FILIPPO BRUNELLESCHI

BIOGRAFIA:

Nacido en Florencia en 1377, Brunelleschi es el ms importante arquitecto

del Renacimiento, cuyo estilo iniciar. Es autor del arquetipo de palacio renacentista y
el primero en construir iglesias en el mismo estilo. Prestigioso ya en su tiempo, dedica
veinticinco aos a resolver el problema tcnico que supone la inmensa cpula de la
catedral florentina.
Sus inicios artsticos empiezan en el dibujo y los trabajos de orfebrera. Junto
a Donatello, se dirige a Roma para estudiar los monumentos clsicos, de los que
extraer su estilo. Participa con su obra El sacrificio de Isaac en el concurso para la
construccin de la puerta norte del baptisterio de Florencia, en 1401, concurso que
ganar Ghiberti tambin con una esplndida realizacin.
Construye la cpula de Santa Mara del Fiore, de 42 metros de dimetro. Sus iglesias
toman como ejemplo las baslicas cristianas, siempre a la bsqueda de la creacin de
obras en estilo clsico. Nuevamente la cpula, con seguridad la pieza de solucin ms
compleja, le aparece como reto en la capilla Pazzi (1424), que Brunelleschi con una
planta en cruz latina que ana a las ventajas de sta las de la planta en cruz griega. La
solucin servir de precedente para la baslica de San Pedro en Roma. En el palacio
Pitti crea el modelo del palacio renacentista italiano, haciendo desaparecer de la
construccin la caracterstica torre defensiva medieval y ocupando la fachada con un
ornamento almohadillado. Fallece en Florencia en 1446.

SUS OBRAS:

Cpula de la Catedral de Florencia:

Desde cualquier perspectiva que se elija, la cpula de la catedral de Florencia se eleva

por encima del viejo casero de la ciudad, dando a sta su perfil ms caracterstico. Con
esta obra Brunelleschi aport interesantes novedades a la historia de la arquitectura y
contribuy decisivamente a consolidar la imagen de Florencia como centro artstico
del Quattrocento italiano.

Proyecto presentado en 1418. Trabajos desarrollados entre 1420 y 1436.

La construccin de la linterna, segn proyecto del mismo arquitecto, se inici en 1446

y concluy en 1461.

La forma: cpula de perfil apuntado y planta octogonal. Su punto ms elevado alcanza

a una altura sobre el suelo de 114 metros. Su dimetro mayor es de 41,7 metros. Su
peso se estima cercano a las 37.000 toneladas.
El mtodo: obra arquitectnica realizada en piedra, ladrillo macizo, mortero y otros
materiales, destacado el mrmol de los nervios y del revestimiento del tambor.

La descripcin general: la cpula de la catedral de Florencia se levanta sobre un

tambor de planta octogonal realizado en piedra. Cada uno de sus ocho lados est
revestido por placas de mrmol y presenta un gran culo central. Sobre este tambor
se levanta la cpula propiamente dicha que muestra un claro perfil apuntado en el que
destacan los ocho nervios realizados con sillares de mrmol blanco de cuatro metros
de espesor. Todo el espacio de los plementos existentes entre aquellos est cubierto
por tejas de barro plantas, de color rojizo. En el punto de convergencia de los nervios
se alza una linterna prismtica, cubierta por una estructura cnica coronada por una
esfera de cobre dorada doble la que se alza una cruz. Sin embargo, esta imagen
externa oculta la ingeniosa solucin aplicada por Brunelleschi para la levantar la
construccin sin que fueses necesarias cimbras de madera que soportasen la escultura
durante el desarrollo de las obras. A tal efecto, el arquitecto concibi en realidad un
doble cpula, exterior e interior, de perfiles apuntados, de modo que existiese un
espacio vaco entre ambas, siempre constante y con un sistema que vigas de refuerzo
que se extienden horizontalmente entre los nervios.

La cpula interior posee un total de 24 nervios construidos en ladrillo que reciben las
descargas de la escultura, dividiendo el peso de su carga y llevndolo hasta el tambor.
Recoge as el empuje de la cpula externa al tiempo que sus ocho nervios visibles al
exterior carecen de verdadera funcin estructural. Con todo ello se reduce el peso del
conjunto y se posibilita la existencia de una galera interna entre ambas cpulas que
conduce hasta la linterna. Por ltimo, cabe mencionar que gracias al sistema
constructivo auto portante empleado e esta obra, realizado a base de anillos
concntricos de ladrillo que van sucedindose en altura, la cpula presenta una
superficie completamente plana, sin nervios de ningn tipo.
El smbolo: las dimensiones de esta cpula la convierten en la construccin ms
relevante del Quattrocento italiano. La obra en s misma simboliza la importancia de
Florencia como ncleo fundamental del arte renacentista durante el siglo XV y
principal de la poca, tratando de hacer visible el paralelismo entre la ciudad toscana t
la templo catedralicio la constituye en smbolo visible de la fortaleza de la iglesia
cristiana en la sociedad florentina.

CPULA DE SANTA MARIA DEL FIORE EN FLORENCIA. 1418 1439:

Se trata de la cpula de Santa Martia del Fiore en Florencia, es una catedral gtica,
iniciada en 1926 por el arquitecto Arnolfo de i Cambio y continuada desde 1331 por
Giotto, quien realizo su bello campanile, exento y otros arquitecto. La catedral tiene
planta de cruz latina con tres naves. Como es tpico en el gtico italiano, tiende a la
horizontalidad y a la policroma, al intercalar hiladas de piedra y mrmol. En 1418 la
Corporacion de la Lana convoc un concurso para elegir el mejor proyecto para
construir una cpula sobre el crucero, que an faltaba. La maqueta presentada por el
arquitecto Filippo Brunelleschi gan el concurso, al que tambin se haba presentado
Ghiberti.

Los materiales: ladrillos, piedras y mrmol.

La plana e interior: Brunelleschi gan el concurso gracias a su innovador sistema

constructivo, sin cimbras de madera y empleo de un aparejo de ladrillo hueco en
forma de espina de pez, utilizado ya por los romanos. Plante la grandiosa cpula
como un doble cascarn con un espacio vaco en medio, el cascarn interior era de
forma semiesfrica, al externo era apuntado, dividiendo en ocho partes, triangulares
divididas por nervios exteriores de mrmol. Aligeran el peso en el exterior diversas
semicpulas de descarga y una serie de costillas horizontales concntricas y nervios
ocultos.

El exterior: la cpula se alcanza sobre un tambor ortogonal de piedra revestido de

placas de mrmol, con una gran circular en cada uno de sus lados. La cpula cuyas
ocho caras estn cubiertas de tejas rojas plantas, tiene un aspecto esbelto gracias a su
perfil apuntando, debido a la curvatura de los nervios de mrmol blanco que la
recorren ascendiendo hacia la cspide. En la unin de los nervios aparece una estiliza
linterna, punto de fuga del sistema, terminada en 1471, ya muri Brunelleschi. En ella
se emplean voluntad.

El estilo: esta cpula es la primera obra renacentista. Est inspirada en los sistemas de
construcciones romanos, especialmente en la cpula del Panten de Agripa y tambin
en la tradicin gtica pero los supera. Junta y agrupa el espacio del edificio.
La cpula superaba en altura y destacaban del resto de las edificaciones de la ciudad
de Florencia. Dominaba la perspectiva y jerarquizaba el espacio urbano. Era el
smbolo del orgullo de esta ciudad-estado, la ms prestigiosa del siglo XV. La cpula
tendr un enorme xito y ser muy imitada durante el Renacimiento, dentro y fuera
de Italia.

Miguel ngel se inspir en ella para su cpula del Vaticano. Tanto en Europa como
Amrica, se realizaran otras cpulas siguiendo el modelo de Brunelleschi. Por ejemplo
la cpula de la catedral de San Pablo en Londres y la del Capitolio de Washington.

IGLESIA DE SAN LORENZO:

El comentario de las obras artsticas pertenecientes a la arquitectura renacentista
vemos a analizar la Baslica de San Lorenzo de Filippo Brunelleschi, una obra de las
obras con las que comienza precisamente el citado estilo.

La forma: obra arquitectnica con planta de cruz latina, de tres naves y capillas
laterales. Presenta cubierta exterior a dos aguas en la nave central y a un agua en las
laterales.

El mtodo: construccin realizada en piedra, con mrmol para los revestimientos

decorativos y material de relleno en las bvedas.

La descripcin general: nos hallamos ante un edificio que presenta una planta de cruz
latina muy alargada, esta divido en tres naves a las que se adosan capillas laterales. La
nave central de mayor altura y anchura que las otras, presenta una arquera con arcos
de medio punto sostenidos por columnas corintias, cuyos capiteles sostienen un muro
perforado por amplios y esbeltos vanos de medio punto que permiten la iluminacin
natural del interior del templo. La cubierta interior de la nave es plana, con casetones
decorados mediante rosetones dorados sobre fondo blanco.

Las naves laterales presentan bvedas vadas que apean, a un lado sobre las columnas
de la nave central y, a otro lado sobre pilastras de orden corintio. Sobre estas (a los
lados externos) encontramos sculos de iluminacin.

Las capillas de los extremos, siete a cada lado muestran un acceso con arco y se
cubren con bveda de can. Por su parte, el transepto presenta en su frente cinco
capillas, todas ellas rematadas con testero plano. La central, se alinea con la nave
principal y posee el mismo tipo e cubierta adintelada. El testero queda enmarcado por
dos columnas corintias sobre las que se alza una tribuna, generando una doble altura
en la que se aprecian sendos arcos de medio punto. Las otras cuatros capillas se
alinean con las naves laterales y se cubren, al igual que estas con bvedas vadas.
Adems posee el transepto otras tres capillas en cada uno de sus extremos, orientadas
hacia la cabecera del templo y hacia el crucero.
Adosados a ambos lados del transepto se encuentran dos amplios espacios que
sobresalen de la estructura del templo. Son las llamadas Sacrista Vieja y Sacrista
Nueva. El crucero se cubre con cpula semiesfrica que aparece al exterior cubierta
por una estructura a modo de cimborrio. Al exterior el templo presenta una fachada
inconclusa, hecha en piedra y ladrillo, ya que no se llev a cabo su decoracin de
mrmoles. Sin embargo hacia el interior, la baslica una contra fachada que posee en la
zona central un balcn sobre columnas corintias que enmarca la puerta principal,
quedando a sus lados otras dos laterales.
El simblico: no hallamos en la propia edificacin referencias simblicas evidentes,
ms all de la que nos muestra la propia planta de la baslica cuya cruz latina es una
referencia obvia al ms conocido smbolo de la religin cristiana. Por otra parte, la
propia majestuosidad del edificio viene a simbolizar el creciente poder de la familia de
los Mdicis, que encargo su construccin.

El sociolgico: cuando Brunelleschi recibe el cargo de levantar la Baslica de San

Lorenzo se halla en el comienzo de una etapa de esplendor que viene marcada por el
predominio en el gobierno municipal de la familia Mdicis, representada por Juan de
Vicci Mdicis, comitente de la obra u con el que se inicia el apogeo de la dinasta
florentina, consolidado con un hijo Cosme de Viejo. Juan de Mdicis decide encargar el
proyecto a Brunelleschi con una clara finalidad, el templo habra de servir como un
panten de los miembros ms ilustres de la familia para mostrar al mundo no slo la
riqueza familiar, sino tambin su predominio en la vida poltica y cultural de la capital
toscana.

PERSPECTIVA:

Brunelleschi es considerado como el descubridor de la perspectiva lineal mediante un

mtodo matemtico. Su objetivo es imitar un espacio tridimensional en una superficie
plana y como seria contemplado por el ojo humano, en esta labor tiene algunos
precedentes de personas que tendran el mismo objetivo. El mismo Giotto haba
formulado una serie reglas para el trabajo de la perspectiva. Si bien no eran perfectas
y no respondan a una estricta utilizacin de la perspectiva, tampoco se puede decir
que en sus pinturas la representacin de la perspectiva se basaba en el azar. Duccio y
Ambrogio Lorenzetti de Siena tambin realizarn aproximaciones intencionadas en la
ubicacin de la perspectiva en sus pinturas. Ambrogio ya har uso de un punto de
fuga, pero fallar en la utilizacin de los puntos diagonales de convergencia. De este
modo, no ser hasta Brunelleschi cuando se alcance la utilizacin precisa de la
perspectiva. Para su estudio experimental de la perspectiva, Filippo Brunelleschi
utiliz dos tablitas pintadas. Es una represent el Baptisterio de San Juan y en otra el
Palacio de la Seora.

BAPTISTERIO DE SAN JUAN:

PALACIO DE LA SEORA:

El cuadro del baptisterio es una tabla cuadrada de pequeo dimensiones en la que se

ofrece una vista principal de baptisterio de planta octogonal desde la puerta principal
de la catedral de Florencia con el punto de vista a la altura de los ojos del espectador.
La tabla constaba de un orificio a la altura de lo que sera el punto real de visin del
espectador de cara al baptisterio. Este agujero estaba pensando para que un
espectador mirara a travs de l por detrs de la tabla, hacia un espejo colocado
delante de la misma para ver reflejada la pintura en l. Con esto se pretenda crear la
ilusin de estar viendo la imagen real de baptisterio. La utilizacin de un espejo se
debe a que este destacara ms el defecto a la hora de compararlo con la realidad. A
ello contribuy que en el lugar correspondiente al cielo colocaste plata que reflejaba el
cielo real. Esta tcnica la emple porque consideraba que el cielo no se poda
representar al no ser algo estable, es un espacio infinito que en comparacin con la
arquitectura no ocupa un lugar concreto. De esto se puede extraer que su objetivo era
la arquitectura y su estudio cientfico.

El Palacio de Seora en Florencia en ese punto central de visin era el palacio,

dejando la plaza a los lados. No emple la tcnica del orificio, puesto que sta era de
mayores dimensiones, pero s que recort el perfil superior de los edificios eliminando
el cielo para poder comparar el cuadro con el perfil real de los edificios de la plaza.

Actualmente no se conversan pero a travs de las descripciones de Manetti se puede

saber algo sobre sus estudios. Con ellas quedaba demostrada la perfecta utilizacin de
la perspectiva que consigui Brunelleschi empleando para ello un mtodo
matemtico, la representacin de lo que el ojo humano observara en la realidad. Si
bien, los medios que empleo para conseguirlo no se pueden aventurar, ya que su
bigrafo Maetti no recogi este aspecto. Se sabe para que tu estudio se basara en
edificios existentes, pero sobre los recursos que utiliz hay numerosas hiptesis. Hay
que destacar que era un gran conocedor de las matemticas y de los avances
cientficos de su poca, de los que se pudo valer para llevar a cabo sus estudios. Pero
esto es algo incierto. La tcnica consiste una sensacin de profundidad.

Se trata por lo tanto, de la primera vez que el problema de la perspectiva se abordaba

de una manera cientfica. Esto se puede hacer extensible a su produccin
arquitectnica, ya que este estudio de la perspectiva se puede tomar como una teora
de proporcin que rija determinadas reglas de la arquitectura en Brunelleschi. La
arquitectura debe mostrarse proporcionada a la visin del ojo humano y en cierto
modo, este experimento tarta de demostrarlo fijando como nico punto de vista el del
espectador.

Con la introduccin de la perspectiva lineal se vean unas reglas que influirn en otros
artsticas como Masaccio, que mostrar un gran inters por la disposicin de los
personajes en el espacio y la preocupacin por la profundidad con la importancia que
le da a la perspectiva.

MASACCIO

BIOGRAFIA:

El 21 de diciembre de 1401 nace en Castel San Giovanni, se llama Tomasso di Ser

Giovanni di Mone Cassai, ms conocido como Masaccio uno de los pintores ms
importantes del Quattrocento. Su padre, notario de profesin, se llamaba Ser Giovanni
Cassai y su madre Iacoba. En 1406 queda hurfano de padre, naciendo ese ao su
hermano Giovanni, conocido como Scheggia, quien protagonizar San Pedro sana con
su sombra en la capilla Brancacci. Caterina, la otra hermana, se cas con un pintor
llamado Mariotto di Cristofano. Sus primeros contactos artsticos tendran lugar en su
ciudad natal, trasladndose Masaccio a Florencia hacia 1417, acompaado de su
madre, viuda de su segundo matrimonio. El 7 de enero de 1422 aparece inscrito en el
gremio de mdicos, boticarios y pintores de la ciudad, empapndose del ambiente
humanista que se respiraba en la capital de la Toscana, relacionndose
con Donatello y Brunelleschi, su primera obra conocida. En esos momentos tambin
trabaja en el fresco de La Consagracin para la iglesia del Carmine. Se considera que al
ao siguiente realiza un viaje a Roma, donde se interesa por el mundo antiguo. En
1424 se inscribe en la "Compagnia di San Luca" e inicia sus relaciones con Masolino,
con quien trabaja en algunas obras como la Santa Ana, Virgen con Nio y ngeles y en
la decoracin de la capilla Brancacci, su obra maestra. La ejecucin de los frescos se
prolongar hasta 1428, trabajos que compagina con otros encargos como el Polptico
de Pisa o el fresco de la Trinidad de la iglesia de Santa Maria Novella. Gracias al
catastro de 1427 sabemos que Masaccio viva con su hermano Giovanni y su madre en
una casa alquilada de la Via dei Servi y que ocupaba un taller en la actual Piazza di San
Firenze. En 1428 se traslada a Roma, interrumpiendo los trabajos en la capilla
Brancacci para colaborar nuevamente con Masolino en la ejecucin de un trptico
para la iglesia de Santa Maria Maggiore, que no lleg a finalizar ya que falleci
misteriosamente ese mismo ao, sugirindose que fue envenenado, aunque no existen
datos fidedignos que avalen esta hiptesis. El estilo de Masaccio destacar por sus
figuras monumentales, inspiradas en la escultura de Donatello, actualizando las ideas
de Giotto y situndose frente a Gentile da Fabriano, quien triunfaba en Florencia con
sus elegantes escenas tardogticas. Masaccio aporta un elevado inters hacia la
perspectiva cientfica al dotar de un nuevo sentido del espacio a sus composiciones, la
expresin de sus personajes y el empleo de la iluminacin, que transmiten a sus obras
un lenguaje crucial para la evolucin de la pintura renacentista, considerndose como
el primer maestro del Quattrocento, que influira en artistas como Botticelli, Fra
Filippo Lippi o Miguel ngel.

SU OBRA:

TRINIDAD:

Si hay una obra que marca de manera rotunda el definitivo triunfo de la perspectiva
matemtica en la pintura italiana del Quattrocento esa es sin duda alguna la que lleva
por ttulo completo el de La Sagrada Trinidad con la Virgen Mara, San Juan
Evangelista y dos docentes, realizada por Masaccio quizs entre los aos 1426 y
1428. Ao precisamente de la inesperada muerte del joven artista.
Nos hallamos ante un fresco de colosales dimensiones conservado en la iglesia de
Santa Mara Novella, de la Florencia. La pintura estuvo mucho tiempo oculta, desde de
Vasari realizada unas reformas en el templo a mediados del siglo XVI. Llama la
atencin que fuese el propio Vasari quien tapase esta joya, como una alta valoracin
de la obra de Masaccio. Despus de trescientos aos de su ocultacin la pintura fue
recuperada para que ahora podamos disfrutarla en todo su esplendor, mxime
despus de la ltima restauracin efectuada en el conjunto. La composicin hay dos
escenas diferentes: en la parte inferior encontramos un altar que hace las veces de
sepulcro enmarcado por columnas, sobre el que figura un esqueleto. Obviamente, no
nos mira, pero nos lanza un mensaje que podemos leer en el fondo, escrito en letras
capitales: Yo fui antes los que vosotros sois y lo que yo soy ahora vosotros lo
seris.

Por encima de esta contundente advertencia sobre la fugacidad de la vida

encontramos la segunda escena, flanqueada por los donantes de la obra. Aqu la
capacidad de Masaccio para representar el volumen y la profundidad nos permite
apreciar a esos donantes arrodillados, dispuestos a ambos lados de la escena principal
y que aparecen asistir a ella desde otro plano, como si estuviesen fuera de la
representacin. Y sta consiste en una Trinidad en la Masaccio nos muestra al Padre
sosteniendo con firmeza la cruz en la que yace el Hijo muerto, mientras el Espritu
Santo, como paloma, se sita entre las cabezas de ambos, hasta tal punto que el
observador poco atento podra confundirlo con un cuello blanco que tuvieran los
ropajes de Dios. Por los dems, al pie de la cruz hallamos a Mara y San Juan, que la
acompaa en su dolor, escena tpica del Calvario.

Reparemos ahora en el espacio construido. Masaccio nos ha situado ante una

arquitectura clasicista en las que dos enormes pilastras de orden corintio enmarcan
un arco se inicia una bveda de medio can decorada con casetones que alcanza
hasta el otro arco que al fondo cierra la composicin. Aqu encontramos una novedad
absoluta, la construccin que nos presenta el pintor y la composicin toda se hallan
sometidos a las leyes de la perspectiva geomtrica por primera vez en la historia de la
pintura, hasta tal punto que el espacio pintado deviene real y el espectador cree
encontrarse ante un enorme hueco abierto en la pared de la iglesia. Al parecer manej
aqu Masaccio las enseanzas que haba recibido de Brunelleschi, a quien conoci en
la ciudad de Florencia.

Contribuye a consolidar este efecto el hecho de que los personajes estn mostrados a
tamao real, as como la disposicin triangular que presentan y la lnea ascendente
que los conecta, pasando por el madero de la cruz y llegando hasta la cabeza de Dios
Padre. Sin embargo, la afinacin de los capiteles del conjunto compone otro tringulo,
con el vrtice a los pies de la cruz y sobre el centro del esqueleto.

Pero no acaban aqu los esfuerzos de Masaccio, por dar veracidad a su Trinidad. Toda
la escena est enmarcada en tres grandes cuadrados que organizan el sistema de
proporciones, mientras que se genera un punto de vista que parte precisamente de los
ojos del espectador y que justamente lleva la mirada hasta el centro del mensaje
religioso que la obra quiere transmitir: la importancia trascendental de la trinidad en
el pensamiento cristiano y en la propia concepcin de la salvacin de la especie
humana.
En definitiva, Masaccio nos ha legado en esta obra muchos planteamientos novedosos,
que se incorporarn al conjunto de cnones renacentistas aplicados a la pintura. La
Trinidad es toda una leccin del arte de pintar y de las frmulas de la perspectiva
matemtica de la mano de un joven que se dispona a morir sin haber cumplido an
los veintisiete aos.

DONATELLO

BIOGRAFIA:

Nacido en Florencia en 1386 en el seno de una humilde familia, su padre era cardador
de lana desde joven se form con Ghiberti colaborando en los relieves de las puertas
del Baptisterio de San Juan de Florencia. Posteriormente, trabaj con Brunelleschi.
Conocedor de la antigedad clsica, cuya influencia se reflejar a lo largo de su obra,
sus inicios estn marcados por la escultura gtica. As, sus primeras obras son las
estatuas de San Marcos, San Jorge, San Juan Evangelista y Josu, todas ellas en
Florencia. El clasicismo ms vigoroso se muestra a partir de 1425, cuando empieza a
trabajar con Michelozzo y en la ciudad de Roma, donde esculpe "El entierro de Cristo"
y el cliz de la sacrista de la baslica de San Pedro. De nuevo en Florencia realiza su
obra ms sobresaliente, el David en bronce.
Despus de 1435, su estilo se desliza claramente hacia el realismo y la accin
dramtica, dando a sus personajes una mayor fuerza expresiva y psicolgica. De este
perodo son El Condottiero Gattamelata, "Judith y Holofernes" y "Los milagros de
San Antonio". La expresividad de su obra en esta poca sentar escuela no slo entre
los escultores posteriores sino tambin entre pintores, como Mantegna. Donatello
falleci en Florencia el 13 de diciembre de 1466.
SU OBRA:

DAVID:

Es la primera vez que desde la Antigedad Clsica un escultor se atreve a crear una
escultura desnuda de tamao natural, exactamente mide 1,58 metros, se construy
entre los aos 1444-46, su tcnica empleada es la fundicin y el material el bronce.
Actualmente se encuentra en el Museo Nazionale del Bargello, Florencia.
Tiene un cuerpo natural y delicado, que parece que haya sido modelada sobre el
cuerpo de una persona viva, pero la naturalidad de este cuerpo adolescente es fruto de
una composicin muy estudiada. La pierna derecha soporta firmemente el peso del
cuerpo de la escultura, mientras la izquierda descansa sobre la cabeza de Goliat, el
brazo izquierdo se apoya sobre la cadera. Como hemos mencionado el cuerpo est
desnudo, pero en la cabeza lleva un sombrero campesino toscano- alegora de la
victoria sobre su rival Miln- y est calzado con botas de piel. La inclinacin de la
cadera da sensacin de movimiento y sensualidad, la superficie pulida realza las
cualidades y el atractivo de un cuerpo juvenil, asimismo refleja la Valenta
representada en la espada que porta en su mano derecha,
La obra se basa en el relato bblico, donde Goliat desafa a los israelitas para que
enviaran a su campen a luchar contra l y el resultado de la pelea decidira la victoria
entre ambos pueblos. David es un joven, se ofrece a representar y sacrificarse por los
israelitas, matando al gigante lanzndole una piedra y despus le cort la cabeza.

Donatello fue el escultor ms destacado del siglo XV en Italia, adquiri una destacada
perfeccin tcnica y se interes por temas como el desnudo y el retrato ecuestre,
plasm en sus obras los estados de nimo: alegra, tristeza, hasta los perodos
biolgicos de la vida del hombre: juventud. Entre sus obras destaca el San Jorge,
representacin de un joven guerrero lleno de vida y fuerza, que sostiene un escudo.

El David de Donatello, es una escultura en bronce realizada en una fecha incierta, en

torno a 1440, por encargo de la familia Medicis en Florencia. Tiene un aire
inequvocamente clsico debido a su desnudez y a su composicin claramente
praxiteliana. Por eso, en este adolescente frgil y audaz reconocemos inmediatamente
a un hroe de la Antigedad clsica.

El tratamiento general es sobrio, hasta podra decirse que difuminado no obstante, la

sencillez del desnudo se rompe con el calzado de David y el abigarrado adorno del
yelmo de Goliat, trabajados al detalle con relieves historiados y adornos vegetales
tpicos del primer Renacimiento. Adems, David aparece graciosamente tocado con
sombrero de paja tpico de la Toscana, del que caen las guedejas del pelo; lleva
tambin una corona de hojas de amaranto, en clara alusin al herosmo griego.

Forma y estilo: Donatello interpreta este tema bblico como un desnudo clsico. De
hecho, es el primer desnudo integral que aparece en la escultura renacentista. Se trata
de un desnudo ponderado, natural, pero muy expresivo debido a la firmeza de las
lneas compositivas generales. Tiene claras reminiscencias de la escultura clsica,
especialmente de Praxteles: el marcado y suave contrapposto parece inspirado en la
conocida curva praxiteliana que Donatello debi conocer a travs de copias romanas
del citado escultor griego. La perfeccin anatmica, en la que el modelado muscular es
muy suave, difuminado, casi femenino, parece tomada de Praxteles.

Contextualizacin: la obra se puede ubicar en la plenitud del Quattrocento florentino;

es un encargo del propio Cosme de Mdicis y, aunque no hay unanimidad sobre su
fecha, debi fundirlo en torno a 1440. Parece tener un significado simblico, ya que es
una especie de monumento cvico-patritico que conmemora las victorias de
Florencia frente a su rival, Miln. En la escultura, David personifica a Florencia y Goliat
a Miln, uno de cuyos smbolos es la espada.
Tambin su inscripcin hace referencia al mismo tema, Pro Patria fortiter
dimicantibus etiam adversus terribilissimos hostes di i praestant auxilium. Que
significa: A los que valientemente lucharon por la madre patria, los dioses darn su
ayuda incluso ante los ms terribles enemigos.

En principio, la escultura se coloc en el patio del palacio de los Mdicis, pero cuando
Piero de Mdicis fue expulsado de la ciudad, la estatua fue trasladada al patio del
Palazzo Vecchio, base de la seora de la repblica

El tema de David es un clsico del arte italiano y varios artistas aportaron sus propios
puntos de vista al respecto: el de Verrocchio es ms descarado y audaz, el de Miguel
ngel es el smbolo de la tensin en el instante previo al estallido y, el de Bernini que
representa a David en el momento fugaz e imposible en que dispara su honda. Puede
decirse que Donatello es el primero en romper con el punto de vista medieval del
tema, siempre relegado a las imposiciones de la arquitectura o a las biblias miniadas y
representado como un rey, y no como un hroe.

SANDRO BOTTICELLI

BIOGRAFIA:

Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi (Florencia, 1 de marzo de 1145 17 de marzo

de 1510) aportado Sandro Botticelli, fue un pintor italiano de la escuela de Florencia
durante el Renacimiento en la segunda mitad del Quattrocentro. Menos de cien aos
despus, este movimiento bajo el mecenazgo de Lorenzo de Mdicis fue considerado
por Giorgio Vasari como una edad de oro, un pensamiento que conveniente
encabezaba su Vita de Botticelli. Su reputacin pstuma disminuy, siendo
recuperado a fines del siglo XIX: su obra se ha considerado representativa de la gracia
lineal de la pintura del primer Renacimiento, el Renacimiento de Venus y la Primavera
son de las obras maestras florentinas ms conocidas.

SUS OBRAS:
ADORACIN DE LOS MAGOS. 1475:

A finales del siglo XV, con la Edad Media agonizando y el Renacimiento emergiendo, la
Repblica de Florencia, en manos de la familia Mdici desde 1434, ocupa un papel
protagonista en los cambios que se estaban produciendo. Entre los cortesanos de la
corte medicea se encontraba Guasparre del Lama, un advenedizo agente de bolsa,
prestamista y cambista que intentaba hacerse un hueco entre la aristocracia
florentina. Uno de los medios para lograrlo era el mecenazgo de obras de arte, por ello
decidi encargar en 1475 un cuadro sobre el tema de la Adoracin de los Magos para
su capilla privada en Santa Mara Novella. El artista elegido para llevarlo a cabo fue un
florentino, joven pero talentoso, llamado Sandro Botticelli. La pintura deba adems
ayudar al mecenas a congraciarse con los Mdici, debido a diversos problemas que
haba tenido con la justicia por malversacin de fondos. Por ese motivo pidi al pintor
que retratara a la familia Mdici y su corte como personajes del cuadro.

Los personajes: as lo hizo Botticelli, empezando por los mismos Reyes Magos, a
quienes pint con los rasgos de tres Mdici ya difuntos, pero claves en la historia de la
dinasta. Al fundador de la misma Cosme el Viejo, le correspondi el papel principal,
actuando de rey Gaspar. Aparece representado con una enjoyada tnica negra,
arrodillndose para besar los pies del nio Jess. Unos peldaos ms abajo aparecen
los otros dos reyes, presentando sus ofrendas. Se trata de los dos hijos de Cosme: el
mayor es Pedro, apodado el Gotoso, viste unos llamativos ropajes rojos; a su lado est
Juan vestido de blanco.
Tambin aparecen los dos hijos de Pedro el Gotoso, quienes gobernaban la ciudad por
aquellas fechas: a la izquierda, justo detrs de Cosme el Viejo se encuentra Lorenzo el
Magnfico, vestido de blanco y tocado con un vistoso sombrero; a la derecha se
encuentra Juliano, de negro y rojo, que tres aos despus sera apualado durante la
conjura de los Pazzi, mientras sala de una misa en Santa Mara de Fiore. Justo a su
espalda se puede ver al donante de la obra, se trata del anciano canoso que mira hacia
el espectador y se seala con el dedo.
Entre el squito se encuentran otras figuras destacadas de la corte florentina, como el
filsofo Pico della Mirandola, gran impulsor del pensamiento neoplatnico, o el poeta
Angelo Poliziano. El propio artista no se pudo resistir y pint su autorretrato, se trata
del joven vestido de amarillo que nos mira desde el extremo derecho del cuadro.

La composicin: el xito de esta tabla pintada al temple fue inmediato, no slo por los
afamados retratos que aparecen en ella, sino especialmente por su calidad tcnica.
Destaca tanto por los vistosos y variados colores, perdidos en gran medida por la mala
conservacin y una serie de defectuosas restauraciones; como por la complejidad a la
hora de distribuir los personajes, cada uno con una pose diferente: de espaldas, de
perfil, de frente, de cuerpo entero, arrodillado, inclinado. Sin embargo el rasgo que
ms huella dej fue su peculiar composicin, hasta ahora las epifanas se solan
representar con todas las figuras en el mismo nivel, como si se tratase de una
procesin con los reyes a la cabeza, pero Botticelli propone una estructura cerrada en
forma de pirmide, con San Jos, la Virgen y el Nio en la cspide, y escalonando en
diversos niveles el resto de personajes. As se consigue mayor jerarqua de las figuras
y ms espacio para las mismas al colocarlas en varios planos, permitiendo adems
dotarlas de mayores detalles. Esta composicin sera imitada posteriormente por
otras figuras del Renacimiento como Filippino Lippi o Leonardo da Vinci.
LA PRIMAVERA:

Es una de las obras maestras del pintor Italiano Sandro Botticelli. Fue hecha en el siglo
XV y ahora se encuentra en Florencia en el museo Uffizi. Esta mide 203 cm de alto y
314 cm de ancho y se us la tcnica de temple sobre la tabla.

Esta contiene valores griegos, la belleza, la perfeccin de los cuerpos, cuerpos de

mujeres embarazadas. Al encontrarse en un bosque, podemos observar naturaleza.
Colores intensos, como los trajes de Mercurio y de Venus debido a que son los
personajes ms importantes de la escena y es necesario que resalten y en los rboles
de naranjas que se encuentran en el fondo. Se puede ver movimiento provocado por
Cfiro, los personajes tienen en los pies actitud de moverse, las Tres Mars juguetean
con las manos entrelazadas y tambin se puede observar claramente en las telas.

En esta obra se encuentran:

Venus: est en el centro del cuadro y sirve de eje a la composicin, en torno a

su cabeza se puede ver la arboleda, formando una especie de aureola. Est
representada como una Madona, con el cabello cubierto por cofia y velo. Viste
una camisa larga y vestido y manto, que cae de forma asimtrica. Es el centro
 no slo fsico sino tambin moral de la obra, en sus dos aspectos de Venus
Urania y Venus Genitrix, fuerza creadora y ordenadora de la Naturaleza, que
hace nacer y crecer a todos los seres vivos.
Cupido: vuela sobre la cabeza de la figura de Venus y se dedica a lanzar flechas
del amor a Mercurio para enamorar a Venus.
Flora: es la nica del grupo que mira directamente al observador y parece que
intenta esparcir sus flores por el exterior de la escena. Destaca tambin por su
sonrisa, pues es infrecuente en la pintura renacentista, en particular en
Botticelli, cuyas mujeres estn siempre serias, abstradas.

Crifo: Dios de viento benigno representado con colores frios mientras busca el
amor de la ninfa. Sopla la dulce que hace posible la primavera. La ninfa Cloris:
de su boca salen las flores primaverales que Flora recoge en su vestido
transparente.
Las Tres Maras: Servidoras de Venus, dedicadas a una graciosa danza, estn
representadas como tres jvenes casi desnudas y luciendo peinados
elaborados y diversos, el cabello suelto slo podan llevarlo las jvenes
solteras. Se las ha llamados Gracias porque desea forma, danzando en corro, se
las represent en el arte grecorromano.
Mercurio: el Dios queda identificado por los calzados con altas y por el caduceo
usado para separar serpientes y hacer la paz, parece claramente el guardian del
jardn de Venus. Estira la mano para tocar las nubes con su caduceo para
dispersar la niebla. Mira hacia el cielo, lo cual se interpreta como unin con el
ms all. Mercurio sera intermediario entre los hombres y los dioesas, pero
tambin el dios de los comerciales.

LEONARDO DA VINCI:

BIOGRAFIA:

Leonardo da Vinci fue un pintor italiano nativo de Florencia. Notable polmita del
Renacimiento italiano (a la vez anatomista, arquitecto, artista, botnico, cientfico,
escritor, escultor, filsofo, ingeniero, inventor, msico, poeta y urbanista) naci en
Vinci el 15 de abril de 1452 y falleci en Amboise el 2 de mayo de 1519, a los 67 aos,
acompaado de su fiel Francesco Melzi, a quien leg sus proyectos, diseos y pinturas.
Tras pasar su infancia en su ciudad natal, Leonardo estudi con el clebre pintor
florentino Andrea de Verrocchio. Sus primeros trabajos de importancia fueron
creados en Miln al servicio del duque Ludovico Sforza. Trabaj a continuacin en
Roma, Boloa y Venecia, y pas los ltimos aos de su vida en Francia, por invitacin
del rey Francisco I.
Frecuentemente descrito como un arquetipo y smbolo del hombre del Renacimiento,
genio universal, adems de filsofo humanista cuya curiosidad infinita slo puede ser
equiparable a su capacidad inventiva, Leonardo da Vinci es considerado como uno de
los ms grandes pintores de todos los tiempos y, probablemente, es la persona con el
mayor nmero de talentos en mltiples disciplinas que jams ha existido.

SUS OBRAS:

LA GIOCONDA:

La Mona Lisa, pintada hacia 1505 por Leonardo da Vinci, est considerada como el
prototipo de retrato femenino del Renacimiento. Esta obra, realizada con aceites
sobre una tabla de lamo, mide slo 77 x 53 centmetros, pero pese a su reducido
tamao y la sencillez de su composicin es uno de los cuadros ms famosos del
mundo.
Esta pintura nunca fue entregada a cliente alguno por Leonardo, sino que se la qued
hasta su muerte en 1519. Ms recientemente, la doctora Lilian Schwartz, de los
Laboratorios Bell, compar digitalmente la Mona Lisa con un dibujo que se supone es
un autorretrato de Leonardo.
De acuerdo con las similitudes entre ambos, Schwartz concluy que se trata de un
autorretrato en el que el pintor se convirti a s mismo en mujer. Esta teora tambin
resulta insostenible porque hay dudas sobre la autora del supuesto autorretrato. Lo
ms probable es que la Mona Lisa no sea un retrato sino una representacin del autor
de su idea de mujer.
Aunque la tesis ms aceptada acerca de la identidad de la modelo, fue la de Lisa
Gherardini, esposa de Francesco Bartolomeo del Giocondo, de donde viene su otro
nombre: Mona, que significa seora en italiano, y lisa su nombre. Por medio de
estudios histricos se determino que la modelo podra ser una vecina de Leonardo,
que podran conocerse sus descendientes y que la modelo podra haber estado
embarazada. Pese a todas las suposiciones, las respuestas en firme a los varios
interrogantes en torno a la obra de arte resultan francamente insuficientes, lo cual
genera ms curiosidad entre los admiradores del cuadro.
Independientemente de quin fuera el sujeto del cuadro, lo cierto es que demuestra el
genial uso que hace Leonardo del sfumato, es decir, las suaves y difusas lneas que
originan el misterio acerca del estado de nimo de la mujer. Con esta tcnica consigui
que su expresin facial resultara ambigua.
La obra es en oleo sobre tabla de lamo, retocado varias veces por el autor. Se
considera el ejemplo ms logrado de sfumato, tcnica muy caracterstica de Leonardo,
si bien actualmente su colorido original es menos perceptible por el oscurecimiento
de los barnices. El cuadro est protegido por mltiples sistemas de seguridad y
ambientado a temperatura estable para su preservacin ptima. Es revisado
constantemente para verificar y prevenir su deterioro.
La fama de esta pintura no se basa nicamente en la tcnica empleada o en su belleza,
sino tambin en los misterios que la rodean. Adems, el robo que sufri en 1911, las
reproducciones realizadas, las mltiples obras de arte que se han inspirado en el
cuadro y las parodias existentes contribuyen a convertir a La Gioconda en el cuadro
ms famoso del mundo, visitado por millones de personas anualmente.
Los rasgos ms llamativos de la mujer en esta obra han sido sus ojos, su sonrisa; su
mirada es capaz de posarse en todos los ojos, mientras su misteriosa sonrisa refleja
tristeza y la felicidad al mismo tiempo. As mismo, su figura contrasta con un fondo de
paisaje vaporoso en el que se ve a lo lejos el lecho de un ro.

LA LTIMA CENA:

El ao 1494 Leonardo da Vinci comenz a considerarse su obra la ltima cena, pintada

en el refectorio del convento dominico de Santa Mara de las Gracias en Miln, y es
posible que antes de que concluyese el ao 1497 el artista hubiese terminado su
trabajo. Nada de ello podemos asegurarlo con certeza, porque no se han conservado
los archivos del cenobio. Tres aos despus fueron necesarios para realizar esta obra
parietal de amplias dimensiones: 46 metros de alto por 88 de ancho. Sin embargo,
unos veinte aos despus de que Leonardo concluyese esta ltima Cena podan ya
escucharse voces que advertan que tan excelsa pintura mostraba evidentes signos de
deterioro. Ello explica que desde el siglo XVIII hasta hace pocos aos la obra haya sido
sometida a diversas restauraciones, concluyendo la ltima en 1999. Leonardo se neg
a trabajar conforme a los procedimientos habituales de la pintura al fresco sobre
muro, ya que la obra seca con bastante rapidez. En este caso, el artista prefiri aplicar
a la pared dos gruesas capas de yeso y sobre ellas fue pintando, al temple y al leo. El
tiempo vino a demostrar que el genio renacentista se haba equivocado y que su
pintura era escasamente resistente a la humedad, que se fracturaba y que los
pigmentos acababan con moho y desvanecidos.

Y sin embargo, esta ltima cena ha superado a cualquier otra y ha sido objeto, de
reproducciones de todo tipo. Las razones de tal xito son diversas: el primer lugar,
tenemos en este Cenacolo Vinciano uno de los ms claros ejemplos de la aplicacin de
las leyes de la perspectiva lineal a la pintura, con ese punto de fuga que pasa por la
cabeza de Jess. El segundo lugar, la pintura no se encuentra alineada con el suelo del
refectorio, da la impresin de que Leonardo ha querido ampliar visulalmente dicho
espacio, dado el efecto de las paredes laterales y de los tres ventanales del fondo.

En tercer lugar, la obra destaca por la forma en que Leonardo ha colocado a los
asistentes a la cena y el momento de intenso dramatismo en que los retrata: aquel en
el que Jess advierte al grupo de que uno de los all presentes va a traicionarle de
manera inmediata. Siguiendo el comentario de Vasari, puede afirmarse que los rostros
de los apstoles denotan emociones diversas: amor a Jess, enfado, miedo, dolor o
desprecio. Incluso podemos advertir una cierta actitud de disimulo por parte de Judas,
el traidor. Salvo en el caso de Jess, los dems asistentes a la cena se nos muestran en
grupos de tres apstoles, en posiciones diversas. Hecho ste que constituye una
novedad absoluta creada por da Vinci, ya que lo habitual era colocar aislado a Judas
Iscariote. Es el propio Cristo, que siente inminente el comienzo de su pasin.
Hay una ancdota bastante verosmil que viene a Leonardo, trabajaba en esta obra
muchas horas seguidas, sin embargo das despus se pasaba mucho tiempo sin tocar
un solo pincel, pero contemplando ensimismado lo hasta entonces realizado, lo que
viene a dar fe de carcter analtico del artista. Es de lamentar que el pintor no hubiese
podido prevenir que el tiempo, en esta ocasin, sera inclemente con su arte.

MICHELANGE BUONARROTI

BIOGRAFIA:

Michelangelo Buonarroti (naci 6 de marzo de 1475, Caprese muri 18 de febrero de

1564, Roma), conocido en espaol como Miguel ngel, fue un arquitecto, escultor y
pintor italiano renacentista, considerado uno de los ms grandes artistas de la historia
tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectnica. Desarroll su
labor artstica a lo largo de ms de setenta aos entre Florencia y Roma, que era
donde vivan sus grandes mecenas, la familia Mdicis de Florencia, y los diferentes
papas romanos.
Fue el primer artista occidental del que se publicaron dos biografas en vida: Le Vite
de' pi eccellenti pittori, scultori, ed architettori, de Giorgio Vasari, publicada en 1550
en su primera edicin, en la cual fue el nico artista vivo incluido, y Vita de
Michelangelo Buonarroti, escrita en 1553 por Ascanio Condivi, pintor y discpulo de
Miguel ngel, que recoge los datos facilitados por el mismo Buonarroti. Fue muy
admirado por sus contemporneos, que le llamaban el Divino. Benedetto Varchi, el 12
de febrero de 1560, le envi una carta en nombre de todos los florentinos dicindole:
toda esta ciudad desea sumisamente poderos ver y honraros tanto de cerca como de
lejos. Vuestra Excelencia nos hara un gran favor si quisiera honrar con su presencia
su patria.
Triunf en todas las artes en las que trabaj, caracterizndose por su perfeccionismo.
La escultura, segn haba declarado, era su predilecta y la primera a la que se dedic la
pintura y que se concret en una obra excepcional que magnifica la bveda de la
Capilla Sixtina; y ya en sus ltimos aos, realiz proyectos arquitectnicos.
SUS OBRAS:

DAVID:

Forma: escultura en bulto redondo. 4,34 metros de altura.

Mtodo: obra realizada sobre mrmol, mediante cincel. Para su realizacin Miguel
ngel recibi un bloque de mrmol, estrecho y muy alto, que llevaba abandonado
muchos aos en la catedral de Florencia.
Descripcin general: el david de Miguel ngel representa a gran tamao a este rey
bblico, al estilo clsico: completamente desnudo y como atleta, que porta en su mano
izquierda una honda y en la derecha una piedra. Son claramente apreciables los rasgos
del rostro, el cabello rizado, la musculatura, la diartrosis y el contrapozo de la figura.

Miguel ngel representa al rey David como atleta, pero no como joven atleta, sino
como un hombre en la plenitud de su vida. El artista eligi, como motivo para la obra,
el momento previo al enfrentamiento de David con el gigante Goliat. Por ello, el
aspecto contenido y expectante que nos muestra la figura, con los rasgos tpicos de un
luchador que se apresta al combate. Esa expectacin se traduce en la mirada,
enormemente penetrante, y se expresa tambin mediante la tensin corporal: la
musculatura son claramente perceptibles.
En definitiva, podemos hablar de un movimiento claramente contenido, que se
convierte en pura tensin corporal.
Adems, para que la tensin no pueda confundirse con un absoluto equilibrio, Miguel
ngel emplea el contrapozo y aumenta los volmenes de ciertas partes del cuerpo,
que vienen a simbolizar la fortaleza del rey David. Tales rasgos son claramente
perceptibles en el tamao de la cabeza y en la potencia y tamao de la mano derecha,
que sujeta la piedra, arma que el rey emplear para derrotar a Goliat. Todo ello
conduce al concepto de terribilit que caracteriza otras obras del autor.
Todos estos rasgos convierten a la figura escultrica del rey David en un smbolo de la
libertad, y representan a la perfeccin los ideales renacentistas de belleza masculina.
El David fue encargado a Miguel ngel, originariamente, por los cannigos de la
catedral de Florencia, pero una vez concluida sta a la vista del resultado, el gremio de
mercaderes de lana de la ciudad decidi adquirirla para situarla frente al Palacio de la
Seora, sede del gobierno de la ciudad, en la plaza del mismo nombre, de manera que
sirviese como una clara representacin de la libertad de la repblica florentina. En
este sentido, la escultura es fiel reflejo de la mentalidad existente en Florencia, ciudad
en la que los planteamientos de la burguesa dedicada al comercio y la banca se
encontraban ampliamente extendidos.
Miguel ngel concluye la elaboracin de esta escultura en 1504, cuando contaba 29
aos de edad. Unos aos antes haba ya realizado la Piedad del Vaticano, en la que los
rasgos de la terribilit no son an perceptibles. En este sentido, el David precede a la
realizacin de las obras de la tumba del Papa Julio II y, de manera especial, a la
escultura de Moiss, en la que tales rasgos son an ms destacados.

BVEDA DE LA CAPILLA SIXTINA:

Fue encomendada a Miguel ngel por el Papa Julio II. Las excusas iniciales de Miguel
ngel no consiguieron convencer al papa, quien consiguiendo que el artista se pusiese
a la tarea en 1508, dedicndole casi cinco aos de su actividad, decorando en la
bveda una superficie de unos 40 metros de largo por unos 13 de ancho, adems de
otros trabajos en las paredes del edificio. El conjunto presenta nueve grandes escenas
centrales, enmarcadas por elementos arquitectnicos fingidos, dedicadas al Gnesis y
que se inician con la separacin de la luz y las tinieblas y finalizan con la embriaguez
de No. Rodean estas escenas mayores representaciones de sibilas y profetas
entronizados, mientras que en los lunetos se sitan los ancestros de Cristo. Por ltimo,
las cuatro pechinas de los extremos narran la historia de la salvacin del pueblo de
Israel. Adems, en todo el conjunto aparecen innumerables figuras de ngeles o
geniecillos, a los que se les denominaignudi. Todo la obra presenta los rasgos propios
de la pintura de Miguel ngel: el cuidado estudio anatmico, el dinamismo, el inters
por el volumen y la intensidad del color.
EL JUICIO FINAL:

20 aos despus que Miguel ngel concluy la boveda de la Sixtina la cristiandad es

gobernada por otro papa, Clemente VII, quien de nuevo recurre al artista para decorar
la pared del altar, sustituyendo los frescos hasta entonces existentes. As que el pintor,
entrando ya en los sesenta aos de edad, se pone de nuevo manos a la obra para una
tarea que le ocupara otros seis aos de su vida. En esta ocasin representa el Juicio
Final, la segunda venida de Jess en el fin de los tiempos. De este modo, un supremo e
imperioso juez inicia la decisin de la salvacin o la condenacin: unas almas acaban
en el cielo, mientras otras se disponen a sufrir los horrores del Infierno. Pero en su
estilo apreciamos algunas diferencias con respecto a veinte aos atrs: el movimiento
de las figuras aumenta, los gestos se hacen ms forzados, los escorzos ms violentos.
Aqu Miguel ngel est ya anunciando el manierismo que acabar imponindese en el
panorama artstico de lo que quedaba de siglo XVI.