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La desigualdad entre las clases poderosas y el pueblo acentuó el malestar social, que se
manifestó en la pobreza del campo y en la masificación y miseria de las ciudades. Estos cambios
provocaron una necesidad de evasión que halló en el teatro su manifestación más popular.
Las formas teatrales de la escena barroca española son el auto sacramental y la comedia,
especialmente la comedia de capa y espada. El auto sacramental es heredero de los dramas
litúrgicos medievales y está ligado a las fiestas del Corpus, con intención moralizadora.
La comedia española estaba encabezada por Lope de Vega (1562-1635), que estableció
una nueva preceptiva dramática -El arte nuevo de hacer comedias-, con la cual se acercaba
a las exigencias del público de los corrales. En sus obras, concedió más importancia a la
acción que a la caracterización de los personajes. En un país arruinado y hambriento como
la España del siglo XVI, los teatros, las compañías y las representaciones se multiplicaron. La
gente quería olvidar sus problemas e iba al teatro, principalmente, a evadirse de la realidad. A
lo largo de todo el siglo se desarrollará una actitud de desengaño y de búsqueda de la evasión
en la demanda de comedias.
Por otro lado, el teatro de Pedro Calderón de la Barca (1600-1681) se nos presenta
como un laberinto de pasiones y preocupaciones donde los temas principales son el amor
y el honor.
La dramaturgia francesa estuvo muy influida por el teatro español (por ejemplo,
Moliere recreo el personaje de Don Juan inventado por Tirso de Molina en El burlador de
Sevilla) y por la comedia del arte italiana. El acierto de Molière (1622-1673) consistió en
desarrollar los tipos de la comedia del arte, convirtiéndolos en arquetipos (el avaro, el
misántropo, el pedante, el seductor).
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Artes Escénicas 2º BACHILLERATO
Los inicios del ballet
En los siglos XVI y XVII la danza se convierte en el centro de la vida cortesana y también de
las fiestas de las clases populares. Nobles o plebeyos, todos sabían bailar o tocar un instrumento,
porque era la forma de mostrarse socialmente.
Los bailes populares imitan las danzas cortesanas, por eso no es de extrañar que danzas
como la bourrée, el rigodón, la chacona o la zarabanda se extendieran por distintos países y
clases. Los primeros ballets de la historia, eran espectáculos que unían música, poesía,
coreografía y escenografía bajo una estructura dramática. Desde entonces, el ballet ha ido
tomando cada vez mayor autonomía e independencia.
Los primeros teatros estables aparecieron en Paris. Las salas acostumbraban a ser antiguos
locales dedicados al juego de la pelota, de forma rectangular. La concepción del espacio escénico
era muy parecida en los tres modelos nombrados: una cortina dividir el entarimado y, delante
de esta se representaban las escenas exteriores, mientras que detrás, descorridas las cortinas,
se encontraba el interior.
El aparato escenográfico era más bien simbólico y el vestuario solía ser realista y también
el elemento más colorista y ambientador de la función. Otra cosa muy distinta eran las grandes
representaciones que se realizaban durante las festividades reales. Entonces se ponían en
marcha todo tipo de artefactos escénicos que han dado al teatro barroco la fama de
espectacular.
Se pueden considerar como una herencia del teatro barroco la creación de teatros como
edificios para las representaciones, y en especial la concepción del escenario, la
profesionalización de autores, actores, directores, bailarines, maestros, etc., como personajes
que viven de este oficio, el acceso definitivo de la mujer como actriz o bailarina y la relevancia
de los elementos escenográficos. Pero, sobre todo, nos ha dejado grandes autores y obras
teatrales, por eso lo llamamos el teatro de la palabra.
Se entiende por personaje cada uno de los seres humanos, naturales, simbólicos, animales
e, incluso, objetos que intervienen en la acción de una obra literaria. El personaje de una obra
teatral es quien realiza la acción, el principal elemento dramático de la pieza, es el principal
emisor del autor, ya que mediante este se transmite el mensaje, la información, la acción, la
intriga y los sentimientos centrales de la pieza teatral. Para definir a un personaje, hay que
responder a estas tres preguntas;
- Individuos o personajes dotados de rasgos psicológicos propios, como Hamlet (la duda
y la búsqueda de la verdad) u Ofelia (la perfección absoluta que le impide comprender
el mundo).
- Tipos o personajes convencionales que poseen características físicas y morales
conocidas previamente por el público y establecidas por la tradición literaria, como el
soldado bravucón, el traidor, el criado gracioso o la enamorada alicaída.
- Estereotipos o personajes caracterizados por la banalidad, la superficialidad y su talante
repetitivo. Estos hacen uso de expresiones verbales y gestuales en forma de clichés o
modelos fijos. Así, por ejemplo, tenemos al borracho, al afeminado o al mujeriego.
- Arquetipos o personajes que representan comportamientos universales, como Lady
Macbeth (la ambición), Otelo (los celos), Desdémona (el amor absoluto), Edipo (la
culpabilidad), Coriolano (el orgullo), Tartufo (la hipocresía) o Falstaff (el vitalismo).
Monólogos y apartes
Los apartes son palabras que un personaje dice para sí mismo, como si hablara en voz alta,
buscando la complicidad del auditorio.
Los monólogos razonadores, son un tipo de texto que, a veces, se dirige directamente al
espectador, y otras supone una reflexión sobre sí mismo.
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