: “Una nave para guardar bicicletas es
una construcción, la catedral de Lincoln es una obra de arquitectura”. La definición de
la arquitectura como espacio interno deriva de la división tradicional de las Bellas Artes
en Artes del espacio y Artes del tiempo, y la arquitectura se encuentra dentro de las
primeras junto con la escultura y la pintura. Bruno Zevi nos explica la diferencia entre
estas tres artes. La pintura actúa en dos dimensiones, la escultura actúa en tres
dimensiones, pero el hombre pertenece al exterior, las mira desde fuera, y la
arquitectura, que es como una gran escultura excavada, en cuyo interior el hombre
penetra y camina, esta es la verdadera esencia de la arquitectura. Las tres características
de la arquitectura son; la forma, la función y el significado.
Las Artes se dividen en Artes Mayores y Artes Menores, en las mayores predomina
la inventiva, la idea, mientras que en las menores es la ejecución y la mecánica. En el
renacimiento con Alberti, comienza una nueva era, la del proyecto arquitectónico como
elemento arquitectónico que tiene un valor propio independiente de las ejecución. Como
resultado de la separación entre proyecto arquitectónico y ejecución se puede hablar de
una arquitectura sin ejecución, que es reconocido su valor sin concretar la obra física.
La obra de arte solo se hace posible en la forma, y son las formas las que expresan y
comunican los significados. Para el análisis formal arquitectónico se propone un
esquema: en primer lugar, los materiales arquitectónicos, después el lenguaje o
vocabulario arquitectónico y por ultimo, la composición arquitectónica y la proporción,
en este punto se ve el edificio como una unidad y cada una de sus partes como
fracciones de un todo.
La función en la arquitectura se puede analizar en tres niveles de lectura:
1) La función técnica; (tectónica) es funcional, donde la forma sigue a la función.
2) Funcionalidad utilitaria; se refiere al uso del edificio.
3) Funcionalidad espiritual; se refiere al simbolismo o significado de la obra.

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Una tarea básica para la comprensión de la obra arquitectónica es definir su función de
uso práctico. La forma-función en algunas culturas no es tan obvia. La relación entre
tipo y función no se da de una forma tan natural. A la hora de la rehabilitación de una
obra arquitectónica es necesario estudiar la relación entre función y tipología
arquitectónica.
La “Funcionalidad Integral” es la capacidad de expresión y significación de las
formas arquitectónicas. El análisis crítico del lenguaje arquitectónico nos transmite
información y significado, por ejemplo. Una iglesia con planta centralizada nos da un
significado diferente que una iglesia con planta de cruz latina. Es de suma importancia
recurrir a las fuentes literarias para entender el pensamiento de la época y captar mejor
el significado.

LA ESCULTURA

La escultura a lo largo de la historia ha estado vinculada a la arquitectura y a la

pintura, consigue su autonomía en el siglo XX. Sus características mas importantes es
su “tridimensionalidad”, también podemos decir que tiene una sensibilidad táctil, a
diferencia de la pintura que es visual y mental. La sensibilidad táctil efectúa una triple
operación para constatar las características específicas de la escultura, esta triple
operación se realiza en un solo acto. Primero está la sensación de la calidad táctil de la
superficie, después la sensación del volumen, que esta relacionado con el espacio, y por
ultimo la sensación de masa, que es su peso y su gravedad. Estos tres factores son los
que le dan su calidad de escultura.
El término de “plástica” está bien aplicado a la escultura. El origen de plástica viene
del griego, “plastike”, es el arte de modelar, por otro lado tenemos el termino escultura
del latín “sculpure” y su significado es, material duro tallado. En esta acepción plástica
y escultura son equivalentes. Existe una acepción con un sentido mas amplio que se
refiere al dominio de las formas y donde está incluida la pintura.
La talla, se refiere al concepto de escultura mediante el martillo y el cincel sobre
materiales duros y nobles. La talla de madera que es más suave se realiza con mazas y
gubias. En la piedra un error puede resultar irreversible, en la madera se pueden corregir
en el proceso del policromado de la pieza. La técnica de la talla es denominada
“sustractiva” y se realiza con o sin boceto o modelo previo. Cuando se trabaja con
boceto, se aplica la saca de puntos y estos se trasladan a la pieza definitiva.

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 La técnica del modelado se realiza sobre materiales blandos, se trabaja con la mano o
con un utensilio como la espátula, a esta técnica se le llama “aditiva”. Los materiales
empleados son básicamente la cera y la arcilla. Con estos materiales se realizan
modelados que después se convierten en la escultura definitiva, ya sea endureciendo su
material con calor, o utilizando cera para el vaciado de algunos metales mediante la
técnica de la cera perdida y la fundición en hueco. En la técnica a la cera perdida, se
recubre el modelo de cera con arcilla dejando un hueco de entrada y otro de salida, se
vierte el metal dentro de la arcilla funde la cera y toma su lugar tomando la forma del
modelado. En la fundición en hueco, queda la cera atrapada entre el alma y el recubierto
de arcilla y después se realiza el mismo procedimiento que en la cera perdida. Al final lo
que importa es el resultado independientemente del procedimiento utilizado.
La escultura puede crear la ilusión de movimiento mediante el ritmo y la tensión.
El ritmo convierte lo estático en dinámico. La tensión dinamiza y vivifica las formas
con una gran fuerza interior, este recurso fue utilizado de manera magistral por Miguel
Ángel y Rodin. El movimiento real en la escultura alcanza plena conciencia en el siglo
XX, con la construcción cinética de Naum Gabo que esta compuesto por una varilla que
al ser impulsada por un motor produce un “volumen virtual” que es propiamente la
escultura.
En la escultura existen dos topologías básicas; el bulto y el relieve. Las dos son
tridimensionales. Se le nombra de bulto redondo cuando se encuentra exenta, cuando se
independiza físicamente del marco arquitectónico. En este tipo de escultura es a lo que
llamamos “estatua” y “estatuaria”.
El relieve está adherido a un plano y en la medida que sobresale de dicho plano se
habla de, alto relieve, medio relieve, bajo relieve y aún impropiamente, relieve
rehundido.
La estatuaria ha servido para representar imágenes con valores y significado de
carácter ideal, especialmente en le religión y en la política. La función primordial de la
escultura de bulto redondo es la de representar a la figura humana.
La función del relieve esta más próximo al de la pintura, se utiliza para narrar
historias o mitologías. La escultura de bulto redondo es el transporte de lo real a lo
ideal, y el relieve de lo ideal a lo real, ya que cuenta historias.
En el siglo XX la escultura tiene muchos cambios ya que en este momento ya no es
un vehículo para el pensamiento y la ética. Se buscan nuevas funcione, nuevos
significados y se utilizan nuevos materiales.

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 Por otro lado, frente a la tradicional condición de reposo se crea la escultura cinética.
La escultura ha desbordado sus fronteras en su afán de autonomía, y se sitúa en una
nueva frontera artística.

LA PINTURA

La pintura ha recorrido un largo camino hacia la búsqueda de si misma, librándose

de un pesado lastre histórico para asumir su propia naturaleza de arte bidimensional.
En la pintura el pintor interviene desde la forma inicial hasta la terminación de la
pintura. Nunca tiene “a priori” una visión clara del resultado final de la obra, a partir de
una idea el pintor se pone a trabajar con bocetos, apuntes, borrones, dibujos previos,
etc., hasta que la obra va tomando forma visible. Después de los estudios se elijen los
materiales, el formato, se preparan los soportes y después se pasa a la realización de la
pintura que en el transcurso de la misma y a lo largo de cada pincelada el pintor
reafirma y modifica su idea inicial.
La materia física de una pintura está constituida por un soporte plano de dos
dimensiones sobre el que se pinta. Los pigmentos coloreados que se utilizan se disuelve
en diferentes sustancias dependiendo de la técnica, estas sustancias se llaman
“aglutinantes”, como es el aceite, el huevo, la cera, etc.
En el siglo XX se incorporan nuevos materiales como el papel, arena, tela etc. La
elección de un material condiciona la técnica a utilizar.
La línea se caracteriza por su poder limitativo que acota al objeto y se apodera de el,
mediante la línea se logra la identificación y reconocimiento de las formas. La
verdadera naturaleza de la línea es la escritura y el dibujo, la línea no se identifica con
el objeto, se libera de el.
Uno de los aspectos mas importantes en la pintura es el color, es más obscuro que la
línea y va dirigido a los sentidos, es sensorial. Existen tres colores fundamentales que
son; el amarillo, el rojo y el azul, llamados colores primarios, y que mezclados entre si
dan los colores secundarios; amarillo y rojo dan naranja, rojo y azul dan violeta, y azul
con amarillo dan el verde. Dentro de estos seis colores tenemos a los cálidos; amarillo,
naranja y rojo. Y a los fríos; violeta, azul y verde, los colores cálidos proyectan luz, los
fríos la absorben, normalmente los colores cálidos se emplean para los primeros planos
y los fríos para los últimos. También existe simbolismo en los colores, el rojo es vida, el

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azul el cielo, el verde la vegetación. Es importante aclarar que la calidad de un color no
depende solo de el mismo sino de los demás colore que lo rodean.
La composición es la distribución organizada de todos los elementos plásticos que
constituyen la obra pictórica, no consiste solo en la distribución de las figuras en la
escena, sino en penetrar en la trama del cuadro, en la estructura de los elementos
plásticos con los que se le ha dado forma a la representación.
La pintura ha representado mediante ilusiones ópticas, la tercera dimensión creando
apariencia de volumen, a los valores escultóricos de este tipo de pintura se les llama
valores táctiles, valores plásticos o efectos plásticos. Mediante la graduación de la luz y
de sombra se consigue que los cuerpos destaquen en relieve sobre la superficie plana del
cuadro.
El escorzo es un recurso plástico que representa a los objetos en posición
perpendicular al plano del cuadro con el fin de adentrar al espectador en profundidad.
En la pintura la representación ilusoria y ficticia del espacio se consigue mediante la
perspectiva. El cuadro se transforma en una ventana a través de la cual nos parece estar
viendo el espacio. La acepción actual de la perspectiva surge en el Renacimiento.
En el mundo antiguo Vitrubio nos dice que “la perspectiva es la representación de la
fachada de un edificio y de sus paredes laterales en escorzo, convergiendo todas las
líneas al centro del compás”. Euclides dice que “es el cono visual construido por los
rayos visuales que tienen su vértice en el ojo y su base en los límites del objeto.
Damiano nos dice que el ocular no es plano sino curvo y las imágenes percibidas se
modifican esfericamente y el campo visual asume una configuración esférica. Según
Panofsky está clara la esfericidad en el mundo antiguo.
En el mundo medieval la profundidad espacial se sustituye por la superficie pura, se
va perdiendo la percepción volumétrica de las formas, se tiende a la bidimensionalidad
y esquematismo de los símbolos y surge una nueva escala o canon que es la del “tamaño
espiritual”.La fuente de inspiración no es el mundo material sino el mundo espiritual. La
perspectiva como técnica de representación espacial pierde todo su significado, esta
falta de perspectiva dura hasta el siglo XIII.
La perspectiva artificial tiene su origen en Florencia, donde la pintura pasa de
mecánica a liberal y los pintores dan el salto social de artesanos a artistas y hombres de
ciencia. Es uno de los momentos de mayor interés para el análisis del lenguaje
pictórico.

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 Brunelleschi es el primer arquitecto que pensó y concibió la arquitectura como
espacio, esta perspectiva presume un mecanismo de la visión con un punto de vista
único e inmóvil, se basa en la intención de la pirámide visual. Se traza un haz de líneas
constituyendo una pirámide cuyo vértice es el punto de fuga de la misma. Se simula que
el espectador contempla la realidad como a través de una ventana abierta.
Leonardo da Vinci divide el estudio de la perspectiva en tres partes; La primera
comprende la construcción lineal de los cuerpos (perspectiva lineal). La segunda, la
difuminación de los colores en relación con la distancia y la tercera, la pérdida de
determinación de los cuerpos en relación a la distancia. El punto dos y tres son los
fundamentos de la “perspectiva aérea” que representa a el aire como una realidad
plástica.

LAS ARTES DECORATIVAS

La designación más adecuada para estas artes son las siguientes; Artes Aplicadas,
esta definición nos habla de la decoración en el objeto, es equivalente a artes
decorativas. Artes industriales, a partir de la revolución industrial y Artes Decorativas.
En definitiva no existe un término que se haya consolidado culturalmente en forma
rotunda, pero lo importante al final es que de lo que hablamos es de Arte.
Una de las propuestas de clasificación de las Artes Aplicadas es la siguiente:
1) Los metales: el hierro y la rejería, la plata y la platería u orfebrería.
2) Las maderas: Techumbres, armaduras de madera y el mueble.
3) Los cueros: cordobanes, guadamecíes y encuadernación.
4) Los textiles: tejidos, alfombras, tapices, bordados y encajes.
5) Los papeles.
6) Las piedras duras.
7) Los marfiles.
8) Las artes del fuego: vidrio, esmalte y cerámica.
9) Distintos materiales: abanicos y juguetes.
Esta clasificación se divide en dos vertientes, la popular (del pueblo) y la cultural
(artística).
La culta es utilizada como revestimiento arquitectónico, revestimiento de todo tipo y
artes decorativas exentas.

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 La condición artesanal de las artes decorativas a partir del Renacimiento ha
condicionado la valoración de esta actividad artística. Esta manifestación artística se
caracteriza por su carácter impersonal, ya que es el resultado de la experiencia de varios
artífices, y su sociabilidad, es decir, alude al pedo de la tradición y se clasifica en tres
grupos según René Huyghe.
A) Artesanos de tradición: son los herederos de una tradición artesanal de padres a
hijos.
B) Artesanos de arte: no están respaldados por la tradición, su trabajo creativo es
más personal y original.
C) Artesanos ejecutores: no son creadores, su trabajo es de forma mecánica, es un
trabajo industrial.
El denominador común de todas las artes decorativas es la decoración u
ornamentación. Los motivos ornamentales se agrupan entres familias:
A) Geométricos: puntos, líneas, zigzag, ondas, meandros, etc.
B) Naturalistas: vegetales, animal, humano y paisajes.
C) Epigráficos
D) Heráldicos.
En el siglo XIX se defiende que las formas más complejas no tienen su origen en la
imitación de la realidad, sino que se derivan de las formas más elementales de la
ornamentación. Ahora la historia de la decoración es considerada básica para la
formación del estilo y tiene el mismo valor que les artes mayores.

LOS MEDIOS DE COMUNICACIÓN VISUAL DE MASAS

En la primera mitad del siglo XX surgen nuevas tecnologías de reproducción y

difusión de la imagen y Walter Benjamin analiza su influjo en el arte. Entre estos
medios encontramos: la fotografía, el comic, el cine y la televisión.
La fotografía es el primero de los medios de comunicación de masas, se define como
“escritura con luz”. Juan Antonio Ramírez la describe en los siguientes puntos:
1) Reduce la bidimensionalidad del negativo.
2) Utiliza la luz como medio de representación.
3) Impone una mediación tecnológica entre el dato físico y su representación.
4) Es de carácter estático y monofocal.

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 Es la heredera de la “perspectiva artificial” del Quatrochento. Porque al igual que
esta lo que nos muestra no es la realidad.
Los medios para obtener fotografías son los siguientes:
1) La luz exterior.
2) El tiempo de exposición o velocidad del disparo.
3) La apertura del diafragma.
4) La sensibilidad de la película utilizada.
Otro medio de comunicación es el cartel, es un mediador entre dos mundos
antagónicos, el de la producción y el del consumo. El cartel contiene un mensaje
icónico-literario, puede haber un cartel sin palabras, pero nunca sin imágenes.
El mensaje se dispone sobre un soporte plano y de poca consistencia, generalmente
papel por lo tanto tiene un carácter efímero. El cartel es una obra múltiple, el sentido del
origina es el de obtener una gran cantidad de copias, su tamaño es relativamente grande
y tiende a la simplificación ante la necesidad de la percepción instantánea del mensaje.
Ahora pasamos al comic, su función es de lograr un relato iconográfico-literario que
está destinado a la difusión masiva en copias idénticas entre si sobre soporte plano y
estático. El comic es un relato que utiliza la imagen dibujada y eventualmente el texto.
Podemos distinguir tres tipos de texto:
1) El que dicen o piensan los personajes, este texto va enmarcado dentro de un
globo.
2) Los textos narrativos: están redactados en un estilo indirecto y se encuentran
enmarcados en cartuchos.
3) Exclamaciones y onomatopeyas: “Ay”, ¡Hug!, etc.
La unidad compositiva de la historia es la viñeta, además el comic exige por parte
del lector un esfuerzo de reconstrucción y de participación superior que en otros medios.
Hablaremos de un medio mas que es el cine. Se entiende como cine a la proyección
sobre una pantalla de una sucesión múltiple de imágenes impresas en una película
transparente. La unidad del lenguaje cinematográfico es el plano, que se define como
“el encuadre del espacio abarcado por el objeto.
La imagen cinematográfica es producto de una ilusión óptica.
Tomando como referencia la figura humana, los planos se denominan como:
1) Plano general; se toma la figura completa. Plano tres cuartos o Plano americano;
figura cortada a la altura de las rodillas. Plano medio; figura cortada a la altura de la
cintura. Primer plano; detalle concreto de la figura.

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2) El campo: Es la representación del espacio.
3) La angulación: La incidencia del eje del objetivo sobre el sujeto u objeto
cinematográfico.
4) La iluminación: Se aplica con diferentes criterios, dependiendo de la intención de la
toma.
5) El movimiento del plano: Puede ser del sujeto, de la cámara o de la combinación de
ambos, unos ejemplos de movimiento son la toma panorámica y el “travelling”.
6) La duración del plano: Se mide en fotogramas, en metros de película o en segundos.
7) El sonido o banda sonora y efectos sonoros: Pueden ser en directo o grabados
posteriormente en in estudio.
El cine ha heredado del teatro, del circo y del estadio deportivo la forma arcaica del
disfrute comunitario.
La televisión es un medio de telecomunicación como el telégrafo, la radio y el
teléfono y transmite en directo información a través del espacio. La televisión es un
instrumento que puede ser vehículo para diferentes géneros como la publicidad, el teatro
el cine etc.

LA CIUDAD Y LA HISTORIA DEL ARTE

La primera definición del urbanismo es, la ciencia y arte de la ordenación urbana.

Pero existe una definición mucho mas amplia que dice que es “todo lo relativo a la
ciudad” dando así lugar a una historia del urbanismo como historia del Arte Urbano.
Hoy el urbanismo es considerado como una ciencia multidisciplinaria. Dentro de la
historia del Arte se denomina como “arte urbano” que abarca todo lo referente a la
ciudad.
La ciudad podemos verla como un espacio-temporal; en lo correspondiente a lo
espacial, trata del emplazamiento o lugar donde se establece. La situación de una ciudad
es condicionante para su función, puede ser defensiva, comercial o religiosa entre otras.
La composición de la ciudad es obra del tiempo. Existen dos tipologías fundamentales
de ciudad.
La ciudad radiocéntrica: Dispuesta en anillos sucesivos a partir de un núcleo central,
ejemplos de esta tipología son las antiguas ciudades asiáticas y las ciudades ideales del
renacimiento.

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 El otro tipo es la ciudad cuadriculada, es decir, de trama ortogonal caracterizada por
su claridad y regularidad como la ciudad griega de Mileto.
Los dos elementos a tener en cuenta en el análisis urbano son las topologías
arquitectónicas, que comprenden desde aquellos momentos representativos, pasando por
los diferentes tipos arquitectónicos urbanos.
El otro elemento son los espacios urbanos, es decir, el espacio exterior, al aire libre,
esta es la esencia del urbanismo, formado por las calles, las plazas, las zonas verdes etc.
Los Historiadores del Arte han de ser los técnicos capaces de comprender la
“historicidad profunda del fenómeno urbano.

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BORRÁS Gualis Gonzalo M.
Teoría del arte I,
España, Historia 16,
1ª edición, 1996.
159 Págs., (Colección conocer el arte).

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