Contenido / Contents

10/17 Presentacin
Introduction
12 Juan Pablo Gallo Maya 14
Alcalde de Pereira
Mayor of Pereira
Mariana Garcs Crdoba
Ministra de Cultura
Minister of Culture

18/29 Reflexiones curatoriales

Curatorial Thoughts
20 Palabras de apertura 24 Lineamientos conceptuales
Opening Words Conceptual Guidelines

30/175 AN: componente exhibitivo

AN: exhibition component
40 Fredy Alzate 80 Andres Felipe Gallo
42 Dbora Arango 82 Ethel Gilmour
44 Adriana Arenas 84 Beatriz Gonzlez
46 Gonzalo Ariza 86 Matilde Guerrero
48 Alicia Barney 88 Nicols Guilln
50 Carlos Bonil 90 Juan Fernando Herrn
52 Milena Bonilla y 92 Leonardo Herrera
Luisa Ungar 94 Amadou Keita
54 Mara Buenaventura 96 La Decanatura
56 Calipso Press 98 LaMutante
58 James Campo 100 Paulo Licona
60 Antonio Caro 102 Colectivo Maski
62 Carolina Caycedo 104 Colectivo Miraje
64 Gustavo Ciraco 106 Rabih Mrou
66 Fredy Clavijo 108 Ricardo Muoz Izquierdo
68 Alberto De Michele 110 Romn Navas y Henry Palacio
70 Wilson Daz 112 Juan Obando
72 Bar Dorusz 114 Mario Opazo
74 Herlyng Ferla 116 Grupo Otn
76 Stephen Ferry 118 Prabhakar Pachpute
78 scar Figueroa 120 Fabio Melecio Palacios
 122 Jorge Panchoaga 152 Chulayarnnon Siriphol
124 Juan Pelez 154 Maria Taniguchi
126 Linda Pongut 156 Gustavo Toro
128 Gala Porras-Kim 158 Ivan Tovar
130 Ernesto Restrepo Morillo 160 Andrs Felipe Uribe
132 Flix Restrepo 162 Liliana Vlez
134 Luis Roldn 164 Apichatpong Weerasethakul
136 Mara Isabel Rueda 166 Ming Wong
138 Jess Ruiz Durand 168 www.Interferencia-co.net
140 Edwin Snchez 170 Sonnia Ypez
142 Vanessa Sandoval 172 Tatyana Zambrano y
144 Moe Satt Roberto Ochoa
146 Andreas Siekmann 174 Sergio Zevallos
148 Jeison Sierra
150 Eusebio Siosi

176/243 Curaduras invitadas

Guest exhibits
Proyectos y proyecciones con mis
178/189 antepasados
Projects and Projections with
my Ancestors
186 lvaro Herazo y Alfonso Surez

Todo lo que tengo lo llevo conmigo

190/207 All That I Have I Carry With Me
196 Juliana Gngora 202 scar Moreno
198 Mara Teresa Hincapi 204 Gabriela Pinilla
200 Catalina Jaramillo 206 Luis Roldn

La filognesis de la posesin
208/243 The Phylogenesis of Possession
220 Elena Bajo 232 Ana Mara Milln
222 Alicia Barney Caldas 234 Warren Neidich
224 Silvie Boutiq 236 Claudia Patricia Sarria Macas
226 Lou Cantor 238 Jeremy Shaw
228 Corazn del Sol 240 Jim Shaw
230 Wilson Daz 242 Eider Yangana
244/279 An desde una
perspectiva editorial
AN, from a publishing
perspective
252 Clera 266 Notas de estudio
Anger Study Notes

254 Coprfago Paradise 268 Roco en formacin

Coprophagous Paradise Dew in Formation

256 El Fuete 270 T y yo

The Whip You and Me

258 Ensayo # 1 272 Un libro sobre la dignidad

Essay #1 A Book About Dignity

260 Jos Mart la berenjena 274 Un Pacto con el diablo

sublime y el srdido pendejo A Pact with the Devil
Jos Mart, the Sublime
276 Vine, vi y me vend
Eggplant and the Sordid Idiot
I Came, I Saw, I Sold Myself
262 La oquedad de los Brocca
278 5-5
The Emptiness of the Broccas

264 Movimiento hacia la Izquierda

Movement Towards the Left
280/307 El Saln: un territorio en disputa
The Salon: a Contested Territory
282 Reflexionar desde el centro, 296 Territorio y performatividad
cuestionar desde la periferia Territory and performativity
Reflect from the center, ricka Flrez
question from the periphery
rsula Ochoa

308/315 Componente de formacin

Educational Component

316/369 Biografas
Biographies
318 Artistas
Artists

356 Componente editorial

Editorial component

362 Seminario Psicotropismos

Psychotropisms Seminar

364 Equipo curatorial

Curatorial Team

366 Curadores Invitados

Guest Curators
Presentacin
Introduction
Juan Pablo Gallo Maya
Alcalde de Pereira

Despus de haber sometido a consideracin varias ciudades, Pereira logr ser la sede
del 44 Saln Nacional de Artistas, el programa estatal de apoyo al arte contemporneo
de mayor trayectoria en el pas. Ser los anfitriones de la 44 versin de un evento que ha
persistido durante ms de setenta aos es un logro significativo para la ciudad de Pereira.

Esta iniciativa del Ministerio de Cultura ha sido apoyada por nuestra Alcalda a travs del
Instituto Municipal de Cultura y Fomento al Turismo, pues sabemos que eventos como este
permiten transformar el pensamiento crtico y la sensibilidad frente al arte.

La capital del Eje Cafetero, engalanada con lo ms excelso del arte local, nacional e
internacional, est preparada para recibir un gran nmero de visitantes que conocern
una ciudad que es motivo de orgullo para todos. Estamos seguros de que al finalizar las
actividades del Saln, despus de dos meses, todos se llevarn la mejor de las impresio-
nes. El grato recuerdo que deja siempre la amabilidad y la generosidad de los pereiranos
har que el nombre de la ciudad trascienda fronteras y lleve un mensaje de paz y de
amor por la cultura.

El Saln Nacional de Artistas nos permitir fortalecer la capacidad instalada en lo que

se refiere a escenarios culturales y, lo ms importante, aprender, porque el conocimiento
cultural se construye de manera colectiva y sostenida en el tiempo.

Somos Paisaje Cultural Cafetero, patrimonio de la humanidad, y este evento mostrar

al mundo nuestra cultura cafetera, la arquitectura, la cocina tradicional, las riquezas de
fauna y flora, la msica, y ese carcter decidido y amable del pereirano.

Convivir con artistas de diferentes regiones y pases, visitar exposiciones, ver sus acciones,
participar en seminarios acadmicos, compartir la cotidianidad y la diversidad de una
ciudad que crece cada da, ser una experiencia de convivencia pacfica en este tiempo
en el que todos los colombianos anhelamos vivir en paz. Pereira est lista, y entre todos
haremos posible un Saln Nacional de Artistas mgico e inolvidable.
Juan Pablo Gallo Maya
Mayor of Pereira

After having considered other cities like, Pereira became the host of the 44th National
Salon of Artists, the countrys best-known state program supporting contemporary art. To
be awarded the honor of holding the 44th version of an event that dates back more than
seventy years is a significant achievement for the city of Pereira.

This initiative from the Ministry of Culture was supported by the Mayors Office through
the Municipal Institute for Culture and the Promotion of Tourism, as we acknowledge that
events like this work to transform critical thought and sensitivity to art.

Pereira, the capital of the Eje Cafetero [Coffee Axis] of Colombia, is now being adorned by
the most outstanding examples of local, national, and international art, and is readyto
receive the great number of visitors the Salon will attract, who will discover a city which is
a motive of pride for everyone. We are sure that by the time the two months of activities
associated with the event are over, all of them will carry away a great impression of the
city. The pleasant memories which the friendliness and generosity of the people of Pereira
always leave in its visitors means that the name of the city will transcend borders and
transmit a message of peace and love for culture.

The National Salon of Artists will enable us to strengthen our installed capacity of cultural
infrastructure and, more importantly, will allow us to learn more, because the knowledge
of culture is built up in a collective manner and sustained over time.

We are Paisaje Cultural Cafetero [Coffee Cultural Landscape], a UNESCO World Heritage
Site, and this event will show our coffee culture to the world, along with its architecture,
music, traditional cuisine, wealth of flora and fauna, which are enriched by the decisive
and friendly nature of its people.

Living alongside artists from different regions and countries, visiting the exhibitions,
seeing the different events which take place, participating in academic seminars, and
sharing the daily life and diversity of a city which grows day by day will be an experience
of peaceful coexistence in this moment when everyone in Colombia is longing for peace.
Pereira is ready, and with everyones help, we will ensure that this version of the National
Salon of Artists will be magical and unforgettable.

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Mariana Garcs Crdoba
Ministra de Cultura

En 1940, el Ministro de Educacin Jorge Elicer Gaitn inaugur el Primer Saln Anual de
Artistas en Colombia. Hoy, 76 aos ms tarde, el Saln Nacional de Artistas se ha con-
vertido en el programa estatal de mayor impacto para el fomento de la investigacin, la
creacin y la circulacin del arte contemporneo.

Dar cuenta ante el pblico de la creacin y del pensamiento artstico actual, a nivel nacio-
nal e internacional, es la razn de ser de los Salones Nacionales. Desde que se instaur
la modalidad de curadura, en el ao 2000, cada nuevo equipo curatorial proyecta una
visin que responde tanto a las versiones anteriores del evento, como a sus inquietudes
y reflexiones particulares sobre los procesos artsticos en Colombia. Este programa, que
cuenta con ms de siete dcadas de existencia, ha logrado renovarse, mantenindose
como un generador vital de nuevos dilogos sobre el quehacer artstico nacional y, en
versiones recientes, de su relacin con el arte internacional.

Esta versin 44 del Saln Nacional lleva por ttulo AN que denota una temporalidad
en transicin y fue concebida, bajo la direccin artstica de Rosa ngel, por un equipo
curatorial conformado por Vctor Albarracn, Inti Guerrero y Guillermo Vanegas. La visin
que ellos proponen se inspira en lo local el Paisaje Cultural Cafetero para enfocarse de
manera amplia en nociones de territorio y su redefinicin a partir de incidencias polticas,
histricas, econmicas, sociales y culturales.

AN explora la naturaleza hbrida y cambiante del arte al presentar un panorama com-

plejo en el que convergen legados histricos del arte nacional junto con la dinmica
produccin de hoy, obras de artistas y de colectivos artsticos nacionales e internaciona-
les, prcticas de estudio y procesos colaborativos, espacios expositivos tradicionales y
escenarios no convencionales.

Esta es una puesta en escena de maneras interdisciplinarias de hacer, pensar y circular

el arte. La variedad de formas en las que trabajan hoy en da los artistas se manifiesta
en cada uno de los tres componentes del Saln el expositivo, el proyecto editorial y el
de formacin. Los artistas aqu estn presentes no solo con sus obras, sino tambin
como curadores, editores, formadores y generadores de procesos culturales. Del gran
territorio artstico que este Saln construye, surge un espacio complejo donde el poder
transformador de la creacin y de la colaboracin entre artistas y comunidades renueva
las posibilidades del arte y de las prcticas culturales.
Mariana Garcs Crdoba
Minister of Culture

In 1940, the then Minister of Education, Jorge Elicer Gaitn, inaugurated the First Annual
Salon of Colombian Artists. Now, 76 years later, the National Salon of Artists has become
the State program with the biggest impact for the promotion of research, creation, and
dissemination of contemporary art in the country.

Making the public aware of the thinking and creation of current art at a national and
international level is the National Salons reason for being. Ever since the introduction
of thematically curated Salons in the year 2000, each team has projected its own vision
of contemporary art which responds both to previous versions of the event and its own
concerns and reflections about developments in Colombian art. This program, which
boasts of more than seven decades of existence, has continually renewed itself and
managed to maintain its position as a vital stimulus for new conversations about the
artistic life of Colombia and, in recent editions, its relation with international art.

The title of this 44th edition of the National Salon is AN, meaning yet, still or so far,
which indicates a period of transition, an approach proposed by a curatorial team under
the artistic direction of Rosa ngel and made up of Vctor Albarracn, Inti Guerrero and
Guillermo Vanegas. It is a vision inspired by local conditions the Paisaje Cultural Cafetero
[Coffee Cultural Landscape] that seeks to broadly approach notions of territory and its
redefinition by political, historical, economic, social, and cultural influences.

AN explores the hybrid and changing nature of art by presenting a complex panorama
in which historic legacies converge with the dynamic processes of contemporary art. It
features works by Colombian and foreign individuals and collectives, art created in studios
and by collaborative practices, and the use of both traditional and non-conventional
exhibition spaces.

It amounts to a forum for interdisciplinary ways of making, thinking about, and circulating
art. The variety of formats in which artists work nowadays is evident in each of the three
modules of the Salon: exhibition, editorial, and education. The participating artists are
represented here not only with their works, but also as curators, writers, teachers and
promoters of cultural processes. A complex space emerges out of the grand territory
of art constructed by this Salon, one where the transformative power of creativity and
collaborations between artists and communities renew the possibilities of art and
cultural practices.

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La Alcalda de Pereira, a travs del Instituto Municipal de Cultura y Fomento al Turismo,
en alianza con la Cmara de Comercio de Pereira, acompaaron a lo largo de dos aos el
proceso de gestacin de este Saln Nacional de Artistas que tiene lugar, por primera vez
en su historia, en la ciudad de Pereira.

El ritmo acelerado de los cambios tecnolgicos y sociales, en esta era de internet, interco-
nectan el mundo. Los grandes centros del arte se complementan con nodos quizs menos
reconocidos, pero no por ello menos vitales. Con la presencia de artistas, curadores,
investigadores, crticos, gestores culturales, medios de comunicacin nacionales e inter-
nacionales, y al invitar al pblico general a activar los procesos de creacin y reflexin en
torno al arte en esta fiesta cultural de la ciudad, Pereira se constituye en un nuevo punto
de referencia que expande y enriquece la cartografa artstica actual de Colombia.
The Mayors Office of Pereira, through the Municipal Institute of Culture and the Promotion
of Culture, and in alliance with the Pereira Chamber of Commerce, have worked with the
Ministry of Culture over the course of the two years it has taken to organize this National
Salon of Artists, which, for the first time in history, takes place in the city of Pereira.

The accelerated social and technological changes that characterize the Internet era have
caused the whole world to be interconnected. The great centers of art are complemented
by nodes which may not be as well-known but are vital nevertheless. With the presence of
artists, curators, researchers, critics, cultural promoters, and national and international
media, and with its invitation to the public to reflect on the creation of art in this city-wide
cultural landscape, Pereira has become a new reference point that expands and enriches
the current artistic cartography of Colombia.

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Reflexiones curatoriales
Curatorial Thoughts
Palabras de apertura

Con la apertura de este Saln se empieza a cerrar un proceso de

dos aos llenos de experiencias y de aprendizaje, con el privilegio
de conocer el trabajo de artistas que viven en lugares del pas
que antes no sabamos que existan. Son dos aos de esfuerzo
por comprender la lgica del trabajo institucional, de enfrentarse
a la adversidad y de entender que este Saln es un espacio de
negociaciones, tensiones, conquistas y cesiones.

El Saln Nacional de Artistas es una institucin de larga tradicin

en la historia colombiana, una institucin que ha ido cambiando,
que se transforma en cada una de sus ediciones para adaptarse
a las necesidades de coyunturas histricas puntuales, a deseos
muy diversos de decir cosas. Histricamente, el Saln ha sido una
plataforma para la promocin del arte colombiano y hoy podemos
decir, con confianza, que ya no tiene que serlo ms. Hoy se puede
decir que, gracias al Saln, el arte hecho en Colombia ha ganado
muchos otros espacios, a nivel local, nacional e internacional.
Colombia es hoy un destino obligado para todo aquel que quiera
entender la produccin artstica contempornea.

La produccin de arte en Colombia se ha consolidado, definido,

profesionalizado y expandido. En apenas dos dcadas hemos visto
el surgimiento de un mercado que se ha hecho slido y que crece,
proyectndose ms all de nuestras fronteras; hemos visto cmo
las instituciones pblicas a nivel nacional y regional han enten-
dido que la promocin y el apoyo a la cultura, y a la produccin
cultural, son fundamentales.

Se han creado becas, apoyos, estmulos e infraestructura que, si

bien siguen siendo insuficientes, muestran que hay un inters
y una comprensin institucional sobre la importancia de todas
las formas artsticas en el pas. Tambin hemos visto cmo los
procesos de construccin de comunidades y escenas de artistas
en distintas ciudades se han fortalecido y han propiciado el sur-
gimiento de espacios, publicaciones, colectivos y foros pblicos
de discusin. Por eso hoy, al fin, podemos tener un Saln Nacional
Opening Words

The opening of this Salon marks the end of a two-year-long

process full of learning experiences, where we had the privilege
of becoming acquainted with the work of artists who live in
parts of this country that we didnt even know existed. For the
past two years, we have worked hard to comprehend the logic of
institutional work, to face adversity, and to understand that this
Salon is a space for negotiations, tensions, and conquests.

The National Salon of Artists is an institution with a long tradition

in Colombian history, an institution that has been changing, one
that has transformed in each of its iterations to adapt to the
needs of its historic context, and to include very diverse forms
of expression. Historically, the Salon has been a platform for the
promotion of Colombian art, and today we can confidently say
that it no longer needs to fulfill this role. Today it can be said
that, thanks to the Salon, Colombian art has reached many other
spaces at the local, national, and international level. Colombia is
now an essential destination for anyone who wants to understand
contemporary art production.

The production of art in Colombia has been consolidated, defined,

professionalized, and expanded. In just two decades we have
seen the emergence of a market that has solidified and grown
even beyond our borders; we have seen how national and regional
public institutions have come to understand that the promotion
and support of culture, and of cultural production, is fundamental.

We have seen the creation of grants, supports, incentives, and

infrastructure that, while still insufficient, show that there is
interest and an institutional understanding of the importance
of all forms of artistic expression in the country. We have also
seen the growth of artistic communities and venues in different
cities that have fostered the emergence of spaces, publications,
collectives, and public forums of discussion. Because of that, we
are finally able to have a National Salon that aspires to be more
than a platform for promotion, or a thermometer to determine

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que no aspira ms a ser una plataforma de promocin o un term-
metro para determinar qu es o no es importante o significativo en
el arte nacional. Hoy, el Saln puede y debe ser otra cosa.

En este momento, el Saln se ocupa de pensar y entender proble-

mas, de generar cruces, de mezclar disciplinas, de experimentar
formas nuevas de produccin, de asociacin y de integracin con
el contexto y con la historia. Este Saln no es ms un podio para
separar a los vencedores de los vencidos, sino un espacio abierto y
contaminado en el que se puede participar, desde el acuerdo, des-
de la crtica y desde la franca oposicin de quienes escogen otras
vas y procesos alternos para presentar su trabajo como una forma
de responder a aspectos que, como institucin, el Saln implica.
Esos otros, afuera, muestran que hay otras formas de hacer que,
cuando son entendidas e incorporadas por las instituciones, las
acercan a las necesidades, los deseos y las preocupaciones de
las comunidades de creadores de arte y de sus audiencias.

Este Saln es, entonces, un espacio para pensar hoy el territorio,

es un lugar en el que las ideas se conectan entre s como un cruce
de caminos en el que confluyen nativos y forasteros, viajeros y
arraigados, jvenes y viejos de distintos lugares para discutir, no ya
sobre el Saln, sino sobre ese suelo fsico y espiritual sobre el que
el Saln irradia y emana pensamiento.
what is or is not important or significant within the nations art
scene. Today, the Salon can and should be something different.

Currently, the Salon is devoted to considering and understanding

problems, to creating connections, to combining disciplines, to
experimenting with new forms of production, association, and
integration with context and history. This Salon is no longer a
podium to differentiate the victorious and the defeated, but an
open space in which one can participate through agreement,
criticism, and even opposition from those who choose alternative
ways of presenting their work to respond to what the Salon
implies as an institution. These outsiders show that there
are other ways of creating art that, when comprehended and
incorporated by institutions, bring the needs, desires, and
preoccupations of artistic communities closer to their audiences.

This Salon is now a space that allows us to think about

this territory. It is a place where ideas intersect like
crossroads and bring together natives and outsiders,
travelers and residents, young and old from different
places to discuss not only the Salon, but this physical and
spiritual soil in which the Salon radiates thought.

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Lineamientos conceptuales

An podemos decir: este pas existe, se puede hacer esto o

aquello, las cosas van bien o mal. Lo importante de esas afirma-
ciones no es lo que afirman, sino el hecho de que puedan seguir
hacindose. El hecho de que an puedan hacerse. Siempre al filo
de la posibilidad o de la amenaza, el an requiere del presente un
ejercicio de libertad sin promesa. El an constata la persistencia
del ser, revela caminos y delata la accin y la presencia. Sin un
para siempre, el an avanza, revelando un horizonte mvil, hacia
el que nos dirigimos sin nunca llegar.

An existe el Saln Nacional de Artistas, aun despus de inconta-

bles transformaciones, crticas y revisiones. O, ms bien, gracias
a ellas. Existe como un territorio histrico cambiante, y la persis-
tencia de su carcter provisional ha permitido el desarrollo de una
estructura que ha sostenido, en gran medida, la historia de eso
que llamamos arte colombiano.

Alojado en el seno del Paisaje Cultural Cafetero, el Saln

Nacional se alza an como un ejercicio de construccin del pre-
sente. Sobre un terreno inestable, donde el pas ha visto pros-
perar buena parte de su historia econmica y social, el Saln se
pregunta en esta, su 44 versin por esos fermentos, fuerzas,
capas y espectros que han ido construyendo, simultneamente,
el territorio nacional y las visiones que sobre l se han articula-
do, dicindonos a cada momento que an estamos aqu, que an
estamos juntos, y que an podemos hacer, para seguir estando.

Bajo un concepto curatorial definido en la encrucijada de territo-

rios y paisajes, la propuesta de An es pensarse como una posi-
bilidad, aunque provisional, de autonoma; como una provisin
de recursos para abrir caminos y espacios comunicantes entre
los distintos mundos que conforman eso que se llama Colombia
y que podra definirse como la superposicin de diferentes placas
tectnicas en constante proceso de reajuste.
Conceptual Guidelines

We can still say: This country exists, We can do this or that,

Things are going well or badly. The importance of these state-
ments lies not in what they say, but in the fact that they can
continue to be said. The fact that they can still be said. Still,
is continually on the verge of possibility or under threat, and
demands of the present an exercise of freedom without promises.
Still isa testimony to the persistence of being and reveals path-
ways, makes visible action and presence. Still, advances devoid
of forever,, revealing a changing horizon towards which we prog-
ress, without ever reaching it.

The National Salon of Artists still exists, despite countless trans-

formations, criticisms, and revisions, or rather because of them. It
exists as a changing historical territory, and its persistent nature
has allowed a structure to develop and, in good measure, to sus-
tain the history of what we call Colombian art.

Enveloped by Colombias Coffee Cultural Landscape, the National

Salon of Artists still stands as an exercise in constructing the
present. On shaky ground, where much of the countrys economic
and social history has thrived, the 44th Salon digs deep into
the fermentation, forces, layers, and spectra that have worked
together to construct both the nation and its different visions,
telling us every moment that were still here, that were still
together, and that we can still create, in order to remain.

Within a curatorial framework defined at the crossroads of terri-

tories and landscapes, Still/Yet proposes itself as a possibility,
however provisional, of autonomy; as a collection of resources
designed to open lines of communication and spaces between
the different worlds that make up Colombia and that we could
perhaps define as a superposition of various tectonic plates in
constant adjustment.

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Este 44 Saln Nacional de Artistas pone los pies en la tierra a
partir de unas expectativas cuya realizacin es an posible. Pero
se requieren acciones, relatos e interlocuciones para conservar
este escenario de posibilidad. Estas son las lneas generales de
investigacin curatorial y las metodologas cruzadas que
definen este espacio:

Territorios en construccin
An se concibe como un evento temporal que es tambin un
territorio. Una plataforma en la que confluyen objetivos, disensos,
debates, reiteraciones y percepciones. Un observatorio con pers-
pectiva para analizar fenmenos idiosincrsicos. Una cartografa
de procesos colectivos. Un lente sobre las realidades cotidianas
que construyen los paisajes sociales. Un mirador para comprender
los accidentes, fallas y ondulaciones de un suelo constantemente
modificado por infinitas tensiones estticas, ticas y polticas en
un pas donde risa y temblor se confunden. Un plantar bandera,
un armar cambuche, un juntarse a otros, hoy, aqu.

Autonoma provisional
La teora esttica plantea la autonoma como una de las condi-
ciones propias del arte: se nos habla del desinters esttico, del
artista como creador de mundos, de la soberana del sistema del
arte, incluso, de que todo hombre es un artista. Todas estas
son manifestaciones de ese reclamo por un arte sin anclajes ni
ataduras. En la prctica, los artistas son la punta de lanza de una
casta por venir: el precariado, nunca trabajador formal y nunca
simple desempleado, no productor de espectculos ligeros y no
voz de la razn, ni implementador de soluciones ni generador de
anlisis cuantificables sobre el mundo. El artista hoy, depende
de subsidios, de residencias artsticas o de becas de produccin,
cuando no de un mercado caprichoso o de su capacidad de trans-
formarse a s mismo en empresario. El artista hoy, sin pblicos
masivos ni una funcin definida en la estructura social. Un artista
sin ese arte que todo el mundo crea comprender. Es el artista que
habla en lenguas, diciendo creme. El artista en la zona gris del
espectro de la actividad humana. El artista como un laboratorio
vivo de los flujos y tensiones de la dependencia y de la resistencia
a la adversidad. En esas condiciones, la pretensin de autonoma
se quiebra bajo el peso de su propia fragilidad y, a la vez, genera
vas de escape, espacios de soberana transitoria, montajes y des-
montajes hacia otros mundos posibles. Hablamos entonces de una
autonoma provisional, cargada de seales, de alianzas improba-
bles, de territorios en definicin, de reinos soberanos sin rey ni ley.

La trocha como mtodo

Ante la manigua, la trocha. Ante lo inexpugnable, el paso que se
abre a machete. Ante la soledad, la mula, la fonda, la cancin.
La trocha no es autopista, es camino de contrabandistas, de
ladrones, de exploradores. La trocha nos responde cada vez que
preguntamos dnde estamos y de dnde venimos, por dnde
The 44th National Salon of Artists is rooted in expectations still rife
with possibility. But action, stories, and dialogue are needed to
preserve this venue of possibilities. The following are the general
ideas of the curatorial research and the crisscrossed methodolo-
gies that defined this space:

Territories Under Construction

Still/Yet is conceived both as a temporary event and a territory.
It isa platform where goals, disagreements, debate, reiterations,
and perceptions meet. An observatory in which to analyze idiosyn-
cratic phenomena. A cartography of collective processes. A lens
focused on the everyday realities that create social landscapes. A
vantage point from which to understand the features, faults and
undulations of a constantly changing ground, subject to endless
aesthetic, ethical and political tensions, in a country where a
chuckle and a shudder seem like the same thing. A flag-planting, a
barn-raising, a joining with others, here, now.

Temporary Autonomy
Aesthetic theory considers autonomy one of the conditions of
art: we hear about aesthetic disinterestedness, about the artist
as a creator of worlds, about the sovereignty of the system of
art, and even about every man being an artist. These are all
manifestations of a clamor for art without anchors or ties. In
practice, artists are the spearhead of an upcoming caste: the
precariat, never formally employed yet not simply unemployed,
neither producer of light entertainment nor voice of reason, not
a developer of solutions or generator of quantifiable analyses of
the world. Artists today depend on subsidies, scholarships, res-
idencies, or production grants, if not on a fickle market or their
ability to turn themselves into entrepreneurs. Artists today have
no mass audience or defined function in the social structure.
Artists lack the art that everyone thought they understood. We
are talking now about artists that speak in tongues, saying, Trust
me. Artists that inhabit the gray area in the spectrum of human
activity. Artists that turn into living laboratory of the ebb and flow
of dependence and of resistance to adversity. Under these circum-
stances, any attempt at autonomy buckles under the artists own
fragility, generating escape routes, spaces of temporary sover-
eignty, assemblies and disassemblies into other possible worlds.
We speak then of a provisional autonomy, charged with signs and
unlikely alliances, of territories in mid-definition, of sovereign
kingdoms without king or law.

The Trail as Method

When faced with the jungle, the trail. When faced with the impreg-
nable, a machete-cleared path. When faced with solitude, the
mule, the inn, the song. The trail is no motorway; its the path trod
by smugglers, thieves, and explorers. The trail responds when we
ask where we are, where were from, where were passing through,
and where were headed. These questions regarding the nature

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vamos pasando y hacia dnde estamos yendo. Estas preguntas
por el carcter de esos espacios que atravesamos antes de tomar
posesin y de posicionarnos, se nos cuenta, eran el punto de
inicio para la enseanza antigua del latn: Ubi, Quo, Unde, Qua.
La trocha es cultura, es el camino que en griego es Odos y
es tambin, de alguna manera, un primer mtodo: abrir paso,
conectar puntos separados, confiar en la propia marcha y en
el cruce fortuito con otros senderos.

Contaminaciones
A partir de la Constitucin de 1991, el pas entendi la necesidad
de definirse como pluricultural. Los estudios sociales empezaron a
interesarse por ese crisol de culturas, manifestaciones y prcticas
que tejen este territorio inestable y palpitante que es Colombia.
Del mismo modo, las disciplinas de las ciencias sociales se mostra-
ron insuficientes para generar sinergias complejas de articulacin
de la realidad y debieron combinarse, mezclarse y desdibujarse
para responder a preguntas que excedan sus posibilidades
especficas. Lgicas de la multi, la inter y la transdisciplinariedad
llegaron para quedarse y redefinir los sistemas vlidos para la
produccin de ficciones estructurales y de narrativas funcionales
que nos permitan entender el mundo, un mundo mltiple e impuro
en la complejidad de sus accidentes, mutaciones, transiciones y
adaptaciones. Mecnicas de fluidos y reagrupaciones improbables
de partculas elementales nos impulsan a construir saberes
nuevos y a identificar los nuevos problemas de esos saberes.
Contaminacin en la bsqueda, filtracin en las informaciones,
mutacin de formas discursivas son necesarias para hacer frente
a la usurpacin del territorio por fuerzas que operan otras formas
de contaminacin del territorio, estas s nefastas, bajo el discurso
del esencialismo, del retorno al origen y de la produccin desen-
frenada de eso que han dado en llamar riqueza.
of the spaces we travel through before taking possession and
positioning ourselves, we are told, were the starting point for the
ancient teaching of Latin: Ubi, Quo, Unde, Qua. The trail is culture,
it is the way Odos in Greek and it is also, in a way, an initial
method:a clearing of obstacles, a connecting of separate points,
trusting ones step and the fortuitous crossing of other trails.

Contaminations
After the drafting of Colombias Constitution in 1991, the country
understood the need to be defined as multicultural. Social studies
began to focus on this melting pot of cultures, manifestations,
and practices weaving together the unstable and pulsating ter-
ritory that is Colombia. But the social sciences were incapable of
generating complex synergies of joint reality, and they had to be
combined, mixed, and blurred to answer questions that exceeded
their specific fields. Logics of multi-, inter- and transdisciplinarity
moved in to stay and redefined what was valid in the system for
production of the structural fictions and functional narratives that
allow us to understand the world; a multiple, impure world with a
complexity of accidents, mutations, transitions, and adaptations.
The mechanics of flow and unlikely groupings of elementary par-
ticles compel us to build new kinds of knowledge and to identify
their problems. Contamination in the search, leaking of informa-
tion, and mutation of discursive forms are needed to deal with the
usurpation of territory by forces operating new and deadly forms
of contamination under the discourse of essentialism, of a return
to the origin, and of the insatiable production of what is referred
to as wealth.

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AN: componente exhibitivo
AN: exhibition component

La seleccin de artistas del equipo curatorial estuvo presente en

el Museo de Arte de Pereira, Edificio Antiguo Club Rialto, Saln
Comunal del Barrio Zea y el espacio pblico de la ciudad.

The artists selected by the curatorial team were featured in the

Museo de Arte de Pereira, Former Club Rialto Building, the Social
Hall of the Zea neighborhood and in the citys public space.
Queremos hablar con usted. Somos una
voz, no la voz de Dios o de alguien que
est sobre usted vigilndolo, sino ms
bien el conjunto de voces, de discusiones,
de conflictos y de puntos ciegos que le
dieron forma a este acontecimiento. Ya
no tenemos nombres propios, solo una
existencia confusa y usted, al leer este
escrito, se vuelve parte de ese nosotros,
como aliado y contradictor.
Somos un nosotros que habla por la
boca de algo que ha perdido la razn
para convertirse en el espacio entre
las cosas y las personas que, de una u
otra forma, estn aqu. As, entendemos
que en medio de todas sus emocio-
nes de rabia y tristeza o de agrado y
repulsin por lo que ha encontrado
o va a encontrar en este lugar, pueda
sentirse confundido y le nazca un ligero
extraamiento al recorrer el espacio.
Este conjunto de obras viene de muchos
lugares distintos con el fin de hacer parte
de algo que lo necesita a usted para
existir, para procesarse, descomponer-
se y, con suerte, volver a la tierra. Est
bien que usted se confunda, est bien
que se sienta fuera de lugar, est bien
que no entienda. Hay algo importante
sobre el arte, y es que encuentra ms
razones en el dudar que en el entender.
Este Saln se titula An, y cuando
uno dice an est hablando de algo
provisional, de algo que quiz no va a
estar ms o de algo que todava no ha
ocurrido. Cuando decimos an, estamos
hablando del presente, pero no de un
presente fijo, no de algo que puede
garantizarse o escribirse en piedra, sino
de algo que palpita en la tensin entre
ser y no ser, entre estar y desaparecer.
An, entonces, es un espacio de duda y
cuestionamiento, y por eso es importante
que usted dude y se cuestione.
Usted encontrar aqu obras hechas de
tierra, de ladrillos, de troncos. Encontrar
obras que hablan de desplazamientos,
de gente movindose a pie, en trenes, en
carro o en bicicleta. Encontrar casitas,
montaas, paisajes. Ver gente cruzando
fronteras para salvar su vida y trazando
mapas para preservar sus recuerdos. La
razn para poner esas obras juntas aqu
es sencilla, pues se trata de gestos que,
en general, preguntan por algo que usted
y nosotros hacemos: intentar habitar el
presente, luchar por abrir caminos para
ir en busca de algo, resistir los embates
de quienes impiden la posibilidad de un
presente digno para todos en nombre del
privilegio de unos pocos.
El arte puede ser muchas cosas. Una
de las cosas que an puede ser, es un
espacio para compartir un misterio, una
forma que convoca a quien no est aqu,
que une en la diferencia, que clama
We would like to speak to you. We are a
voice, not the voice of God or of someone
keeping an eye on you, but rather a group
of voices, discussions, conflicts and blind
spots which gave shape to this happening.
We no longer have individual names, only
a confused existence, and you, as you read
this piece of writing, may become part of
that we, as an ally and adversary.
We are a we which speaks through the
mouth of something which has lost its
mind and turned into the space between
people and things that, in one way or
another,you find here. Thus, we under-
stand that amid all your feelings of anger
and sadness or gratitude or repulsion
towards what you have found or are going
to find here, you may feel confusion and
a slight sense of alienation that will rise
in you as you wander through this place.
These works of art come from many dif-
ferent parts of the world, with the aim of
forming part of something that needs you
to exist, to be processed and broken down,
so that, with luck, it may return to the earth.
Its alright if you are confused, alright if you
feel out of place, that you dont understand.
There is something important about art
and it is that it finds its reason more in the
doubting than in the understanding.
The name of this Salon is An [yet/ still]
and when you use that word you are speak-
ing of something provisional, of something
that may not continue or may not have
happened yet. When we say an, we are
speaking of the present, but notof a fixed
present, not something which can be guar-
anteed or carved in stone, but something
which throbs with the tension of being and
not being, of being and disappearing. An
is, thus, a place for doubting and question-
ing and for that reason it is important that
you doubt and question.
Here, you will find works made of earth,
bricks, and tree trunks. You will find works
that speak of movements, of people travel-
ing on foot, trains, cars or bicycles. You will
find little houses, mountains, landscapes.
You will see people crossing borders
to save their lives and tracing maps to
conserve their memories. The reason for
putting these works together here is simple,
since it is a matter of gestures which, in
general, inquire into something which we
all do: try to live in the present, struggle to
open paths to search for something, resist
the onslaught of those who block the pos-
sibility of a dignified present for all in the
name of the privileges of the few.
Art may be many things. One of the things
which it may still be is a place where
people can share a mystery, a way of sum-
moning a person who is not here, which
unites our differences, which clamors for
adversaries and not enemies, which cre-
ates structures to help us understand that
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por adversarios y no por enemigos, que
crea estructuras para entender que
nuestro espacio es tambin de otros,
que ese espacio est en transformacin
constante y que somos artfices de esa
transformacin. El arte est a medio
camino entre sus dudas, las nuestras y
las de los dems.
Vivimos en un pas donde una realidad
aplastante no ha dejado espacio para
tomar distancia e imaginar otra cosa.
Hoy, parece, estamos en la confluencia
de voluntades antagnicas que lograron
distanciarse un poco de sus propias
certezas para entender que la realidad
puede construirse de un modo distinto.
Queremos decirle que no hay nada
definitivo, que a la brutalidad de
nuestra realidad histrica se opone la
posibilidad de una realidad que emerge,
colndose por las fisuras de represen-
taciones sociales planas, excluyentes e
indiferentes. Pero la emergencia de esa
realidad se debe abonar como una tierra
que no es de pocos, de los mismos, de
los que pusieron cercas para impedir
el paso, de los que engordan vacas y
pastorean electores y televidentes.
Frente a una historia del poder, hay
un poder hacer historia e historias,
y en esa historia, en las historias
de cmo estamos haciendo historia,
nos encontramos todos aqu.
our space is also that of others, that such a
space is constantly being transformed and
that we are the architects of that transfor-
mation. Art is halfway between your doubts,
our doubts, and those of others.
We live in a country where an oppressive
reality has not left us room to take a step
back and imagine something else. Today, it
seems, we stand before the convergence of
antagonistic wills which have managed to
distance themselves a little from their own
certainties to understand that reality may
be constructed in a different manner.
We would like to tell you that nothing is
definitive, that the brutal nature of our
historical reality is opposed to the possibil-
ity of an emerging reality, filtering through
the cracks of one-sided, discriminatory,
and indifferent social representations.
But the emergence of that reality must
be fertilized like a plot of land belonging
not to the few, to the same old people, to
those who put up fences to stop others
from walking through it, to those who
fatten cattle and who graze on voters
and TV viewers.
In the face of a history of power, there is
a power to make history and tell stories,
and in that history, in those stories of how
we are making history, we all find our-
selves here.
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38 / 39
Fredy Alzate
Las obras ms recientes de Fredy
Alzate establecen relaciones entre los
materiales que configuran sus objetos y
los entornos donde se ponen en escena.
En Vacuus, la obra con la que participa
en este Saln, revela su interpretacin
particular del cruce visual impuesto por
las diversas modalidades de habitar que
se dan en las zonas donde la economa
extractiva es el principal factor de degra-
dacin del territorio.
Para hacerlo, Alzate adelant una investi-
gacin acerca de los efectos de la explo-
tacin minera en Antioquia y su inciden-
cia sobre ese terreno f sico y ese paisaje:
visit parte de los territorios dominados
por la explotacin descontrolada de la
tierra para configurar, en sus palabras,
un conjunto de oquedades [que] busca
instaurar una paradoja sobre la exube-
rancia del paisaje andino y las nombra-
das riquezas que posee nuestro pas.
Atendiendo a su propia metodologa,
Alzate not cmo las diferentes y abun-
dantes perforaciones que iba encontran-
do no solo delimitaban un entorno frgil
por la sobreexplotacin, sino que repre-
sentaban incluso una red de disfuncio-
nalidad legal e institucional. En Colombia,
el uso econmico del suelo ha sido quiz
la constante primordial de su extensa
guerra civil. El artista conoce esta proble-
mtica y trabaja con ella, entiende que
ese fenmeno tiene componentes etno-
grficos e incluso msticos. La alteracin
del territorio se convierte en la metfora
de un desequilibrio entre las necesidades
de las comunidades que realizan esa
explotacin, sus aspiraciones econmicas
y su bsqueda de bienestar, y lo que en
realidad puede resistir la tierra.
Fredy Alzates most recent works establish
relations between the materials that con-
stitute his objects and the environments
where they are installed. In Vacuous, the
work featured in this Salon, he reveals his
interpretation of the visual crossroads
formed by the diverse ways of living
that arise in areas where an extractive
economy is the principal factor of territo-
rial degradation.
In creating the piece, Alzate researched the
effects of mineral exploitation in Antio-
quia and its impact on its physical terrain
and environment. He visited part of the
territory dominated by the uncontrolled
exploitation of land to create, in his words,
a collection of openings [that] seek to
establish a paradox about the exuberance
of the Andean landscape and our countrys
famed riches.
Following his own methodology, Alzate
noted that the varied and abundant per-
forations that he found not only make
for a fragile setting for over-exploitation,
but also represent a network of legal and
institutional dysfunctions. In Colombia, the
economic use of land has perhaps been the
primordial constant of its extensive civil
war. The artist is familiar with this problem
and works with it, understanding its eth-
nographic and even mystical elements. The
alteration of the earth becomes a meta-
phor for the imbalance between the needs
of the communities that undertake this
exploitation, their economic interests, the
search for their well-being, and what the
earth can withstand.
Vacuus 2016 Instalacin Dimensiones Vacuous 2016 Installation Dimensions
variables 2.3 x 3.75 x 2.25 m Variable 2.3 x 3.75 x 2.25 m

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Dbora Arango
Las dos obras de la pintora Dbora
Arango incluidas en el Saln muestran su
inters por dejar un testimonio de reali-
dades que, en su poca, resultaban pol-
micas. Montaas, una pintura donde el
cuerpo femenino se relaciona con la tie-
rra y el territorio, revela la pulsin expe-
rimental por romper los lmites y las con-
venciones en torno a la representacin.
Esta pintura hizo parte de la primera
exposicin individual de Arango en
Bogot, organizada en 1940 por Jorge
Elicer Gaitn, entonces ministro de
Educacin. La muestra solo se mantuvo
abierta un da antes de ser censurada
por la fuerza poltica conservadora
liderada por Laureano Gmez,
quien la calific de pornogrfica.
El hecho de que esta pintura muestre a
una mujer pintando a otra era, para los
crticos, signo de perturbacin moral,
aunque hoy lo podemos entender como
la reaccin ante el fuerte cuestionamien-
to a la mirada masculina la del pintor
acadmico, la nica capaz de crear la
iconograf a femenina.
La segunda pintura, El Tren de la muerte
(circa 1948), sobrepasa la noticia que la
inspir (el hacinamiento de ms de 700
presos liberales transportados en tren
desde Puerto Berro, Antioquia, hasta
Medelln), para referirse tanto a la masa-
cre de las bananeras sucedida en Cinaga
en 1928 como a los registros fotogrficos
de los campos de concentracin nazis,
donde el ferrocarril cumpla un rol clave.
Ambas pinturas demuestran cmo
Arango realiz una obra poderosa en
contrava a su contemporaneidad que
resulta pertinente an hoy, cuando el
conservadurismo en torno al gnero y la
sexualidad sigue vigente.
The two paintings by Dbora Arango
included in the Salon show her interest in
testifying about controversial realities of
her time. Montaas [Mountains], a water-
color in which the feminine body relates
to the earth and the landscape, reveals an
experimental drive to break the limits and
conventions of representation.
This painting was included in Arangos first
one-woman show in Bogot, organized in
1940 by Jorge Elicer Gaitn, then Minister
of Education. The show only lasted oneday
and was closed under pressure of the
conservative party led by Laureano Gmez,
who called the paintings pornographic.
The fact that Montaa shows a woman
painting another woman naked was, for her
critics, a sign of moral perversion, although
today we can understand the indignation
as a reaction to the strong critiqueof the
male gaze, that of the academic painter
which was the only one allowed to create
feminine iconography.
The second painting, El Tren de lamuerte
[The Train of Death] (circa1948) goes
beyond the news item that inspiredit (the
packing of more than 700 liberal prisoners
into a train from Puerto Berro, Antioquia,
to Medelln), to allude both to the massacre
of the banana workers in Cinaga in 1928
and to the photographs of the Nazi concen-
tration camps, in which the railroad played
a key role.
Both paintings show how Arango developed
a powerful language that confronted her
own time, an effort that remains relevant
today, when both general and sexual con-
servatism continue to be prevailing forces.
 1.

2.

1. El tren de la muerte Sin fecha (ca. 1948) 1. The Train of Death Undated (ca. 1948)
Acuarela 56 x 77 cm Coleccin Museo de Watercolor 56 x 77 cm From the collection
Arte Moderno de Medelln of the Museo de Arte Moderno de Medelln
2. Montaas 1940 Acuarela 123.8 x 2. Mountains 1940 Watercolor 123.8 x
153.5 x 5 cm. Coleccin del Museo de Arte 153.5 x 5 cm. From the collection of the
Moderno de Medelln. Museo de Arte Moderno de Medelln.

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Adriana Arenas
En la ltima dcada, la democracia ha
sido cuestionada por manifestaciones de
desobediencia civil y activismo en la calle.
Movimientos como Occupy Wall Street,
las protestas en Brasil que reverbe-
raron en el golpe corporativo al Partido
de los Trabajadores, la resistencia de
Hong Kong ante la manipulacin de China
en las urnas, o la de Ucrania ante la
agresin rusa, demuestran que vivimos
un colapso casi mundial de los sistemas
democrticos. Pero la crisis actual del
sistema tambin se hace evidente en los
resultados de los plebiscitos del Brexit y
en el de los acuerdos de paz en Colombia,
generados, en gran medida, por la mani-
pulacin de prejuicios morales, el odio y
las fobias sociales.
En su instalacin in situ, Arenas constru-
ye un lugar cuasi social. Su obra insina
la existencia de una oficina de publicidad
en donde alguien est inventando la
Universal Voting App, una herramienta
utpica que se ofrece para el mejora-
miento de la democracia, resaltando la
compleja interaccin entre Estado, ideal
democrtico y corporaciones. La ambien-
tacin de esta oficina est inspirada en
el decorado interior original del antiguo
Club Rialto de Pereira edifico represen-
tativo del estilo internacional de los aos
50, y en las escenograf as de Mad Men,
serie de televisin que celebra los orge-
nes de la industria de la publicidad como
herramienta para influir las masas en las
democracias capitalistas, describiendo
a la perfeccin el mundo corporativo
y desarrollista donde an vivimos.
In the last decade, democracy has been
thoroughly questioned by manifestations
of civil disobedience and activism in the
streets. Movements such as Occupy Wall
Street, the protests in Brazil which rever-
berated in the corporate coup against the
Workers Party, the resistance in Hong
Kong against Chinas ballot manipulation,
or that of Ukraine against Russian aggres-
sion, all demonstrate that we live in an
almost worldwide collapse of democratic
systems. But the actual crisis of the system
has also become evident in the results of
the plebiscites on Brexit and the Colom-
bian peace accords, resulting in large part
from the manipulation of moral prejudices,
hatred, and social phobias.
In her in situ installation, Arenas has
constructed a quasi-social space. Her
work proposes a publicity office in which
somebody has invented the Universal
Voting App, a utopian tool offered for the
betterment of democracy, highlighting the
complex interaction between the State,
the democratic ideal, and corporations.
The atmosphere of this office is inspired
by the original decoration of the old Club
Rialto de Pereira a building that is repre-
sentative of the international style of the
nineteen-fifties and in the staging of Mad
Men, a television series that celebrates
the origins of the advertising industry as a
tool to influence the masses in capitalist
democracies, describing perfectly the cor-
porate and development-oriented world in
which we still live.
Universal Voting App 2016 Instalacin Universal Voting App 2016 Installation
Dimensiones variables 2.8 x 5.9 x 7.4 m. Dimensions Variable 2.8 x 5.9 x 7.4 m.

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Gonzalo Ariza
Un componente expositivo que pone en
dilogo los hechos estticos contem-
porneos con referentes histricos del
arte nacional permite, entre otras cosas,
observar la naturaleza anacrnica de
las ideas y las preocupaciones que dan
forma al desarrollo problemtico de la
historia, en muchos casos llena de rever-
sos o saltos desesperados al porvenir.
En este sentido, las pinturas del artista
Gonzalo Ariza estn aqu para decirnos que
an hay paisaje. Lo que equivale a decir
que an hay quien mire y robe de la exten-
sin y del paso del tiempo un pedazo para
s. Ambas obras, El Amanecer y La Noche,
parten del gesto atento y contemplativo
de un artista que se mantuvo ajeno a las
intenciones de modernidad de su tiempo
y de sus contemporneos vanguardistas.
Ariza fue un enamorado de la belleza,
formado en la tradicin de una sociedad
milenaria como la japonesa, ejercitada
en la antigua prctica del mirar; de este
modo, las particulares vistas areas de
sus paisajes alcanzan a representar con
gran pureza las brumas y los espacios de
indeterminacin entre los cuerpos monta-
osos que se le ofrecen generosamente.
La presencia de este artista en medio
de las construcciones de relatos de
nacin que se plantean en este Saln
seala que hay paisajes que amenazan
las susceptibilidades y que pueden
convertirse en grandes obras de arte.
Putting contemporary aesthetic activities
in dialogue with historic works of Colom-
bian art allows, among other things, for an
observation of the anachronistic nature
of the ideas and preoccupations that
illustrate the problematic development of
history, in many cases full of reversals and
desperate leaps into the future.
In this sense, the paintings of Gonzalo Ariza
tell us that landscape still exists. They are
here to say that there is still somebody to
observe and to steal something for himself
from the land and the passage of time.
Both works, El Amanecer [Sunrise] and La
Noche [Night], emerge from the attentive
and contemplative gestures of an artist
who distanced himself from the modern
ideals of his period and his avant-garde
contemporaries. Ariza was a lover of beauty,
trained in the thousand-year-old traditions
of Japanese society, experienced in the
ancient practice of seeing. The aerial views
of his landscapes achieve a pure represen-
tation of the mist and undetermined space
between the mountainous bodies that offer
themselves so generously.
The presence of so many examinationsof
national narratives signals that some
landscapes that threaten sensibilities and
manage to become great works of art.

1. Amanecer (la cordillera desde El Colegio)
1960 leo sobre tela 70 x 149.5 cm.
Cortesa de Museo Nacional de Colombia
2. La noche (regin de La Mesa) 1960
leo sobre tela 70.5 x 150 cm. Cortesa de
Museo Nacional de Colombia
1.
2.
1. Dawn (mountain range seen from El
Colegio) 1960 Oil on Canvas 70 x 149.5 cm.
Courtesy of Museo Nacional de Colombia
2. The Night (La Mesa region) 1960
Oil on Canvas 70.5 x 150 cm. Courtesy of
Museo Nacional de Colombia
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Alicia Barney
En Estratificacin de un basurero utpico,
Alicia Barney crea un espacio alqumico
en el que la basura se convierte en tierra
y los residuos del habitar humano en
material para la formacin de vida. La
pieza, en sus distintas versiones, consiste
en una serie de tubos de acrlico transpa-
rente llenos en dos terceras partes con
elementos propios de una estratificacin
geolgica de los farallones de Cali y, en
el tercio restante, con basura cubierta de
purva (carbn vegetal), un agente natural
que garantiza la descomposicin de
estos desechos en abono tras cinco aos,
haciendo el suelo cultivable de nuevo.
Alicia Barney ha insertado formas
narrativas inditas en la historia del
arte colombiano, mezclando elementos
propios del minimalismo y el land
art con procedimientos tomados de
la geologa, la biologa y la taxonoma,
abriendo una perspectiva crtica que
no solo opera en el espacio de lo po-
tico sino que presenta con claridad los
hechos humanos y sus consecuencias.
El trabajo de Alicia Barney es general-
mente visto como un ejercicio ambienta-
lista, pero en la riqueza de su espectro
de accin coexisten ecologas complejas
que incorporan lo ambiental, lo poltico,
lo emotivo y lo mgico a partir de un pro-
ceso en el que la impecable resolucin
formal de las piezas, y la exactitud de
sus diagnsticos, protegen el secreto de
un hechizo poderoso.
In Estratificacin de un basurero utpico
[Stratification of a Utopian Landfill], Alicia
Barney creates an alchemical spacein
which trash becomes earth and the residue
of human habitation becomes material
for the formation of life. The piece, in its
different versions, consists of a series of
transparent acrylic tubes two-thirds full
of samples of stratified rock from the Far-
allones mountains of Cali. The remaining
third is filled with trash covered in purva,
or vegetable charcoal, a natural agent
that guarantees the decomposition of
compost after five years, creating newly
cultivable earth.
Alicia Barney has introduced unprece-
dented narrative forms into the historyof
Colombian art. She mixes distinct elements
from minimalism and land art with pro-
cesses borrowed from geology, biology, and
taxonomy, opening critical perspective that
functions not only as poetry, but also as
something that clearly lays bare the actions
of humanity and their consequences.
Alicia Barneys work is generally seen as
an environmentalist exercise, but in its
richness, there are complex coexisting
ecologies that incorporate the environ-
mental, the political, the emotive, and
the magical through a process that, in the
impeccable formal resolution of its pieces
and the exactitude of its diagnosis, pro-
tects the secret of a powerful magic
Estratificacin de un basurero utpico 1987 Stratification of a Utopian Landfill 1987
Tubos de acrlico, basura orgnica y tierra Acrylic tubes, organic waste and earth
10 tubos, c/u: 2 x 0.1 m. Cortesa de Instituto 10 tubes, each: 2 x 0.1 m. Courtesy of:
de Visin Instituto de Visin

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Carlos Bonil
Hay un problema estructural al intentar
entender quin es y qu hace ese artista
bogotano llamado Carlos Bonil. El pro-
blema es que Carlos Bonil difcilmente es
un artista. No es que no lo sea, sino que,
ms bien, es muchos artistas, de muchas
artes y de muchas ideas como para poder
articularlo bajo la identidad de un solo
sujeto. De alguna manera, habra que
conceder que Carlos Bonil es el interme-
diario de un vasto conjunto de fuerzas,
de deseos, de influencias y de destrezas
que generan una masa a simple vista
catica pero siempre bien estructurada.
Este 44 Saln Nacional de Artistas cuenta
con tres muestras de su trabajo: en primer
lugar, Ya muy desagerado, de 2016, comen-
ta la expansin de una esttica narco bajo
la forma de una camioneta Hummer que
parece un regalo cado del cielo o de la
gracia de algn capo en plena entrada
del Edificio Rialto.
Luego, Fonoarqueologa y otras conexiones
con el Amazonas presenta los registros,
ediciones y ficciones sonoras de un
paisaje amaznico llevado a un estado de
desterritorializacin, donde naturaleza,
artimaa y artificio confluyen para poner
al escucha en un espacio de ensoacin
y conflicto sobre sus percepciones y
preconceptos sobre ese lugar mtico
que es la Amazona.
Para terminar, en el marco del Seminario
Internacional Psicotropismos, Bonil pre-
senta en vivo Mugre, un proyecto musical
vamprico con el que, desde 2005, reinven-
ta, junto a su hermano Germn, un imagi-
nario sobre el sonido de la Guerra Fra y
las msicas de pases septentrionales.
There is a structural problem in trying to
understand Carlos Bonil, who he is, and
what he does. The problem is that Carlos
Bonils status as an artist is troublesome.
It isnt that he is not an artist, but that,
properly speaking, he is many artists, with
many arts and many concepts and that
makes it difficult to see him as a single
subject. In some way, it must be conceded
that Carlos Bonil is the intermediary
of a vast conjunction of forces, desires,
influences, and abilities that generate
a mass that might seem chaotic, but is
always finely structured.
This Salon features three small works by
him: the first, Ya muy desagerado [Way Too
Over the Top], from 2016, comments on the
growth of the narco aesthetic in the form
of a Hummer SUV that appears to be a gift
descended from the heavens or from
the benevolence of some capo in the
entrance to the Rialto Building.
Next, Fonoarqueologa y otras conexiones
con el Amazonas [Phonoarcheology and
other Connections in the Amazon] presents
the records, publications and audio-fic-
tions of a region in the Amazon portrayed
by Bonil as a state of deterritorialization
where nature, artfulness, and artifice come
together to be heard as a dreamlike space
that questions perceptions and preconcep-
tions around this mythical place.
Finally, as part of the International Seminar
on Psychotropisms, Bonil presents the live
performance Mugre, a vampiric musical
project that he started in 2005, where he
performs German songs alongside his
brother that reinvent an imaginary that is
indebted to the sounds of the Cold War and
music from the northern countries.

1. Ya muy desagerado 2016 Instalacin,
ensamblaje con cartn y papel de regalo
1.7 x 1.9 x 9 m.
2. Fonoarqueologa y otras conexiones con
el Amazonas 2016 Compilaciones sonoras
44 min 2 x 1.5 x 0.5 m.
1.
2.
1. Way Too Over the Top 2016 Installation,
assemblage with cardboard and gift paper
1.7 x 1.9 x 9 m.
2. Phonoarcheology and Other Connections
with the Amazon Sound compilations
44 min 2 x 1.5 x 0.5 m.
50 / 51
Milena Bonilla
Luisa Ungar
Este conejo mirando a la izquierda
(2014-2016) es una obra en dos partes:
un performance que toma como punto
de partida el acto grupal de lectura de
la taza de chocolate y una serie de fotos
donde los residuos del chocolate en las
tazas sugieren imgenes enigmticas
descritas en frases sucintas.
En el performance, Bonilla y Ungar tejen
una conversacin con los participantes
de la accin en la que, en medio del
ejercicio de adivinacin, van emergiendo
relatos en los que el cacao no solo
habla de la suerte particular de aquellos
que esperan una revelacin sino, ms
all, de su propia historia, la historia
de una planta ligada durante siglos a
procesos de explotacin y mercadeo
colonial, de diseminacin y construccin
de identidades nacionales, de rituales y
reiteraciones en torno a su primera natu-
raleza mgica y sagrada, para llegar, poco
a poco, a un espacio donde la planta se
transforma en moneda y el cacao, proce-
sado, en mercanca y fetiche.
El trabajo de Ungar y Bonilla construye
una serie de narrativas histricas dif -
cilmente diferenciables de las ficciones
complejas que se articulan en el marco
de la accin, en las que una mancha de
chocolate puede ser un conejo, pero,
nunca por accidente, uno que mira a la
izquierda en la actual coyuntura histrica.
Este conejo mirando a la izquierda [This
Rabbit Looking to the Left] (2014-2016) is
a work in two parts: a performance that
takes as its starting point the collective
act of reading a cup of chocolate, and a
series of photos in which the residue of the
chocolate in the cups suggests enigmatic
images depicted in succinct phrases.
In the performance, Bonilla and Ungar spin
a conversation between two participants
in the middle of the practice of divination
in which stories emerge where the cocoa
speaks not only of the particular futures of
those waiting for a revelation, but, beyond
that, of its own history, the history of a
plant bound for centuries to the processes
of colonial exploitation and trade, the dis-
semination and construction of national
identities, rituals and reiterations of its
original magical, sacred nature, in order
to arrive, little by little, to a space where
the plant is transformed into currency and
in which cocoa, processed, becomes mer-
chandise and fetish.
Ungar and Bonillas work constructs a
series of historical narratives that are hard
to distinguish from the complex fictions
articulated during the performance, in
which a chocolate stain might be a a rabbit,
but, not accidentally, one that looks left in
the current historical moment.
Este conejo mira a la izquierda 2016 This Rabbit Looks to the Left 2016
Performance 60 min (aprx) Performance 60 min (aprox)

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Mara Buenaventura
Esta artista de Medelln ha concentrado
su trabajo en reflexionar sobre las
prcticas culturales que se dan entre
la investigacin sobre el cultivo de la
tierra en diversos contextos de la Sabana
de Bogot, el aprovechamiento de sus
frutos y su historia de luchas de afir-
macin de propiedad. En la instalacin
El territorio no est en venta presenta
un cmulo de decretos impresos en
papel donde fueron sembradas algunas
semillas, un metro cuadrado de tierra
y el registro del complejo proceso de
negociacin que se ha venido dando
desde el ao 2000 entre agrupaciones
de campesinos y el gobierno bogotano.
Resultado de un prolongado proceso
de interaccin entre la artista y varios
habitantes de la localidad ms grande de
la ciudad, la obra da cuenta de la paciente
labor de resistencia de una comunidad
que se opone a la tambin paciente expan-
sin jurdica del casco urbano de la capital
del pas mediante decretos de construc-
cin de Viviendas de Inters Social.
Ante la amenaza de destruccin de
uno de los yacimientos arqueolgi-
cos ms grandes de Latinoamrica,
materializada en la firma del decreto
619 de 2000 del Plan de Ordenamiento
Territorial de Bogot, este trabajo hace
evidente la imbricacin que hay entre
acciones de defensa de la tierra y el
desarrollo de estrategias de cuidado de
recursos naturales no renovables. Ms
que celebrar la existencia de santuarios
ecolgicos, destaca la necesidad de man-
tener delicados entornos que an existen
como fronteras naturales de proteccin
de los ecosistemas de alta montaa.
This artist from Medelln has focusedher
work on reflecting about the cultural
practices surrounding research on the
cultivation of the land in various contexts
in the Bogot Savanna, the exploitation of
its resources, and the history of struggles
over land ownership. In the installation, El
territorio no est en venta [The Land Isnt
for Sale], she presents a cluster of legal
decrees printed on paper on which seeds
have been planted, a square meter of dirt,
and the record of the complex process of
negotiation that has been ongoing since
the year 2000 between groups of campesi-
nos and the government of Bogot.
This work is the result of a prolonged pro-
cess of interaction between the artist and
various inhabitants of the area surrounding
the city. The work recognizes a communi-
tys patient labor of resistance in opposing
the also patient juridical expansion of the
metropolitan area of the capital through
decrees for the construction of Viviendas
de Inters Social [low-income housing].
Faced with the threat of destruction of one
of the largest archaeological deposits in
Latin America, which is manifested in the
signing of decree 619 of 2000 of the Plan de
Ordenamiento Territorial de Bogot [Zoning
Plan of Bogot], this work manifests the
overlap between actions in defense of
land and the development of strategies for
the protectionof nonrenewable natural
resources. More than simply celebrating
the existence of ecological sanctuaries, the
work stresses the need to maintain the
delicate environments that still function as
natural borders protecting the high moun-
tain ecosystems.
El territorio no est en venta 2011-2016 The Territory is not for Sale 2011-2016
Instalacin Dimensiones variables 2.4 x Dimensions Variable 2.4 x 5.4 x 5.1 m.
5.4 x 5.1 m. Video Gustavo Ayala: 1:30 min. Video by Gustavo Ayala: 1:30 min.

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Calipso Press
Calipso Press es el proyecto editorial de
Eva Parra y Camilo Otero, activo desde
2015. En el marco del 44 Saln Nacional
de Artistas su propuesta de impresin
risogrfica y autoedicin se desarroll en
colaboracin con el pblico del Saln.
En el proyecto, los participantes generan
procesos grficos, articulan puntos de
vista en torno a las piezas que hacen par-
te de la exposicin y se familiarizan con
las tcnicas y los modos de produccin
de la impresin risogrfica.
Calipso Press is the editorial project
of Eva Parra and Camilo Otero, active
since 2015. In the 44th National Salon
of Artists, Calipso developed a self-pu-
blication project that makes use of
risographic printing, in collaboration with
the Salon's public.
In the project, participants generate gra-
phic processes, articulate points of view
about the pieces that make up the expo-
sition, and familiarize themselves with
the techniques and modes of production
of risographic prints.
Registro fotogrfico del taller Photographic documentation of
realizado por Calipso Press. Calipso Press workshop.

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James Campo
Santa Rosa es un conjunto escultrico
elaborado por el artista payans James
Campo a partir de la recuperacin, inter-
vencin y ensamblaje de herramientas
manuales, de motor y armas de fuego,
usadas por el artista, su padre y su abuelo
a lo largo de sus vidas. La unin de picas,
palas, hachas, machetes y azadones con
motosierras, cortadoras de pasto y guada-
as no solo representa la particular edu-
cacin sentimental que recibi durante su
infancia, sino que inscribe una reflexin
sobre nuevos procesos de afianzamiento
comunitario en medio de un contexto
de guerra irregular semipermanente.
Esta obra rescata los ndices dejados por
el uso reiterado de los objetos en labores
rutinarias. Al cultivo para el comercio se
une la vivencia de una niez de jornadas
que entremezclan trabajo manual e
intelectual a partes iguales. De otro lado,
la obra recuerda que la inseguridad de
extensas zonas del departamento donde
habita el artista no solo es responsabili-
dad de los distintos grupos armados que
recorren esa regin, sino que corresponde
a la inequvoca intervencin de los repre-
sentantes polticos que les dan voz y
ley en los estrados del poder central.
No obstante, su reclamo es mucho ms
sofisticado. Superando resentimientos
atvicos como aquellos que han inspirado
lamentables propuestas de segregacin
tnica y social en el departamento del
Cauca, apuesta por volver a pensar en la
virtud y en las complejidades de la
reconciliacin; para dar a entender que no
basta con ansiarla, sino que ponerla en
marcha exige un compromiso casi exclusivo.
Santa Rosa is a sculptural complex con-
structed by James Campo, an artist from
Popayn in the department of Cauca,
through the recuperation, alteration, and
assembly of both manual and motor tools,
as well as firearms, used by the artist, his
father, and his grandfather throughout
their lives. The union of picks, shovels, axes,
machetes, and hoes with chainsaws, lawn-
mowers, and scythes not only represents
the particularly sentimental education he
received during his childhood, but reflects
on new processes of communal unification
in the context of an irregular, semi-perma-
nent war.
This work recovers the marks left by the
continuous use of objects in routine labor.A
childhood in commercial agriculture is
defined by days that combine manual and
intellectual labor in equal parts. On the
other hand, the work speaks to the factthat
insecurity in large zones of the depart-
ment where the artist lived is not the sole
responsibility of armed groups, but also
caused by the unequivocal intervention of
the political representatives who give them
voice and legal standing in the centers
of power.
Nevertheless, his claims are much more
sophisticated. Overcoming atavistic resent-
ments such as those that have inspired
regrettable proposals for economic and
social segregation in the department of
Cauca, he bets on a return to the virtue
and the complexities of reconciliation, to
demonstrate that its not enough to desire
it, but that to put it into action requires an
almost exclusive commitment.
Santa Rosa 2013-2016 Instalacin Santa Rosa 2013-2016 Installation,
Dimensiones variables 2.3 x 4.6 x 6 m. Dimensions Variable 2.3 x 4.6 x 6 m.

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Antonio Caro
Hace cuarenta y un aos, el artista
Antonio Caro present otra de las obras
que marc el comienzo de su larga tra-
yectoria. A partir de las posibilidades que
encontr en la repeticin de imgenes,
realiz obras como Colombia-Marlboro,
con el nombre del pas escrito con la
tipograf a que identifica la marca de
cigarrillos de mayor recordacin nacional.
Adems, mediante el gesto de sacar los
carteles de la galera y ponerlos de cara
a la calle, reiter su crtica frente a las
constantes incursiones de ese tipo de
corporaciones en el pas. Este gesto le
sirvi para representar la realidad del
colonialismo econmico que ha obligado
a Colombia a cumplir con el rol de des-
pensa sobreexplotada, tierra exhausta,
entorno natural desprotegido o cuidado
a medias, pas poblado de ciudadanos
que preferimos adquirir, en buena medi-
da, productos provenientes del exterior.
Presentar esta obra en el marco de este
Saln Nacional reitera la absoluta actua-
lidad de su planteamiento. Sobre todo
porque, adems de haber servido para
ampliar los alcances del arte poltico de
su momento, la obra sigue hablando de
la ambigedad a la que est sometido
el ejercicio de soberana en nuestros
das. En una sociedad condicionada
por el manejo de las tasas de consumo,
donde el comercio es lengua franca del
intercambio entre naciones, y donde
las regulaciones dependen del cumpli-
miento de compromisos impuestos por
tratados de libre comercio, no basta con
levantarse y protestar: hay que atender
el tipo de elementos con que satisface-
mos nuestra necesidad de consumo.
Forty-one years ago, Antonio Caro
presented one of the key works of the
beginning of his long career. Through the
possibilities he discovered in the repetition
of images, he created works such as Colom-
bia-Marlboro, the name of the country
imitating the typography of the most rec-
ognized brand of cigarettes in the country.
Moreover, by taking his posters out of the
gallery and making them face the street,
he reiterated his criticism of the constant
incursion of this type of corporation. This
act represented the reality of the economic
colonialism that has relegated Colombia to
the role of overexploited pantry, exhausted
land, unprotected or only partially pro-
tectednatural environment, a country
populated by citizens largely interested in
acquiring foreign-made products.
The presentation of this work in the
National Salon reiterates the contemporary
relevance of its approach. Because, beyond
extending the reach of the political art of
its time, his work continues to addressthe
ambiguity to which the exercise of sov-
ereignty has been subjected. In a society
conditioned by its rate of consumption, in
which commerce is the lingua franca of
exchange between nations, and in which
regulation is delimited by the demands
imposed by free trade agreements, its not
enough to stand up and protest: one must
pay attention to the elements with which
we satisfy our need for consumption.
Colombia Marlboro 1975 Edicin 2016 Colombia Marlboro 1975 Edition 2016
Instalacin en espacio pblico 3 x 15 m. Installation in public space 3 x 15 m.

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Carolina Caycedo
Ahora que el gobierno colombiano
empea la sostenibilidad ambiental del
pas por la ilusin del capital proveniente
de multinacionales que pagan sumas
irrisorias por la explotacin de recursos
invaluables, como el agua, resulta perti-
nente empezar a entender la complejidad
de los problemas que se desprenden
de estas formas de depredacin.
Carolina Caycedo ha trabajado durante los
ltimos cinco aos como artista, vocera
y colaboradora de Ros Vivos, entre otros
movimientos de resistencia civil cam-
pesina, en torno al caso particular de la
construccin de represas y los nefastos
resultados de tal implementacin. Sin ir
ms lejos, el proyecto hidroelctrico del
Quimbo ha afectado de forma directa a por
lo menos 30.000 personas que han sido
desplazadas, amedrentadas y vulneradas
por la accin conjunta de Emgesa, de
organismos estatales y de actores armados.
Esto, por supuesto, sin hablar del dao
medioambiental, de la responsabilidad del
Quimbo en la sequa que afecta a buena
parte del pas, ni del detrimento a largo
plazo del patrimonio hdrico colombiano.
Es en este contexto que el trabajo de
Carolina Caycedo resuena, revelando las
tensiones entre subjetividad, organizacin
social, infraestructuras de contencin y
abiertos ejercicios de represin. En Los
espaoles la nombraron Magdalena pero
los nativos la llaman Yuma, Caycedo pre-
senta una mirada ntima sobre su relacin
con el ro Magdalena, Yuma, a la vez que
expande una mirada poltica sobre formas
de contencin social y medioambiental para
hacernos ver que en toda represa subyace
un ejercicio de represin que debe ser con-
testado desde la accin social organizada.
Now, when the Colombian government is
trading the countrys environmental sus-
tainability for the promise of capital from
multinationals that pay laughable sums
for the privilege of exploiting our priceless
resources like water, it seems pertinent
to understand the complexity of the prob-
lems that result from these depredations.
Carolina Caycedo has worked for five years
as an artist, spokesperson and collabo-
rator with Ros Vivos, among other rural
civil resistance movements, united in the
opposition to the construction of dams and
warning of the disasters that follow their
implementation. The Quimbo hydroelectric
project has directly affected at least 30,000
people who have been displaced, threat-
ened, and made vulnerable by the actions
of the Emgesa consortium, state organiza-
tions, and armed groups. This, of course, is
in addition to the environmental damage
and the role of Quimbo in the drought that
currently affects a large part of the coun-
try, and of the damage to the hydrological
patrimony of Colombia for years to come.
Within this context, the work of Carolina
Caycedo echoes, revealing the tensions
between subjectivity, social organization,
infrastructures of contention, and the
open exercise of repression. Her work Los
espaoles la nombraron Magdalena pero
los nativos la llaman Yuma [The Spanish
Named it Magdalena but the Natives Call
it Yuma] opens up political insights into
social and environmental conflicts showing
that every dam project is accompanied
by a program of repression that must be
contested through organized social action.
Los espaoles la nombraron Magdalena, The Spaniards Named Her Magdalena, but
pero los nativos la llaman Yuma 2013 Video the Natives Call Her Yuma 2013 Video
instalacin Dimensiones variables 3.1 x 6 x installation Dimensions Variable 3.1 x 6 x
5.6 m. Video: 27 min. 5.6 m. Video: 27 min.

62 / 63
Gustavo Ciraco
Este performance coreogrfico es un
proyecto site-specific (pensado para el
contexto en donde se realiza) que parte
del horizonte como campo de ficcin
compartida. Con la seleccin de un
paisaje y un lugar desde donde el pblico
observa, el proyecto promueve su gradual
transformacin a travs de figuras y
personajes que aparecen y desaparecen.
El paisaje rene hombres y mujeres,
ciudad y naturaleza, historia y fantas-
magora. Algo sin nombre, sublime y
banal a la vez, le acomete. Fugaz en su
aprehensin, el paisaje genera relatos,
biograf as y fbulas. El paisaje como
experiencia del mundo, como parte de un
proceso continuo de apropiacin y habi-
tacin de lo que nos rodea, es tambin
el panorama de intersecciones entre lo
que vemos e imaginamos. Esta pieza viva
invita al pblico a una desaceleracin de
los ritmos y destrezas cotidianas, disloca
la mirada hacia un paisaje que se des-
pliega y revela otras formas de percibir
la ciudad y el entorno que se habita.
Con el uso mnimo de elementos, la
participacin de voluntarios y el lenguaje
de la coreograf a contempornea, Ciriaco
logra una experiencia cuasi-cinemtica
de la arquitectura y el espacio pblico
en donde se lleva a cabo la pieza.
This choreographic performance is a
site-specific project that considers the
horizon as a shared work of fiction. By
selecting a landscape and a location from
which the public can observe it, the project
gradually develops through figures and
characters that appear and disappear.
The scene brings together men and women,
city and nature, history and phantasmago-
ria. Something unnamed, at once sublime
and banal, overtakes the work. Fleeting in
apprehension, the scene brings forth sto-
ries, biographies, and fables. The landscape
becomes an experience of the world, part
of a continual process of appropriation and
habitation of everything that surrounds us,
and a panorama of intersections between
what we see and imagine. This live piece
invites the public to slow down their daily
rhythms and gaze towards a scene that
reveals other ways of perceiving the city
and our everyday context.
With a minimal use of elements, the par-
ticipation of volunteers, and the language
of contemporary choreography, Ciraco
achieves a quasi-cinematic experience
of the architecture and the public space
where the work is set.
Onde o horizonte se move [Donde el Where the Horizon Moves 2012 Site
horizonte se mueve] 2012 Performance specific performance 45 min.
site specific 45 min.

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Fredy Clavijo
La Naturaleza de la irrupcin, es una
obra que se desarrolla en dos tiempos:
primero, el artista realiz La cristalina,
una intervencin en el espacio rural que
ampla los conceptos de arte pblico,
con una escultura que consiste en una
piedra enchapada en cristanac con barras
de piscina, en un remanso del ro Otn
donde familias de clase media pasan sus
das de ocio. En el segundo momento, el
artista realiza una piedra de ro inflable
con neumtico que hace referencia
directa al charco y la lleva a la piscina de
un exclusivo club social para registrar las
reacciones de las personas. Al final, en el
ro o en la piscina todos juegan.
En esta obra el artista indaga acerca
del manejo del tiempo libre y el ocio
en diferentes estratos econmicos de
la sociedad contempornea mientras
reflexiona sobre cmo el significado del
objeto escultrico vara segn el contexto
donde se instala, propiciando una irrup-
cin esttica en un espacio cotidiano.
La Naturaleza de la irrupcin [The Nature
of the Eruption], is a work that plays out in
phases: first, the artist created La cristalina
[The Crystalline], an intervention in a rural
space that expands the concept of public
art, with a sculpture that consists of a
stone covered in a mosaic of pool tiles, in
a swimming hole in the Otn River in which
middle class families spend their days off.
In the second phase, the artist created an
inflatable river rock out of a tire that makes
direct reference to the swimming hole, and
takes it to the pool of an exclusive social
club to register the reactions of the people
there. In the end, everybody plays in both
the river and the pool.
In this work the artist investigates how
people in different classes of contemporary
society spend their free time, while reflect-
ing on how the significance of sculptural
objects varies depending on the context
in which they are installed, promoting an
aesthetic eruption in everyday spaces.
 1.

2.

1. La naturaleza de la irrupcin 2016 1. The Nature of Irruption 2016

Videoinstalacin 1.8 x 6.2 x 4.5 m. Video installation 1.8 x 6.2 x 4.5 m.
Video: 1:43 min Video: 1:43 min
2. VideoLa Cristalina:03 min 2. VideoLa Cristalina:03 min

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Alberto De Michele
El recorrido de este artista italiano
por diversas partes del mundo resulta
fundamental para entender sus obras
de la ltima dcada y sus anlisis de la
retrica construida en torno a fenmenos
considerados polticamente incorrectos,
como el del hampa. De esta forma, vin-
cula la comprensin tradicional del com-
portamiento de los prfugos de la justicia
con su modus operandi en el terreno,
para percibir la particular militancia de
quienes se mueven en los bajos fondos
como resultado de procesos desiguales,
propios de una sociedad basada en la
acumulacin de riqueza.
El segundo viaje resulta de un proceso de
larga duracin y alto riesgo f sico: en esta
obra, De Michele burla esquemas conven-
cionales de seguridad para recorrer una
peligrosa rea del mar Caribe junto a un
ciudadano de Roldanillo que hizo parte
de la violencia armada colombiana. Sin
embargo, decide privilegiar el compo-
nente potico de una vida que se debate
entre la clandestinidad y la aoranza de
una tranquilidad comn. Es la vida de un
sujeto que se mantiene a la bsqueda de
una existencia sin riesgos en su propio pas.
Sus videos e instalaciones incluyen
imgenes evocadoras para que el
espectador construya una historia sin
depender de perspectivas excluyentes.
Es decir, ensea a mirar de forma no
maniquea, mostrando un personaje
parecido a un actor misterioso que no
menciona la carga incendiaria de sus
acciones anteriores. As orbita entre
las revelaciones a medias y la voluntad
de exponer un manto de duda sobre
alguien a merced del juicio pblico
The travels of this Italian artist throughout
the world are fundamental to understand
his works of the last decade and his analy-
sis of the rhetoric surrounding phenomena
considered politically incorrect, such as
criminal behavior. His practice links a
traditional understanding of the behavior
of fugitives from justice with their modus
operandi in their environment, in order to
analyze the particular militancy of those
who have turned to the underworld as a
result of the inequitable processes that
are unavoidable in societies based on the
accumulation of wealth.
El segundo viaje [The Second Journey]
results from a long and physically perilous
process: in this work, Michele flaunts con-
ventional notions of safety by traveling to
a dangerous region on the Caribbean coast
together with a citizen of Roldanillo (in the
department of Cauca) who took part in the
armed violence in Colombia. However, he
decides to emphasize the poetic side of a
life oscillating between the clandestine
and a yearning for the peacefulness of a
subject committed to the pursuit of a risk-
free existence in his own country.
His videos and installations include evoc-
ative images that allow the spectatorto
construct a story without relying on
exclusive narrative perspectives. That is to
say, one learns to see in a non-Manichean
manner, observing a character resembling
a mysterious actor who doesnt mention
the destructive burden of his past. Through
this practice, the work orbits between par-
tial revelations and the desire to maintain a
mantle of doubt concerning a person at the
mercy of public opinion.
El segundo viaje 2015 Video: 11:18 min. The Second Trip 2015 Video: 11:18 min.

68 / 69
Wilson Daz
En esta oportunidad, el artista Wilson
Daz participa en el Saln Nacional con
una autocuradura de su trabajo, en la que
rene algunas de las pinturas que ha veni-
do elaborando desde hace tiempo, acom-
paadas de muestras de su coleccin
discogrfica. Una discograf a perversa que
se ha editado histricamente para promo-
ver campaas polticas, hacer propaganda
de Estado, vender la guerra como el mejor
negocio, convencernos de la bondad de
la mega(ga)minera, llevarnos a pensar
que necesitamos procesos comerciales
que nos desindustrialicen, o todo junto.
Daz presenta imgenes y sonidos en for-
matos distintos para recordar cmo nos
gusta caer rendidos ante las mentiras de
nuestros peores polticos cuando hacen
campaa. Msica proselitista para odos
selectos; pintura de portadas de discos
para observadores atentos. Es un proyecto
para que nosotros, votantes deliberada
y cuidadosamente olvidadizos, nos son-
rojemos un poquito por haber ido a votar
por este o aquel hampn inveterado.
Este laboyano present su serie La flor
caduca de la hermosura de su gloria en
las instalaciones del Antiguo Club Rialto,
como complemento de la versin libre y
espontnea a partir de la presentacin
de msica que cantan polticos, mandan
a componer polticos o le imponen los
publicistas a los polticos, y cuya sede
ser el Rincn Clsico, mtico punto de
encuentro de la ciudad de Pereira. Como
performance de provocacin, su duelo
musical con don Olmedo se presenta
como un divertimento y un ejercicio de
recuperacin del olvido para que las
generaciones venideras sepan la clase de
electores que fuimos sus antecesores. Y lo
que gozbamos con ese gnero musical.
The artist Wilson Daz is featured in the
National Salon with a self-curation ofhis
work, in which several of the paintings
that he has made over a period of time
are reunited, accompanied by samples
from his record collection. It is a perverse
discography designed to promote political
campaigns, create state propaganda, sell
war as the best kind of business, convince
us of the goodness of mega-mining, bring
us to think that we need the commercial
process that de-industrializes us, or all
of the above.
Daz presents images and sounds in
various formats to remind us of how we
succumb to the lies of the worst politi-
cians during their campaigns. Proselytizing
music for select ears, paintings of album
covers for careful observers. Its a project
intended to cause us, deliberately and
selectively forgetful voters that we are, to
blush a bit for having voted for this or that
inveterate thug.
This artist from Pitalito will present his
series of works La flor caduca de la her-
mosura de su gloria [The Flower Expires
Because of the Beauty of its Glory] in the
Club Rialto, as a complement to a free and
spontaneous version featuring music sung
by politicians, commissioned by politicians,
or imposed on them by their publicists,
which will be located in the Rincn Clsico,
the mythical meeting place of Pereira. As a
provocative performance, his musical duel
with Don Olmedo is presented as enter-
tainment and as a way of recuperating the
forgotten, so that the coming generations
can be aware of what kind of voters their
predecessors were. And how much we
enjoyed this genre of music.
Alienando pueblo 2016 Instalacin Alienating People 2016 Installation
(3 pinturas y audio) Audio: 42 min. (3 paintings and audio) Audio: 42 min.

70 / 71
Bar Dorusz
Esta instalacin, que hace parte del
proyecto Heure de Paris [Hora de Pars],
fue realizada por Dorusz entre 2011
y 2015, con materiales audiovisuales
transmitidos por noticieros franceses
en los aos ochenta, cuando reportaban
las tensiones geopolticas del Medio
Oriente. En esta obra, el artista se
apropia de una serie de mapas colo-
ridos de Turqua y su vecindad. A las
imgenes televisivas las acompaaba
la voz de algn periodista explicando
una crisis poltica, una confrontacin
armada, una invasin o una masacre
relacionada con alguna disputa territorial.
La familia de Dorusz se exili
en Francia tras el golpe de estado
en Turqua que instaur la dictadura
militar de los aos ochenta. Estos
mapas emitidos por televisin fueron
la nica fuente visual de informacin
acerca de las crisis territoriales en su
pas de origen, ya que la prensa inter-
nacional no poda entrar legalmente.
Los cambios en las delimitaciones fron-
terizas, visibles en estos mapas, reflejan
los conflictos actuales en el Medio
Oriente, incluyendo la guerra de Siria e
Irak. Cuando se observan con distancia,
las capas de color de las impresio-
nes que varan dependiendo de la
cantidad de fotogramas se asemejan
a las capas geolgicas del subsuelo. El
efecto retinal insina que el futuro de la
memoria de toda historia social estar,
eventualmente, enterrada, en el olvido,
en la amnesia colectiva de la humanidad
ante los errores blicos del pasado.
This installation, which is part of the proj-
ect Heure de Paris [Hour of Paris], was
created by Dogrusz between 2011 and 2015,
using broadcast materials from French
television news in the nineteen-eighties
that covered geopolitical tensions in the
Middle East. In this piece, the artist appro-
priates a series of colored maps of Turkey
and its vicinity. The televised images are
accompanied by the voice of a journalist
explaining a political crisis, an armed
confrontation, an invasion, or a massacre
related to a territorial dispute.
Dogruszs family went into exile in France
after the coup in Turkey that installedthe
military dictatorship in the nineteen-eight-
ies. These maps broadcast on television
were the only visual source of information
about the territorial crises in his native
country, as the international press could
not legally enter Turkey.
The changes to the borders, visible on
these maps, reflect the current conflicts in
the Middle East, including the war in Syria
and Iraq. Observed from a distance, the
layers of color in the prints, which vary
based on the number of stills used, resem-
ble the geological strata of the subsoil. The
retinal effect insinuates that in the future
all memory of social history will eventually
be buried under the earth, forgotten in the
collective amnesia of humanity concerning
past errors of war.
 1.

2.

Hora de Pars: 1. El mapa y el territorio Heure de Paris: 1. The map and the territory
2. Separacin 2011-2015 Instalacin 2. Separation 2011-2015 Installation
Video: 17:47 min. 11 impresiones digitales a Video: 17:47 min. 11 color digital prints each:
color c/u 1.65 x 0.9 m. 1.65 x 0.9 m.

72 / 73
Herlyng Ferla
En estas esculturas, que representan
con cemento frutos de cacao, el artista
caleo Herlyng Ferla da cuenta de la
transformacin que tuvo su trabajo tras
incorporar aportes provenientes de la
antropologa cultural, las ciencias polticas
y la historia de la arquitectura. Una vez
conform el grupo de estudio La Nocturna,
junto a la psicloga y curadora ricka
Flrez y la artista Mnica Restrepo, entre
otros, Ferla estableci una base concep-
tual para ampliar sus lecturas sobre el
crecimiento de las ciudades. As como en
algunos casos convirti estos resultados
en curadura, ahora lo hace en obra.
Como esos arquitectos que vieron el
paradigma de la urbanizacin moderna
caer envenenado de soberbia y polticas
de Estado, y a su cadver intoxicarnos
con congestin y odio de clase, este
artista sale a las calles de Cali para
examinar esos modos de habitar que
oscilan entre la esquizofrenia espacial y
el uso refinado del material de desecho.
Su labor, que comenzaba con la identifi-
cacin de hitos urbanos no tradicionales
lugares donde encontraba acumulaciones
an no consideradas basura, como rejas a
punto de ser fundidas o bloques de arcilla
rotos a los que todava se otorgaba funcin
utilitaria, ahora comenta la superpo-
sicin cultural de las aglomeraciones
habitacionales cuando se moderniza su
infraestructura. As, resuelve una ecuacin:
ms que reclamar por la insuficiente pro-
mesa de la modernizacin, su obra vincula
el material protagnico del crecimiento
metropolitano con un fruto que acompa
el florecimiento de las movilizaciones
cimarronas en el Valle del Cauca.
In these cement sculptures of cocoafruits,
the artist Herlyng Ferla, from Cali,
demonstrates the changes his work has
undergone since he began to incorporate
practices from cultural anthropology, polit-
ical science, and the history of architecture.
After being part of the study group La Noc-
turna together with the psychologist and
curator ricka Flrez and the artist Mnica
Restrepo, among others, Ferla established
a conceptual base to enhance his studies
of urban growth. This enrichment, already
evident in curatorial efforts, is now visible
in his work.
Like those architects who saw the par-
adigm of urbanization poisoned by
arrogance and State policies, and later saw
its corpse poisoning us with congestion
and class hatred, this artist goes out into
the streets of Cali to examine ways of living
that oscillate between spatial schizophre-
nia and the refined use of waste materials.
His labor, which began identifying nontra-
ditional urban landmarks places where
one may encounter piles that can no longer
be considered trash, like iron bars in their
way to being melted,or broken masonry
blocks that still have some utilitarian
function now comments on the cultural
superposition of urban conglomerations
when they modernize their infrastructure.
He thus solves an equation: more than a
work of reclamation for the insufficient
promise of modernization, his work links
the principal material of urban growth
with the fruit that accompanied the flow-
ering of runaway slave communities in
Valle de Cauca.
Sin ttulo 2014-2016 Instalacin 2 x 5 x 6 m.
En la pared: ricka Flrez y Herlyng Ferla
Jornales 2013-2016 Texto impreso al sol
durante una quincena Fragmento extrado de
Los Estratos de Juan Crdenas 1 x 3 m.
Untitled 2014-2016 Installation 2 x 5 x 6 m.
Hanging on the wall: ricka Flrez y Herlyng
Ferla Wages 2013-2016 Text sun-printed
during 15 days Fragment from the novel Los
Estratos, by Juan Crdenas 1 x 3 m.
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Stephen Ferry
Este fotoperiodista estadounidense viene
cubriendo los cambios polticos del pas
desde la dcada de 1980, retratando
poderosamente asuntos como la per-
secucin contra activistas de derechos
humanos, ambientales y polticos.
Ro Magdalena es una investigacin
que vincula varios de los encuentros de
Ferry en sus travesas por el pas. En su
recorrido por el ro retrata las distintas
culturas que aparecen en la ribera a
medida que pasa. Sigue el curso de agua
de la mano del cronista alemn Michael
Stuhrenberg, para homenajear la lectura
que hizo aos antes de la literatura de
Gabriel Garca Mrquez. Desajustando
la mirada etnogrfica, Ferry vuelve
a esas zonas de las que muchos de
nosotros sabemos a medias y mal.
El Macondo literario se pone en cuestin
ante un universo ni tan realista ni tan
mgico, estructurado sobre las duras
complejidades y la enorme sutileza de
grupos humanos dedicados a sobrevivir
en una extensa regin. Como dice Ferry:
seguramente nunca existen visiones
puras de la realidad, exentas de influen-
cias culturales y de la imaginacin de
uno, pero en el caso de mi relacin con
el famoso ro Magdalena, lo subjetivo y lo
objetivo (si existen tales polos opuestos)
se intercalaron en todo momento [] sin
duda, todo lo que me llam la atencin
de la infinitud de cosas que se presen-
taron en cada momento, y todo lo que
decid fotografiar y luego incluir en la
seleccin presentada aqu, es producto
de la influencia de Gabo en mi vida.
Es decir, afecto de verdad.
This American photojournalist has cov-
ered the political changes in this country
since the 1980s by powerfully document-
ing subjects such as the persecution
of environmental, political, and human
rights activists.
Ro Magdalena [Magdalena River] is an
investigative work that ties together var-
ious encounters that Ferry has had in his
travels across the country. In his journey
along the river, he portrays the different
cultures that appear along the banks as he
goes by. He is joined by the German writer
Michael Stuhrenberg along the river, to pay
homage to Stuhrenbergs earlier reading
of the works of Gabriel Garca Mrquez.
Freeing himself from the ethnographic gaze,
Ferry returns to those zones that many of
us barely know, and even then, only poorly.
The Macondo of literature is called into
question before a universe that is neither
very realistic nor very magical, structured
by the deep complexities and enormous
subtlety of groups of people dedicated
to surviving in the vast region. As Ferry
says, surely pure visions of reality dont
exist, exempt from ones cultural influences
and imagination, but in the case of my
relation with the famed river Magdalena,
the subjective and the objective (if those
polar opposites do exist) are constantly
interspersed [...] doubtlessly, everything
that caught my attention from the infinite
multitude of things that presented them-
selves at each moment, and everything that
I decided to photograph and later include
in the selection presented here, is the
product of Gabos influence in my life. That
is to say, of true affection.
Ro Magdalena 2014 Fotografas 11 Magdalena River 2014 Photographs 11
fotografas: 24 x 36 cm. 3 fotografas Photographs: 24 x 36 cm. 3 Photographs
66 x 100 cm. 66 x 100 cm.

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scar Figueroa
Durmientes es un proceso arduo y
analtico que se inserta en la historia
del enclave bananero en Centroamrica
y el Caribe colombiano. Su proceso de
grabado constituye la memoria de un
viaje, haciendo referenciaa la produccin
de grabados de los viajeros/grabadores
europeos del siglo XIX en las Amricas.
En el caso de Figueroa, el paisaje repre-
sentado son las ruinas del ferrocarril
de la United Fruit Company, cuya lnea
frrea atraves el paisaje entero, mono-
polizando la economa de los pases en
donde estaba anclada la multinacional
norteamericana.
Figueroa viaj desde las montaas
de Guatemala hasta el Magdalena en
Colombia con tinta y papel de arroz
chino para capturar las texturas y la
historia impregnada en las traviesas
de madera de los ferrocarriles obso-
letos de la United. Los grabados estn
acompaados por apuntes, grandes
clavos de hierro oxidados, insectos y
reptiles secos, objetos encontrados en
cada lugar, que hablan del abandono
de la va, las condiciones climticas
y el ataque de plagas en el trpico.
La horizontalidad de estas maderas
podridas y el nombre con el que se les
conoce en Centroamrica, durmientes,
aluden a la posicin en la que yacen los
muertos que produjo la construccin del
ferrocarril y la economa del enclave. En
Costa Rica, por ejemplo, durante la cons-
truccin del ferrocarril de la United, cien-
tos de trabajadores rasos chinos y jamai-
quinos murieron por las condiciones
de trabajo, muchos de ellos infectados
de malaria. En Colombia, a lo largo del
siglo XX, el ferrocarril transport tanto
bananos como cuerpos de trabajadores
masacrados por intentar sindicalizarse.
Durmientes [Sleepers] is an arduous and
analytical process concerned with the his-
tory of the banana-producing enclaves of
Central America and Colombias Caribbean
coast. The process documents a voyage
and references the engravings of the trav-
elers/printmakers in the Americas of the
nineteenth century. In Figueroas case, the
landscape he represents are the ruins of
the United Fruit Company railway, whose
tracks traversed the entire region, monop-
olizing the economy of the countries where
the North American multinational corpora-
tion took root.
Figueroa traveled from the mountains
of Guatemala to the Magdalena river in
Colombia with ink and Chinese rice paper
to capture the textures and the history
embedded in the obsolete wooden rail
ties of the United railroad. The prints are
accompanied by notes, huge, rusted rail
spikes, dried insects and reptiles, and
objects found in each place, which speak
to the railways abandonment, the climate,
and the attack of tropical plagues.
The horizontal position of these rotting
pieces of wood and the name by which they
are known in Central America, [sleepers],
alludes to the position of the dead who
constructed the railroad and the regions
economy. In Costa Rica, for example, during
the construction of the United railroad,
one hundred Jamaican and Chinese
workers died due to poor labor conditions,
many of them infected with malaria. In
Colombia, during the 20th century, the
railroad transported bananas as well
as the bodies of workers massacred for
attempting to unionize.

1. Durmientes 2012-2013 12 grabados
en tinta sobre papel de arroz, maderas,
insectos, objetos encontrados Una vitrina:
1.1 x 1 x 7.5 m. Una vitrina: 1.1 x 4.8 x 1 m
2. El billete ms hermoso II 2011-2016
Billetes recortados 30 x 30 x 12 cm.
1.
2.
1. Sleepers 2012-2013 12 ink engravings on
rice paper, wood, insects, found objects
One Cabinet: 1.1 x 1 x 7.5 m One Cabinet:
1.1 x 4.8 x 1 m
2. The Most Beautiful Bill II 2011-2016
Cut-up bills 30 x 30 x 12 cm.
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Andres Felipe Gallo
Andres Felipe Gallo es un santarrosano
que trabaja procesos relacionados con
el dibujo y las condiciones tcnicas de la
produccin tridimensional. Su obra est
mediada por la experimentacin con las
condiciones de ambos procedimientos:
construye a partir de detritos reunidos
en recorridos que traza por la ciudad,
propone maniobras de intervencin
arquitectnica en los lugares que contie-
nen sus obras, y altera las convenciones
impuestas por la retrica modernista
sobre esta prctica reutilizando material
empleado en obras anteriores.
La articulacin de estos elementos
reaparece en la versin de la obra
Acupuntura urbana, en la que retorna
a un trabajo homnimo previamente
exhibido (pared de cascajo consolidado
con cemento), modificando su emplaza-
miento original (mediante un despliegue
horizontal mayor), al que aade una
capa de sentido figurativa (con la rplica
del perfil del horizonte que rodea a la
ciudad de Pereira). Concluye amplian-
do su pregunta por la generacin de
escombros a gran escala (al cuestionar
la cantidad de peso que resistira el
edificio que albergue su trabajo).
A la reflexin sobre las condiciones de
produccin de su material de trabajo,
Gallo aade un enfoque ontolgico. Al
poner peso de ms en una estructura
expositiva inadecuada, el artista se
convierte en un agente que introduce
evidentes cambios f sicos en un contexto.
Si en vez de embellecerlo arriesga su inte-
gridad, expresa la potencia del material
elegido y transforma la escultura no en un
hito del territorio sino de su destruccin.
Andres Felipe Gallo is from Santa Rosa,
Colombia, and works on processes related
to drawing and the technical conditions of
three-dimensional construction. His work is
mediated by experimentation with the con-
ditions of both processes: he uses detritus
gathered during his wanderings across the
city, proposes acts of architectural inter-
vention in the sites of his works, and alters
the conventions imposed by modernist
rhetoric by reutilizing material from previ-
ous pieces.
These elements reappear in this version of
Acupuntura urbana [Urban Acupuncture],
in which he returns to a previously exhib-
ited piece of the same name (a gravel wall
held together with cement), modifying its
original placement (by lengthening it hor-
izontally), and adding a layer of figurative
meaning (with a replica of the horizon sur-
rounding the city of Pereira). He amplifies
the question his work poses with the use
of a large amount of rubble (in order to
test the amount of weight the building that
houses the work can bear).
In his reflection on the conditions of the
production of the materials he uses in his
work, Gallo also brings an ontological focus.
By putting more weight than a structure
made for an exhibit can hold, the artist
becomes an agent of physical changes unto
an environment. If in the process of beau-
tifying it he risks its integrity, he expresses
the potential of his chosen materials and
transforms the sculpture into something
that is not a landmark of the territory, but
of its destruction.
Acupuntura urbana 2016 Urban Acupuncture 2016
Instalacin 3.1 x 9.3 x 8.7 m. Installation 3.1 x 9.3 x 8.7 m.

80 / 81
Ethel Gilmour
La iconograf a de Gilmour no solo se
debe asimilar como parte de la historia
del arte en Colombia, sino como memoria
visual de la intrnseca cultura de violen-
cia del pas, especialmente del sangrien-
to contexto del Medelln y la Antioquia de
los aos ochenta y noventa. Su lenguaje
visual naif mantuvo una subjetividad
y una mirada domstica y perversa
hacia las atrocidades del narcotrfico,
la delincuencia pandillera, la represin
del Estado y los paramilitares, as como
de la violencia intrafamiliar.
Su obra es un legado que reivindica la
pintura surrealista en la contemporanei-
dad. En varias de sus piezas se resignifica
la iconograf a catlica popular entre
paisajes buclicos que representan rea-
lidades viscerales. A lo largo de los aos,
el paisaje mantuvo un rol protagnico en
sus composiciones, como una indagacin
pictrica acerca del territorio nacional.
En Colombia bien. Colombia no tan bien
(1983), el paisaje aparece sobre las caras
de un machete verdadero.
Un ready-made simblico del trabajo
agrario, de las luchas en el campo y de
la eterna violencia de Colombia que se
puede rastrear desde las batallas de la
Independencia y la violencias biparti-
distas, hasta las violencias del presente,
el de Gilmour y el nuestro. En una cara
del machete aparece un pueblo feliz, un
paisaje armnico, una proyeccin de un
sueo. En la otra, hay un paisaje ensan-
grentado de cuerpos desmembrados. Un
machete en paz y otro en guerra, como en
la polarizacin actual del pas.
The iconography used by Gilmour should
not only be understood as part of the
history of Colombian art, but also as a
visual memory of the countrys intrinsic
culture of violence, especially in the bloody
context of Medelln and Antioquia during
the 1980s and 1990s. Her naf visual
language maintained a subjectivity and a
domestic and perverse gaze at the atroc-
ities of drug trafficking, the delinquency
of gangs, State and paramilitary repres-
sion, and domestic violence.
Her work is a legacy that vindicates the
validity of surrealistic painting in contem-
porary art. In several of her piecesthe
popular iconography of Catholicismis
resignified amidst bucolic landscapes rep-
resenting visceral realities. In the course
of her career, landscape continued to have
a leading role in her compositions, as a
pictorial inquiry into the territory of the
nation. In Colombia bien. Colombia no tan
bien [Colombia is Fine. Colombia is Not So
Fine] (1983), the landscape appears on the
faces of a real machete.
It is a symbolic ready-made about work on
the land, agrarian political struggles and
the eternal violence of Colombia, which
can be traced back from current forms of
violence those witnessed by Gilmour and
ourselves to the bipartisan violence of
the mid-20th century and to the battles
of the War for Independence. On one side
of the machete there is a happy town in a
harmonious landscape; the projection of
a dream. On the other, a bloody landscape
full of dismembered bodies. One peaceful
machete and another at war, as in the cur-
rent polarization of the country.
Colombia bien, Colombia no tan bien 1983 Colombia Fine, Colombia not so Fine
leo sobre objeto encontrado 5 x 64 cm. 1983 Oil paint on found object 5 x 64 cm.

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Beatriz Gonzlez
Esta pieza parte de recortes de prensa
sobre la deportacin, por parte del
gobierno venezolano, de habitantes
colombianos tras el cierre de la frontera
entre ambos pases en 2015. Durante
esta crisis humanitaria, familias enteras
tuvieron que caminar largas distancias
a travs de ambos territorios, incluso
vindose obligadas a atravesar el ro
fronterizo con sus pertenencias.
En aquel momento, la prensa mostraba a
diario imgenes de personas cargando des-
de muebles hasta animales. La sensacin
apocalptica de xodo era instigada por
la desesperacin del presidente Nicols
Maduro en su intento de fabricar un enemi-
go que explicara la crisis econmica de su
pas los colombianos.Maduro distraa a
la opinin pblica y su nacionalismo instru-
mentalizaba la xenofobia.
Paradjicamente, aos atrs, varios de esos
refugiados colombianos haban cruzado la
misma frontera hacia la Venezuela chavista
escapando de la violencia colombiana en
similares condiciones inhumanas.
La reduccin de la forma en su lenguaje
pictrico, la apropiacin de imgenes y la
serialidad, convierten imgenes medi-
ticas, que de otra forma se perderan en
la prensa, en smbolos para la memoria.
Sus referencias visuales, que tambin
dialogan con el arte pop y la cultura popular,
producen siempre un arte anti-arte. Esta
obra, por ejemplo, la primera impresin
digital realizada por la maestra, se asemeja
a las formas de produccin del presente.
El aspecto domstico como cenefa y no
como lienzo encaja este paisaje dentro
una serie de obras que Gonzlez realiza
desde los aos 60 en las que cuestiona
nuestros valores sobre clase y gusto.
This piece is inspired by press clippings
about the deportation by the Venezuelan
government of Colombian nationals after
the closing of the border between the two
countries in 2015. During this humanitarian
crisis, entire families had to walk long dis-
tances through both territories, and were
even forced to cross the river along the
border while carrying their belongings.
At the time, the press showed daily
images of people carrying everything
from furniture to animals. This apocalyptic
sensation of exodus was instigatedby the
desperation of the Venezuelan president
Nicols Maduro, who needed to fabricate
an enemy that could explain the economic
crisis in his country: Colombians. Maduro
distracted the public and his nationalism
spurred on xenophobia.
Paradoxically, years before, some of those
Colombian refugees had crossed the same
border into chavista Venezuela, escaping
violence in Colombia under similar inhu-
mane conditions.
The reduction of form into pictorial lan-
guage, the appropriation of images, and the
serial nature of the work turn images from
the media, which otherwise would be lost
in the news cycle, into lasting symbols of
remembrance. Gonzlezs visual references,
which also establish a dialogue with pop
art and popular culture, produce an art
that is anti-art. This work, for example, her
first digital print, recalls present forms of
production. By using the domestic aspect
as decorative wall trimmings, instead of
a canvas, the artist inserts this scene
into the context of works that Gonzlez
has produced since the nineteen-sixties,
which question the values related to
class and taste.
Zulia Zulia Zulia 2015 Impresin digital Zulia Zulia Zulia 2015 Digital print on
sobre lienzo 0.6 x 8.6 m. canvas 0.6 x 8.6 m.

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Matilde Guerrero
El modo como han sido construidas las
principales ciudades de Latinoamrica
ha dependido inicialmente de la
ubicacin de los ncleos de poder
econmico y poltico. A partir de esa
configuracin surgen entornos de
marginalidad caracterizados por un
dinamismo mayor que el de los centros
urbanos. Luego viene la coexistencia y
el mutuo beneficio/explotacin hasta
que la relacin se altera una vez las
poblaciones marginales se fortalecen
y adquieren su propia centralidad.
En medio de esa tensin se han desarro-
llado las peores polticas de segregacin
y condicionamiento de la calidad
urbanstica en diferentes poblaciones.
Para la artista Matilde Guerrero, la
arquitectura de los barrios perimetrales
latinoamericanos permite comprender el
hecho de que cuando los habitantes de
estratos medios y bajos construyen sus
hogares lo hacen buscando conciliar la
satisfaccin de sus necesidades vitales y
la representacin de sus aspiraciones de
clase.Tierras Prometidases un trabajo
que ilustra este proceso y muestra en
su propia materialidad que, ms all de
la planeacin racionalista, la tendencia
a la expansin espacial de la vivienda
depende de la disponibilidad de riqueza.
Es ah donde Guerrero percibe la con-
figuracin de espacios habitacionales
como nuevas formas de relacin social.
Para ella, las tierras prometidas que
se entrevn en este continente no
son solo aquellos lugares donde se
obtendr realizacin personal, sino
tambin donde se crean, atendiendo
la participacin de redes comunitarias,
nuevas modalidades de ahorro colec-
tivo, procesos de autoconstruccin y
planeacin de posibilidades alternativas
que permitan afianzar la vida en comn.
The way in which the main Latin-American
cities were built depended initially on the
location of political and economic power
centers. In reaction to that configuration,
more dynamic settings of marginality arose.
Later came coexistence and mutual bene-
fit/exploitation between the two, until the
relationship changed again, with the fringe
settlements gaining strength and becoming
a center themselves.
The worst policies of segregation and con-
ditioning of urban life for different classes
developed amid this tension. For the artist
Matilde Guerrero, the architecture of the
peripheral neighborhoods of Latin America
enables us to understand the fact that
whenthe inhabitants of the lower and
middle classes build their homes they
do it to reconcile the satisfaction of their
basic needs with the representation of
their social aspirations. Tierras Prometidas
[Promised Lands] illustrates this process
and shows, in its own materiality, that
beyond rational urban planning, the trend
towards spatial enlargement of housing
depends on the availability of wealth.
It is there that Guerrero perceives the
shaping of inhabited spaces as new forms
of social relationships. For her, the prom-
ised lands glimpsed on this continent are
not only those places where people find
personal realization but the ones where,
through their participation in community
networks, they create new modes of collec-
tive savings, processes of self-construction,
and plans for alternative possibilities which
allow them to strengthen the lives they
lead alongside their neighbors.
Tierras prometidas 2016 Instalacin Tierras prometidas 2016 Installation
Dimensiones variables 1.1 x 4.4 x 2.1 m. Dimensions Variable 1.1 x 4.4 x 2.1 m.

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Nicols Guilln
En 1968, el Instituto Cubano del Arte
e Industria Cinematogrficos (ICAIC)
le encarg al Director Nicols Guilln
Landrin sobrino del poeta nacional
Nicols Guilln un documental acerca
del Cordn de La Habana; un ambicioso
proyecto estatal de agricultura de siem-
bra de caf a gran escala. El resultado
muestra un lenguaje y montaje cinema-
togrfico claramente influidos por el cine
ruso constructivista: repeticin mecnica
de planos, ngulos picados e inusuales
que distorsionan el horizonte, uso
experimental de texto, etc. En su caso, el
contenido y la narrativa van en contrava
de las intenciones propagandsticas y
genera un mensaje contra-revolucionario.
El film comienza con el origen de las
primeras plantaciones de caf en Cuba
a cargo de colonos Franceses en el siglo
XIX y la explotacin de esclavos afro-des-
cendientes, pasando por fragmentos
del oleaje del mar mientras se oyen
fragmentos del gran poema nacional
Un gran lagarto verde (1958) de Nicols
Guilln, y termina con los desastres
ambientales y sociales causados por la
agro-industrial que el gobierno revo-
lucionario insisti en implementar.
In 1968, the Cuban Institute of Cine-
matographic Art and Industry (ICAIC) asked
the director Nicols Guilln Landrin the
nephew of Cuban national poet Nicols
Guilln to create a documentary about
the Cordn de La Habana; an ambitious
state agricultural project meant to grow
coffee on a grand scale. The resulting work
showcases a language and cinematographic
style clearly influenced by Russian Con-
structivism: the mechanical repetition of
shots, unusual and choppy angles that
distort the horizon, the experimental use
of text, etc. In the film in question, the
content and narrative work against the
propagandist intentions for which it was
commissioned, and create a counter-revo-
lutionary message.
The film begins with the founding of the
first coffee plantations in Cuba on the
part of French colonists in the nineteenth
century, and the exploitation of slaves
descended from Africa. Brief images of the
oceans waves are accompanied by frag-
ments of the renowned Cuban poem Un
gran lagarto verde [A Great Green Alligator]
(1958) by Nicols Guilln, ending with a
depiction of the environmental and social
disasters brought on by the industrial agri-
culture that the revolutionary government
insisted in implementing.
Coffea Arbiga 1968 Pelcula de 16 mm Coffea Arbiga 1968 16 mm film
transferida a video 18 min. transferred to video 18 min.

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Juan Fernando
Herrn
Varias de las esculturas de este artista
bogotano se caracterizan por enfrentar
temas complejos mediante materiales
no convencionales. Con esta estrategia
se ha acercado a asuntos como la
construccin de la identidad nacional
o la debilidad de los convenios civiles
acordados en nuestro territorio, para
ofrecer respuestas inesperadas o nuevas
asociaciones de sentido. As mismo,
muchos de estos trabajos revelan su
intencin de narrar la historia nacional a
travs de extensos arcos argumentales.
Para Hroes Mil, Herrn retom la
celebracin de los dos centenarios de la
Independencia de Colombia, buscando
subrayar la persistencia del culto a la
muerte. Respecto al primero, retom el
afn del gobierno por contratar la cons-
truccin, importacin y emplazamiento
de un gran nmero de monumentos dedi-
cados a hombres que murieron en el cum-
plimiento del proyecto republicano. En
relacin con el segundo, volvi a la cam-
paa Los hroes en Colombia s existen,
que intent la forzada reunin de la
ciudadana en torno a quienes hacan la
guerra cumpliendo las rdenes de quie-
nes no asistan a los campos de batalla.
Con estos pedestales en madera
cruda, Herrn se aleja del recurso
fcil de la caricatura mordaz para
indicar que la falla en la formulacin
de los proyectos gubernamentales de
construccin de consenso depende de
la retrica en la que estn basados, de
su reducido arraigo en una poblacin
acostumbrada a ver con recelo esas
manifestaciones grandilocuentes y de
la falta de verdad que los sustenta.
Se trata de estructuras de soporte
huecas, que reciben el peso de nada.
Several sculptures by this artist from
Bogot have in common their use of
unconventional materials to confront
complex themes. With this strategy, he has
takenon subjects such as the construction
of national identity and the weakness of
civil agreements in our territory, in order
to offer unexpected solutions or new asso-
ciations of meaning. Many of these works
create extensive narrative arcs related to
Colombian history.
In Hroes Mil [A Thousand Heroes], Herrn
turns to the celebration of the bicentennial
of Colombian independence, underlining
the persistence of the cult of death. With
respect to the former, he portrays the gov-
ernments passion for commissioning the
construction, import, and installment of
a large number of monuments dedicated
to men who died in the creation of the
republican project. In relation to the latter,
he turns to the advertising campaign Los
hroes en Colombia s existen [Heroes Do
Exist in Colombia], which intendsto force
a reconciliation between the citizens and
those who fought wars under the orders of
leaders located far from the battlefield.
With these pedestals made from raw wood,
Herrn avoids a facile, caustic caricature
and instead indicates that the failure of
government projects aiming for the con-
struction of consensus depends on the
rhetoric on which they are based, on their
reduced impact on a population accus-
tomed to viewing these grandiloquent
efforts with suspicion, and on the lack of
truth that sustains them. They take the
form of hollow support structures that
cannot bear any weight at all.
Hroes Mil 2015 Instalacin A Thousand Heroes 2015
3.2 x 2.4 x 2.4 m. Installation 3.2 x 2.4 x 2.4 m.

90 / 91
Leonardo Herrera
El trabajo de Leonardo Herrera no
parte de una investigacin emprendida
por la pura curiosidad de explorar la
dimensin esttica de la cultura narco en
Colombia, ni es, tampoco, la indagacin
antropolgica de un especialista que
quiere sistematizar las consecuencias del
drama humano desprendido de la accin
de los carteles. Es, por el contrario, el
despliegue de una historia personal,
la suya, llena de amigos muertos, de
conocidos que hacen vueltas, de
vivir en medio de bombas y de aten-
tados a gente real y no a abstraccio-
nes del noticiero ni de la prensa.
Herrera creci en esos barrios de clase
media que se volvieron Narc-Dec para
decirle al mundo que las familias que
ah vivan haban progresado a punta de
coronar empresas ilcitas y lucrativas.
Herrera se ofrece como producto de la
emergencia, del esplendor y de la cada
de una ciudad y todo un mundo arti-
culado alrededor de la familia Rodrguez
Orejuela. Para hacerlo, el artista toma
posesin de su funcin histrica como
testigo, sobreviviente y narrador.
En obras como Isla blanco (2015), Ciudad
narco (20112016) y Coronamos (2013
2016), todas presentes en este Saln,
Herrera explora dimensiones divergentes
de esa historia nacional, de una historia
narco que ingenuamente creemos hoy
superada, pero que an palpita como una
herida abierta en un pas que pretende
ahora ser distinto a ese de los aos 90.
Un pas que solo es diferente porque ha
sistematizado sus mecanismos para difu-
minar las huellas de un acecho arraigado.
Leonardo Herreras exploration of the
aesthetic dimension of the narco culture in
Colombia is not research undertaken out
of pure curiosity. It is also not the anthro-
pological investigation of a specialist who
seeks to systematize the consequencesof
the human drama that emerges from
the actions of the cartels. It is rather the
unfolding of a personal story, his own, full
of dead friends, of acquaintances who do
jobs, of living among bombs and attacks
on real people, and not the abstractions of
the press.
Herrera grew up in middle-class neighbor-
hoods that became Narco-Dec, as if to say
to the world that the families living there
had climbed their way to the top of illicit
and lucrative businesses. Herrera offers
himself as a product of the emergence, the
splendor, and the fall of a city, and in fact
an entire world, that sprung up around the
Rodrguez Orejuela family. In the process,
the artist takes possession of his role as a
witness, survivor, and narrator.
In the works Isla blanco [White island]
(2015), Ciudad narco [Narco-city] (20112016)
and Coronamos [We Crowned] (20132016),
all present in this Salon, Herrera explores
divergent dimensions of this national his-
tory, a narco-history that we naively believe
to have overcome, but that still palpitates
like an open wound in a country that now
considers itself different from the 1990s. It
is true that it is different, at least because
it has systematized the mechanisms that
hide the traces of a deeply rooted threat.

1. Coronamos 2013-2014 Luces led de
navidad 0. 7 x 7.9 x 0.1 m.
2. Isla blanco: 1. Toda bsqueda conlleva una
prdida 2015 Instalacin 0.25 x 4 x 0,1 m.
Isla blanco: 2. El viejo 2015 Video: 1:36 min
3. Ciudad narco 2016 Tela cosida 1.8 x 8 m
1.
2.
3.
1. We Made It 2013-2014 Led Christmas
lights 0. 7 x 7.9 x 0.1 m.
2. Blanco Island: 1. Every Search Brings a Loss
2015 Installation 0.25 x 4 x 0,1 m. Blanco
Island: 2. The Old Man 2015 Video: 1:36 min
3. Narco City 2016 Sewed cloth 1.8 x 8 m
92 / 93
Amadou Keita
Este fotgrafo originario de Mali (frica
occidental) encuentra en imgenes de
elementos cotidianos sugerencias de otros
mundos. En Utensilios de mujer, Keita parte
de utensilios de cocina lavados y puestos a
secar al sol en la orilla del ro Nger.
Aunque se trata de una prctica social y
de una iconograf a similar a la de contex-
tos rurales en Colombia y Latinoamrica,
existe cierta especificidad cultural que
remite al contexto del territorio africano
occidental en los detalles de los recipien-
tes o el tamao de las ollas usadas para
alimentar familias de hasta 15 miembros
que visibilizan los esfuerzos cotidianos
de las mujeres locales.
Tomadas a baja altura, las fotografas
monumentalizan las composiciones,
sugiriendo, en algunas de ellas, la forma
de un barco transatlntico. Es una forma
que, paradjicamente, deja ver la pobreza
y el fracaso del desarrollo econmico y
la modernizacin de la infraestructura
del pas la falta de acueducto y la con-
taminacin de los ros.
En la segunda obra presente en el Saln,
Marionetas Nocturnas, Keita retrata algu-
nas de las marionetas usadas en el gnero
teatral del Sogobo, una forma autctona
y centenaria que usa figuras de animales
reales y mitolgicos.
En este ensayo fotogrfico, Keita muestra
escenas nocturnas de una ceremonia
en el Festival de Markala, enfocando su
cmara en las marionetas creadas para
piezas de teatro sobre el ro, permitiendo
que la intensa profundidad del color
negro y la ausencia de personas gene-
ren imgenes siniestras, lejanas de la
representacin costumbrista.
This photographer, born in Mali (West
Africa), turns images of everyday object
into suggestions of other worlds. In Uten-
silios de mujer [Womens Utensils], Keita
focuses on just-washed cooking utensils
that are drying in the sun, in the banks of
the Niger River.
Even though they recall the social prac-
tice and iconography of rural areas in
Colombia and Latin America, there is a
cultural specificity unique to the context
of rural West Africa in the details of the
receptacles or the notable size of the
pots used to feed families of up to fifteen
members, which give visibility to the daily
efforts of African women.
Keitas lens, set low, monumentalizeseach
composition, suggesting, in some images,
the form of a transatlantic ship. It is a
shape that, paradoxically, reveals the
poverty and the failure of the countrys
economic development infrastructure
modernization: the lack of aqueducts and
the pollution of the rivers.
Keitas second work in the Salon, Marion-
etas nocturnas [Night Puppets], portrays
some of the puppets used in Sogobo, an
indigenous form of theater practiced for
centuries that uses sculptures representa-
tive of animals both mythological and real.
In this photo-essay, Keita shows night
scenes of a ceremony in the Markala Fes-
tival, focusing on the puppets created for
theatrical pieces on the river. The deep
intensity of the color black and the general
absence of people create sinister images,
very distant from standard representations
of local customs.
 1.

2.

1. Utensiles de femme Utensilios de mujer 1. Feminine Utensils 2015 Series of 9 black

2015 Serie de 9 fotografas en blanco y and white photographs each: 0.7 x 1 m.
negro c/u: 0.7 x 1 m.
2. Marionette Night 2014 Series of 9 black
2. Nuit de marionnette Noche de marioneta and white photographs each: 0.7 x 1 m.
2014 Serie de 9 fotografas en blanco y
negro c/u: 0.7 x 1 m.

94 / 95
La Decanatura
Colombia, como los polticos fracasados,
nunca se va a quedar atrs. El problema
con los polticos fracasados es que siem-
pre llegan tarde a sus compromisos con
el futuro. Esta historia no se la invent
el colectivo La Decanatura compuesto
por los bogotanos Elkin Caldern y Diego
Pieros, pero nos la recuerda en su obra
Centro Espacial Satelital de Colombia ( ) ( ):
sinfona-road movie agridulce.
Caldern y Pieros hicieron varias pere-
grinaciones al Centro de Comunicaciones
Espaciales de Colombia, en el municipio
cundinamarqus de Chocont. Desde
all, antes de internet, el pas le hablaba
al exterior. Los artistas reflexionan al
ver cmo este centro, que era un sitio
verdaderamente importante, termin
sufriendo el destino de la gran mayora
de los emplazamientos imprescin-
dibles antes de la mana privatiza-
dora posgobierno Csar Gaviria.
Con un proyecto que es homenaje, arrullo
y despedida, Caldern y Pieros elabora-
ron delicadas composiciones fotogrficas
y acordaron con los integrantes de la
Banda Sinfnica Infantil de Chocont
hacer la msica para un video. Estos
msicos entre los siete y quince aos, que
jams haban visitado la edificacin por
dentro, seran los encargados de darle
una demostracin de afecto. Como afir-
man los artistas, entre los tres antenas
obsoletas, nios talentosos y un entorno
sabanero, fro y melanclico [se] evocar
un pasado glorioso, un presente agnico
y un futuro incierto. Triste, pero hermoso,
como casi todo en la posmodernidad.
Colombia, like failed politicians, will never
fall behind. The problem with failed politi-
cians is that they always arrive late to their
appointments with the future. Art collective
La Decanatura, which comprises Bogot
artists Elkin Caldern and Diego Pieros,
didnt invent this history, but recalls it in the
work Centro Espacial Satelital de Colombia
()() [Colombian Space Satellite Center ()()]:
a bittersweet symphony/road movie.
Caldern and Pieros went on several pil-
grimages to the Colombian Center for Space
Communications, in the town of Chocont,
Cundinamarca. Before the Internet, it was
through there that the country established
communications with the rest of the world.
The artists found that this center, which had
been a truly important site, suffered the
same destiny as the majority of the coun-
trys indispensable sites after the mania
of privatization under the government of
Csar Gaviria.
For a project that is at once homage, lullaby,
and farewell, Caldern and Pieros prepared
delicate photographic compositions and
asked the members of the Youth Symphony
Orchestra of Chocont to make the music
for a video. These musicians, between seven
and fifteen years old, who had never seen
the building from the inside, were charged
with providing it with a gesture of affection.
As stated by the artists, the three elements
obsolete antennas, talented children, and a
flat, cold, melancholy environment evoke
a glorious past, an agonizing present, and
an uncertain future. Sad, but beautiful, like
almost everything in postmodernity.
Centro Espacial Satelital de Colombia ( ) ( ) Space Satellital Center of Colombia ( ) ( )
2015 Fotografa y video 2 fotografas 1.5 x 2015 Photograph and video 2 photographs
1.8 m. Video: 12:03 min. 1.5 x 1.8 m. Video: 12:03 min.

96 / 97
LaMutante
Este proyecto opera hace ms de una
dcada en la ciudad de Bucaramanga,
en los departamentos de Santander y
Norte de Santander. Busca alterar el
campo artstico mediante la realizacin
experimental de actividades que incluyen
festivales de performance, iniciativas
editoriales, subastas de arte, ciclos de
conferencias, residencias artsticas o
participando en eventos instituciona-
les y comerciales de otras ciudades. Su
estrategia consiste en encontrar virtudes
en las carencias infraestructurales y
de financiacin de ese y otros campos
artsticos, para implementar modos de
gestin ms eficientes.
En esta oportunidad plantean el desa-
rrollo de una plataforma de circulacin
masiva de arte contemporneo colom-
biano hacia ese territorio bajo la forma
de megaevento institucional: postulan
a Bucaramanga como sede del prximo
Saln Nacional de Artistas. Creo que hay
algo turbio en todo esto propone contem-
plar la lgica corporativa que ha venido
transformando el talante de ese proyecto
institucional, la necesidad de poner en
duda la extraa aspiracin semiempresa-
rial que lo ha atravesado (de lado a lado)
y la verdadera necesidad de su realizacin.
Para lograrlo, presentararon su trayecto-
ria profesional como postulacin abierta
en la que curan su trabajo, revelan docu-
mentos obtenidos a lo largo del tiempo y
especifican sus acciones mejor logradas.
Tambin estrenan un audiovisual donde,
apropindose de la montona retrica
de los videos institucionales, afirman
su pretensin de incidir en los actuales
procesos de circulacin de arte contem-
porneo en los santanderes.
This project began more than a decadeago
in the city of Bucaramanga, in the
departments of Santander and North of
Santander, seeking to alter the local artistic
field through experimental activities that
include performance festivals, editorial ini-
tiatives, art fairs, conference series, artistic
residencies, or participation in institutional
and commercial events in other cities. Its
strategy consists of finding virtue in the
scarcity of infrastructure and funding in
this and other artistic fields, in order to
develop more efficient processes of artis-
tic organization.
They are taking this opportunity to plan
the development of a massive platform for
the circulation of contemporary Colom-
bian art in their region, in the form of an
institutional mega-event: they propose
Bucaramanga as the site for the next
National Salon of Artists. Creo que hay algo
turbio en todo esto [I Think Theres Some-
thing Shady about all This] contemplates
the corporate logic that has transformed
the tone of this institutional project, the
need to question the strange entrepre-
neurial aspirations that have taken root
throughout the entire endeavor, and the
real need for its realization.
To achieve this goal, they presented their
professional background as an open
application in which they curate their work,
display documents obtained throughout
this process, and detail their most notable
achievements. They also premiered an
audiovisual work in which, by appropriating
the monotonous rhetoric of institutional
videos, they state their intention to influ-
ence current processes of contemporary
art circulation in the Santanders.
Creo que hay algo turbio en todo esto I Think Theres Something Murky in All
2006-2016 Instalacin Dimensiones This 2006-2016 Installation Dimensions
variables Variable

98 / 99
Paulo Licona
Hay un horror que quiere ser her-
moso. Esta es una afirmacin dif cil
de hacer, pues no se trata de la
belleza escondida en la representa-
cin del horror, sino del horror que,
ms all de s, busca la belleza.
Hay un dispositivo escultrico perver-
tido en los rituales del dar muerte en
Colombia que se materializa en los gestos
del machete, el cuchillo y la motosierra
y que crea formas que van del corte de
gallo a las pilas de cabezas amontonadas
a la vera de un camino y que nos enfren-
tan al horror desnudo de la imposibilidad
de dar nombre a las pilas de carne.
El horror no es arte, pero quiere serlo. Y
si no puede, no se debe a una carencia
sino, precisamente, a su exceso.
En tanto rdenes en constante constitu-
cin, hay rituales de comunin tambin
implicados en esa produccin de horror.
Estos rituales de comunin son, vistos
desde afuera, el equivalente a una piata
infantil en la que un cuerpo colgado es
apaleado de forma colectiva hasta que
de su interior roto caen dulces y juguetes
que son recogidos por los nios como
promesa de felicidad y certificado de
pertenencia: yo estuve ah tambin.
Muecos y morracos son apenas dos present. How have we arrived at this hybrid-
de los nombres con que se designa al
cadver. Cabra preguntarse entonces por
las formas en que una dimensin ldica
est ah presente. Cmo llegamos a esa they were one?
hibridacin de la persona y el mueco?
Cmo se dio ese proceso de igualacin
horrorosa que nos permite jugar con las
dos categoras como una sola?
There is a horror that wants to be beautiful.
This is a difficult statement to make, as it
does not address the beauty hidden in the
representation of horror, but the horror
that, going beyond itself, strives for beauty.
There is a perverted sculptural presence
in the rituals of killing in Colombia that is
materialized by the gestures of the machete,
the knife, and the chainsaw, which create
shapes ranging from the rooster cut to a
mound of heads piled up on the edge of a
road, and which confront us with the naked
horror of the impossibilityof giving a name
to the piles of flesh.
Horror is not art, but it would like to be. And
if it cannot, it is not for a lack of something,
but precisely because of its excess.
As orders that are constantly reconstituted,
communion rituals are also implicated in
this production of horror. These communion
rituals are, seen from the outside, equiva-
lent to the childrens piata, a hanging body
collectively beaten until treats and toys fall
from its broken insides, which are gathered
by the children as a promise of happiness
and a proof of belonging: I was there too.
Muecos [dolls] and morracos are just
two of the names given to corpses. One may
ask in what sense a playful dimension is
ization of the person and the doll? How did
this process of equivalence come about,
where we play with the two categories as if
H.H. hermoso horror TODOPIPAS HH. H.H. Handsome Horror TODOPIPAS HH.
VOLUMEN.0 2016 Piatas Dimensiones VOLUME.0 2016 Piatas Dimensions
variables 6.9 x 5.7 x 10 m. Variable 6.9 x 5.7 x 10 m.

100 / 101
Colectivo Maski
El proceso de investigacin del Colectivo
Maski indaga constantemente en la
retrica que acompa varios intentos de
modernizacin de la infraestructura de
las ciudades latinoamericanas. En la obra
Anuncios revisan la produccin fotogrfica
de Donato, Jos y Javier Garca, usada en
varias publicaciones dedicadas a promo-
cionar la ciudad de Pereira. El colectivo
encontr que en esas imgenes el inters
por equiparar el desarrollo urbano con
la representacin de nuevas formas de
paisaje evidencia una calidad de vida
que quiso construirse a partir de la calle
como elemento bsico de la cotidianidad.
En una de esas tomas se ve cmo la calle
8, en algn momento de la dcada de 1960,
se adornaba con anuncios de tipograf as
metlicas y luces de nen promocionando
los negocios del sector. Al encontrar que
una decisin burocrtica posterior clasi-
fic ese tipo de paisaje como contamina-
cin visual, el colectivo decide observar la
manera en que los pereiranos de la actua-
lidad comprenden, utilizan y representan
su espacio pblico, as como el modo en
que el comercio opera como eje transver-
sal o elemento desestructurador.
Para este colectivo es posible notar que
hace 50 aos el dinamismo de la vida
pblica del centro de la ciudad de Pereira
poda leerse en el esplendor de los
anuncios elctricos, [de la misma manera
en que ahora] se transita entre un con-
junto complejo de mercaderas, comidas
y servicios que representan el espectro
de actividades que finalmente producen
[una] condicin urbana bastante especial.
Colectivo Maskis research process con-
stantly scrutinizes the rhetoric deployed to
accompany various attempts to modernize
the infrastructure of Latin American cities.
In Anuncios [Advertisements], they investi-
gate the photographies of Donato, Jos, and
Javier Garca in various promotional mate-
rials for the city of Pereira. The collective
found that these images portray the urban
development as a new form of landscape
that showcases a style that sought to ele-
vate the urban street to a basic element of
daily life.
In one of the shots, taken at some point
during the nineteen-sixties, 8th Street
appears full of advertisements done in a
metallic typography and with neon lights
promoting the businesses. On finding that a
later bureaucratic decision determined that
this constituted visual pollution, the col-
lective decided to observe the way in which
current residents of Pereira understand, use,
and represent public space, and how com-
merce operates as a universal axis or as a
dismantling agent.
For this collective, it is possible to note
that, fifty years ago, dynamic public life in
the center of Pereira could be seen in the
splendor of the electric ads, [just as it now]
circulates among a complex of merchandise,
food, and services that represent the spec-
trum of activities that ultimately produce [a
special] urban condition.
 1.

2.

1. Anuncios 2016 Intervencin en la calle 17 1. Signs 2016 Public intervention in 17 th

con carrera 8 Medidas variables. street and 8 th avenue Measures variable.
2. Nominal 2016 Intervencin en el Edificio 2. Nominal 2016 Intervention at the former
Antiguo Club Rialto 3.6 x 0.8 m. Club Rialto Building 3.6 x 0.8 m.

102 / 103
Colectivo Miraje
Integrado por el qumico Hernando Arias
y las artistas Mara Clara Arias y Lucille
de Witte, este colectivo inici en 2013 la
sistematizacin de informacin sobre
Marte, un terreno desrtico ubicado en
el municipio boyacense de Sutamarchn.
A partir de la iniciativa original de
Arias de transformar ese lugar en un
bosque desde 1975, Miraje encuentra
que la muerte progresiva de los 55.000
rboles plantados por l demuestra
lo problemtico que resulta aplicar al
universo real las nociones de patrimonio
inmaterial y tecnologa primitiva.
En su participacin para AN 44SNA, el
colectivo propone A largo plazo, un com-
pendio de actividades basadas en la recu-
peracin de estrategias deliberadamente
obsoletas. Por medio de la reimpresin
y lectura de la revista de proteccin de
recursos naturales Naturaleza Hoy, o de
la toma de apuntes en troncos de madera
elevados sobre ruedas, cuestiona el con-
cepto de sostenibilidad ambiental com-
prendido en clave de discurso humanista.
La obra pone en perspectiva los distintos
modos de accin que Hernando Arias ha
implementado no solo en Marte, sino tam-
bin en la declaracin de amplias zonas
del pas como reservas naturales o en
la fundacin de centros de preservacin
de manates. Tanto Arias como los otros
integrantes del colectivo saben que ah
subyace un impulso determinado por la
puesta a punto de decisiones personales
que, tomadas durante dcadas, han alcan-
zado una compleja dimensin sociopolti-
ca. En sus palabras, desde Marte se puso
en prctica un empeo singular que se
construye alrededor de la potencialidad
inminente y el optimismo militante.
This collective, composed of the chemist
Hernando Arias and the artists Mara Clara
Arias and Lucille de Witte, began in 2013 to
organize information about Marte [Mars], a
barren area located in the town of Suta-
marchn, Boyac. Since Hernando Arias
original attempts to transform the area into
a forest in 1975, Miraje found that the pro-
gressive death of the 55,000 trees planted
there exemplifies the problems of applying
notions of intangible heritage and primitive
technology to the real world.
In its contribution to AN 44SNA, the col-
lective proposes A largo plazo [In the Long
Run], a compendium of activities based on
the recuperation of deliberately obsolete
strategies. Through the reprinting and
reading of the conservationist publication
Naturaleza Hoy [Nature Today], or the notes
written on the trunks of trees raised on
wheels, the work questions the concept of
environmental sustainability as understood
within humanist discourse.
The works puts into perspective the distinct
modes of action that Arias has implemented
not only through Marte, but also through
the declaration of broad zones of the
country as natural reserves, as well as the
creation of centers for the conservation of
manatees. Arias and the other members of
the collective know that underscoring these
actions is an impulse that depends on per-
sonal decisions that, over decades, have
attained a complex socio-political dimen-
sion. In his words, Marte was the beginning
of a singular effort built on immanent
potential and militant optimism.
A largo plazo 1: Naturaleza hoy 2016 On Long Term 1: Nature Today 2016
Instalacin Dimensiones variables Installation Dimensions Variable
rea: 2.4 x 4 x 4 m. Area: 2.4 x 4 x 4 m.

104 / 105
Rabih Mrou
Je veux voir (2010)
Pude haber sido con cualquier nombre
Pude haber sido apenas un
nmero sin nombre
Pude haber sido una persona que
existe en una obra de arte
Pude haber sido enteramente ficticio
Pude haber sido una imagen o el guion
de una secuencia de una pelcula con
estructura narrativa
Pude haber estado en cualquier punto a
cualquier hora si Catherine no hubiese
gritado mi nombre dos
veces, Rabih! Rabih!
En el ao 2008, los directores de cine
Joana Hadjithomas y Khalil Joreige reali-
zaron la pelcula Je veux voir, que cuenta
dos historias paralelas: la de la recono-
cida actriz Catherine Deneuve, represen-
tando la historia del Cine francs, y la de
Rabih Mrou, representando la historia
de artistas, cineastas e intelectuales en
Beirut. El film narra el encuentro entre
estos personajes en un viaje en carro a
Bint Jbeil, el pueblo natal de Mrou, al
cual no haba vuelto desde que Israel
atac el sur del Lbano en 2006.
Aos ms tarde, Mrou realiz una ins-
talacin que lleva el mismo ttulo de la
pelcula y consiste en una imagen amplia-
da del horizonte donde pueden verse las
calles del pueblo libans bombardea-
do. Un paisaje en guerra en medio del
espacio expositivo acompaado de dos
videos: en uno, Catherine Deneuve deam-
bula entre las ruinas del pueblo, en el
otro aparecen imgenes de casas destro-
zadas con enumeraciones grafiteadas en
sus fachadas, tal vez sugiriendo la canti-
dad de personas que antes las habitaban.
Je veux voir [I want to see]I could have
been with any name.
I could have been merely a number with
no name.
I could have been a persona, which exists
in a work of art.
I could have been entirely fictional.
I could have been an image or a plot in a
movie sequence, with a narrative structure.
I could have been in any location at any time,
if Catherine had not shouted out my name
twice, Rabih! Rabih!
In 2008, the directors Joana Hadjitthomas
and Khalil Joreige made the filmJe veux
voir, which tells two parallel stories: that
of the famous actress Catherine Deneuve,
representing the story of French cinema,
and that of Rabih Mrou, representing
the story of some artists, filmmakers and
intellectuals in Beirut. The film narrates
the encounter between them on a car trip
to Bint Jbeil, the town in Lebanon where
Mrou was born, and one that he hadnt
visited since Israels attacks on southern
Lebanon in 2006.
Years later, Mrou created an installationof
the same title as the film, consisting of an
enlarged image of the horizon where you
can see the bombing of the streets of that
Lebanese town. It is a landscape of war in
the midst of the exhibition space, accom-
panied by two videos: in one, Catherine
Denueve wanders through the ruins; in the
other, images of destroyed houses with
numbers grafftied on their faades can be
seen, perhaps suggesting the numberof
people who used to live there.
 1.

2.

1. Je veux voir / Quiero ver 2010 Instalacin 1. I Want to See 2010 Installation
Fotografa: 1.5 x 7.36 x 0.33 2 videos: 21 min. Photograph: 1.5 x 7.36 x 0.33 2 videos: 21 min.
Cortesa Sfeir-semle Gallery, Hamburgo-Beirut Courtesy of: Sfeir-semle Gallery, Hamburg-Beirut
2. Sobre tres afiches 2014 Video: 18 min. 2. On Three Posters 2014 Video: 18 min.

106 / 107
Ricardo Muoz
Izquierdo
Investigando diversas iconografas
visuales para producir sofisticadas
tramas narrativas en sus videos y dibu-
jos, este artista pereirano ha logrado
construir un lenguaje particular de
amplia recordacin. Los resultados de su
trabajo oscilan entre la escatologa, la
violencia, lo sagrado, la crudeza ertica
y la autobiografa, para proponer un sur-
realismo particular con el que da forma
al clima emocional que se respira en
la cuenca del ro Otn. A travs de sus
proyectos se comprende de otro modo
este Paisaje cultural, ponindolo como
el escenario de una inquietante espera.
Postulando una particular metodolo-
ga de trabajo, Muoz explora diversas
tcnicas sin agotar los logros de cada
una. Sus proyectos van del arte urbano
a la experimentacin sonora, del dibujo
a la animacin, de la serigraf a al fan-
zine, de la pintura a la escultura, del
performance a la direccin de arte; y
viceversa. En 2014 estren Las moscas
tambin duermen, propuesta con la que
demostr su facilidad para convertir ese
amplio nmero de respuestas en cuida-
das piezas audiovisuales. Para este Saln
Nacional propone La oreja hueca de la
montaa y tres cuentos denigrantemente
cortos, drama psicodlico en formato
televisivo. Para ampliar la profundidad
de su postulado elige un personaje como
hilo conductor. El actor debe circular en
un territorio que es ms plano general
que paisaje y recuperar los temas que le
son prximos sin preocuparse por satis-
facer expectativas alegres.
By researching diverse visual iconographies
in order to produce sophisticated narratives
in his videos and drawings, this Pereiran
artist has managed to build a unique and
vivid language. The results of his work
oscillate between scatology, violence, the
sacred, erotic crudity, and autobiography,
and propose a surrealism that gives shape
to the emotional climate in the environs of
the Otn river basin. His projects bring a
new understanding to the Paisaje cultural
[Cultural landscape], proposing a scenario
of troubling hope.
By developing a particular methodology
for his work, Muoz explores diverse
techniques without exhausting them. His
projects range from urban art and sonic
exploration, to drawing and animation,
silk-screens and fanzines, painting and
sculpture, progressing from performance
into art, and vice-versa. In 2014 he debuted
Las moscas tambin duermen [Flies Also
Sleep], in which he demonstrated his
ability to turn this broad variety of meth-
ods into meticulous audio-visual pieces.
For this National Salon he proposes La
oreja hueca de la montaa y tres cuentos
denigrantemente cortos [The Crooked
Ear of the Mountain and Three Insultingly
Short Stories] a psychedelic drama in a
televised format. To increase the depth
of his method, he established a charac-
ter as a common thread. The actor must
move in a territory that is more longshot
than landscape, and recuperate the
themes close to him without worrying
about the satisfaction of happy expectations.
La oreja hueca de la montaa y tres cuentos The Crooked Ear of the Mountain and Three
denigrantemente cortos 2016 Videoarte Insultingly Short Stories 2016 Videoart
8:46 min. 8:46 min.

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Romn Navas
Henry Palacio
En la universidad, Palacio y Navas
hicieron juntos su proyecto de grado, un
ejercicio de deambular, de recoleccin
de cartones, palos y otros materiales
abandonados, y de construccin de
cambuches que ocupaban por una noche
all donde se les hiciera tarde para lue-
go dejar a su suerte en la maana.
Sus cambuches no eran cualquier cosa;
a pesar de la precariedad y la prisa,
siempre hubo un ejercicio de diseo, una
pregunta sobre qu es una casa y cmo
generar dispositivos para la vida. Luego
vinieron construcciones de casas-carreta,
mobiliario y toda una cuadra de tugurios
en un museo. Los artistas, tambin
ciclistas aficionados y coequiperos en
un equipo sin ms miembros, decidieron
un da juntar el inters por la calle, la
bicicleta y la experiencia de vida.
As, entraron como aprendices a una
empresa que construye botes, donde
afinaron los rudimentos para construir el
suyo propio. Cuando estuvo listo, hicieron
tambin un tndem y pusieron en prcti-
ca un proyecto en principio ridculo: viajar
de Bogot a Buenaventura pedaleando
esa bicicleta para dos y remolcando un
barquito sin ms ilusin que echarlo al
mar y dejarlo perder en la distancia.
La instalacin 516,3 Kilmetros por mar
presenta los residuos de esa peripecia:
la bicicleta, que contina rodando por
impulso propio, y los fragmentos de his-
torias apenas visibles en una pelcula
elegantemente editada por Tupac Cruz
y Lorena Espitia que da cuenta de una
expedicin pica y concebida de la nica
manera en la que un emprendimiento de
Palacio y Navas puede darse: yendo a perder.
Palacio and Navas did their undergraduate
thesis together. It consisted of the practice
of going on walks to collect cardboard
boxes and other abandoned materials, and
of constructing shacks where they slept,
wherever they happened to be when
night fell, only to leave them to their fate
in the morning.
Henry and Romns shacks were not made
without care; despite their precarious and
hurried construction, they were conscien-
tiously designed, questioning what a house
is and how to create useful objects for
living. Later they built mobile homes, fur-
niture, and an entire block of a shantytown
in a museum. The artists, also avid cyclists
and teammates in a cycling club with no
other members, decided one day to com-
bine their interests in the streets, bicycles,
and in fully experiencing life.
They became apprentices in a boat factory,
where they sharpened their rudimentary
knowledge to build their own. When it was
ready, they also built a tandem bicycle and
put into practice a project that might seem
ridiculous: to pedal from Bogot to Bue-
naventura while towing a small boat, with
the plan to push it into the sea and let it
drift into the distance.
The installation 516,3 Kilmetros por mar
[516.3 Kilometers by sea] presents the
remnants of this journey: the bicycle, which
continues to roll on, and the fragments of
barely visible stories in a film, elegantly
edited by Tupac Cruz and Lorena Espitia,
that gives an account of an epic expedition
conceived in the only way that an under-
taking by Palacio and Navas could: as a
journey towards loss.
513.5 km por mar 2015 Instalacin 513.5 km by Sea 2015 Installation
Dimensiones variables 2.4 x 5.4 x 8.8 m. Dimensions Variable 2.4 x 5.4 x 8.8 m.
Video: 80:30 min. Video: 80:30 min.

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Juan Obando
La circulacin del artista bogotano Juan
Obando entre los sistemas culturales de
Estados Unidos y Colombia le ha permiti-
do constituir una plataforma de observa-
cin de particularidades comportamen-
tales. A travs de experimentos sociales
de baja intensidad, aplicados durante
lapsos de tiempo regulados, encuentra
que la contradiccin de trminos entre
la aparente seriedad retrica de algunas
actitudes no depende tanto de su lugar
de origen como de su contexto.
The Nationals es una videoinstalacin
que explora las consecuencias generadas
por el turismo migratorio masivo de que
ha sido objeto la ciudad de Medelln
durante la ltima dcada. Como si fuera
el ms ansiado sueo de un poltico
colombiano promedio, Obando graba
un partido de ftbol 5 entre un equipo
integrado exclusivamente por migrantes
que visten la camiseta del equipo mede-
llinense Nacional y van incrementndo-
se en nmero a medida que avanza el
encuentro. Por su parte, los contendien-
tes nativos se limitan a verse desborda-
dos mientras su hinchada grita Go, green
go!. En las pausas del juego, aparece
publicidad alusiva a comercios de la ciu-
dad cuyo idioma base es el ingls.
Esta obra relee los patrones de esta
especial recolonizacin de algunas zonas
de Colombia, donde hombres blancos de
clase media, rechazados en sus contextos
de origen, vienen a asentarse con la idea
de vivir, por fin, su nocin del paraso. Del
mismo modo, la obra examina las actitu-
des colombianas que, a veces, no separan
hospitalidad de servilismo, orgullo local
de celebracin/ansiedad por obtener la
aprobacin del visitante forneo.
Bogot-born artist Juan Obandos shifts
between the cultural systems of the United
States and Colombia have given him a
unique perspective on particular patterns
of conduct. Through low-intensity social
experiments, applied in regular inter-
vals, he has found that the contradiction
between the apparent rhetorical serious-
ness of some attitudes depends less on
their place of origin than their context.
The Nationals is a video-installation that
explores the consequences of the massive
wave of migratory tourism to which the city
of Medelln has been subjected during the
last decade. In a scene that might appear
in a typical Colombian politicians wildest
dreams, Obando films a ftbol 5 match (an
informal variety of soccer with 5-player
teams) in which one team is entirely com-
posed of migrants wearing the jersey of
the Medelln team, Nacional, who continue
to grow in number as the game goes on.
For their part, the opposing native team
finds itself overwhelmed while fans yell
Go, green go! During the pauses in the
match, advertisements allude to commer-
cial establishments in the city whose base
language is English.
This work reinterprets the pattern of this
special recolonization of several areas of
Colombia, in which middle-class white men,
rejected in their places of origin, come to
settle with the idea of living, finally, their
notion of paradise. In the same vein, the
piece examines the attitudes of Colom-
bians who, at times, do not separate
hospitality from servility or local pride
from the celebration of/yearning for the
approval of the visiting foreigner.
The Nationals 2016 Video instalacin The Nationals 2016 Video installation
Dimensiones variables 1.77 x 2.4 x 1.6 m. Dimensions Variable 1.77 x 2.4 W x 1.6 m.
Video: 40 min. Video: 40 min.

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Mario Opazo

The flowers
Las flores
The bread
Los panes
The mouths
Las bocas
all leave.
se van.
The books roll thickly
Los libros ruedan densos
just like dead doves
como palomas muertas
they slip and fall along with your socks
se deslizan y caen junto a tus calcetines-
como palomas muertas just like dead doves
they resound deafly along with the carpet
suenan sordos junto a la alfombra
como palomas muertas just like dead doves
theyre consumed along with the cigarettes
se consumen junto a los cigarros
como palomas muertas just like dead doves
youre still in the catastrophe
te quedas en la catstrofe
y escribes: and you write:

como palomas muertas just like dead doves

Mapa mudo 2016 Intervencin escultrica Mute Map 2016 Sculptural intervention
3 x 8 x 3.8 m. 3 x 8 x 3.8 m.

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Grupo Otn
Ubicndose en el punto de cruce
entre Pereira y el Paisaje Cultural
Cafetero, el proyecto Ro escultor de
piedras, del Grupo Otn, subraya los
errores de haber querido explotar el
acervo cultural de esta regin desde
la perspectiva exclusiva del turismo.
Como obra de sitio especfico, este
proyecto destaca el lugar privilegiado
del contexto donde decidieron ubicarla
para enfatizar la relacin de Pereira
con el ro en cuatro niveles: afirman que
para recuperar su vivencia es necesario
acercarse a l y sus habitantes, [ubicn-
dose] fuera del museo y otros espacios
expositivos; insisten en que ver el ro
desde el centro de la ciudad cuestiona
nuestra extraa actitud de habitantes
urbanos que le damos la espalda a esos
componentes vitales para la existencia de
nuestras insostenibles aglomeraciones
habitacionales; aprovechan la localizacin
estratgica de la sede de la obra, pues
identifican en la Casa de Accin Comunal
del barrio Zea un epicentro de varios pro-
cesos de acercamiento de la prctica cul-
tural hacia nuevas comunidades; y recupe-
ran la forma como ha sido representado
este curso de agua al utilizar la referencia
que el bambuco Pereira, compuesto
por Luis Carlos Gonzlez, hizo de l.
Adoptando una actitud de humildad
en la materializacin de esta obra, el
Grupo Otn propone entenderla como
resultado de una labor de coautora.
Ante el hecho de que es precisamente
el devenir del ro el responsable de la
verdadera creacin, se postulan como
coproductores de las imgenes que gene-
ra, para ofrecerlas de nuevo al pblico.
Located in the crossroads between Pereira
and the Coffee Cultural Landscape, the
project Ro escultor de piedras [River Sculp-
tor of Rocks], by Grupo Otn, underscores
the error of exploiting the cultural heritage
of the region through the exclusive per-
spective of tourism.
As a site-specific work, Grupo Otn high-
lights the special location wherethe work
is located in order to emphasize Pereiras
relation to its river on four levels: they
state that to relive their experiences, it is
necessary to get close to it, and its inhab-
itants, [locating it] outside of the museum
and other exhibition spaces; they insist
that seeing the river from the city center
questions the strange attitude we have
as city dwellers that turn our backs to
these vital components of our unsus-
tainable urban conglomerations; they
take advantage of the works strategic
location to identify the House for Com-
munal Action of the Zea neighborhood
as an epicenter of cultural practice that
has helped form new communities; and
they recuperate the representation of
this course of water by referencing the
bambuco song Pereira, composed and
performed by Luis Carlos Gonzlez.
Adopting an attitude of humility in the
creation of the work, Grupo Otn under-
stands it as the result of a collaborative
practice. In light of the fact that it is the
river that is truly in charge of this creation,
they put themselves forth as coauthors of
the images they generate, in order to offer
them to the public.
Ro escultor de piedras 2016 Instalacin
Dimensiones variables 2.5 x 5.7 x 8.2 m.
Pieza sonora: 3:17 min Crditos:
Grabacin, edicin y mezcla: Manuel
Narvez (La Guacharaca Estreo) Voz:
Paula Arcila Composicin, bandola, tiple y
guitarra: Daniel Cardona
River Sculptor of Stones 2016 Installation
Dimensions Variable 2.5 x 5.7 x 8.2 m.
Sound piece: 3:17 min Credits: Recording,
editing and mixing: Manuel Narvez (La
Guacharaca Estreo) Voice: Paula Arcila
Composition, mandolin, tiple and guitar:
Daniel Cardona
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Prabhakar Pachpute
Qu significa desaparecer? Cmo ha de
sentirse ser una montaa vaca?
La minera ha llevado al consumo de
recursos y, con ello, a diferentes formas
de destruccin. Es lo que sucede en la
montaa de Marmato, Caldas, donde gran-
des multinacionales que aspiran al mono-
polio de la extraccin generan desplaza-
mientos de poblaciones dependientes de
la minera artesanal. En Amrica Latina,
casos como la mina de oro abandonada
de Serra Pelada, en el norte de Brasil,
son ejemplo de la devastacin social y
ambiental la minera en gran escala.
En Colombia, las protestas ante las
injusticias sociales de la minera han
sido sistemticamente reprimidas por el
Estado y el paramilitarismo, como en el
caso de la masacre de Segovia, Antioquia,
en 1982, donde se ligaban los intereses
polticos y las finanzas de la multinacional
que controlaba la minera de oro. En el
caso del oro en Marmato, Pachpute iden-
tific personas que an luchan por sus
derechos y resisten las presiones de las
compaas y del gobierno, una muestra de
activismo que fortalece un cuerpo social,
un colectivo en lucha.
En el Jiu Jitsu, arte marcial japons, la
llave Mount-Escape es la tcnica de lucha
en la que un contrincante montado, de
forma aparentemente dominante, por su
rival logra escapar. En su mural in situ,
Pachpute dibuja esta batalla para repre-
sentar a los mineros, los activistas, como
un cuerpo social poderoso que lucha por
sus derechos entre el vaco de la montaa.
What does it mean to disappear? How must
a hollowed out mountain feel?
Mining has led to the consumption of natu-
ral resources and, with it, to different forms
of destruction. That is what has happened
in the mountain in Marmato, Caldas, where
big multinational companies, hoping to
monopolize the extraction of resources,
have displaced the local inhabitants who
live by artisanal mining. In Latin Amer-
ica, cases like the abandoned gold mine
in Sierra Pelada, in northern Brazil, are
examples of the social and environmental
devastation caused by large-scale mining.
In Colombia, protests against the social
injustices caused by such mining have
been systematically repressed by the State
and paramilitaries, as happened in the
massacre in Segovia, Antioquia, in 1982,
where political interests were linked to
the economic ones of the multinational
which controlled gold-mining there. In the
case of gold in Marmato, Pachpute came
across people still fighting for their rights
and resisting the pressures of big compa-
nies and the government, an example of
activism which strengthens a social body
engaged in a collective struggle.
In Jiu-Jitsu, the Japanese martial art, the
Mount-Escape is the technique of fighting
in which one fighter, who is apparently
dominated by another who sits on him,
turns the opponents power against him.
In the in-situ mural included in the Saln,
Pachpute draws this battle to represent
miners and activists as a powerful social
body fighting for their rights amidst in the
hollowed-up mountain.
Escape de la montaa 2016 Acrlico, Mount Escape 2016 Acrylic, charcoal and
carboncillo y pastel sobre pared 6.5 x 12 m. pastel on wall 6.5 x 12 m.

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Fabio Melecio
Palacios
Los trabajos de Fabio Melecio Palacios
integran problemtica social y maestra
en su realizacin. En algunos, represent
la dif cil situacin que comenz a enfren-
tar la clase trabajadora a partir de la
dcada de 1990 utilizando herramientas
en desuso o invitando a corteros de caa
a participar. En obras como Trapiches
retorna a ese tema sin aludir a modos de
subsistencia de poblaciones especficas,
sino trasladando directamente a la
sala de exposicin los resultados de su
labor como empleado de una empresa
especializada en fabricar objetos con
poliestireno expandido.
Este trabajo le sirve para recordar la
condicin de los artistas que, como
cualquier trabajador, dependen de la
accin de personas ajenas a su actividad.
Sin embargo, a la astucia de poner cada
uno de esos falsos ingenios construidos
a escala en un lugar para el que no
estaban originalmente destinados, aade
su intencin de referirse al entorno
mucho ms inquietante de la precariedad.
Aunque bellos, sus trapiches no dejan de
recordar la dificultad para sostenersean-
te la inestabilidad econmica por parte
de quienes los operan cotidianamente.
El artista aplica su conocimiento de pri-
mera mano sobre ese tipo de actividades
para reiterar que la informalidad de ese
sector es objetivo de los intentos de
regulacin que buscan sacarlo de opera-
cin y que, adems, quienes trabajan en
l son generalmente contemplados como
sujetos dotados de potencia esttica. La
obra nos recuerda que en esa clase de
mquinas hay posibilidad de lucro, pero
que tambin son objeto de homenaje.
The works of Fabio Melecio Palacios
integrate social problems and masterful
execution. In some, he represents the diffi-
cult situation that the working class began
to face in the 1990s by using tools that had
fallen into disuse and inviting sugarcane
workers to participate. In works such as
Trapiches [small mills or presses used to
process products such as sugar cane or
olives] he returns to this theme without
alluding to the means of sustenance of
particular populations, but by directly
displaying the results of his labor as an
employee of a company that manufactures
objects of expanded polystyrene.
This work documents the condition of art-
ists, who, like any other workers, depend
on the actions of people who have nothing
to do with their activities. However, with
his ability to put each of these false, built-
to-scale inventions in a place for which
they were not originally destined, he refers
to a context much more unsettling than
that of precariousness. Although they are
beautiful, his mills dont allow us to forget
that those who operate them every day
face great difficulty surviving in times of
economic instability.
The artist applies his first-hand knowledge
of this kind of activity to reiterate that its
informality makes it the subject of regula-
tion that seeks to take it out of operation,
and that, in addition, those who work in it
are generally seen as subjects gifted with
aesthetic potential. The work reminds us
that this kind of machine still holds the
capacity for profit, but that it can also be
the object of homage.
Trapiches 2015 Esculturas en poliestireno Trapiches 2015 Sculptures in expanded
expandido 5 esculturas rea: 1.5 x 9.6 polyestyrene 5 Sculptures Area 1.5 x 9.6
x 6.2 m. x 6.2 m.

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Jorge Panchoaga
La mirada con la que Jorge Panchoaga se
acerca al territorio que abarca la conven-
cin administrativa del Cauca se afianza en
su crtica a la representacin que hacen los
medios de construccin de consenso sobre
la fuerza poltica de sus habitantes.
Panchoaga, antroplogo, hace un inven-
tario de cmo radio, prensa y televisin
transmiten una imagen de constante
inestabilidad en una zona donde como
su trabajo no deja de recordarnos existe
una poblacin resistente, fuerte y altiva,
que sabe perfectamente dnde estn los
elementos que le dan arraigo.
En La casa grande, el artista acude a
la memoria de su abuelo, Rosendo
Panchoaga, quien se perdi cuando era
nio en las montaas de ese territorio y
fue acogido por una familia que lo termin
de criar. As, movindose en medio de dos
familias ubicadas en una extensin mayor
a la de una nica vivienda, este abuelo
cre una nueva geografa emocional
que aos despus su nieto visita para
reconstruir en su obra.
Este trabajo plantea una constelacin
psquica que involucra recorrido, memoria,
narraciones, ramas genealgicas y lmites
geogrficos por medio del uso experi-
mental de distintas tcnicas fotogrficas.
Con ello refleja la persistencia de los
sutiles lazos de los que no da cuenta ni
la modernizacin impuesta desde las
capitales departamentales ni sus formas
de representacin poltica. De esta manera,
Panchoaga le da nueva forma a un entorno
donde son fundamentales algunos modos
de organizacin considerados en desuso,
como la comunidad, la casa, la familia, la
herencia cultural y la necesidad sentida de
un territorio para vivir.
Jorge Panchoaga approaches the territory
that encompasses the administrative
convention of the department of Cauca
perspective that consolidates his critique
of the mainstream media narrative about
the political strength of its inhabitants.
Panchoaga, an anthropologist, has
conducted an inventory of the way in
which radio, press, and television media
transmit images of constant instability
in a zone where, as his work does not
let us forget, the population, engaged in
resistance, is strong, proud, and perfectly
aware of its roots.
In La casa grande [The big house], the
artist turns to the memory of his grand-
father, Rosendo Panchoaga, who was
lost asa child in the mountains of that
region, and was taken in by a family who
finished raising him. Moving between two
families located in a greater extension
than a single home, the grandfather cre-
ated a new emotional geography that his
grandson would reconstruct years later
in his work.
This piece takes the form of a psychic
constellation that brings together travel,
memory, narration, family trees, and
geographical demarcations through the
experimental use of various photographic
techniques. It reflects the persistence
of the subtle bonds unchanged by the
modernization imposed by the depart-
ment capitals and their forms of political
representation. In this work, Panchoaga
gives new shape to forms of organiza-
tion that have fallen into disuse, such
as community, home, family, cultural
heritage, and the deeply felt need for a
territory to inhabit.
La Casa Grande 2013 3 Fotografas: 0.75 x 1.1
m. 1 fotografa: 1.1 x 1.6 m. Impresin a color
en vinilo adhesivo: 2 x 3.9 m. Impresin blanco
y negro en vinilo adhesivo: 2 x 3.8 m. Video:
11:32 min.
The Big House 2013 3 photographs: 0.75
x 1.1 m. 1 photograph: 1.1 x 1.6 Color print
on vinyl: 2 x 3.9 m. Black and white print on
vinyl: 2 x 3.8 m. Video: 11:32 min.
122 / 123
Juan Pelez
En esta obra, el artista Juan Pelez, naci-
do en Medelln, integra las representacio-
nes ficticias que elaboraron los primeros
europeos que llegaron a Amrica sin
entender aquello que enfrentaban
por primera vez, con imgenes del
estereotipo de los cuerpos de estrellas
del espectculo. En Ewaipanoma (James
Rodrguez) Pelez recurre a una de las
figuras recientes del santuario de colom-
bianos que se nos imponen para admirar
y le aplica el procedimiento de recortar
la fotograf a base, ponerle ojos y nariz
en el torso y ampliar su escala. Adems,
la pose seductora reitera su carcter de
objeto de deseo nacional.
Esta obra, que ana poder, propaganda
y consumo, muestra que construimos
nuestra identidad apoyados en valores
transitorios: a James le aparecer reem-
plazo, dejar de ser una figura arquet-
pica y encontraremos otro hroe en el
pilago de la industria cultural. Desde la
perspectiva de Pelez, el problema con
esta dinmica es que los Ewaipanomas
eran en realidad monstruos ideados
para dar cuenta del terror que inspir
la orograf a de un continente indito al
que los recin llegados solo acertaron a
denominar como salvaje.
En palabras del crtico Thomas Bettridge,
el artista cuestiona y reafirma el atrac-
tivo de la celebridad de los monstruos, o
tal vez la naturaleza monstruosa de la
celebridad. Esta dinmica se hace evi-
dente en el acto de eliminar la cabeza en
la representacin de un hombre nuevo: si
le quitan la cabeza no tiene razn y as se
puede dominar mejor.
In this piece, Medelln-born Juan Pelez,
combines fictitious representations cre-
ated by the first Europeans who came to
America without understanding what they
encountered, with stereotypical images of
the bodies of pop culture stars. In Ewaipa-
noma (James Rodrguez) Pelez turns to the
latest figure of Colombian hagiography that
we have been called upon to admire. Pelez
recuts the original photograph, placing the
eyes and nose on the torso and amplifying
the scale of the photograph. Moreover, the
seductive pose reiterates the status of
Rodrguez as a national object of desire.
This work, which unites power, propaganda
and consumption, shows that we base our
identity on fleeting values: James will be
replaced, he will no longer be an archetypal
figure, and we will find another hero who
will rise from the culture industry. From
the perspective of Pelez, the problem
with this dynamic is that the Ewaipanomas
were monsters developedto transmit the
terror that an unknown continents terrain
inspired in the recently arrived, and which
they could only describe as savage.
In the words of the critic Thomas Bettridge,
the artist questions and reaffirms the
appeal of the celebrity of monsters, or
maybe the monstrous nature of celebrity.
This dynamic becomes evident in the act of
eliminating the head of a new man: if you
remove the head, he does not have reason,
and can be better dominated.
Ewaipanoma (James Rodrguez) 2016 Ewaipanoma (James Rodrguez) 2016
Rompetrfico de gran escala 7.5 x 3 m. Billboard 7.5 x 3 m.

124 / 125
Linda Pongut
La produccin escultrica de la artista
Linda Pongut depende de las acciones
que pueda realizar en algunos de los
edificios que quedaron abandonados
tras la implementacin de la poltica
neoliberal en Colombia. Despus de
gestionar su ingreso a la infraestructu-
ra de empresas estatales privatizadas,
reintroduce actividades laborales para
producir objetos difcilmente transables.
All cumple con jornadas estndar, se
impone tareas de limpieza y recuperacin
de secciones enteras, repara y reconstruye
bienes muebles. Al final encuentra que ha
consolidado un inventario de absurdas
intervenciones tridimensionales.
Ubicada entre el diseo industrial y la pieza
de sitio especfico, la obra 20 kilmetros
de distancia comienza en la ubicacin
de los fragmentos de un tronco talado
cerca del edificio sede de la empresa
Telecom. Luego de su traslado, Pongut lo
reconstruye hasta lograr una escala natural,
restringindose a utilizar cemento como
paradoja material de todo el procedimiento.
Superando los efectos del salvajismo desa-
rrollista, analiza tambin la forma como el
tiempo se cuela a travs de intersecciones
materiales, arquitectnicas o urbanas para
revelar la obsolescencia de cada elemento.
Un rbol muerto, ensamblado con pasta
industrial que se endurece al contacto con
el aire (y da apariencia de solidez mientras
sea necesario), y que se rearma cada vez
que se pone en exhibicin, le permite repre-
sentar simultneamente la impotencia de la
actividad humana frente a los ciclos natura-
les y la necesaria revisin de las tomas de
partido, para comprender que contienen en
s mismas las semillas de su fracaso.
The sculptural production of the artist
Linda Pongut depends on actions car-
ried out in buildings abandoned after the
implementation of neoliberal policies in
Colombia. After entering the infrastruc-
ture of privatized state businesses, she
reintroduces labor to the sites and pro-
duces objects that resist being traded on
the market. She complies with standard
working days, schedules the cleaning and
recuperation of entire sections, and repairs
and reconstructs usable furniture. At the
end, she consolidates an inventory of
absurd three-dimensional interventions.
Located in between the objet trouv,
industrial design, and site-specific art, 20
kilmetros de distancia [20 Kilometersof
Distance] begins with the discovery of
fragments of a tree trunk near the Tele-
com building. After it was moved, Pongut
rebuilt it in a natural scale, restricting
herself to cement as a paradoxical mate-
rialfor the entire process. Going beyond
the effects of the savagery of development,
she also analyzes the way in which time
seeps in through material, architectural,
and urban intersections to reveal the obso-
lescence of each element.
A dead tree, put together with industrial
paste that hardens upon contact with
the air (and that gives the appearanceof
solidity when necessary) and that is reas-
sembled each time it is exhibited, allows
the simultaneous representation of the
impotence of human activity in the face of
natural cycles and the necessity to recon-
sider taking sides, in order to understand
that they contain within them the seeds of
their own defeat.
20 kilmetros de distancia 2014 Tcnica 20 Kilometers Away 2014 Mixed
mixta: ramas de rbol, cemento, varillas media: tree branches, cement, iron bars
Dimensiones variables 2.4 x 5.6 x 5.1 m. Dimensions Variable 2.4 x 5.6 x 5.1 m.

126 / 127
Gala Porras-Kim
Una de las premisas sobre las que se
construye este 44 Saln Nacional de
Artistas es la de poner en evidencia las
tensiones que dan origen a nuevos terri-
torios. Gala Porras-Kim encarna muchas
de esas tensiones y las pone en juego
para hablar de la geograf a, de la memo-
ria, de la pertenencia a un lugar y de una
economa general de la presencia.
De padre colombiano y madre coreana,
Gala debi exiliarse junto a su familia
cuando tena once aos. Radicados
en Los ngeles, Gala creci como
colombiana que nunca ha aspirado a
la nacionalidad estadounidense. En los
Estados Unidos se form como artista
y desarroll un trabajo influido por la
lingstica y la arqueologa como instru-
mentos para intentar traducir memorias,
palabras y formas de comunicacin
en entornos culturales vulnerables. Si
bien el trabajo de Gala indaga sobre los
mecanismos de construccin de valor
en la geograf a cultural de territorios
especficos, es tambin un espacio de
extraamiento donde los restos de una
cultura material emergen para crear fic-
ciones sobre lugares que estn ms all
de toda referencia cultural.
En Paseando por proxy, Gala Porras-Kim
recoge la imposibilidad legal de atender
a una invitacin de residencia artstica en
Colombia. Lo hace a partir del garabateo
de mapas y recuerdos deshilvanados de
los lugares que sola visitar en su niez
en el pas, para luego recorrerlos hoy a
travs del Street View de Google Maps.
As, un ejercicio de desdoblamiento surge
en esa tensin que se evidencia entre
la imposibilidad de la presencia y el
ejercicio de una visita virtual con la que
intenta estar aqu junto a nosotros.
One of the premises of the 44th National
Salon of Artists is to expose the tensions
that bring new territories into exis-
tence. Gala Porras-Kim embodies many
of these tensions, which she puts into
play to speak about geography, memory,
the sense of belonging, and a general
economy of presence.
Born to a Colombian father and a Korean
mother, Gala went into exile along with
her family when she was eleven years old.
Gala settled in Los Angeles and grew up as
a Colombian who never aspired to be an
American from the United States. In the
U.S., she became an artist and developed a
process that uses linguistics and archeol-
ogy as tools to translate memories, words,
and forms of communication in vulnerable
cultural environments. Galas work is an
investigation into the mechanisms of the
construction of value in the cultural geog-
raphy of territories, but it is also a space of
estrangement where the remains of culture
emerge as narratives about places that
exist outside of any cultural reference.
In Paseando por proxy [Visiting by Proxy],
Gala Porras-Kim portrays the legal impos-
sibility of attending an artist residencyin
Colombia to which she was invited. It is
depicted through scrawls on mapsand
disjointed memories of places that she
used to visit in her childhood, onlyto
return to them today through Google Maps
Street View. In this work, an exercise in
rupture emerges from the tension between
the impossibility of her presence and the
undertaking of a virtual visit with the inten-
tion of being here with us.
Paseando por proxy 2016 Instalacin Visiting by Proxy 2016 Installation Google
Google map, tinta sobre papel 6 dibujos 21.6 x map, ink on paper 6 drawings: 21.6 x 27.9 cm
27.9 cm cada uno Video: 90:42 min. each Video: 90:42 min.

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Ernesto Restrepo
Morillo
Desde hace un cuarto de siglo este artista
monteriano viene produciendo una cosecha
anual de papas de cermica que cuestionan
las consecuencias del encuentro accidental
de Amrica por parte de los primeros
europeos modernos. Al usar la papa como
significante, Restrepo recuerda que este
tubrculo sirvi para complementar la dieta
de varias generaciones que llegaron mejor
alimentadas al continente, con el inters
exclusivo de aniquilar sus culturas origina-
rias y administrar sus riquezas.
A medida que ha sido expuesto en distintos
escenarios, este proyecto ha incorporado
una cada vez mejor formada comprensin
de las progresivas crisis y transformacio-
nes de la economa y del mercado hasta la
actualidad. Lo que en su origen era un cues-
tionamiento al colonialismo, ahora es un
conjunto de lecturas cuidadosas aplicadas
al fracaso (o xito, depende como se mire)
de la globalizacin va Tratados de Libre
Comercio en pases como el nuestro.
En su ms reciente versin, Cerrado
(sellado) por especulacin plantea una
historia con final feliz donde la justicia de la
distribucin igualitaria se impone sobre un
proceso de especulacin. Restrepo propone
la escenificacin de la cancelacin de la
licencia de operacin a un establecimien-
to para aludir a varios de los problemas
que resultan de la adopcin ciega de las
aspiraciones de la economa neoliberal:
cooptacin de mercados y productos natu-
rales de diferentes territorios, disminucin
de soberana alimentaria, destruccin de
economas de pequea escala, captura de
biomasa y monopolio comercial.
For a quarter century, this artist from
Montera has produced an annual har-
vest of ceramic potatoes that questions
the consequences of the accidental dis-
covery of the Americas by early modern
Europeans. Using the potato as a signifier,
Restrepo reminds us that this tuber sup-
plemented the diet of the generations that
came to this continent, better fed than
they otherwise would have been, with the
exclusive goal of erasing its original cul-
tures and appropriating their wealth.
As it has been shown in a number of
different contexts, Restrepos work has
acquired a better understanding of the
progressive crises of transformations of
the economy and the market up to the
present. What was originally a critique of
colonialism is now a collection of care-
ful arguments concerning the failure (or
success, depending on how one views it)
of globalization through free trade agree-
ments in countries like ours.
In its most recent version, Cerrado (sel-
lado) por especulacin [Closed (Sealed)
Due to Speculation] tells a story witha
happy ending in which egalitarian modes
of distribution are imposed on the pro-
cess of speculation. Restrepo proposes a
scenario in which a companys operating
license is cancelled, alluding to the prob-
lems that result from the blind adoption of
the aspirations of neoliberal economy: the
coopting of markets and of natural prod-
ucts from different regions, the reduction
of food sovereignty, the destruction of
small-scale economies, the capture of
biomass, and commercial monopolies.
Sellado por especulacin 2016 Sealed Because of Speculation 2016
Instalacin Dimensiones variables Installation Dimensions Variable
1.8 x 3.9 x 0.27 m. 1.8 x 3.9 x 0.27 m.

130 / 131
Flix Restrepo
Este documental fue filmado para celebrar
los setenta y cinco aos de la fundacin
de la ciudad de Manizales, capital del
entonces Viejo Caldas. La cmara reg-
istra el paisaje cultural de la poca, los
desarrollos de una sociedad y la urban-
izacin moderna entre las montaas,
adems de las fiestas y desfiles del car-
naval conmemorativo. La cinta muestra
las plazas de mercado organizadas y
limpias, automviles norteamericanos,
colegios de mujeres, nuevos edificios
pblicos de tres plantas como palacios
de gobierno y, sobre todo, entidades ban-
carias que revelan la modernidad de esta
ciudad conocida en ese entonces como
la Chicago colombiana. Pero la moderni-
dad tambin se revela en las costumbres
de las personas. Hombres y nios vestidos
con moda inglesa, o incluso una sinies-
tra escena de un baile entre bambuco y
charlestn en donde los hombres aparecen
de mujeres y viceversa.
Durante el rodaje, la ciudad padeci un
terrible incendio que destruy buena parte
de su centro histrico. Los productores
filmaron la consecuente militarizacin
de las calles y las ruinas que dej la con-
flagracin. Se aadi este material a la
filmacin original, y el contraste resulta
desolador: De los bancos, imprentas y
moradas leves vuelan cenizas desdicha-
das, fueron las palabras de la Colombian
Film Company que aparecen en el film.
This documentary was filmed to celebrate
the seventy-fifth anniversary of the found-
ing of the city of Manizales, the capital of
the former department of Viejo Caldas. The
camera registers the cultural landscape of
the period, social development in the area,
and modern urbanization in the region
between the mountains, as well as the
parties and parades of the commemorative
carnival. The film shows organized and
sanitized market plazas, North American
automobiles, womens colleges, new public
buildings with three stories such as the
governors palace, and, above all, banking
institutions that revel in the modernity
of this city known at the as the Chicago
of Colombia. But this modernity also
manifests in the customs of the people of
Manizales. Men and boys are dressed in the
English fashion. The film also includes a
sinister scene of a dance halfway between
the Bambuco and the Charleston in which
the men appear as women and vice versa.
During the production of the film, the city
suffered a terrible fire that destroyed a
good part of its historic center. The produc-
ers filmed the consequent militarization of
the cities and the ruins left by the confla-
gration. This material has been added to
the original film, and the contrast is heart-
breaking: From the banks, print shops, and
houses, wretched ashes lightly fly, was the
commentary from the Colombian Film Com-
pany in the documentary.
Manizales City 1925 35mm Manizales City 1925 Digital
transferido a digital 52 min. transfer of 35 mm film 52 min.

132 / 133
Luis Roldn
En el trabajo del artista caleo Luis
Roldn hay un anlisis de la represen-
tacin del paso del tiempo. Al observar
la vida cotidiana o estudiar la historia
del arte, Roldn ha encontrado que las
premisas de diferentes discursos se acer-
can. En el caso de la categora paisaje
not que ese acto de representacin era
tanto un efecto de emotividad como la
manifestacin objetiva de una serie de
fenmenos temporalmente coincidentes
en la mirada del observador.
Sincronas, dibujos mviles, obra consti-
tuida por alambres y cuerdas colgados de
una pared junto a piedras de ro cortadas
de tajo y puestas en el suelo, se ubica
entre la representacin del fragmento de
tiempo que fij las caractersticas de un
entorno en la memoria de una persona
y su inters por mostrarlo a los dems.
Partiendo del relato de un espa con-
denado durante las purgas estalinistas,
Roldn propone un dispositivo anmalo
de representacin del mundo que es
incluso optimista aunque no tanto.
Como este preso casi ciego, encerrado
en una celda con vista, Roldn intenta
ofrecer los resultados de ese aprendizaje
de los efectos de los cambios de luz, tem-
peratura y atmsfera. Con esa estrategia
demuestra que la tarea de informar sobre
la topograf a de un lugar que no puede
ser visto con claridad es un problema
que, ms que obtener resolucin, permite
ir ms all de la irona, del fracaso o del
propio desconocimiento del mundo.
An analysis of the representation of the
passage of time is central to the workof
Cali-born artist Luis Roldn. Through
observing daily life and studying the
history of art, Roldn has found that the
premises of different discourses tend to
converge. In the case of landscape, he
noted that this type of representation
is as much the effect emotion as it is an
objective manifestation of a series of tem-
poral phenomena coinciding in the gaze
of the observer.
Sincronas, dibujos mviles [Synchronies,
Drawings in Motion], a work made with
wires and string hanging from a wall and
sliced river rocks placed on the ground,
represents a fragment of time that fixes the
characteristics of a location in a persons
memoryand inspires him to show it to
others. Beginning with a story of a spy that
was condemned during the Stalinist purges,
Roldn proposes an anomalous represen-
tation of the genre that includes optimism,
although very little of it.
Like this almost-blind prisoner, locked in a
cell with a view, Roldn offers the results of
this study of the effects of changes in light,
temperature, and atmosphere. With this
strategy he demonstrates that the task of
portraying the topography of a place that
cannot be clearly seen is a problem that,
more than having a solution, permits one
to go beyond irony, defeat, and ones own
misunderstanding of the world.
Dibujos mviles 2014 Instalacin Moving Drawings 2014 Installation
6 x 15 x 5 m. 6 x 15 x 5 m.

134 / 135
Mara Isabel Rueda
A simple vista, las imgenes parecen
documentos de alguna pieza de Land Art:
en un paisaje austero de pura resequedad,
unos caminos se prolongan hasta el hori-
zonte generoso. En otra, una cavidad en
la tierra interrumpe la llanura. Tal vez son
gestos sobre el pasar o sobre el asentarse.
La dcada de los aos 80 lleg al pas con
la primera de nuestras guerras contra las
drogas. El presidente del momento, Julio
Csar Turbay Ayala, firm un tratado de
cooperacin con la DEA para la erradica-
cin de las plantaciones de marihuana
en la Guajira, acabando con la bonanza
marimbera en Colombia, primer productor
mundial de marihuana a finales de los 70.
En Una lnea deshecha bombardeando, de
2009, Mara Isabel Rueda documenta las
rutas abandonadas y los agujeros dejados
en el suelo de la Guajira por aviones
militares que destruan a bombazos las
pistas por donde sala del pas, en avio-
netas rumbo a Panam, la marihuana que
luego se consuma en los Estados Unidos
y Europa. A diferencia de Richard Long,
Rueda no se preocupa en esta obra por el
lento ejercicio de la construccin de un
camino al andar, sino por la destruccin
sistemtica de otros que, en su condicin
de ruina, dan testimonio de una historia
poltica y econmica que pudo haber
sido distinta hace 40 aos, cuando la
marihuana era ilegal.
At first glance, these images appear to be
documents of a piece of land art: in an
austere, completely arid landscape, roads
stretch towards the generous horizon. In
another, a cavity in the earth interrupts
the grasslands. Maybe they are commen-
taries on the acts of traveling along, or
sitting down.
The 1980s arrived in this country along
with our first drug wars. The president at
the time, Julio Csar Turbay Ayala, signed a
treaty of cooperation with the DEA for the
eradication of marijuana plantations in La
Guajira, ending the bonanza marimbera,
the period of economic prosperity brought
on by marijuana cultivation in Colombia,
the worlds largest producer of marijuana
during the 1970s.
In Una lnea deshecha bombardeando [A
Broken Line Bombing], from 2009, Mara
Isabel Rueda documents the abandoned
routes and holes left in the soil of La Gua-
jira by military planes that bombed the
paths by which marijuana left the country,
later to be consumed in the United States
and Europe. In contrast with Richard Long,
Rueda does not concern herself in this
piece with the slow process of the con-
struction of a road made by walking, but
with the systematic destruction of other
paths that, in their ruined condition, give
testimony to a political and economic
history that could have been different 40
years ago, when marijuana was illegal.
De la serie Una lnea deshecha From the series A Line Undone by
bombardeando 2009 Fotografas Bombarding 2009 Photographs
Cada una: 60 x 91 cm. Each: 60 x 91 cm.

136 / 137
Jess Ruiz Durand
Estos afiches fueron publicados entre
1968 y 1973 por la Oficina de Difusin de
la Reforma Agraria durante el Gobierno
Revolucionario de la Fuerza Armada del
Per. Esta oficina estuvo conformada por
un grupo creativo integrado por disea-
dores, fotgrafos, escritores y periodistas,
quienes produjeron material de comunica-
cin editorial y audiovisual para difundir
y hacerle propaganda a los alcances de
la nueva y radical revolucin econmica,
social y cultural del General Velasco,
un rgimen considerado de izquierda y
antiimperialista dentro de las divisiones
ideolgicas de la Guerra Fra.
Los carteles fueron utilizados en campa-
as tanto en zonas rurales como urbanas.
Para su realizacin se utilizaron referen-
tes fotogrficos tomados en el campo por
Ruiz Durand y otros fotgrafos. En aquella
oficina se hicieron tambin afiches de
otras temticas, encargados por otros
ministerios e instituciones estatales,
como el de Industria y Comercio, Minero
Per, Ministerio de Educacin, entre otros.
Al igual que en Colombia, el fracaso de las
reformas agrarias dio continuidad al lati-
fundismo, a la desproporcionada reparti-
cin de la tierra y de las riquezas, lo cual
catapult las injusticias sociales, llevando
al pueblo a la insurreccin y a una guerra
contaminada por el narcotrfico.
These posters were published between
1968 and 1973 by the Office for the Dis-
semination of Agrarian Reform during the
Revolutionary Government of the Armed
Forces of Peru. This office was staffed by
a creative group that included designers,
photographers, writers, and journalists,
who produced editorial and audiovisual
communication materials to create and
spread propaganda concerning the eco-
nomic, social, and cultural revolution of
General Velasco, whose regime was con-
sidered leftist and anti-imperialist within
the ideological divisions of the Cold War.
The posters were used in campaigns in
both urban and rural areas. They were
made with photographs taken in the
countryside by Ruiz Durand and other
photographers. The office also made
posters concerning other themes, com-
missioned by other ministries and state
institutions such as Industry and Com-
merce, Peru Mining, and the Ministry of
Education, among others.
As in Colombia, the failure of agrarian
reforms contributed to the continuation
of the latifundio plantation system, the
disproportionate distribution of the land
and its natural resources, and intensified
social injustice, spurring the people to
insurrection and a war contaminated by
the drug trade.
15 afiches de la Reforma Agraria 1968-1973
Impresiones en offset y slideshow digital
Dimensiones variables 15 afiches, cada uno:
1 x 0.7 m. rea 2.6 x 10.9 x 6.1 m. Cortesa de
Revolver Galera, Lima
15 Posters for Land Reform 1968-1973
Offset prints and digital slideshow
Dimensions Variable 15 prints, each:
1 x 0.7 m. Area 2.6 x 10.9 x 6.1 m. Courtesy of:
Revolver Galera, Lima
138 / 139
Edwin Snchez
Flujos, del artista bogotano Edwin
Snchez, parte de una serie de observa-
ciones en la zona de tolerancia del barrio
capitalino de Santa Fe. En la obra hay una
reflexin sobre la manera como aparecen
e interrelacionan diferentes dinmicas de
ilegalidad (trfico de drogas, comercio de
armas, intercambio sexual espontneo)
con imaginarios cotidianos.
El proyecto funciona como un docu-
mental expandido que analiza la
prostitucin no regulada y el uso
compulsivo de sus servicios derivados.
Indaga, adems, sobre las prcticas
habituales de diversos actores integra-
dos a ese sistema socioeconmico sin
tratar de encauzar metodolgicamente
los alcances y consecuencias de este
segmento de consumo, evitando as
la formulacin de juicios moralistas.
A Snchez le interesa cuestionar las
interpretaciones basadas en la retrica
del sentido comn, habitualmente ajena
al contraste de los prejuicios de quienes
lo ponen en juego. Su enfoque critica
las nociones forjadas en la doble moral,
donde la mayora de opiniones giran en
torno a una idea no comprobada de las
vivencias de los sujetos definidos como
vctimas y/o victimarios.
En ese sentido, Snchez examina estereo-
tipos como la definicin del adicto sexual
sometido a sus apetitos ms bsicos o la
suposicin de que la mujer involucrada
en este intercambio carece de criterio y
est expuesta a la manipulacin de sus
necesidades. El anlisis de la participacin
de quienes integran esa estructura es un
intento por entender cmo opera un con-
junto de transacciones que generan tanto
niveles de bienestar como realizacin de
aspiraciones subjetivas.
Flujos [Flows], by the artist Edwin Sn-
chez, features a series of observations
of the red-light district in the Santa
Fe neighborhood of Bogot. The work
reflects on the way that different dynam-
ics of illegality (drug trafficking, arms
trading, spontaneous sexual encoun-
ters) arise and interrelate with the
imagined aspects of daily life.
This expanded documentary project ana-
lyzes unregulated prostitution and the
compulsive use of its derivative services.
It also investigates the practices of the
diverse actors that participate in this
socioeconomic system without attempting
to methodologically analyze the scope and
consequences of this type of consumption,
thereby avoiding moral judgments.
Snchez is interested in interpretations
based on the rhetoric of common sense, in
contrast with the prejudices of those who
judge these activities.He critiques ideas
founded on moral double standards, which
yield baseless opinions that define these
subjects only as victims and/or victimizers.
Snchez examines stereotypes such as
the sex addict dominated by his most
basic appetites, or the assumption that
the woman involved in this exchange
lacks judgment and is at the mercy of her
needs. The analysis of thosewho partic-
ipate in this structure is an attempt to
understand the operationof a complex
web of transactions that generates mutual
benefits as well as the realization of
subjective aspirations.
Flujos 2016 Videoinstalacin de 12 canales Flows 2016 12 channel video installation
Dimensiones variables Videos: 6 min Dimensions Variable Videos: 6 min
2.6 x 5.3 x 5.7 m. 2.6 x 5.3 x 5.7 m.

140 / 141
Vanessa Sandoval
Vanessa Sandoval suele producir carto-
graf as subjetivas a partir de la reagrupa-
cin de territorios con base en eventos,
generalmente trgicos, que han tenido
lugar en diferentes zonas de Colombia. Su
trabajo hace de la geograf a un terreno
inestable, provisionalmente activado por
las rutas del trfico de drogas, por los
focos de actividad paramilitar o por el
descubrimiento de fosas comunes.
En esta ocasin, secciones de un tronco
cortado que se balancean a intervalos
regulares gracias a la accin de un motor
dan forma a Tremor (2016), una escultura
en la que Sandoval genera una serie de
asociaciones inquietantes sobre la condi-
cin del cuerpo sufriente, desmembrado
y tembloroso, expuesto a la vista pblica
de la audiencia del Saln.
El balanceo rtmico de las partes de la
obra abre el espacio a preguntas acerca
del significado del movimiento para
un cuerpo yaciente. Qu hace que un
cuerpo se mueva? Qu tipo de voluntad
o qu dispositivo puede hacer que lo que
yace se active? Qu actividad es esta
especie de tenue convulsin o de arrullo
rtmico para un rbol o un cuerpo que
ha sido cortado en pedazos? Para qu
se mueve? Se mueve para nosotros?,
con nosotros? Es este movimiento una
extensin de la vida del rbol-cuerpo?
Es un llamado a no olvidar que est
muerto? Es un ejercicio mgico para
traer de vuelta el muerto a la vida, si es
que temblar fuera vivir?
Vanessa Sandoval produces subjective
cartographies based on the reunification of
territories with a foundation in the events,
generally tragic, that have taken place in
different zones of Colombia. Her work turns
geography into an unstable terrain, provi-
sionally activated by drug trafficking routes,
by focal points of paramilitary activity, or
by the discovery of mass graves.
On this occasion, sections of tree trunks
are attached to a motor and sway at regu-
lar intervals, giving form to Tremor (2016),
a sculpture in which Sandoval generates a
series of unsettling associations about the
condition of a suffering body, dismembered
and quivering, exposed to the public view
of the Salons audience.
The rhythmic swaying of the different
parts of the work opens space for ques-
tions about the meaning of movement in a
recumbent body. What makes a body move?
What kind of will or disposition can make
something laying down be active? What
is this kind of faint convulsion or rhyth-
mic murmur for a tree or a body that has
been cut into pieces? What does it move
for? Does it move for us? With us? Is this
movement an extension of the life of the
tree-body? Is it a call to not forget that it
is dead? Is it a magical exercise to bring
the dead back to life, is it that to tremble
is to live?
Tremor 2015 Escultura 4 troncos de Tremor 2015 Sculpture 4 pieces of wood
madera sobre bases de madera de 18 x 90 x on wooden platforms, 18 x 90 x 60 cm.
60 cm. rea: 280 x 90 x 320 cm Area: 280 x 90 x 320 cm

142 / 143
Moe Satt
Acaso las manos de uno podran contar
una historia? Hay manos que trabajan,
manos con las que comemos, manos
comunicativas. Tan solo las manos
pueden llegar a revelar nuestras cor-
poralidades, subjetividades, la tristeza,
la sabidura En Manos alrededor de
Rangn, Satt graba planos cerrados de
las manos de las personas que lo rodean
cotidianamente. Desde las de vendedores
ambulantes y carpinteros de iconos
religiosos hasta las de trabajadores
en diversos oficios manuales. Se trata
de una coleccin de la vida popular, un
museo antropolgico de gestos que res-
guardan conocimientos del pasado.
Sin las imgenes de los rostros, los movi-
mientos de las manos de cada personaje
aparecen de forma autnoma, generando
una secuencia casi hipntica. A primera
vista, las formas de vida retratadas en
cada encuadre podran asimilarse al
paisaje cultural colombiano o a cualquier
contexto de economa informal en
Amrica Latina. Sin embargo, por momen-
tos se revela la especificidad cultural
del contexto geopoltico de Birmania, el
pas del sudeste asitico donde vive el
artista. En las manos que elaboran cierto
tipo de comidas irreconocibles para el
pblico local o en las de los carpinteros
que tallan figuras de Buda, se descubre
ese contexto lejano.
Incluso hay oficios grabados por Satt
estrechamente ligados a la preca-
riedad econmica que dejaron ms
de dos dcadas de embargo, como
las prcticas de sobrevivencia que
transmiten unas manos rellenando
encendedores, arreglando sombrillas, o
cosiendo a mano cuadernos escolares.
Is it possible for one set of hands to tell a
story? There are hands that work, hands
with which we eat, hands which communi-
cate. Only hands can manage to reveal our
corporeal features, our subjectivities, our
sadness and wisdom. In Hands around Ran-
goon, Satt records close-ups of the hands
of people who surround him in daily life.
From street hawkers and woodworkers who
make religious idols to workers at different
manual trades. It amounts to a collection
of scenes from daily life, an anthropo-
logical museum of gestures which harbor
bodies of knowledge from the past.
By excluding their faces, the shots of the
moving hands appear autonomous, cre-
ating a nearly hypnotic sequence. At first
sight, the ways of life depicted in each
frame may resemble the cultural land-
scape of Colombia or any other country in
Latin America with an informal economy.
However, there are moments when they
reveal their specific cultural context in the
geo-political reality of Burma, the country
in Southeast Asia where the artist lives.
The hands that prepare dishes that are
unheard of in Colombia, or that belong
to woodworkers who carve figures of the
Buddha, reveal this distant context.
Some of the activities filmed bySatt even
show their close link with the economic
hardship suffered bythe country during
two decades of embargo; these practices of
survival are signaled by hands refilling cig-
arette lighters, fixing umbrellas, or sewing
the pages of school notebooks by hand.
Manos alrededor de Rangn 2012 Video Hands Around Rangoon 2012 Video
HD 7:20 min HD 7:20 min

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Andreas Siekmann
En este trabajo Siekmann investiga las
verdaderas razones por las cuales la mina
de carbn Zeche Lohberg, en Alemania,
cerr en el ao 2005 para convertirse en
un monumento, un museo de la memoria
celebrando su antigua funcin. Qu con-
diciones econmicas y polticas causaron
el fin de la minera local en Alemania, jus-
to cuando se subcontrat la produccin
de carbn a otros pases con mano de
obra barata, como Colombia? A travs de
un lenguaje de pictogramas, entrelazando
arte, propaganda, informacin e ingenie-
ra social, esta obra revela no solo los or-
genes del carbn consumido actualmente
por la economa lder de Europa, sino los
hechos y contextos de las luchas de los
trabajadores: las injusticias sociales, la
violencia estatal y los desastres naturales
asociados a estos lugares de extraccin,
como el Cerrejn en La Guajira.
La instalacin incluye una maqueta de las
enormes estructuras de concreto, repre-
sentativas del paisaje minero en Alemania,
convertida en una especie de teatro para
marionetas fabricadas con el lenguaje de
pictogramas de Siekmann. En una de las
paredes, un aviso publicitario ficticio yux-
tapone la topografa de la regin industrial
del Ruhr alemn con la topografa de las
minas de carbn en La Guajira y el Cesar.
Sobre este mapa aparecen los nombres de
las multinacionales que importan carbn
colombiano a Alemania, como Xstrata,
Glencore y Mount Drum, reconocidas por
sus malas prcticas laborales.
In this work Siekmann investigates the
true reasons for the closing of the Zeche
Lohbergcoal mine in Germany in 2005 to
be converted into a monument, a museum
of memory commemorating its prior use.
What economic and political conditions
caused the end of local mining in Ger-
many, just as the country subcontracted
its coal production to other countries
with lower labor costs, such as Colom-
bia? Through the language of pictograms,
interlinking art, propaganda, information,
and social engineering, this work not only
reveals the originsof the coal currently
consumed by Europes economic power,
but also the events and contexts of the
struggles of the workers who mine it:
social injustice, state violence, and natu-
ral disasters associated with extraction
sites such as El Cerrejn in La Guajira.
The installation includes a model of enor-
mous concrete structures that represents
the mining areas in Germany, converted
into a kind of theater for puppets made
in Siekmanns pictographic language. On
one of the walls, a fictitious advertise-
ment juxtaposes the topography of the
industrial region of Ruhr in Germany with
the coal mines in La Guajira and El Cesar.
The map is marked with the names of the
multinational corporations that import
Colombian coal into Germany, such as
Xstrata, Glencore and Mount Drum, all
known for poor labor practices.
Y la plata & el ltimo paga 2006-2016 Where the Coal Comes From & Who Is Paying
Instalacin Dimensiones variables For It (Project) 2006-2016 Installation
2.8 x 6.2 x 6 m. Dimensions Variable 2.8 x 6.2 x 6 m.

146 / 147
Jeison Sierra
En la obra del artista Jeison Sierra, una
larga extensin de tierra ha sido reclamada
para devenir territorio comn ante la
mirada cmplice del espectador, a quien se
ofrece generosamente como un horizonte
que invita a la contemplacin.
En su deseo por el paisaje, Sierra define el
xodo como punto de inflexin en su expe-
riencia vital, detonante de lo que ser la
bsqueda persistente de lugares que tiene
la suerte de encontrar a pesar de la incerti-
dumbre con la que emprende su camino. Al
referirse a su obra, Sierra no puede ocultar
lo que podra entenderse como herencia
del sentimiento del romntico frente a la
naturaleza: conserva el deseo trascenden-
tal de un encuentro donde la inmensidad y
el poder incontenible del horizonte afirmen
en el hombre la consciencia de su finitud,
desarraigo y soledad, mientras le ayuden a
conservar la fuerza obstinada que avanza
en el intento de dominar el territorio, mol-
dendolo, en este caso, en imagen.
Se trata de una escena de clima ambiguo,
que cierra el ciclo entre el amanecer y las
sombras de un da que atardece. Es un lugar
en el que Sierra puede pensar el destino
ltimo de sus recorridos, un paisaje que
reflexiona en torno a la manera de habitar e
interactuar, a veces de una manera depre-
dadora, con el territorio.
In this work by Jeison Sierra, a large tract
of land has been reclaimed as communal
territory in before the conspiratorial gaze of
the spectator, who is generously offered a
landscape for contemplation.
In his passion for landscape, Sierra defines
exodus as a point of inflection in his life
experience, sparking off a persistent search
for the places that he has had the fortune
to find despite the uncertainty with which
he began his path. In speaking of his work,
Sierra cannot conceal what might be under-
stood as the inheritance of the feelings of
the Romantics in the presence of nature:
he maintains the transcendental desire for
an encounter in which the immensity and
the uncontainable power of the horizon
reaffirms an understanding of mans finite
nature, his alienation, and his solitude,
while aiding him in his obstinate efforts
to master the land, molding it, in this case,
into image.
Sierra works with scenes of ambiguous
climates, that closes a cycle between dawn
and dusk. It is a place where he can think
about the ultimate destiny of his voyages, a
landscape that reflects on the way of inhab-
iting and interacting with the territory, at
times in a predatory fashion.
Territorio Comn 2016 xido de hierro y Common territory 2016 Iron oxide and
trementina sobre papel 1.5 x 9.9 m. turpentine on paper 1.5 x 9.9 m.

148 / 149
Eusebio Siosi
Sueos de la Outs es el registro en video
de un performance realizado por el artis-
ta riohachero Eusebio Siosi alrededor
de uno de los mltiples elementos que
estructuran la sociedad wayuu. El trabajo
condensa una labor de investigacin que
involucra tareas de documentacin y el
estudio de diversas prcticas. El montaje
evidencia la riqueza de una cultura que
la mirada mestiza desconoce y no sabe
ni quiere comprender.
Sueos de la Outs es una obra que reve-
la diversas tensiones sociales, sin perder
autonoma sobre aquello que presenta, y
eludiendo, a su vez, el didactismo etno-
grfico. As, ms que ilustrar la delicadeza
y la potencia de una actividad como la
interpretacin de los sueos entre los
wayuu, Siosi realiza un despliegue de su
propia iconograf a para demostrar que
esta prctica cultural es tan importante
que condiciona la existencia de su tejido
social. De la eficaz intervencin de las
mujeres, dotadas de autoridad para
actuar en el momento preciso, depende
el equilibrio de toda una comunidad.
A partir de la mezcla de elementos como
el baile de la Yonna y el ritual de Las
Soadoras, el artista explora los lmites
de un territorio cuya definicin es mucho
ms compleja que su geolocalizacin.
Demuestra as que el entorno de esta
cultura se extiende hasta los estados de
sueo y vigilia, y enfatiza que la unin
entre intrpretes, interpretaciones y la
accin cvica resultante hace parte de un
sofisticado entramado de construccin
de una subjetividad que no es ni comple-
tamente pura ni plenamente aculturada.
Sueos de la Outs [Dreams of the
Outs] is the video recording of a per-
formance by Eusebio Siosi, of Riohacha,
about one of the multiple elements that
structure Wayuu society. The work is the
culmination of research of various local
practices. The recording shows the wealth
of a culture that the mestizo worldview
ignores, does not recognize and does not
want to understand.
Sueos de la Outs reveals social ten-
sions without losing autonomy from what
it presents, while eluding didactic eth-
nography. More than just illustrating the
gentleness and power of an activity such
as the interpretation of dreams among the
Wayuu, Siosi uses his own iconography to
demonstrate that this cultural practice is
so important that it determines the nature
of the Wayuu social fabric. The equilib-
rium of an entire community depends on
the effective intervention of its women,
gifted with the authority to act at the
correct time.
Through elements such as the Yonna
dance and the ritual of The Dreamers, the
artist explores the limits of a territory
whose definition goes beyond its geo-
graphical location. He demonstrates that
the domain of this culture extends to
the states of dream and consciousness,
and emphasizes that the union between
interpreters, interpretations, and the civic
action that results from the process forms
a sophisticated framework of a subjec-
tivity that is neither completely pure nor
wholly acculturated.
Sueos de la Outs 2015 Dreams of the Outs 2015
Instalacin de video performance Installation of videoperformance
2 canales de video: 16 min. 2 channels Video: 16 min.

150 / 151
Chulayarnnon
Siriphol
Este video gira alrededor del Tribhumi,
una iconograf a del budismo Theravada
que representa los tres niveles o
estados de la vida. De manera audaz,
Siriphol analiza cmo esta imagen
cosmolgica de lo terrenal y celestial
refleja la instrumentalizacin actual
de la religin y el mito por parte de las
facciones nacionalistas en Tailandia.
La secuencia comienza con detalles de
una impresin antigua del Tribhumi mien-
tras la voz de un joven acadmico descri-
be el significado de esta visin budista del
mundo. Su narracin, entre cientfica y fic-
ticia, propone una genealoga especulativa
del Tribhumi y sugiere que su forma pira-
midal puede llegar a encontrarse en todas
partes: desde pagodas, palacios y lugares
de oracin hasta en puestos de comida e
incluso en rascacielos corporativos.
Una pirmide fabricada con tubos de
luz algena tambin exhibida como
escultura en el Saln ilumina al joven
acadmico que reaparece en la escena
dormido, vistiendo una camiseta con la
bandera de Tailandia. La pirmide aparece
luego al fondo de una gran manifestacin
de simpatizantes de la APTD (Alianza del
Pueblo de Tailandia por la Democracia),
un movimiento poltico de ultraderecha,
ms conocido como los Camisas Amarillas,
compuesto en su mayora por la clase
media privilegiada y metropolitana que
apoy en 2010 a la junta militar actual y,
con ello, la proteccin del statu quo de
la monarqua. La obra concluye con el aca-
dmico sentado en pose de buda dentro
de la pirmide, elevndose hacia los cielos
hasta alcanzar el universo, en donde otros
nacionalistas lo acompaan para formar
la estructura del Tribhumi.
This video revolves around the Tribhumi,
an icon from Theravada Buddhism that
represents the three levels or states of
life. Siriphol audaciously analyzes the way
that this cosmological image of earth and
heaven reflects the current instrumen-
talization of religion and myth by Thai
nationalist groups.
The sequence begins with details from an
ancient rendering of the Tribhumi while
the voice of a young academic describes
the meaning of this Buddhist vision of the
world. His narration, somewhere between
scientific and fictional, proposes a specu-
lative genealogy of Tribhumi and suggests
that its pyramidal shape can be found all
over: from pagodas, palaces, and places
of prayer to food arrangements and even
corporate skyscrapers.
A pyramid made with halogen tubes, also
exhibited as a sculpture in the Salon,
illuminates the young academic who reap-
pears in the scene, sleeping and wearing
a t-shirt with the Thai flag. The pyramid
then appears behind a large protest by
sympathizers of the PAD (Peoples Alliance
for Democracy), a political movement
better known as the Yellow Shirts, mostly
composed of the privileged metropolitan
middle class, who in 2010 supported the
current military junta, and with it the
protection of the status quo of the mon-
archy. The work concludes with the young
academic seated inside the pyramid in the
Buddha pose, rising up to the sky towards
the universe, where other nationalists join
him to form the structure of the Tribhumi.
 1.

2.

1. Mito de la modernidad 2014 Instalacin 1. Myth of Modernity 2014 Installation

(video y objeto escultrico luminoso) (video and sculptural light object)
Video: 16 min Objeto: 0.9 x 1.3 x 1.3 m. Video: 16 min Object: 0.9 x 1.3 x 1.3 m.
2. Planking 2012 Video: 3 min. 2. Planking 2012 Video: 3 min.

152 / 153
Maria Taniguchi
Este video gira en torno al jeepney, el
medio de transporte pblico icnico del
paisaje de las Filipinas. El jeepney est
compuesto de partes del jeep Willys esta-
dounidense y se origin cuando Filipinas
era colonia norteamericana (1898-1946)
luego de haber sido cedida por el Imperio
espaol. La presencia militar de EE. UU.
en este archipilago se increment
durante la Segunda Guerra Mundial por
la amenaza del Imperio japons en el
Pacfico que eventualmente invadi al
pas entre 1942 y 1945. Pero antes de
la invasin se import de forma masiva
tanto el jeep Willys modelo MB como
artillera estadounidense.
El jeepney se convirti rpidamente en
la transporte ideal para las calles despa-
vimentadas de la ciudad. La estructura
del Willys se alarg para incrementar el
nmero de pasajeros y se le adhiri un
capote extenso para aclimatarlo a las
altas temperaturas y la humedad de los
trpicos. A lo largo de los aos, la carca-
sa del jeepney comenz a ser decorada
con diseos coloridos, y hoy en da los
artesanos y artistas callejeros pintan sus
superficies con motivos ornamentales
utilizando y mezclando diferentes fuen-
tes culturales populares.
En su trabajo, Taniguchi graba de manera
estril y clnica un jeepney completamen-
te nuevo, fabricado en acero inoxidable,
desnudo ante la cmara, sin ningn signo
subjetivo de ornamento kitsch. En un
fondo blanco, y con elegantes encuadres
y movimientos de cmara, la artista
convierte la mquina en un fetiche.
This video concerns the jeepney, the
iconic medium of public transport in the
Philippines. The jeepney is made of parts
of the Jeep Willys from the United States.
It originated in the period in which the
Philippines became a North American
colony (1898-1946), after having been
ceded by the Spanish Empire. The military
presence of the United States in the archi-
pelago increased during World War II asa
response to the threat of the Japanese
Empire in the Pacific. Japan eventually
occupied the country between 1942 and
1945, but prior to the invasion the Philip-
pines imported a massive amount of model
MB Jeeps and US artillery vehicles.
The jeepney rapidly became the ideal
transport for the unpaved streets of the
city. The Willys could expand to allow for
more passengers, and a long cover was
attached to adapt it to high tropical tem-
peratures and humidity. Over the years, the
body of the jeepney began to be decorated
with colorful designs, and today artisans
and street artists paint intricate ornamen-
tation on them, mixing different sources
from popular culture.
In her work, Taniguchi makes a sterile, clin-
ical recording of a completely new jeepney,
made from stainless steel, naked before
the camera, without kitsch or ornament.
Using a white background, and with elegant
framing and camera movement, the artist
converts the machine into a fetish object.
Sin ttulo (Motores Celestiales) Untitled (Celestial Motors)
2012 Video HD: 06:38 min. 2012 Video HD: 06:38 min.

154 / 155
Gustavo Toro
En 2014, el artista pereirano Gustavo
Toro recorri la costa ecuatoriana obser-
vando cmo sus habitantes resolvan las
necesidades bsicas de habitacin y sus-
tento. Al cruzar ambas prcticas cultura-
les not que en algunos casos resultaban
incompatibles: las condiciones del terre-
no llevaban a que el cultivo de una tierra
sumamente frtil amenazara la estabi-
lidad de las construcciones aledaas.
En sus recorridos, Toro encontr que
el poblado de Babahoyo confirmaba
este axioma y decidi representarlo en
la obra Son las aguas las que hacen la
ciudad. Tom fotograf as y construy
un grupo de estructuras replicando los
procedimientos estticos y arquitect-
nicos predominantes en el lugar. Con
el rigor geomtrico propio de varios de
sus proyectos, Toro construy bloques
de tierra poco consolidados, en algunos
casos pintados con franjas de color o
sostenidos por tablones de madera
intervenidos con el mismo patrn
cromtico. Los cimientos a la vista per-
mitan que se percibiera en ellos el paso
del tiempo: sobre unos se vea crecer
vegetacin, otros se desmoronaban.
Esta decisin daba cuenta de la
inestabilidad estructural de las cons-
trucciones de muchos de los habitantes
de comunidades ubicadas en lugares
escogidos ms por necesidad que por
viabilidad. Fue una intuicin que result
terriblemente confirmada dos aos
despus: en 2016 la poblacin sufri las
consecuencias de un fuerte terremoto.
Sin quererlo, su obra pas a convertirse
en un documento inesperado de la lucha
de la especie por separar uso funcional
de naturaleza.
In 2014, the Pereiran artist Gustavo Toro
traveled along the Ecuadorian coast to
observe how its inhabitants resolved their
basic needs for shelter and sustenance.
He noted that in some cases the two cul-
tural practices proved incompatible: the
condition of the terrain meant that the
cultivation of highly fertile soil threatened
the stability of neighboring constructions.
In his travels, Toro found that the village of
Babahoyo conformed to this axiom and he
decided to represent it in his work Sonlas
aguas las que hacen la ciudad [Waters
Make the City]. He took photographs and
built a group of structures that replicate
the aesthetic and architectural practices
predominant in the area. With his dis-
tinctive geometric rigor, Toro constructed
blocks of earth that barely held together, in
some cases painted with bands of color or
held up by planks of wood decorated with
the same chromatic pattern. The exposed
foundations show the passage of time:
on some of them vegetation grows, while
others fall apart.
This decision manifested the structural
instability of the constructions in many of
the communities located on sites chosen
more by necessity than viability. It was a
terrible intuition that was confirmed two
years later: In 2016 the village suffered
the consequences of a strong earthquake.
Without intending to, the work became an
unexpected document of the struggle of a
species to draw functional use from nature.
Son las aguas las que hacen la ciudad Waters Make the City 2016
2016 Fotografa e instalacin Photography and installation
Dimensiones variables 2.8 x 5.45 x 6 m. Dimensions Variable 2.8 x 5.45 x 6 m.

156 / 157
Ivan Tovar
Gran parte del trabajo del artista caleo
Ivan Tovar gira en torno a la valoracin
de los espacios y elementos usados por
los humanos para habitar diversos terri-
torios. Es as como, tras visitar una ladri-
llera artesanal en el pueblo vallecaucano
de Candelaria, not que el proceso de
mantener activo ese complejo demostra-
ba la imbricada relacin que existe entre
el fuego y la arquitectura. A partir de esta
constatacin dio inicio al proyecto Todos
los fuegos, el fuego, de donde procede
la obra Sin ttulo (Igl), una estructura
edificada con bloques de arcilla imper-
fectos e iluminada en su interior con un
bombillo de bajo voltaje.
A pesar de que en su forma transmite una
idea de proteccin y abrigo, al ser ela-
borada con material derivado de errores
industriales, la obra resalta las dificul-
tades de la labor constructiva. Con este
objeto, Tovar nos obliga a mirar hacia
nuestra deliberada omisin de la transi-
toriedad y fragilidad de los lugares donde
vivimos. As mismo, nos recuerda la frus-
tracin que sentimos cuando vemos caer
una construccin arquitectnica.
La forma de igl puede ser interpretada
en clave de crtica antropolgica pues,
como lo recuerda el crtico Breiner
Huertas, mediante la construccin de
una vivienda de hielo que habr de
desaparecer luego de ser abandonada,
los esquimales habitan sin alterar unos
territorios altamente dependientes de
la variacin climtica. As, al construir
una escultura con materiales que
aspiran a la permanencia, pero que
estn daados, Tovar recuerda nuestra
obsesin con la posesin del territorio,
para asentarnos y, de paso, devastarlo.
Much of the work of Ivn Tovar, from Cali,
gives value to spaces and elements used
by humans living in differing regions. That
focus led him to visit a handmade brick
maker in a town called Candelaria in the
Valle del Cauca department. There, he
noted that the process of conducting this
activity demonstrates the interwoven rela-
tionship between fire and architecture. The
experience became the start of the project
entitled Todos los fuegos, el fuego [All the
Fires, the Fire] which includes the piece
Untitled (Igloo), a structure constructed
from malformed blocks of clay and illumi-
nated inside by a low voltage light bulb.
Despite a shape that conveys the ideas of
protection and shelter, the works use of
material created through industrial errors
reveals the difficulties of constructive
labor. With this object, Tovar makes us
examine our deliberate omission of tran-
sience and fragility in the places where we
live, and reminds us of the frustration we
feel when we see an architectural struc-
ture collapse.
The form of the igloo can be interpreted
as a key to an anthropological critique.
As the critic Breiner Huertas reminds us,
through the construction of houses of ice
that will disappear after being abandoned,
the Eskimos thrive in regions that are
highly dependent on climatic variation
without altering their environment. By
constructing a sculpture with materials
that aspire to permanence but that are
damaged, Tovar alludes to our obsession
with acquiring territories in which to settle
and, ultimately, devastate.
Sin ttulo 2014-2016 Escultura e Untitled 2014-2016 Sculpture and
instalacin 1.9 x 2.75 x 2.75 m. installation 1.9 x 2.75 x 2.75 m.

158 / 159
Andrs Felipe Uribe
Las piedras rodantes del rocanrol (Los
ngeles Tour), de Andrs Felipe Uribe,
es un performance documentado del
desplazamiento f sico del artista junto
a dos piedras de ro que encontr en la
ciudad de Bogot. Siguiendo la referencia
al ttulo de una cancin del siglo pasado,
Uribe recorre con estos objetos la ciudad
de Los ngeles buscando atravesar varias
de las capas que definen a esa urbe como
una de las capitales del rock global.
En principio, Uribe quera redactar una
novela de iniciacin donde era fundamen-
tal su encuentro con algunos de los hitos
de su propia formacin. Viajar y constatar
eran acciones que traducan su afn por
robustecer los pivotes de su identidad
particular. Sin embargo, y por fortuna,
este plan se trunc. Al coincidir en su
recorrido con una manifestacin, un agen-
te de polica que vio al artista le exigi
recoger y guardar las piedras argumentan-
do que con ellas podra daar a alguien.
Sin atender a sus explicaciones, termin
obligndolo a interrumpir la produccin
de su pieza bajo amenaza de detencin.
Si se tiene en cuenta que durante el cierre
de la administracin Obama hay una
aguda activacin de la lucha de clases
en versin racista, y que la institucin
policial es altamente responsable de
ese fenmeno, este hecho supera la
ancdota para ser interpretado como un
contrapunto ideolgico ejercido sobre
dos objetos destinados inicialmente
a otra funcin. Al ser percibidas como
armas contundentes, las dos piedras
pasaron a representar un encuentro
fallido entre lo existencial y el control.
Las piedras rodantes del rocanrol (Los
ngeles Tour) [The Rolling Stones of Rock
n Roll (Los Angeles Tour)], by Andrs Felipe
Uribe, is a documented performance about
the physical displacement of an artist
along with two river rocks that he found in
Bogot. Following the titles reference to a
song from the last century, Uribe traveled
with these objects to the city of Los Ange-
les to visit several of the places that define
that metropolis as one of the global capi-
tals of rock music.
At first, Uribe wanted to write a novel of ini-
tiation based on his encounter with some
of the landmarks of his own development.
Travelling and seeing things for himself
are actions that arose from his desire to
reinforce changes in his own identity. How-
ever, luckily, this plan was cut short. When
his trip brought him to a protest, a police
officer saw Uribe and asked him to put
away the stones, arguing that he could hurt
someone with them. Without listening to
his explanations, the officer forced him to
interrupt the production of his piece under
the threat of detention.
If one considers the fact that during the
end of the Obama administration there
has been a sharp intensification of class
war with racist undertones, and that law
enforcement institutions carry much of
the responsibility, this act goes beyond
anecdote to function as an ideological
counterpoint exercised on two objects
that were initially destined for another
function. Taken as blunt weapons, the
two rocks came to represent a failed
encounter between existential explora-
tion and control.
Piedras rodantes del Rocanrol Los Angeles The Rolling Stones of Rock n Roll, Los Angeles
Tour 2015 Video performance e instalacin Tour 2015 Videoperformance and three
de video en tres canales y piedra de ro channel video-installation and river rock
0.9 x 4.4 m Videos: 86, 11:03 min, 10 seg. 0.9 x 4.4 m Videos: 86, 11:03 min, 10 sec.

160 / 161
Liliana Vlez
De la integracin de Ciruga (20062007)
y Pandeyuca (2016) surge Soberanas
(2016), una pieza que superpone dos
obras autnomas aunque conectadas
por una idea bsica: el cuerpo de la
mujer est para ser puesto sobre la
mesa. Y lo podemos poner ah para lo
que queramos, ya sea comrnoslo o
modelarlo, pues la mujer se mantiene
siempre pasiva, receptiva e, incluso,
agradecida de ser comida o transfor-
mada a voluntad, a voluntad de otros.
Por eso mismo resulta curioso que de
tal ejercicio de pasividad y subyugacin
pueda surgir algo que su autora titula
Soberanas, pues, dnde est la posibi-
lidad de soberana, an pequea, para la
mujer servida en la mesa del cirujano o
del comensal? Si la soberana se define
como el poder poltico supremo que
corresponde a un Estado independiente
o, al menos, como la alteza o exce-
lencia no superada en cualquier orden
inmaterial, solo podemos preguntar-
nos cul es aqu ese poder supremo, y
cules la alteza y la excelencia que se
desprenden de una pieza que nos lleva
al lmite del asco al hacernos partcipes
de un banquete en el que se nos ofrece
el proceso sdico de su elaboracin.
Liliana Vlez se ha puesto en cuestin a lo
largo de un hacer donde el performance
y la escritura se mezclan y, a veces, se
hacen indiscernibles. Su cuerpo, paciente
y yaciente, nos da de comer imgenes
dif ciles de tragar en un momento hist-
rico en el que el consumo indiscriminado
del cuerpo de la mujer debe hacerse fcil,
limpio y uniforme. Al poner en escena
el exceso y la brutalidad de un ejercicio
patriarcal abre una boca, no solo suya,
sino tambin de quienes comulgamos al
ver y comer ese cuerpo sacrificial que, al
menos momentneamente, se ha librado,
soberano, de nuestro deseo.
From the integration of Ciruga [Surgery]
(20062007) and Pandeyuca [Manioc
bread] (2016) comes Soberanas [Sovereign
Women] (2016), a piece that superimposes
two autonomous works connected by a
basic idea: womens bodies are made to
be served up on a table. We can put them
there for whatever we want, whether to
dine on them or sculpt them, and the
woman always remains passive, receptive,
and even grateful for being eaten or trans-
formed at will, the will of others.
But it is also strange that this exercise
of passivity and subjugation can emerge
from something that its author named
Sovereign Women. Where is the possibil-
ity of sovereignty, for the woman served
up on the table of the surgeon or dinner
guest?If sovereignty can be defined as
the supreme political power correspond-
ing to an independent state, or, at least,
as unsurpassed nobility or excellence in
an immaterial order, we can only ask our-
selves what supreme power is present here,
and what nobility or excellence manifests
itself in a piece that takes us to the limits
of disgust during a banquet which invites
us to participate in the sadistic process of
its creation.
Liliana Vlez has built a body of work that
combines performance and writing in a way
that often makes them indiscernible. Her
body, patient and reclined, feeds us images
that prove difficult to swallow, in a period
in which the indiscriminate consumption
of womens bodies has become easy, clean,
and uniform. In creating a scene of the
excess and brutality of the exercise of
patriarchy, she opens a mouth, not only
hers, but also that of those who receive the
communion of this sacrificial body that, at
least for a moment, has become sovereign,
free from our desire.
Soberanas 2016 Medios mixtos Sovereign 2016 Mixed media
Dimensiones variables 1.35 x Dimensions Variable 1.35 x
2.43 x 0.6 m. Video: 86:34 min. 2.43 x 0.6 m. Video: 86:34 min.

162 / 163
Apichatpong
Weerasethakul
En los ltimos aos, el nivel del agua del
ro Mekong ha fluctuado irregularmente
a lo largo del sudeste asitico. Varios
estudios han comprobado que la causa
principal es la construccin de plantas
hidroelctricas ro arriba, en territorio de
Laos y China. En esta fotograf a cinema-
togrfica, Weerasethakul, director de cine
y artista tailands, retrata a Power Boy
[Chico elctrico], un personaje imaginario
que emerge del ro Mekong. Esta figura
sirve para mostrar la crisis ambiental del
ro a travs de la capacidad de autogene-
racin de energa de su personaje, revela-
da en la siniestra imagen de los bombillos
que emanan de su cuerpo.
La atmsfera onrica de la imagen es repre-
sentativa de la esttica de Weerasethakul,
cuyo campo potico evoca complejidades
sociales a travs de un entrecruce de
narraciones introspectivas con represen-
taciones de la intimidad y de las creencias
en fantasmas, recurrentes en las culturas
del sudeste asitico.
Esta obra hace parte de una serie de
fotografas y cortometrajes titula-
dos For Tomorrow For Tonight [Para
maana, para esta noche], dedicados
a Jenjira Pongpas una de las actrices
de sus aclamados largometrajes,
quien vive a orillas del ro Mekong.
In the past several years, the water level in
the Mekong River has fluctuated irregularly
throughout Southeast Asia. Several studies
have confirmed that the principal cause is
the construction of hydroelectric plants
on the upper river, in Laos and China. In
this cinematographic photography, Weer-
asethakul, a Thai film director and artist,
portrays Power Boy, an imaginary character
who emerges from the Mekong river. This
figure portrays the environmental crisis
through his ability to generate energy,
revealed in the sinister image of light bulbs
that emanate from his body.
The dreamlike atmosphere is represen-
tative of the aesthetic of Weerasethakul,
whose poetic works evoke social complex-
ities through interwoven, introspective
narratives that represent intimacy and
belief in ghosts, recurrent themes in the
cultures of Southeast Asia.
This piece is part of a series of photographs
and short films entitled For Tomorrow for
Tonight, dedicated to Jenjira Pongpas, an
actress in his acclaimed full-length films,
who lives on the banks of the Mekong river.
Chico elctrico 2011 Impresin Power Boy 2011 Color digital print
digital a color 1.5 x 2.25 m. 1.5 x 2.25 m.

164 / 165
Ming Wong
La cultural tradicional china est fundada
en mitos como la leyenda de la diosa
Change, que reside en la luna que
podran considerarse ciencia ficcin. En
el guin, as como en su escenograf a, la
pera de Pekn y la cantonesa implemen-
tan conceptos y elementos arquitectni-
cos que sugieren la elasticidad del tiempo
y la transportacin de personajes hacia
pocas y universos paralelos, en parti-
cular en las piezas situadas en mundos
mitolgicos o sobrenaturales.
Este trabajo aborda el viaje a travs del
tiempo y la conquista del espacio dentro
del uso del paisaje en la ciencia ficcin y
la pera chinas del siglo XX.
La instalacin de Wong est estructurada
a partir de un panel de pantallas que
alude al cuarto de control de una nave
espacial. En cada monitor aparece un
texto que narra la truculenta historia de
la ciencia ficcin en China y una secuencia
de fragmentos de video en donde apare-
cen personajes femeninos representando
exploradoras del espacio.
El material audiovisual incluye novelas y
series sobre mitologa china, cine asitico
de ciencia ficcin y noticieros comunistas
narrando las ms recientes exploraciones
en el espacio a cargo de astronautas
chinos. La pieza, por lo tanto, indaga en
la idea de el futuro en la modernidad
china, conectando la tradicin con la
tecnologa, el mito con el progreso. Los
videos en las pantallas tambin transmi-
ten escenas de Solaris (1972) de Andrei
Tarkovsky y de Gravity (2013) de Alfonso
Cuarn, pelcula donde la astronauta
interpretada por Sandra Bullok vuelve a la
tierra a bordo de una nave espacial china.
Traditional Chinese culture is foundedon
myths that could be considered science
fiction, such as the legend of the goddess
Change, who resides on the moon. In their
scripts as well as their stage design, the
Peking and Cantonese operas implement
concepts and architectural elements that
suggest the elasticity of time and the trav-
eling of characters to parallel universes
and epochs, particularly in works situated
in mythical or supernatural worlds.
This work deals with time travel and space
conquest within the use of landscape in
science fiction and Chinese opera in the
20th century.
Wongs installation is structured as an
array of screens that alludes to the con-
trol deck of a spaceship. On the monitors,
several texts narrate the artful history
of science fiction in China alongside a
sequence of video fragments in which femi-
nine characters represent space explorers.
The audiovisual material includes novels
and television series about Chinese
mythology, Asian science fiction, and com-
munist reporters narrating recent space
exploration by Chinese astronauts. The
work investigates the idea of the future
in Chinese modernity, connecting tradi-
tion with technology, myth with progress.
The videos displayed on the screens also
include scenes from Solaris (1972) by Andrei
Tarkovsky and Gravity (2013) by Alfonso
Cuarn, a film in which an astronaut played
by Sandra Bullock returns to Earth on
board a Chinese spaceship.

2.
1. Ventanas sobre el mundo (parte 2) 2014
Video instalacin 24 monitores de video
1.6 x 4.5 x 0.75 m.
2. Ascensin al Palacio Celestial (III) 2015
Impresin digital 1.5 x 1 m.
3. Escenografa para una pera china de
ciencia Ficcin (I) 2015 Impresin digital
1.5 x 1.6 m.
1.
3.
1. Windows On The World (Part 2) 2014
Video installation 24 video monitors
1.6 x 4.5 x 0.75 m.
2. Ascent to the Heavenly Palace (III) 2015
Digital print 1.5 x 1 m.
3. Scenography for a Chinese Science Fiction
Opera (I) 2015 Digital print 1.5 x 1.6 m.
166 / 167
www.Interferencia-co.net
Interferencia es un grupo de trabajo
que investiga desde 2008 la manera de
combinar lgicas de produccin del arte
contemporneo y arte poltico con inter-
venciones en problemticas especficas.
Glosario de trminos { para la vida } es
un proyecto de larga duracin con el que
Jimena Andrade y Marco Moreno buscan
disminuir la carga de sentido comn que
ha lastrado varias palabras con poder
de movilizacin. Para ellos, es necesario
atender nuestra manera de usar algunos
conceptos dentro del campo artstico,
pues pierden efectividad al ignorar su
significado, su sentido original o el con-
texto donde se crearon.
Al margen del mercado corporativo y
analizando su enorme y gravosa influen-
cia sobre los modos de actuar en la vida
cotidiana, la versin del Glosario, en este
Saln Nacional, se estructura en torno
a la idea de resistencia. Para hacerlo,
ampla el uso de esta nocin no solo
como respuesta ante la alienacin deri-
vada de la permanente promocin de un
nico modo de consumir, sino que busca
nuevas articulaciones de sentido.
Junto con la definicin hay varias dinmi-
cas de accin: se identifican actores, se
establecen nuevas redes o se muestra
cmo se han configurado otras en torno
a intereses especficos. Este proyecto
llama la atencin sobre la constante ree-
valuacin de los objetivos de cualquier
toma de postura; sobre todo, porque
Interferencia entiende que una buena
idea, si verdaderamente es buena, ser
fcilmente cooptada por su contrario.
Interferencia is an art collective that, since
2008, has investigated ways of combining
the logistics of the production of contem-
porary and political art with interventions
in specific problems. Glosario de trminos
{... para la vida ...} [Glossary of Terms {...
For Life...}] is a long-term project in which
Jimena Andrade and Marco Moreno seek
to combat the everyday dulling that has
undermined various words with the power
of mobilization. For them, its necessary
to pay attention to how we use various
concepts in the artistic field, as they lose
effectiveness if we ignore their meaning,
original sense, or context.
At the margins of the corporate market, and
analyzing its enormous and cumbersome
effect on ways of acting in daily life, the
version of Glosario featured in the National
Salon is structured around the idea of
resistance. In this work, they amplify this
idea as a response to the alienation that
comes from being exposed to the constant
promotion of a single way of consumption,
while also searching for new articulations
of meaning.
Along with definitions, there are various
dynamics of action: actors are identified,
new networks are established, or it is
demonstrated that others have sprung up
corresponding to specific interests. This
project calls attention to the constant
reevaluation of the objectives of any
stance one may take; above all, because
Interferencia understands that a good idea,
if it truly is good, will easily be co-opted by
its opposite.
Glosario de trminos {...para la vida...} Glossary of Terms { for Life} 2011-2016
2011-2016 Videoinstalacin Dimensiones Video installation Dimensions Variable
variables 2.8 x 5.62 x 2.4 m. Video: 53 min. 2.8 x 5.62 x 2.4 m. Video: 53 min.

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Sonnia Ypez
Esta artista cartaguea propone sus
obras como tropezones ontolgicos.
Mediante una cuidadosa produccin de
piezas escultricas se interpone entre la
representacin fidedigna de los objetos
(por ejemplo, una bomba de hule ela-
borada en vidrio que solo sirve para ser
vista) para quitarles la posibilidad de uso
cotidiano (por ejemplo, un ladrillo converti-
do en ficha diminuta y solitaria de juego de
armar). Lo hace porque sabe que muchos
de nosotros solo nos relacionamos con los
objetos cuando nos sirven para algo.
En Llanta, la artista da una nueva vuelta
de tuerca. A partir de un original que
haba sido desechado por haber cumplido,
precisamente, su ciclo productivo, replic
un objeto sin finalidad especfica, frgil
y que exige cuidado. Basndose en su
capacidad para entender e imitar superfi-
cies y texturas, Ypez rescat tres llantas
de la basura, las model en cermica
y las mont segn se disponen en los
anuncios de locales de despinchado no
corporativos. Como marco conceptual de
esta serie de pasos, tuvo en mente los
aportes que extrajo del mejor Baudrillard
para ponerlos en un nuevo contexto.
A partir de esta operacin, la artista
pudo comprender que escoger un objeto
en desuso implica entonces pensar en
los terrenos que recorri, para poder ser
construido por los mismos, sin llegar a dis-
torsionar [su] realidad visual [], por [ello]
la obra manifiesta un sin fin de construc-
ciones y conquistas hechas por el hombre,
reconociendo que son pocos los espacios
donde el hombre no ha llegado a construir.
This artist from Cartago posits her workas
a series of ontological stumblings.She
carefully produces sculptural pieces that
intervene in the reliable representation of
objects (a rubber pump madeof glass that
only exists to be looked at) to denythe
possibility of regular use (a brick converted
into a tiny, solitary childrens construction
block). She does this because she knows
that many of us only relate to objects that
serve us in some way.
In Llanta [Tire], the artist turns again to this
practice. Using an original object that has
been thrown away because it was worn out,
its useful life finished, she replicates an
object with no specific purpose, one that
is fragile and demanding of care. Relying
on her capacity to understand and imitate
surfaces and textures, Ypez rescued three
tires from the trash, modeled them in clay,
and mounted them in the manner of adver-
tisements for local tire shops. As a base
concept for this series of steps, she kept in
mind the contributions that she took from
Baudrillards best work, and put them in a
new context.
Through this operation, the artist under-
stood that choosing an object in disuse
causes one to think about the terrain it has
traversed, and which shaped it without
distorting its visual reality [...] the work
unintentionally manifests the construc-
tions and conquests made by men, and
recognizes that there are few spaces where
man hasnt managed to build.
Llanta 2016 3 piezas de cermica Tire 2016 3 ceramic pieces Dimensions
Dimensiones variables 65 x 50 x 50 cm Variable 65 x 50 x 50 cm

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Tatyana Zambrano
Roberto Ochoa
El 2016 empez con una promesa de paz
que casi podamos tocar. Pocas dudas que-
daban de que 42 aos de guerra contra las
FARC por fin daran paso a otras historias y
a nuevas miradas sobre un pas reducido a
una pelcula en la que siempre este grupo
guerrillero tena el papel antagnico.
Pensando entonces en que otro sol iba
a brillar, Tatyana Zambrano y Roberto
Ochoa empezaron a trabajar a partir de
un correo de Tatyana a Timochenko, en el
que le ofreca sus servicios de diseo para
darle a las FARC una nueva imagen, acorde
con los nuevos tiempos en una serie de
piezas visuales, mercancas y productos
para este grupo guerrillero en trance de
convertirse en movimiento poltico.
Compaeros, yo me encargo! (2016) es el
resultado de ese trabajo. En una oficina
a duras penas instalada, con el gusto sin
gusto de algn sindicato o del espacio de
trabajo de algn viejo dignatario del PC,
una serie de coloridos productos visuales,
prototipos, correcciones y pruebas tratan
de materializar nuevas representaciones
para ese pas que, a comienzos de este
ao, tuvo la oportunidad de tener un gru-
po guerrillero menos.
Solo una arqueologa del porvenir nos dir
qu es esta obra de Zambrano y Ochoa,
hoy en el limbo de ser entendida como el
ejercicio de una posibilidad de transfor-
macin poltica en un punto de quiebre en
la historia nacional o, dependiendo de las
contingencias del poder, como una simple
ficcin distpica.
2016 began with a promise of peace that we
could almost touch. Little doubt remained
that after 42 years of war against the
FARC, there would be new narratives and
outlooks concerning this country, whose
history has been reduced to a movie in
which the guerrilla group always takes the
role of the villain.
Thinking that a new sun was going to rise,
Tatyana Zambrano and Roberto Ochoa
started to work through an email from
Tatyana to Timochenko in which they
offered their design services to give the
FARC a new image in accordance with
the new times on a series of visual
pieces, merchandise, and products for this
guerrilla group in a critical moment of con-
verting itself into a political movement.
Compaeros, yo me encargo! [Comrades,
Ill Take Care of It!] (2016) is the result of
this work. In a barely furnished office, with
the tasteless taste of a union or some
old Communist Party dignitary, a series of
colored visual products, prototypes, drafts,
and experiments attempt to manifest new
representations for this country that, at the
beginning of this year, had the opportunity
to have one guerrilla group less.
Only an archeologist from the future could
tell us the nature of this work by Zambrano
and Ochoa. Today it is in a limbo between
being understood as the exercise of the
possibility of political transformation at
a breaking point in national history, or,
depending on the contingencies of power,
as a simple distopian fiction.
Compaeros, YO ME ENCARGO! 2016 Comarades, ILL TAKE CHARGE! 2016
Instalacin 2.6 x 5.26 x 2.6 m. Installation 2.6 x 5.26 x 2.6 m.

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Sergio Zevallos
Al igual que en Colombia, el paisaje cul-
tural de los aos ochenta en Per estuvo
marcado por la guerrilla, la represin
poltica, y los tentculos del narcotrfico.
A lo ancho del pas se implement una
poltica de terror dirigida hacia las
poblaciones rurales, mayoritariamente
amerindias. En respuesta a los actos de
violencia sdica que aparecan a diario en
los peridicos, este trabajo realizado por
Zevallos con el Grupo Chaclacayo junto
con Helmut J. Psotta y Ral Avellaneda
contesta desde el arte.
Durante esta poca el colectivo se mud
a una casa abandonada en el distrito
Chaclacayo en las afueras de Lima. Se
trataba de un gesto de afirmacin de
su identidad marginal, libre de la vida
metropolitana y de la escena artstica
burguesa y heteronormativa. El Grupo
Chaclacayo produjo una esttica experi-
mental usando el cuerpo de los artistas y
entremezclando iconoclastia, blasfemia,
ritual, sexualidad y travestismo. Aunque
sus trabajos tenan un componente signi-
ficativo de performance, sus ambientacio-
nes y recreaciones de escenas fueron
pensadas para ser fotografiadas. Nunca
existi una audiencia y, an hoy, en cada
imagen se siente la clandestinidad, el
miedo y la ansiedad.
El nombre de esta serie de fotograf as
proviene de Santa Rosa de Lima, una
mujer que muri en 1617 a los treinta
y un aos, obsesionada por lograr la
pureza de su alma a travs del maltrato
de su cuerpo. Hoy en da es patrona de la
Polica Nacional del Per, institucin que
sistemticamente ha abusado de cuerpos
a lo largo de la historia moderna del pas.
Much like in Colombia, the cultural land-
scape of the 1980s in Peru was marked
by guerrilla warfare, political repression,
and the tentacles of the drug trade. The
politics of terror were implemented
across the country, directed at the mostly
indigenous rural population. As a reaction
to the daily sadistic acts of violence fea-
tured in the newspapers, Zevallos worked
with the Grupo Chaclacayo, which also
includes Helmut J. Psotta and Ral Avella-
neda, to compose an artistic response.
During this period the collective movedto
an abandoned house in the Chaclacayo
district on the outskirts of Lima to
createa gesture of affirmation of their
marginal identity, free from metropolitan
life and the bourgeois, heteronorma-
tive art scene. The Grupo Chaclacayo
made use of their bodies to produce an
experimental aesthetic that combined
iconoclastic imagery, blasphemy, ritual,
sexuality, and cross-dressing. Even
though their works had a significant per-
formance component, their mise en scne
and recreations of scenes were planned
as photographs. The works were created
without an audience, and even today, one
can sense the secrecy, fear, and anxiety in
each image.
The name of this series of photographs
comes from Santa Rosa de Lima, a woman
who died in 1617 at the age of thirty-one,
obsessed with purifying her spirit through
the mistreatment of her body. Today
she is the patron saint of the Peruvian
National Police,an institution that has
systematically abused the bodies of
others throughout the modern history of
the country.
Rosa Cordis 1986 (reedicin de 2016)
Impresin digital a color 18 fotografias
cada una 50 x 37 cm Performers: Frido
Martn y Sergio Zevallos Fotgrafos: Sergio
Zevallos, Ral Avellaneda Obra realizada
dentro del proyecto Grupo Chaclacayo
Rosa Cordis 1986 (2016 edition) Digital
color print 18 photographs each: 50 x
37 cm Performers: Frido Martn and Sergio
Zevallos Photographers: Sergio Zevallos,
Ral Avellaneda Work made under the
Chaclacayo Group Project
174 / 175
Curaduras invitadas

Para complementar la exposicin realizada por el equipo

curatorial, el Saln cont con tres curaduras, una seleccionada
por convocatoria (Todo lo que tengo lo llevo conmigo, de
Ximena Gama y Pamela Desjardins) y dos invitadas (Proyectos
y proyecciones con nuestros antepasados, de La Usurpadora, y
Filognesis de la posesin, de Warren Neidich y el colectivo caleo
Helena Producciones).

As a complement to the exhibition made by the curatorial team,

the Salon included three more exhibits: one selected in an open
call (All That I Have I Carry With Me, by Ximena Gama and Pamela
Desjardins), and two invited directly (Projects and Projections with
my Ancestors, by La Usurpadora, and Philogenesys of Possession,
by Warren Neidich and the Cali-based collective Helena
Producciones).
Proyectos y proyecciones
con mis antepasados
Projects and Projections with
my Ancestors

Una curadura de La Usurpadora en la galera de la Alianza Francesa

Curated by La Usurpadora at the Alianza Francesa gallery

Algunas de las investigaciones de La
Usurpadora buscan recuperar artistas
influyentes del Caribe colombiano, cuyos
aportes en el campo de las artes durante
su perodo de actividad no han sido estu-
diados a profundidad o han terminado
siendo desconocidos dentro de la historia
oficial del arte en Colombia.
Esta exposicin propone un dilogo
a partir de la estrecha relacin de
amistad y trabajo que sostuvieron dos
de los pioneros del performance en el
pas: lvaro Herazo (Cartagena, 1942 -
Barranquilla, 1988) y Alfonso Surez
(Mompox, 1952), en las dcadas de los
aos setenta y ochenta en Barranquilla.
Considerado uno de los artistas
conceptuales ms importantes de la
regin Caribe, terico y crtico de arte, y
fundador del Grupo 44*, Herazo surgi
de una tradicin acuarelista aunque no
tard en dar un giro conceptual a su
trabajo. En este primer momento, con la
fotografa como soporte principal, abord
a plenitud las nociones de territorio y
paisaje, temas recurrentes que explor en
obras de carcter sutil en su realizacin,
pero con fuerte carga conceptual.
* Conformado por lvaro Herazo, Eduardo Hernndez,
Delfina Bernal, Ida Esbra, Vctor Snchez, Anne Ber-
trand, Fernando Cepeda y Christiane Leseur.
Los sueos del viajero (1978), Traveling
(1979), I want to be a map (1979) y Changing
the landscape (1979), son obras que dejan
ver su formacin como arquitecto y su
gran inters en el urbanismo. Ese primer
perodo de su produccin culmina con una
de sus obras ms interesantes, Proyecto
para sellar el mar (1981), con la que
particip en el mtico Coloquio de Arte no
Objetual, realizado en Medelln en 1981.
Es necesario entender que Herazo no se
limit a la creacin de ciudades utpicas,
a la exploracin de los no lugares o al
uso recurrente de mapas para trabajar su
idea del territorio y el paisaje como lo
hace en Mapa para estar en dos lugares
a la vez (1980). Quizs motivado por su
fugaz formacin en el teatro, llev estas
inquietudes a su propio cuerpo para
hablar dela construccin de ambientes
desde un lugar mental, como sucede en
Tierra sagrada (1981), o desde su ser nti-
mo, como en Bosque interior (1980).
A comienzos de los ochenta, la obra de
Herazo se encamina hacia las acciones
y el performance, entablando un di-
logo con el trabajo de Alfonso Surez,
quien en ese entonces colabor con
algunos de sus performances como
en Reporter con interferencia (1982)
e Informacin es Poder (1983).
En ese mismo periodo, Surez trabajaba
en otros performances en los que
Some of the investigations of La Usur-
padora [The Usurper] attempt to rescue
influential Caribbean artists from oblivion,
highlighting contributions to the field of
arts that have not been studied in depth,
or that have been ignored by the official
history of Colombian art.
This exhibition proposes a dialogue
based on the close personal and work-
ing relationship between lvaro Herazo
(Cartagena, 1942 Barranquilla, 1988) and
Alfonso Surez (b. Mompox, 1952), two
pioneers of performance art in Colombia
who coincided in Baranquilla during the
1970s and 1980s.
Herazo, regarded as one of the most
important conceptual artists of the
Caribbean and as a prominent theorist,
art critic and founder of the Grupo 44*,
began his career as a traditional water-
color artist, although his work took a
conceptual turn. At that early stage, with
photography as hismain medium, he fully
immersed himself in notions of territory
and landscape, recurrent themes which he
explored in works with a subtle materiality
but a strong conceptual charge.
Los sueos del viajero [The Dreams ofthe
Traveler] (1978), Traveling (1979), IWant to
* Composed of lvaro Herazo, Eduardo Hernndez,
Delfina Bernal, Ida Esbra, Vctor Snchez, Anne Ber-
trand, Fernando Cepeda and Christiane Leseur.
be a Map (1979) and Changing the Land-
scape (1979) are works that revealhis
training as an architect and strong
interest in urbanism. That early stage of
his career culminates in one of his most
interesting works, Proyecto para sellar el
mar [Project to Seal the Sea] (1981), shown
at the legendary exhibition Colloquium on
Non-Objectual Art, held in Medelln in 1981.
It is important to point out that Herazo
didnt limit himself to the creation of uto-
pian cities, the exploration of non-places
or the recurrent use of maps to express
his idea of territory and landscape, which
are present in Mapa para estar en dos
lugares a la vez [Map for Being in Two
Places at the Same Time] (1980). Moti-
vated perhaps by his brief training in
theater, he incorporated these concerns
and expressed them on his own body to
speak of the construction of environments
based on mental spaces, as in Tierra
sagrada [Holy land] (1981), or on his per-
sonal experiences, as in Bosque interior
[Inner Forest] (1980).
At the beginning of the 1980s, Herazos
work turned towards performances,
engaging in a dialogue with the work of
Alfonso Surez, who, at that time, collabo-
ratedon some of his works, like Reporter
con interferencia [Reporter with Interfer-
ence/ Jamming] (1982) and Informacin es
Poder [Information is Power] (1983).
180 / 181
abordaba la problemtica ambiental,
tomando el ro Magdalena y su influencia
en la zona como eje central en obras que
reflexionan acerca de la transformacin
del paisaje rural. As, en Desconcierto
(1982) y en Concierto Desconcierto (2003
- presente) encarna a un explorador de
zonas de alta polucin en los afluentes
del casco urbano de Barranquilla, donde
interpreta composiciones con el clarinete
y la gaita para, gracias a las propiedades
descontaminantes y armonizadoras de la
msica, purificar su entorno.
Esa misma inquietud se ve luego en
Pesadillas de un Hombre Rana (1992),
performance en el que realiza la meta-
morfosis hombre/rana como mtodo de
adaptacin y sobrevivencia.
Esta etapa de su trabajo ha resultado
poco estudiada, quizs por el xito de
su serie Visitas y apariciones, en la que
personificaba al doctor Jos Gregorio
Hernndez, y que fue premiada en el XXXV
Saln Nacional de Artistas (1994).
En Proyectos y proyecciones con mis
antepasados puede verse cmo Herazo y
Surez abordan, desde visiones muy dis-
tintas, problemticas similares, entendin-
dolas como parte de un dilogo que inclu-
ye la forma en que ellos se ven y entien-
den a s mismos, su propia construccin
del territorio y la manera en que esta
influye su forma de convivir dentro de l.
In the same period, Surez worked on
other performances centered on environ-
mental problems, using the Magdalena
River and its area of influence as the main
theme of works that contemplated the
transformation of the rural landscape.
Thus, in Desconcierto [Bewilderment]
(1982) and Concierto Desconcierto [Confu-
sion Concert] (2003-present) he embodies
an explorer of highly polluted areas in the
tributaries of the urban area of Barran-
quilla, where he plays clarinet and gaita
pieces, trying to garner the purifying and
harmonizing power of music to cleanse
the environment.
The same concern is later seen in Pesadil-
las de un Hombre Rana [Nightmares of a
Frog Man] (1992), a performance in which
he metamorphoses from man into frog as
a method of adaptation and survival.
This stage of his work has been studied
very little, perhaps because of the success
of his Visitas y apariciones [Visits and
Apparitions], a series where he personifies
Jos Gregorio Hernndez, a legendary
Venezuelan doctor who combined ortho-
dox medicine with faith healing, and which
received a prize at the 35th edition of the
National Salon of Artists in 1994.
Projects and projections with my ances-
tors shows how Herazo and Surez
approached similar problems from very
different angles, understanding themas
part of a dialogue which included the
way in which they saw and understood
themselves, their own construction of the
territory and the way it influenced their
way of living within it.
182 / 183
184 / 185
lvaro Herazo
Alfonso Surez
La obra de lvaro Herazo toma un carcter
fuertemente conceptual en la segunda
mitad de la dcada de los aos setenta.
El uso de geografas fantsticas, ciudades
utpicas y la transformacin del paisaje
a travs del foto-conceptualismo estn
muy presentes en sus primeros trabajos,
en los que se aleja de forma definitiva de
la tradicin acuarelista, a la que perte-
neci inicialmente.
Hay que recalcar que su gran aporte no
fue solo desde el conceptualismo. Herazo
y Surez fueron algunos de los llamados
pioneros del arte de accin o perfor-
mance a principios de los aos ochenta.
Performances como Reporter con interfe-
rencia (1982) e Informacin es poder (1983)
pueden ser vistos hoy en da como obras
primerizas de lo que una dcada despus
Bourriaud definira como arte relacional,
trmino desconocido en aquel entonces.
lvaro Herazos work acquired a con-
ceptual nature in the second half of the
nineteen-seventies. The use of imaginary
geographies, utopian cities, and the
transformation of the landscape through
photo-conceptualism are present in the
first works in which he firmly distanced
himself from the traditional watercolor
painting that he practiced initially.
It must also be noted that conceptualism
has not been his only major contribution.
Herazo and Surez are among the pioneers
of action or performance art in the early
eighties. Performances such as Reporter
con interferencia [Reporter with inter-
ference] (1982) and Informacin es poder
[Information is power] (1983) can be seen
today as seminal works in the vein of what
Bourriaud defined a decade later as rela-
tional art, an unknown term in that period.
Proyecto para sellar el mar 1981
Fotograf a color (2 piezas), c/u 40 x
50 cm, y dos bultos de cemento con
una cinta impresa. Coleccin Museo
de Arte Moderno de Medelln.
Project to Seal the Sea 1981
2 color photographs, each 40 x 50
cm, with two labeled bags of cement.
From the collection of the Museo
de Arte Moderno de Medelln.
186 / 187
El trabajo de Surez, desde sus inicios,
ha tenido como soporte el uso de su
cuerpo. Sus primeros trabajos perfor-
mticos resultan de claro contenido
ambiental, cuestionan ciertos cambios
en el paisaje y en el territorio que habita,
a causa de la intervencin del hombre
sobre la naturaleza.
Ms adelante Surez se interesa por
las tradiciones populares y lo religioso,
personificando ngeles y santos. En este
perodo establece una conexin mucho
ms fuerte con sus races momposinas,
altamente catlicas; se apropia de ellas
para subvertirlas en su proyecto ms
conocido, en el que personifica al doctor
Jos Gregorio Hernndez, uno de los
santos ms queridos dentro del universo
espiritual de la cultura popular.
Surezs work, since the beginning, has
been based on the use of his body. His
first performance works were decidedly
environmental. They questioned certain
changes in the land that he inhabited,
which were caused by mans intervention
in nature.
Later, Surez became interested in
popular traditions and in religion, per-
sonifying angels and saints. During this
period, he established a much stronger
connection with his Momposino roots (the
municipality of Mompox is in the northern
department of Bolvar).In his best-known
project, he appropriates the heavily
Catholic Momposina tradition to subvert it
by personifying the doctor Jos Gregorio
Hernndez, one of the most beloved saints
in the regional spiritual tradition.
Desconcierto 1981 Registro Fotogrfico. Disconcert 1981 Photographic
Serie de 6 Fotografas C/u: 20 x 25 cms. documentation. Series of 6 photographs
Coleccin del artista Each: 20 x 25 cms. Artists collection

188 / 189
Todo lo que tengo lo llevo conmigo
All That I Have I Carry With Me

Una curadura de Pamela Desjardins y Ximena Gama en la sala de

exposiciones del Centro Colombo Americano

Curated by Pamela Desjardins and Ximena Gama at the exhibit hall

of the Centro Colombo Americano
Esta muestra se configura como un ejer-
cicio de arqueologa de la memoria pero
tambin de arqueologa del presente. Es
una exploracin que rescata los espacios
ntimos, domsticos y comunitarios que
hacen parte de una escena ms grande
y que determinan lo que fuimos y lo que
somos. La puesta en escena y cada uno
de los objetos nos ofrecen seales sobre
cmo establecemos, a travs de su pose-
sin y de su uso, una relacin con el otro;
en otras palabras, nos permiten hablar de
comunidad, tiempo y territorio.
Hoy la exposicin se abre a un recorrido
que trae de regreso el espiral construido
por Mara Teresa Hincapi. De all parte y
all termina. Son diferentes maneras de
ordenar aquello que tenemos y de generar
un relato de lo privado a lo pblico. En el
sentido estricto de la palabra, las cosas
que se presentan en esta muestra no exis-
ten y, sin embargo, aparecen en toda su
materialidad: la imagen documental de un
barrio, la casa de madera que fue recons-
truida desde el recuerdo, los objetos per-
didos e imaginados de una casa quemada,
un archivo de avisos clasificados y el
interior de un cuarto.
Cada uno de estos momentos se convierte
en la exploracin de un universo de la
memoria y del deseo, pero tambin en
el intento de enunciacin de un pasado
y de un presente imaginado. Aqu, estas
imgenes se desfasan de su mbito
ntimo y personal y trazan un mapa de una
historia colectiva difcil de nombrar y que,
en ocasiones, ha estado atravesada por
situaciones de violencia, trauma y, sobre
todo, de silencio. Por eso, retomando las
palabras que Herta Mller pronunci en
una entrevista: la nica manera que que-
da para hablar de s mismo es describien-
do las cosas de uno, las cosas concretas.
Es decir, en la materialidad de los objetos
estara el lugar de la resistencia.
This exhibit stands as an exercise in the
archaeology of memory, but also the
archaeology of the present. It is an explo-
ration that recovers intimate, domestic
and communal spaces, which make up
a larger scene and determine what we
have been and still are. The staging and
selected objects provide us with signals
about how, through their possession and
use, we establish relationships with the
Other; that is, they allow us to speak of
community, time and territory.
The exhibition opens onto a journey which
brings back Mara Teresa Hincapis spiral. and, above all, silence. For that reason,
It starts from there and there it ends. It
shows different ways of arranging whatwe
have and creating a public story about
our private realms. In a strict sense, the
things presented in this show do not exist,
but they nevertheless appear in all their
materiality: a documentary picture of a
neighborhood, a wooden house rebuilt
from memory, the lost or imagined objects
of a burnt house, an archive of classified
ads, and the interior of a room.
Each moment turns into the exploration of
a universe of memory and desire, but they
are also attempts to enunciate a past and
an imagined present. Here, these images
are out of phase with their intimate and
personal dimensions and trace a map of a
collective story that is difficult to describe
and that, on occasion, has been criss-
crossed by situations of violence, trauma
we go back to Herta Mllers words from
an interview: the only way to speak of
oneself which remains to us isto describe
ones things, concrete things. In other
words, one can find a place of resistance
in the materiality of objects.
192 / 193
Juliana Gngora
Juliana Gngora tiene tres recuerdos
de la casa en el Tolima donde vivieron
su abuelo y su padre, y donde pasaba
temporadas de su infancia: los mosquitos
que la asediaban, la mecedora de plstico
en la que se sentaba, y la puerta del patio
donde vea pasar los perros y las vacas. Los
recuerdos de su padre eran otros: su catre,
pero tambin la cuja de su abuelo, donde
dorma todas las noches, un tipo de cama
artesanal forrada de cuero comn para
conservar la frescura en climas calientes.
Gngora realiza una rplica de la cuja de
su abuelo. Teje una sbana con granos de
arroz que da cuenta de la laboriosidad y
de una agricultura que cubre un cuerpo
ausente y, finalmente, a travs de un video,
deja ver el interior de una habitacin en
donde solo es posible percibir el paso del
tiempo a travs del sonido ambiente y de
algunos reflejos de luz sobre sus muros.
La austeridad del descanso de su abuelo
contrasta, en este caso, con el tiempo
de su labor diaria por ms de seis meses
en los que teji la sbana que la cubre.
La memoria funciona ac de manera
ambigua: por un lado afirma que esta casa
campesina le ha dado insumos para hacer
su obra, pero, a su vez, es un relato en el
tiempo sobre esas otras vidas, la de su
padre y la de su abuelo. La obra tambin
le permite hablar sobre los quehaceres
ms cotidianos del trabajo en general y, en
particular, sobre la labranza de la tierra o
las tareas asociadas a lo femenino, como
la costura, el bordado y el tejido. Los
proyectos de Juliana Gngora evidencian
siempre esto, un trabajo dispendioso
y delicado, con la pregunta latente por
el tiempo y el hacer del da a da.
Juliana Gngora has three memories of
the house in Tolima where her father lived,
and where she spent several seasons
in her childhood: the mosquitoes that
constantly laid siege to her, the plastic
rocking chair where she sat, and the patio
door where she watched the passing
dogs and cows. Her fathers memories
were different: his little cot, but also the
cuja, a simple bed where his own father
slept, covered in leather to keep cool
in the hot climate.
Gngora has built a replica of her grand-
fathers bed. She has knitted a sheetwith
grains of rice that give testimony to the
industriousness and the agricultural
virtues that cover an absent body. Finally,
through a video, she reveals the interior
of a room where the passage of time is
perceived only through background noise
and some reflection of light on its walls.
The austerity of the bed where her
grandfather rested contrasts, in this
case, with the time she spent every day
for more than six months knitting the
covering sheet.
Memory functions ambiguously here:
on one hand, it states that this farm
house has given her material to make
her work, but, on the other hand, it is a
portrait in timeof these other lives, those
of her father and her grandfather. The
piece also allowsher to speak in general
about the most quotidian chores, and, in
specifically about agricultural labor or
tasks associated with femininity, such as
sewing, embroidering, and knitting. Juliana
Gngoras projects always give evidence
to this, a prodigal and delicate way of
working, with a lingering question about
time and the day-to-day.
Vista general de Cuja y Puerta (en la pared).

1. Cuja 2015-2016 Cuja, madera, 1. Cuja 2015-2016 Cuja, wood, cow

cuero de vaca, arroz, hilo Cuja: 110 leather, rice, thread Cuja: 110 x
x 180 cm. Sbana: 80 x 200 cm. 180 cm. Sheet: 80 x 200 cm.
2. Puerta 2015-2016 Video: 3:02 min. 2. Door 2015-2016 Video: 3:02 min.

196 / 197
Mara Teresa Hincapi
Sobre las cosas de hace 26 aos
(On the events of 26 years ago).
La accin dur 18 das. En uno de los espa-
cios de Corferias y durante jornadas de
ocho horas, Mara Teresa Hincapi sacaba
de bolsas cosas comunes y corrientes y
las alineaba en una especie de laberinto o
espiral. Con esta obra gan el primer pre-
mio del Saln Nacional de Artistas en 1990.
Justo despus de una de sus presentacio-
nes le hicieron una entrevista donde le
preguntaron si su performance le hablaba
a la mujer, una inquietud bastante normal
si consideramos que la accin poda pen-
sarse como la labor de una mujer artista
que ordenaba objetos de su intimidad.
Sin embargo, ella se deslig por completo
de esta posicin e incluso dijo, de manera
bastante contundente, que la obra tam-
bin le hablaba a los hombres. Qu quera say by that? Why was she so concerned
decir con eso? Por qu su afn de evadir
una lectura que en ese momento tambin
abri un espacio de crtica sobre el campo
de la mujer en la esfera pblica del arte?
Veintisis aos despus es necesario
sealar que esta es una accin que tiene la
ausencia de su cuerpo. Es decir, protago-
nista aqu es lo que ya no est, aquello que
solo es posible transmitir desde el registro.
En esta lejana vuelve a tener sentido su
reticencia inicial. En ltimas, se trata de un
performance que hace presente de manera
directa el orden de lo privado en lo pblico.
La accin de Hincapi abre preguntas
sobre lo cotidiano, sobre el tiempo de
la intimidad, pero tambin el de la labor
y el trabajo; sobre la carga simblica e
inherente a los objetos en nuestras vidas.
Sobre todo, abre una pregunta en torno a
los modos de habitar los espacios desde
otros lugares polticos que son construidos
desde la subjetividad, un habitar que
tiene un lugar y un discurso en el cuerpo,
la memoria, el deseo y la imaginacin.
The action lasted for eighteen days. In an
area of the Corferias Convention Center, in
eight-hour sessions, Mara Teresa Hincapi
pulled common, everyday objects from
bags and lined them up in a kind of maze
or spiral. With this work, she won first
place at the National Salon of Artists in
1990. Directly after one of her presenta-
tions she gave an interview where she
was asked if her performance was about
women, a normal question considering
that the performance could be seen as
the labor of a woman artist arranging her
domestic objects.
However, she completely denied this and
even bluntly stated that the piece also
spoke about men. What did she meanto
with avoiding an interpretation that, at
that time, also opened a critical space for
the discussion of the role of women in the
public sphere of art?
Twenty-six years later, its necessaryto
clarify that this is an action in which
her body is absent. That is to say, the
protagonist here is that which is nothere
anymore, that which can only be transmit-
ted through records. In this remoteness,
her initial reticence makes sense again.
Ultimately, this performance directly
produces the private order of things in a
public space.
Hincapis action raises questions about
daily life, about times of intimacy, but
also about labor and work, and about
the inherent symbolic weight of objects
in our lives. Above all, it raises questions
about how we politically inhabit spaces
based on our subjectivity, which allows
an inhabiting that takes place and creates
a discourse that includes body, memory,
desire, and imagination.
Una cosa es una cosa 1990 Documentacin
en video de performance, XXXIII Saln
Nacional de Artistas, Colcultura Duracin:
22:52 min. Crdito video: Santiago
Zuluaga Cortesa Galera Casas Riegner
A Thing is a Thing 1990 Video
documentation of performance, XXXIII
Saln Nacional de Artistas, Colcultura
Duration: 22:52 min. Video: Santiago
Zuluaga Courtesy of Galera Casas Riegner
198 / 199
Catalina Jaramillo
El 16 de febrero de 1993 fue incendiada
una casa en Medelln. Tras casi veinte
aos de permanecer el predio abando-
nado, tuve la oportunidad de recorrer
lo que quedaba de ella y recolectar
fragmentos de platos, vasijas, botellas,
floreros. Mi intencin, a la manera de un
arquelogo, era reconstruir los utensilios
a partir de estos pedazos. Quera dar
cuenta de la vida que habit el lugar.
Tras un evento violento, el tiempo de la
cotidianidad y la rutina se quiebra. En este
caso, un incendio oblig a que una familia
desalojara su espacio y rehiciera su vida
en otro lugar. Una fractura que implic
un cambio de vida y de bsqueda de otro
horizonte de sentido. Aqu la artista renun-
cia a reconstruir fielmente los objetos que
quedaron destruidos y les otorga otro uso,
uno potico donde la ruina de una cosa
se convierte en la posibilidad de otra.
Cada uno de los objetos que antes
ocupaban su lugar dentro de una coti-
dianidad son expuestos como si fueran
piezas arqueolgicas que responden a un
tiempo que ya pas y que no se puede
recuperar, representan una vida perdida
y ofrecen las seales de esa historia.
Ajuar domstico es una metfora sobre
la desesperacin de la prdida, sobre la
relacin entre la identidad y los objetos
y, sobre todo, una metfora sobre cmo
la rapidez de la destruccin se opone
por completo a los procesos de recons-
truccin. En ltimas, estos objetos se
muestran hoy como culto a un pasado
que se habita desde la memoria.
On February 16, 1993, a house in Medelln
went up in flames. Almost thirty years
later, I had the opportunity to visit the
abandoned ruin and to gather fragments
of plates, vessels, bottles, and flower
pots. My intention, in the manner of an
archaeologist, was to reconstruct objects
from those pieces. I wanted to recognize
the life that had been in that place.
After a violent event, daily life and its
routines break down. In this case, a fire
forced a family to leave their house and
make a new life somewhere else. This frac-
ture meant a life change and the search
for another horizon of meaning. Here the
artist chooses not to faithfully reconstruct
the destroyed objects, but to give them
another purpose, a poetic use in which
something ruined is transformed into the
possibility of something else.
Each of these objects, which previously
had a place in daily life, are presented as
if they were archaeological pieces from a
time that has passed and that wont come
again. They represent a way of life that
was lost, and give signs of this history.
Ajuar domstico [Domestic Trousseau]is
a metaphor for the desperation of loss,
for the relationship between identity and
objects, and above all, for how the swift-
ness of destruction completely opposes
processes of reconstruction. Eventually,
these objects have become a tribute to a
past that is now memory.
Ajuar domstico 2012 Cermica y objetos Domestic Trousseau 2012 Ceramic and
encontrados en una urna de cristal found objects in a crystal urn
Dimensiones variables 50 x 180 x 26 cm Dimensions Variable 50 x 180 x 26 cm

200 / 201
scar Moreno
Existe en las personas en situacin de
migracin forzosa todo un universo de
posibilidades de ser y de habitar los
nuevos espacios, expresado en sus saberes
y creencias tradicionales, en su capacidad
de resignificar los hechos acaecidos y de
encontrar dignidad en su propia forma de
gestionar sus intereses (...). La pregunta
por la casa es, entonces, una pregunta por
la persona que la habita y que la moldea
en su cotidianidad, que imprime sobre ella
la presencia de su cuerpo, de su memoria
acumulada, de su manera de hacerse un
lugar y crear propsitos a largo plazo.
Mi Casa Mi Cuerpo es el recuento de
un largo proceso de trabajo que se
inicia en el 2006 en Bellavista Parte
Alta, un pequeo barrio en las montaas
surorientales de la periferia de Bogot.
All se encuentran y entrecruzan tres
familias en situacin de migracin
forzosa con el artista scar Moreno.
En las conversaciones con las familias
aparecen recuerdos y relatos sobre las
casas que dejaron, los objetos que ms
extraan y los espacios y lugares que
creen que jams volvern a ver. Moreno
les pregunta por estas nuevas formas
del habitar y, a travs de la palabra y la
imaginacin, reconstruyen aquello que ya
no est. Las experiencias y las prcticas
que se consolidan desde entonces apelan
a aspectos vinculados al orden de lo sensi-
ble, con la intencin de comprender la casa
de autoconstruccin progresiva como un
fenmeno en el que confluyen percepcio-
nes del espacio y temporalidades diversas.
El resultado final fue una serie de
maquetas presentadas en el Centro de
Memoria de Bogot, donde tambin se
construy una casa con las caracte-
rsticas de los barrios perifricos de la
capital y de los otros centros urbanos
del pas, a donde cada da forzosa-
mente migran cientos de personas.
There exists within people in situations
of forced migration an entire universe of
possibilities of being and of inhabiting
new spaces, expressed in their traditional
knowledge and beliefs, in their capacity to
find new meanings in the events that have
occurred, and to find dignity in their own
ways of managing their interests (...). Any
question about the house is, therefore, a
question about the person who lives in
it and who transforms itin their daily life,
who imparts on it the presence of their
body, of their accumulated memories, of
their way of making a space and forming
long-term commitments.
Mi Casa Mi Cuerpo [My House My Body] is
the record of a long-term work that began
in 2006 in Bellavista Parte Alta, a small
neighborhood in the southeastern moun-
tains on the periphery of Bogot. There,
three families who had undergone forced
migration met and formed relationships
with the artist scar Moreno.
In conversations with the families,
memories and stories surfaced about the
houses they left, the objects they miss the
most, and the spaces and places that they
believe they will never see again. Moreno
asked them about their new ways of living
and, through words and imagination, they
reconstruct that which no longer exists.
The experiences and practices that they
have formed since then link to realms of
feeling, with the intention of understand-
ing the progressively self-made house as a
phenomenon in which diverse perceptions
of space and time coincide.
The result was a series of models
presented in the Centro de Memoria
in Bogot. In the same space, Moreno
built a house typical of the peripheral
neighborhoods of the capital and other
urban centers in the country, where each
day hundreds of people arrive because of
forced migration.

1. Mi casa, mi cuerpo 2006-2014 Casa de
madera a escala real, madera de pino, teja
de zinc 2.25 x 2.5 x 0.5 m.
2. Mi casa, mi cuerpo 2006- 2014 Tres
maquetas, bloques de ladrillo, lminas de
zinc, madera, piedras, hilo Cada una:
20 x 40 x 40 cm.
1.
2.
1. My House, My Body 2006-2014 Full-scale
wooden house, pine wood, tin-roof 2.25 x
2.5 x 0.5 m.
2. My House, My Body 2006-2014 Three
scale models, bricks, tin sheets, wood,rocks,
thread Each: 20 x 40 x 40 cm.
202 / 203
Gabriela Pinilla
Los proyectos recientes de Gabriela Pinilla
retratan los procesos de paz que se dieron
en el territorio colombiano, y sus implica-
ciones y consecuencias en el presente.
Particularmente, en el proyecto Ramo
de Olivo que no germin, Pinilla realiz
pinturas de leo sobre cobre, murales
y recoleccin de informacin sobre
diferentes hechos que rodean a tres pro-
cesos de paz con tres grupos guerrilleros
del pas: el M19 en los aos ochenta, el
movimiento Quintn Lame en 1985 y las
guerrillas llaneras en los aos cincuenta.
Dando continuidad a estas investigaciones,
Pinilla realiza un proyecto comisionado
acerca de la nocin de familia y hogar
en situacin de reclusin de grupos
guerrilleros en la selva; sobre cmo
en estas circunstancias los humanos
redefinen estos conceptos para hacer
frente a una condicin de aislamiento.
Gabriela Pinillas recent projects portray
the peace processes that have occurred
in Colombia, and their implicationsand
consequences in the present.
In the project Ramo de Olivo que no ger-
min [Olive Branch that Didnt Bud], Pinilla
made oil paintings on copper, murals,
and collections of information on various
events that surrounded three peace
processes with three national guerilla
groups: the M19 in the nineteen-eighties,
the Quintn Lame movement in 1985, and
the llanero guerillas of the plains regions
in the nineteen-fifties.
As part of this research, Pinilla created
a commissioned project, with paintings
and a mural, on the concept of family
and home among the reclusive guerilla
groups in the jungle, and the way in which
humans redefine these concepts to face
isolated conditions.
Ciudad Dorada 2016 Acrlico sobre pared Golden City 2016 Acrylic on wall
Dimensiones variables 2.6 x 6.64 m Dimensions Variable 2.6 x 6.64 m

204 / 205
Luis Roldn
Luis Roldn lleva ms de 12 aos reco-
lectando avisos clasificados de ventas de
casas en peridicos de Estados Unidos.
En todos aparece lo mismo. La imagen
en blanco y negro de la fachada con su
respectivo jardn. La mayora son casas
de suburbio, grandes. El prrafo que las
describe casi nunca cambia. Es la casa
siempre perfecta que vara nicamente
por algunos elementos particulares: el
tamao de la cocina, el nmero de cuartos
y de chimeneas o los metros cuadrados
del rea verde y de parqueadero. Son
avisos nacionales y, por lo tanto, muestran
en un mapa el lugar geogrfico donde
se encuentran, pero casi no importa,
es la misma casa en cualquier lugar.
A partir de este archivo, Roldn hace otro
mapa. Primero dibuja en negro las parti-
cularidades de cada arquitectura dejando
nicamente su silueta. Las casas que antes
eran reales se convierten de nuevo en
maqueta. A partir de este dibujo, abstrae
toda la informacin y empieza a trabajar
sobre la idea de una casa ideal o soada.
Este proyecto, que en principio tocaba un
tema sobre modernizacin arquitectnica,
diez aos despus se convierte en testimo-
nio sobre la homogenizacin de un deseo
atravesado por una economa globalizada.
Bajo los smbolos arquitectnicos que se
repiten una y otra vez, las casas de Roldn
configuran una cartografa que delimita las
promesas del desarrollo y una economa
viciada por un modo de vida y de consumo.
Luis Roldn has spent over twelve years
collecting advertisements of housesfor
sale from the classified sections of
newspapers in the United States. The
same things come up in all of them: a
black and white image of the front of the
house with its garden. The majority are
large, suburban houses. The descriptive
paragraph almost never changes. It is
always a perfect house that varies only in
some details: the size of the kitchen, the
number of bedrooms and of chimneys, or
the size of the yard and the garage. The
ads come from all over the country and
include maps of where they are located,
but the location is almost irrelevant;
it is the same house in every place.
From this archive, Roldn makes another
map. First he makes a drawing in black
and white of the architectural details of
each house, leaving only the silhouette.
The houses that were previously real are
converted again into models. From this
drawing, he abstracts all of the informa-
tion and begins to work on the idea of an
ideal or dream house.
Ten years later, this project, which
originally dealt with the theme of archi-
tectural modernization, has become
a testimony to the homogenization of
desire that is activated by a globalized
economy. Through architectural symbols
that occur again and again, Roldns
houses form a cartography that delimits
the promises of development, and an
economy that is addicted to a certain
style of life and of consumption.
Esta semana 2016 Instalacin This Week 2016 Printed paper, ink,
Papel impreso, tinta, sanguina, frottage sanguine, frottage on paper 2 x 4 x 3.5 m
sobre papel 2 x 4 x 3.5 m

206 / 207
La filognesis de la posesin
The Phylogenesis of Possession

Una curadura de Warren Neidich y Helena Producciones en la

Universidad Tecnolgica de Pereira

Curated by Warren Neidich and Helena Producciones at the

Universidad Tecnolgica de Pereira
La muerte en este jardn

v.a. est enfilogenezisado,

quin lo desenfilogenezisar?

el desenfilogenezisador

que lo desenfilogenezise

buen desenfilogenezisador ser

[repetir tres veces, modulando de acuerdo a lo que se requiera]

antiguo conjuro, y ronda infantil, chamnico

Camilo Vega*

La filognesis de la posesin (Pereira, 2016) produccin artstica es generosa, en su curadu-

puede pensarse como un contrapunto altera-
do de La filognesis de la generosidad (Berln,
2013), elaborada bajo el signo de la cicatera
(the greedy vs. the generous) y curada, esta
ltima, a travs del phrmakon. Ms all,
constituye la ampliacin de un territorio. La
primera cronolgicamente, concebida como
una Trienal de esculturas al aire libre en el
Prinzessinnengarten (Jardn de la princesa)
de Berln, acopiaba las diferentes formas de
desarrollo de la generosidad reinantes en
dicha ciudad y ejemplarmente cifradas en
las dinmicas bajo las que opera tal jardn.
La segunda, por su parte, inicialmente, y casi
hasta el final, fue concebida para situarse
en el emblemtico Parque Olaya Herrera de
la ciudad de Pereira, otro jardn que opera
bajo una lgica diferente ms afn al terri-
torio en el que est localizada. Y es que si
bien uno de los leitmotivs que atravesaban
la primera era el interrogante acerca de si la
ra se propenda por traer intervenciones que
en sus propios trminos restaurasen sus
prioridades [las de la generosidad artsti-
ca] como una forma poltica de abundan-
te resistencia. Un tal leitmotiv e intencin,
en el entorno en el que La filognesis de la
posesin se inscribe, no puede sino resultar
cndido o, a lo sumo, desfasado.
Se anot antes que el motivo alrededor del
cual se compone La filognesis de la pose-
sin es el phrmakon y que el punto que la
separa conceptualmente de La filognesis
de la generosidad es el territorio. Esta dis-
tancia puede apreciarse de modo efectivo
en algunos de los artistas que tanto en una
como en otra curadura aparecen, aquellos
que repiten en ambas (Barney, Milln, Sarria-
Macas, Bajo, Cantor, Saraceno y Daz), y en las
obras que, tanto en una como en otra, estos
reincidentes muestran: todas, en cada caso,
diferentes. Tambin en los artistas y obras

*(Cali, Colombia, 1976) Candidato a doctor por la Universidad Autnoma de Madrid e investigador
freelance. Sus reas de investigacin principal son la filosofa griega antigua, Aristteles y el aristotelismo.
Ha participado en varios eventos nacionales e internacionales con comunicaciones y ponencias. Asimismo
ha acompaado algunos proyectos de Helena Producciones o de algunos de sus miembros como Ana
Mara Milln o Wilson Daz. Vive en Cali.
Death in This Garden

v.a. is phylogenizing,

Who will disphylogenize it?

The disphylogenizer

Who disphylogenizes itand will be a good disphylogenizer

[repeat three times, adjusting as needed]

shamanic ancient incantation and childrens song

Camilo Vega*

The Phylogenesis of Possession (Pereira, in the first exhibition wasthe investigation

2016) can be thought of as an altered coun-
terpoint to The Phylogenesis of Generosity
(Berlin, 2013), developed under the sign of
avarice (greedy vs. generous) and curated
around the concept of phrmakon. Even
more, it constitutes the expansion of a
territory. The first event, conceived as a
Triennal of Open-Air Sculpture in Berlin's
Prinzessinnengarten (Princess Garden),
linked different manifestations of the
development of generosity that predomi-
nate in that city and that are encapsulated
in the dynamics through which the garden
operates. Initially, and almost until the
end, the second event was designed to be
situated in the emblematic Olaya Herrera
Park in Pereira, another garden, which
conforms to a logic more common to the
territory in which it is located. And consid-
ering that one of the leitmotifs that arose
of whether artistic production is itself
generous, its curation tended towards
interventions that, in the words of the
curators, reinstate the priorities [of artistic
generosity] as a political form of abundant
resistance. This leitmotif and intention, in
the context in which The Phylogenesis of
Possession exists, cannot help but be seen
as naive, or at most, outmoded.
It was mentioned earlier that The
Phylogenesis of Possession is centeredon
the concept of phrmakon andthat the
point at which it conceptually distinguishes
itself from The Phylogenesis of Generosity
is territory. This distance can be under-
stood in the works of some ofthe artists
who appear in the exhibition, including
those who have participated in both
(Barney, Milln, Sarria-Macas, Bajo, Cantor,
Saraceno and Daz), andin the different

*(Cali, Colombia, 1976) PhD candidate at the Universidad Autnoma de Madrid and freelance researcher.
His areas of inquiry are ancient Greek philosophy, Aristotles and Aristotelianism. He has participated
in national and international events with papers and commentaries. He has also accompanied several
projects by Helena Producciones and some of their members, like Ana Mara Milln and Wilson Daz.
He lives in Cali.

210 / 211
que solo aparecen en alguna, y solo una, de
las curaduras y cmo los que solo aparecen
en la ubicada en Pereira se pliegan a su moti-
vo aglutinante. Abordando el sentido origi-
nal de phrmakon como veneno y remedio,
pocin mgica e, incluso, filtro amoroso, La
filognesis de la posesin los contiene en su
concepto, arriesgndose a su vez a explorar
otros posibles sentidos, implicaciones ms
amplias que phrmakon en el emplazamiento
geogrfico de la muestra.
As, ms que como simple opcin de
escape, llave de acceso a nuevos estados
de consciencia (expandida) y dems, aqu,
en esta precisa localizacin, phrmakon
trae tambin su poder destructor (en un
sentido lato). Asimismo posesin abre un
rango ms expandido. Trayendo a cuento
la tierra, el territorio, est su posesin, su
reparticin y destruccin. El despojo. Junto
a la dialctica produccin-explotacin,
consumo-exportacin, entran en situacin
tambin otros opuestos-en-resistencia
contemplados en la curadura, ejemplifica-
dos en las obras que la conforman, todos
ellos contenidos en el sentido extenso
sealado de phrmakon, y posesin: la
parte light vs. la hard que estos trminos
encierran y en cuya delgada lnea las obras
se mueven. Los parasos artificiales (o
fiscales) vs. la realidad ms inmediata.
En cualquier caso, el hecho de que se
trate de una curadura transnacional no
es gratuito, sino que permite elaborar
una cartografa mental y espiritual ms
compleja, de ida y vuelta, del fenmeno de
la posesin (incluso por espritus), adems
de entrar en consonancia directa con el
Seminario Internacional Psicotropismos:
Drogas, espectros y alucinaciones para la
transformacin del ahora, enmarcado en
la seccin de formacin del Saln.
Entre las diferentes tensiones en que
la curadura se mueve, y que su objeto
posibilita, una precisa ser destacada: la
tensin entre lo liminal* y lo liminar. Si
bien al indicarla nos situamos de nuevo
en el concepto de territorio (comprendido
tambin en sentido lato), es en obras
como las de Eider Yangana donde dicha
tensin es manifiesta. Tomando insumos
del apstol de la Independencia de Cuba
y de conceptos como el de soberana ali-
mentaria o de redes como la de semillas
libres (Yangana II), el artista reflexiona
sobre su proveniencia, puesto y situacin
en esa nacin a pesar de s misma que es
Colombia. Asimismo, acudiendo al ritual y a
su definicin ms primaria, como el darse
independiente de fines prcticos, el artista
reflexiona y oficia, nuevamente, desde su
condicin (Yangana I).
De modo similar, aunque desde diferente
perspectiva, e integrando, a su vez, esa otra
oposicin light vs. hard en la curadura,
Corazn del Sol, tras un elaborado proceso,
busca exorcizar tanto el terreno como la
memoria en los que el phrmakon oper
y, subrepticiamente, sigue operando bajo
una nueva piel. Su obra, aparentemen-
te candorosa, reviste un acuamos la
expresin popularizada por Koselleck
futuro pasado inquietante (del Sol I).
Otro ms que obvio desplazamiento de la
curadura, si se tiene en cuenta su objeto,
ocurre en el entrecruzamiento de pocas
y rasgos distintivos, todo ello atravesado
por la meditacin alrededor del esoterismo
moderno y sus paradigmas.
De esta suerte, preocupaciones caracte-
rsticas de la cultura de las drogas (en
su vertiente contracultural de la dcada
de los sesenta y setenta principalmente)
son manifiestos de modo expreso en obras
como la de Warren Neidich (Neidich I). De
modo transversal, obras como la de Alicia
Barney se inscriben en preocupaciones
* Entendiendo esta liminalidad tanto en su
sentido tcnico psicolgico como en el sentido
estructural tal cual ocurre en los ritos de pasa-
je (Arnold van Gennep) o en su reapropiacin
por la teora del proceso ritual (Vctor Turner).
works that they have displayed in one or
the other. The same goes for the artists
and works involvedin only one of the exhi-
bitions, and the way in which those that
only appear in Pereira reveal their binding
motive. Addressing the original meanings
of phrmakon as poison and remedy, and
as magic potion, including as a romantic
draught, The Phylogenesis of Possession
contains all of them in its purview and
takes the risk of exploring other possible
meanings, broader implications than phr-
makon in the geographic location in which
these works are displayed.
It is more than simply an escaperoute, or
the key to accessing new (or expanded)
states of consciousness. Inthis precise
localization, phrmakonalso contains
destructive power (in the broad sense). The
concept of possession also opens up a wide
range of meaning. Territory is the earths
possession, its means of distribution and
destruction. Dispossession. Along with the
dialectics of production-exploitation and
consumption- exportation, other oppo-
sites-in-resistance must be considered in
this curation.These opposites are exempli-
fied in the participating works, all of which
contain wider meanings denoted by phr-
makon and possession: the light part vs.
the hard part, which these terms enclose
and within which the works operate.
Artificial paradises, or the "fiscal para-
dises" of tax havens vs. a more immediate
reality. In any case, the fact that this is a
transnational exhibition is not meaning-
less, but permits the elaboration of a more
complex mental and spiritual cartography
of leaving and returning, of the phenome-
non of possession (including by spirits), and
the possibility of a direct consonance with
the International Seminar Psychotropisms:
Drugs, Specters, and Hallucinations for the
Transformation of the Now, which is part of
the Salons educational component.
Among the various tensions with which the
exhibition operates, and that its purpose
makes possible, is one that should be
highlighted: the tension between the
liminal* and the preliminary. If we address
it by returning once again to the concept
of territory (also understood in the broad
sense), this tension manifests in works
such as those of Eider Yangan. Inspired by
the apostle of Cuban independence and
concepts such as food sovereignty and
of networkssuch as that of free seeds
(YanganaII), the artist reflects on his
provenance, location, and situation in this
nation despite itself that is Colombia.
Likewise, turning to ritual and its primary
definition as something independent of
practical purposes, the artist uses his
position to reflect and officiate anew
(Yangana I).
In a similar manner, although from a differ-
ent perspective, Corazn del Sol integrates
the opposition of light vs. hard into the
curation. Through an elaborate process,
she seeks to exorcise both the terrain and
the memory in which phrmakon operated
and in which it surreptitiously continues
to operate under a new guise. Her work,
apparently sincere, revisits a troubling
future past (del Sol I), to use the expres-
sion popularized by Koselleck. Another
obvious difference in this exhibition, if one
keeps in mind its purpose, occurs in the
intersection of distinctive characteristics
and periods of time, all of them marked by
a meditation concerning modern esoteri-
cism and its paradigms.
In the same vein, the characteristic
preoccupations of "drug culture" (in its
countercultural aspect, primarily in the
nineteen-sixties and -seventies) are
expressly manifested in works such as
those by Warren Neidich (NeidichI). More
obliquely, works such asAlicia Barney's
adopt the concerns of environmentalism,
which have been recurrent throughout a
* Understanding this liminality as much inits
technical psychological meaning as in its struc-
tural meaning, occurring in rites of passage
(Arnold van Gennep) or in its reappropriation
of the of ritual process (Vctor Turner).
212 / 213
propias del ecologismo, que en la artista
han sido recurrentes a lo largo de una obra
cuya primavera silenciosa viene per-
sistente desde mitad de la dcada de los
setenta. La pieza de Barney, a su vez, est
inscrita en la dialctica presencia-ausencia.
Un elemento adicional tambin presente en
la curadura, qu si no en una cuyo objeto
implica la exploracin de realidades alter-
nativas?, es el simulacro. Aunando este a
los entrecruzamientos referidos, la obra de
Jim Shaw se exhibe como ejemplar en tanto
constituye una nueva variacin alrededor
de esa religin ficticia y sus rituales a quien
el propio Shaw ha dado en denominar
osmo (oism). En esta lnea del simulacro
incisivo entran tambin las obras de Silvie
Boutiq y Elena Bajo. De modo discreto se ha
aludido a los opuestos realidad vs. fantasa
que, en su centro, in nuce, abarcan tambin
lo real vs. virtual, donde otras obras como
la de Lou Cantor y su publicidad liminal,
o la de Corazn del Sol, quien nuevamente
dialoga con el futuro pasado (del Sol II),
pueden categorizarse.
Quiz sea este el punto para sealar algo
que se nos haba escapado. Se dijo que
el enclave inicial de La filognesis de la
posesin iba a ser el Parque Olaya Herrera
mas, finalmente, lo fue la Universidad
Tecnolgica de Pereira (UTP) en el magn-
fico campus de la Facultad de Bellas Artes,
dislocacin esta que, a su vez, permiti
aprovechar todo el potencial curatorial
que su aeropuerto (otro jardn) ofreca. elaboradas y su conexin con lo marginal, ni
Usufructuando las posibilidades que el
nuevo enclave brindaba, Warren Neidich, en
su performance colaborativo, que inicial-
mente quiso llamar Variaciones para una
nueva consciencia, integra cuatro artistas
y obras ms, entre reales y ficticios, en la
narrativa general de la muestra (Neidich II).
La peculiaridad de esta inclusin es el nivel
de participacin de estos artistas y obras
en el dominio de lo que se considera real
o ficticio. As, entre los integrados, y afa-
mados, estn Omar Rayo (obra real, in situ:
relato ficticio) y Carl Andre (obra ficticia, in
situ: artista real, pero ficcionalizado, as su
relato); entre los casi famosos estn Andrs
Barrios (obra real, in situ: relato ficticio) y
Tina Torres (obra ficticia, pero creada in situ:
artista ficticia, as su relato).
Mencin aparte merecen otro puado de
obras que, de modo ms o menos intenso,
participan en la reiterada y nuclear oposi-
cin light vs. hard que subyace la curadura.
Una distancia tal puede medirse y percibirse
en la que hay entre las drogas sintetizadas o
altamente refinadas y sus detritus o parien-
tes marginados, y los efectos en un sen-
tido lato, no solo referido a los meramente
psicoactivos que unas y otras producen en
quienes las consumen. Mientras que obras
como las de Jeremy Shaw o Ana Mara Milln
(esta con un ligero matiz que indicaremos
en breve) se ocupan de las primeras, obras
como las de Toms Saraceno, Wilson Daz y
Claudia Patricia Sarria-Macas se ocupan de
las segundas. El matiz sealado en la obra
de Milln consiste en que si bien se ocupa
de una de las drogas altamente refinadas, lo
hace proponiendo una mirada crtica sobre
nuestro propio infierno y rol en el negocio
de la cocana.
Saraceno, por su parte, parece que quisiese
demostrar que el poder de los dbiles
(aprs Vctor Turner), as como sus sueos
de escape, tal vez puedan alcanzarse a
travs de un sencillo cigarro liado de tela
de araa. Al hacer alusin a los residuos
(industriales) de las drogas duras y/o ms
siquiera ya con el bajo pueblo, tcitamente
se buscaba apuntar a nuestro caso concreto
donde, amn de ser la sobra ms impura de
la nvea cocana, el bazuco es el phrmakon
par excellence de los marginados y despo-
sedos. Es bien sabido que en su proceso de
despurificacin y rendimiento, las ms de
las veces, se lo suele rebajar mezclndolo
con polvo de ladrillo, proceso al que la obra
de Sarria-Macas indirectamente apunta: a
su materialidad.
Daz, en un intento de empata con los
marginados y, en el fondo, preocupado
career whose "silent spring" has remained
relevant since the middle of the nine-
teen-seventies. Barney's piece, for its
part, is inscribed with the presence-ab-
sence dialectic.
An additional element present in the
exhibition (what if its purpose didnt entail
the exploration of "alternative realities"?)
is simulacra. Adding this question tothe
previously mentioned intersections, Jim
Shaw's work is an example of a new varia-
tion of the fictitious religion andits rituals
that Shaw himself has named "Oism". This
thread of incisive simulacra also includes
the works of Silvie Boutiq and Elena Bajo. It
discretely alludes tothe opposites, reality
and fantasy, that, ina nutshell, also encom-
pass the real vs.the virtual, by which other
works can be categorized, such as that of
Lou Cantor and its "liminal publicity," or the
workof Corazn del Sol, which creates new
dialogues with the "future past" (del Sol II).
Maybe this is the right time to point out
something that we previously neglected.It
was mentioned that the planned site of
The Phylogenesis of Possession was Olaya
Herrera Park. However, it was eventually
changed to the Technological University of
Pereira (UTP) and its magnificent Faculty
of Fine Arts. This displacement permitted
the full use of the curatorial potential that
its airport (actually another garden) spider's web. In alluding to the industrial
affords. Taking advantage of the possibil-
ities that the new site provides, Warren
Neidich includes four other artists and
works, some real and some fictitious, in
the general narrative of a collaborative
performance that he initially intended to
call Variations for a New Consciousness.
(Neidich II). This inclusion is distinguished
by the degree to which its artists and works
exist in the realm of what is considered
real or fictitious. Among the participants
are renowned artists such as Omar Rayo
(a real work, in situ, buta fictional state-
ment) and Carl Andre (fictional work, in
situ, real artist, but fictionalized, as is his
statement); among the almost famous are
Andrs Barrios (real work, in situ: fictional
statement) and Tina Torres (fictional work,
but created in situ: fictional artist, as
is her statement).
Another handful of works deservesspecial
mention. The works, to various extents,
participate in the reiterated, nuclear
opposition of light vs. hard that underlies
the exhibition. They measure and perceive
the distance between synthesized or highly
processed drugs and their byproducts
or marginalized relatives, as well as the
effects that they produce in their consum-
ers in a broad sense, not only referring to
the merely psychoactive. While the works
by Jeremy Shaw and Ana Mara Milln
(although there is a small nuance in Millns
piece that we will briefly mention) are con-
cerned with the former, the works of Toms
Saraceno, Wilson Daz, and Claudia Patricia
Sarria-Macas address the latter. The afore-
mentioned nuance in Milln's work consists
of the fact that it is concerned with one of
the highly processed drugs, taking a critical
look at "our very own hell" and our role in
the cocaine business.
Saraceno, for his part, appears to want
to demonstrate that the power of the
weak (aprs Victor Turner), as well as
their dreams of escape, may be realized
through a simple cigarette rolled from a
residue of hard and/or more-processed
drugs and their connection with the
marginal, not only the lower classes, he
tacitly notes that bazuco, a smokeable
coca paste and unquestionablycocaine's
most impure byproduct, isthe phrmakon
par excellence of the marginalized and
dispossessed. It is well known that in its
process of depurification and production,
in most cases, it is "cut" with brick dust, a
process to which the work of Sarria-Macas
indirectly alludes: its materiality.
Daz, in an attempt at empathy with the
marginalized, at its core concerned with
our very sui generis forms of demographic
control, intends with his performance to
214 / 215
por las muy sui generis formas de control
demogrfico nuestras, quiere con su
performance reactivar y evidenciar la
aterradora pertinencia de las problemticas
que esta obra moviliza. Ms all, en una
de las lneas de sentido en que Mueco
circula quiz est la de actualizar la pre-
gunta que campea a lo largo del clsico
estudio de Larissa Adler-Lomnitz: Cmo
sobreviven los marginados? Si en la obra
de Adler-Lomnitz se logran demostrar los
mecanismos informales de subsistencia
de los marginados, cuyas estrategias de
sobrevivencia estn soportadas en redes
de reciprocidad, la actualizacin de la
pregunta implicara la corroboracin de un
sobrentendido: la lnea que existe entre
desposesin y generosidad, es harto tenue.
Cabe recordar que la reciprocidad es una
de las modalidades de la generosidad.
reactivate and demonstrate the fright-
ening relevance of the problems raised
by this work. Beyond that, Mueco may
contain a response to the question that
undergirds Larissa Adler-Lomnitz's classic
study: how do the marginalized survive?
If Adler-Lomnitz' work demonstrates the
informal mechanisms of subsistence of the
marginalized, whose survival strategies
are supported by networks of reciprocity,
the actualization of the question implies
something tacitly understood: the line that
exists between dispossession and generos-
ity is a faint one. It suffices to remember
that reciprocity is one of the modalities
of generosity.
216 / 217
218 / 219
Elena Bajo
Una de las imgenes mediticas y arque-
tpicas del narcotrfico, especficamente
del trfico de cocana y herona, tanto
para quienes viven en pases productores
como consumidores, es la disposicin de
paquetes o panelas, tamao ladrillo,
ordenadas sobre el piso para permitir con-
tarlas y exhibirlas, como usualmente se ve
en los noticieros. En Angustia csmica la
artista reconstruye una imagen cercana al
presentar bloques de cal prensada empa-
cados en bolsas de plstico y dispuestos
sobre el piso. Interesada por el papel de
la cal en la realizacin de la base de coca,
Bajo elabora estas panelas que, en su
mayora, presentan improntas de hojas
reales de la planta de coca utilizadas en
el prensaje. De forma casi hiperreal, este
trabajo se acerca a una imagen producida
y reproducida constantemente por los
mass media, inscribindose a su vez en
una de las lneas curatoriales de la exhibi-
cin: la delgada frontera entre lo real y lo
imaginario, y los vasos comunicantes entre
uno y otro territorio.
For those who live in both producing and
consuming countries, one of the most
common and archetypal mass media
images of narcotics trafficking, especially
of cocaine and heroin, is the display of
brick-sized packets of drugs on the floor
of police stations so that the public can
see and count what has been seized. Bajo,
interested in the role of the lime used to
make coca base, works with these bricks,
most of which were imprinted with real
coca leaves. In an almost hyper-realis-
tic way, this work approaches an image
shown, over and over again, by the mass
media and inscribes itself in one of the
central concerns of the exhibition: the
narrow edge between the real and the
imaginary, and the communicating vessels
between both realms.
Afliccin csmica 2016 Instalacin Cosmic Distress 2016 Installation
Dimensiones variables Dimensions Variable

220 / 221
Alicia Barney
Barney ha sido una de las pioneras en
explorar las relaciones entre arte y ecolo-
ga en Colombia, y esta instalacin es un
buen ejemplo de sus intereses. A partir
de elementos como rboles y mantas de
fieltro delicadamente amarradas, la artista
seala un lugar y lo construye para que
los observadores sientan la precariedad
de su espacio dentro del orden natural.
Este trabajo remite a Viviendas (1975), una
de la obras tempranas de Barney, donde
la relacin entre ciudad, arquitectura y
naturaleza se presenta como indeseable
y hasta distpica. En Nueva sensibilidad,
antigua presencia, la intervencin estara
ms en el terreno de lo posible, desper-
tando nuestra primigenia necesidad de un
rito de participacin con la tierra.
Barney has been a pioneer in the explo-
ration of the relations between art and
ecology in Colombia, and this installation
is a good example of her interests. Using
elements like trees and delicately tied felt
blankets, the artist points to a place and
constructs it so that the spectators feel
their precariousness within the natural
order. This work harkens back to Vivien-
das [Houses] (1975), one of Barneys early
works, where the relationship between the
city, architecture and nature is shown to
be undesirable and even dystopian.
In Nueva sensibilidad, Antigua presen-
cia [New Sensibility, Old Presence], the
intervention lies more in the field of the
possible, awakening our primal need for a
ritual of participation with the earth.
Nueva sensibilidad, antigua presencia New Sensibility, Old Presence 2016
2016 Instalacin Dimensiones variables Installation Dimensions Variable

222 / 223
Silvie Boutiq
La artista, con un atuendo que hace recor-
dar a la saurloga* Regina 11, aborda a
estudiantes de la Universidad Tecnolgica
de Pereira, y a visitantes de la exposicin,
para conversar acerca de los lugares
comunes alrededor del arte, del ser
artista o del crear obra, en un intento de
deconstruir imaginarios y convencerlos de
que para ser artista o crear obra quiz ir
a la escuela no sea necesario. En ciertos
casos, cuando alguno de los interpelados
pertenece al establishment del arte, y si
la ocasin o el personaje en cuestin lo
ameritan, la emprende a chancletazos
cariosos cifrando en tal gesto la triple
condicin de la artista: madre, maestra y
reginista. En sus propias palabras: No voy
a hacer la obra en s, porque sera muy
mala; ms bien quiero hacer una accin y
mostrar que es mejor no hacer una mala
obra, que hacerla.
* De saur: sabidura universal reginista, la
saurologa que Regina ensea para desarrollar
los poderes mentales.
The artist, dressed in the saurological*
style of Regina 11, a self-styled sorceress
whose campaign logo was a witchs broom
and whose following among the popular
classes of Bogot once won her a Senate
seat, approaches students from the Tech-
nological University of Pereira and visitors
to the exhibition to remarkon certain
platitudes about art, being an artist or
creating a work of art, with the idea of
deconstructing imaginary perceptions and
convincing them that you dont necessarily
have to study art to be an artist or create
a work of art. In certain cases, when one
of the participants belongs to the art
establishment, or if the personage in
question deserves it, she playfully attacks
them with a sandal, a ciphered gesture of
her triple condition: as an artist, a mother,
and follower of Regina 11. In her own
words: I am not going to make a work of
art in itself, because it would be very bad:
instead, I want to engage in an action and
show that it is better to not make a bad
work of art than to make it.
* From saur the initials in Spanish of
Reginas Universal Wisdom, aimed, per Regina
11, at developing your mental powers.
Soy una vaga y no quiero hacer nada 2016 I am a Lazy Woman and I Dont Want to do
Performance Anything 2016 Performance

224 / 225
Lou Cantor

Esta obra se pregunta cmo lucir el This piece poses the question of what
comercio en un futuro trans o post huma- commerce in a trans- or post-human
no. Lo caprichoso de la fetichizacin de las future will look like. The vagaries of
mercancas y la inexorable y generalizada commodity fetishism and the inexorable
mecanizacin del trabajo sugiere que los wholesale mechanization of labor suggest
estados cognitivos mismos sern objeto that cognitive states themselves will be
de una creciente mercadizacin. Una subjected increasingly to marketization.
compaa como la imaginada por Lou
A company such as the one imagined by
Cantor se posiciona como un dealer de
Lou Cantor positions itself as a dealer in
experiencia tal como los agentes de viajes
experience in the same way contemporary
contemporneos que disean experien-
travel agents tailor boutique experiences
cias boutique en el mundo fsico. El viaje
in the physical world. The journey to the
al centro de la mente a travs del peyote
center of the mind that Spiritual Reality
que ofrece esa Realidad espiritual no es,
offers, via peyote, is thus, not the specific
entonces, una prerrogativa especfica de
prerogative of human customers; the
los clientes humanos: la compaa busca
company actively embraces the needs and
apelar activamente a las necesidades y
desires of a client base composed of sili-
placeres de una clientela compues-
con lifeforms with minds housed in circuit
ta por formas de vida de silicio, con
boards. (Text by William Kherbek).
mentes que habitan placas de circuitos.
(Texto de William Kherbek).
 1.

2.

1. ...y lo atena 2013-2016 Cdigos 1. ...and subdue it 2013-2016

QR montados en palos de madera QR codes installed on pieces of
Dimensiones variables wood Dimensions Variable

2. Ilustracin cortesa de los artistas. 2. Illustration courtesy of the artists.

226 / 227
Corazn del Sol
Corazn del Sol participa en esta muestra
con dos obras. En Belleza durmiente aplic
la lgica de la espuma para crear una
mquina del tiempo figurativa como una
ofrenda hacia y desde el hogar de infancia
de la artista en la calle 13 Norte de Cali y
hacia su hogar temporal en la Universidad
Tecnolgica de Pereira.
Esta pieza comenz en el lote vaco de la
calle 13N, donde la artista construy una
gigantesca escultura de dulce hirviendo
la flora local y sus primos criminalizados,
mezclndolos con adobe hasta que se
rebosara una y otra vez mientras amigos
y familiares compartan historias del
pasado. La escultura se convirti en una
geografa de recuerdos fusionada (e
infusionada) con momentos sin forma o
pre-formes: una distorsin topogrfica.
Su segunda pieza, un videojuego titulado
Sombras sueos persistentes, es una
exploracin virtual donde el personaje
central es una pareja de tres piernas que
navega vietas planetarias con elementos
temticos que oscilan entre ensoaciones
absurdas y narrativas que exploran los
arquetipos de la feminidad. El jugador en
Ganar para perder corretea por el territo-
rio de un creador, obtiene significadores
materiales que aumentan su estatura en
el mundo, pero que tambin tiene el poder
de destruir todo aquello que ha creado.
Corazon del Sol is featured in this exhibit
with two pieces. In Sleeping Beauty, del
Sol applied the logic of foam to createa
figurative time machine as an offering
to and from the artists childhood
home in Calis North 13th Street to and
its temporal home in Pereira at the
Technological University.
In an empty lot on North 13 th Street, the
artist built a giant candy sculpture by
boiling the local flora and their crimi-
nalized cousins, mixing them with adobe
until foaming over and over, while friends
and family shared stories of the past. The
sculpture became a geography of memo-
ries, fused and infused with moments of
formlessness or pre-form: a topographi-
cal distortion.
Her second piece, the videogame
Shadows Lingering Dreams, is a virtual
exploration in which the main character
is a couple with three legs that navigates
a series of planetary vignettes, with the-
matic elements that oscillate between
absurd dreaminess and narrative vehicles
exploring feminine archetypes. The player
in Win to Lose scampers through the ter-
ritory of a creator, and attains material
signifiers that raise their stature in the
world, but that also hold the power to
destroy what it has created for itself.
 1.

2.

1. Belleza durmiente 2016 Escultura 1. Sleeping Beauty 2016 Sculpture

adobe, hojas de coca y azcar Dimensiones Dimensions Variable
variables
2. Shadows Lingering Dreams 2016
2. Sombras sueos persistentes 2016 Videogame
Video juego

228 / 229
Wilson Daz
En Colombia se extendi el uso macabro
de la palabra mueco para referirse a los
cadveres que aparecan en la periferia
de las ciudades a partir de los aos 70 y
durante las dcadas siguientes. Entre los
muertos haba un nmero considerable
de indigentes, travestis, pandilleros y
otros indeseables asesinados por los
autodenominados grupos de limpieza
social coincidencialmente, el primer
ejemplo de estos grupos en el pas surgi
en Pereira, en 1979.
Es la tercera vez que se realiza esta
accin. La primera fue en 1993, dentro del
primer Festival de Performance y Accin
Plstica, en el andn del Teatro Jorge
Elicer Gaitn en Bogot, y la segunda, en
2001, en la estructura exterior del Palais
de Tokio en Pars, en ese entonces cerrado
y convertido en dormitorio de inmigrantes,
vagabundos y borrachos. En esta versin,
como en las anteriores, Daz se viste con
un enterizo blanco que solo deja ver su
cara, ingiere un somnfero y se echa sobre
unos cartones a dormir. Es un trabajo que
interviene en circuitos de indigencia y
seala, a partir de experiencias persona-
les, el contexto de exclusin y eliminacin
social que se ha mantenido en Colombia.
El hecho de que Pereira fuera la cuna del
primer grupo de limpieza social del pas
hace que esta tercera versin resuene
con especial fuerza.
In Colombia, the macabre use of the
word doll to refer to the corpses left
on the outskirts of big cities was widely
used during the violent murder of mar-
ginalized people that began in the 1970s
and continued for decades. Among the
victims were a large number of vagrants,
transvestites, gang members, and other
undesirables, murdered by so-called
social cleansing groups, the first of which,
coincidentally, emerged in Pereira in 1979.
This is the third time this action hasbeen
performed. The first was in 1993, in the
first Performance and Plastic Action Fes-
tival, held on the sidewalk outside the
Jorge Elicer Gaitn Theater in Bogot,and
the second, in 1991, in the exterior of the
Palais de Tokyo in Paris, which was closed
at the time and was used asa dormitory
by immigrants, vagrants and drunks. In
this version, as in the previous ones,
Daz is dressed in a white one-piece that
only allows us to see his face, swallows a
sleeping pill and lies down on some card-
board to sleep. It is a work that points out
cycles of homelessness and that, based on
personal experiences, comments on the
context of exclusion and social elimination
that has become a feature of Colombian
life. The fact that Pereira was the birth-
place of the first social cleansing group
in the country gives this third version an
especially strong resonance.
Mueco 2001-2016 Performance Doll 2001-2016 Performance

230 / 231
Ana Mara Milln
Un collage hecho a partir del villano
Snowflame, de la DC Comics, quien reciba
sus poderes de la droga, se ilumina por
una caja de luz. Atrs, la representacin
de una selva convertida en un splash gr-
fico: Lo que un da fue paisaje y material
hoy es informacin qumica y representa
tan solo un recuerdo de un sistema
econmico que especul, explot y fall,
y del cual ahora cada uno de nosotros
es el administrador virtual. Bajo estas
palabras, aparentemente crpticas, la
artista propone un movimiento de resig-
nificacin que cuestiona la efectividad
de la cada vez ms intil guerra contra
las drogas, as como la construccin
imaginaria de la Nueva Grenada (sic. en
la vieta seleccionada para la pieza) y sus
inhspitas junglas elaboradas desde la
visin hegemnica del Imperio del bien.
El contraste permite reflexionar acerca
de lo que algunos han dado en llamar
Capitalismo cognitivo y que la artista
prefiere localizar en el terreno de la
Poltica de los afectos y las mutaciones
contemporneas del deseo. Esto ltimo se
hace evidente gracias a una de las lneas
recurrentes de Snowflame: La cocana es
mi dios. Y yo soy el humano que hace de
instrumento para su deseo.
A light box illuminates a collage based
on the drug-powered super-villain Snow-
flame of DC Comics. Behind it, there is
a representation of a jungle turned into
a graphic splash. That which one day
was landscape and material is now chem-
ical information, and only represents a
reminder of an economic system that
speculated, exploded, and failed, one
where each of usis now the virtual
administrator. These apparently cryptic
words are the artists veiled way of pro-
posing a movement of resignification that
questions the effectiveness, ever more
doubtful, of a war against drugs, as
well as the imaginary construction of the
Nueva Grenada in the comic strip [which
refers to the colonial name of Colombia,
Nueva Granada (New Granada), with an
e instead of an a] and its harsh jun-
gles, depicted from the hegemonic point
of view of the Empire of Good.
The contrast provokes reflections about
what have some called Cognitive Capital-
ism, which the artist prefers to place in
the field of the Politics of Affection and
the contemporary mutations of desire.
The latter becomes evident in one of the
recurring lines of Snowflame: Cocaine is
my god. And I am the human instrument of
its desire.
Snowflame 2016 Collage en caja de luz Snowflame 2016 Collage in lightbox
60 x 122 x 5 cm 60 x 122 x 5 cm

232 / 233
Warren Neidich
Las dos obras del Neidich en La filognesis
de la posesin articulan varios de sus
intereses: la fotografa, la neurociencia
cognitiva, la forma en que las expectativas
alteran las experiencias y los estados
alterados de conciencia. La primera, The
Point Lobos Studies for a 21st Century
Photo Consciousness [Los estudios de
Point Lobos para una foto-consciencia
del siglo 21], parte de un recorrido por
una reserva natural de California donde
Edward Weston tom algunas de sus
fotografas ms memorables y quizs las
ms importantes de la poca moderna.
Fue un viaje que hizo tras haber memori-
zado las imgenes que, segn el artista,
actuaron como drogas y dominaron mis
pensamientos y mi imaginacin.
La segunda obra, titulada The
Misinformation Guides [Los guas de la
desinformacin] cre una dialctica que
captura el proceso de autorreflexin que
yace en el corazn mismo del pensa-
miento en nuestra poca, donde la duda
y el autocuestionamiento son la base del
capitalismo comunicativo.
En este trabajo, diez estudiantes de Arte
de la Universidad Tecnolgica de Pereira
participaron en un taller de performance
que les permiti crear recorridos paralelos
de la exposicin, haciendo narrativas
de obras ficticias junto a obras encon-
tradas en el campus.
Estos recorridos interpelaban a quienes
caan en el circuito no oficial de la expo-
sicin con la pregunta: realmente experi-
ment lo que cre haber experimentado o
fueron datos virtuales configurados por un
programa maquinista?.
The two works of Neidich in The Philo-
genesys of Possession articulate several
of his interests: photography, cognitive
neuroscience, how expectations condition
experience, and altered states of con-
sciousness. His first piece, The Point Lobos
Studies for a 21st Century Photo Con-
sciousness, started as a trip to a natural
reserve in California where Edward Weston
took perhaps some of modernisms most
important photographs. Before the jour-
ney, Neidich memorized Westons images,
which, per the artist, acted like drugs and
possessed my thoughts and imagination.
The second piece, titled The Misinforma-
tion Guides, aimed to create a dialectic
that captures the process of self-reflection
that is at the very heart of thinking in
our contemporary age, where doubt and
self-questioning form the basis of commu-
nicative capitalism.
In this work, ten art students from the
Technological University of Pereira took
part in a workshop of performance meth-
ods to create parallel visits to the show
and planted narratives for fictitious works
alongside works already found on campus.
These guided tours questioned those who
fell in this unofficial circuit of the show
about what they were going through: Did
I really experience what I thought I expe-
rienced or was this virtual data configured
by a machinist program?
 1.

2.

1. Los guas de la desinformacin 2016 1. The Misinformation Guides 2016

Performance Fotografa cortesa
del artista.
2. Los estudios de Point Lobos para una
foto-consciencia del siglo XXI 2016
4 fotografas: 68 x 49 cm.
Performance Photograph courtesy
of the artist
2. The Point Lobos Studies for a 21st Century
Photo Consciousness 2016 4 photographs:
68 x 49 cm.

234 / 235
Claudia Patricia
Sarria Macas
La obra hace parte de una serie que pone
en evidencia tensiones de un contexto
urbano que se debate en una histrica
y constante lucha contra la idea de un
orden establecido donde todo, cualquier
cosa, solo es posible si tiene un lugar
y encubre el discurso del progreso y la
seguridad. En Preservorio, los ladrillos
recuperados de viejas construcciones
traen a colacin la cercana y trgica
relacin de este material con la pobreza.
La unin que hizo posible levantar la cara
ms superficial de las ciudades tambin
ha escrito captulos de desposeimiento,
injusticia y explotacin. Los chircales,
o la constante de un paisaje de barrios
densos con el color caracterstico de lo
inconcluso, revelan la exclusin del obrero
de aquello que ayud a construir, igual
que los residuos de una pared carcomida
se nutren del delirio de la evasin.
This work belongs to a series that shows
the stresses of an urban context that is
involved in a constant struggle against
the idea of an established order where
everything and anything is possible
onlyif it has its proper place and covers
the discourse of progress and security.
In Preservorio, bricks recovered fromold
buildings remind us of the narrow and
tragic relationship between this material
and poverty. The union behind the
superficial facets of cities has also written
chapters of dispossession, injustice and
exploitation. The artisanal brickworks,
or the constant presence of crowded
neighborhoods where everything seems to
be unfinished, reveal the exclusion of the
working class that helped to build cities,
just as the remains of a ruined wall are
nourished by the delirium of evasion.
Preservorio: Dispensador de polvo de
ladrillo (Dispositivo para evitar el consumo
y deterioro del patrimonio arquitectnico de
las ciudades) 2016 De la serie: Prototipos
para la implementacin de amoblamientos
urbanos de carcter esttico-social
Instalacin Dimensiones variables
Fotografa cortesa del artista
Preservoir: Brick Dust Dispenser (device to
avoid the consumption and deterioration of
the citys architectonic heritage)
2016 From the series: Prototypes for the
Implementation of Urban Furnishings with
an Aesthetic-Social Character Installation
Dimensions Variable Photograph courtesy
of the artist
236 / 237
Jeremy Shaw
En esta instalacin de 8 canales, Jeremy
Shaw simultneamente formaliza y
externaliza experiencias psicodlicas
individuales con videos de entrevistas,
de cabezas parlantes, de sujetos jvenes
embarcados en viajes inducidos por
el hper alucingeno dimetiltriptami-
na (DMT). Con estructuras temporales
entrecruzadas unas mostrando a los
sujetos en tiempo real durante el viaje
de 15 minutos y en otras mostrando el
recuerdo de sus experiencias justo
despus, con subttulos Shaw fusiona
estrategias del arte conceptual, el perfor-
mance y el documental, con una versin
del arte psicodlico basada en textos.
In this 8-channel video installation
Jeremy Shaw both formalizes and exter-
nalizes individual psychedelic experience
with talking-heads style videos of young
subjects high on the hyper-hallucino-
gen dimethyltryptamine (DMT). Using
overlapping time structures, one which
shows the subjects in real time during the
15-minute high, and one which recollects
their experiences immediately after the
trip, with subtitles, Shaw conflates con-
ceptual art strategies, performance, and
documentary with a text-based version of
psychedelic art.
DMT 2004 Videoinstalacin de 8 canales DMT 2004 8 channel-video-installation
con sonido Cortesa de Knig Galerie with sound Courtesy of Knig Galerie

238 / 239
Jim Shaw
Inspirado por pelculas como Carnival of
Souls y The Mask, esta obra explora la
esttica del cine de horror de comienzos
de la dcada de los aos 60, como parte
de la serie de pelculas del proyecto Oist
del mismo Shaw. En The Whole: A Study
in Oist Integrated Movement [El Todo: un
estudio en el movimiento integrado Oist,]
el artista organiza una sinfona de gestos
para crear una secuencia de ensueo que
mezcla la extravagancia de las pelculas de
Busbey Berkeley con los bailes esotricos
iniciticos de lderes espirituales como G. I.
Gurdjieff. Estas conexiones improbables y
absurdamente cmicas son inherentes a la
obra de Shaw. Habiendo declarado que era
posible que uno entendiera el significado
de la vida a travs de malinterpretacio-
nes, la prctica de Jim Shaw parece ser un
esfuerzo conscientemente estratificado y
complejo para liberar la mente tanto del
artista como del espectador.
Inspired by movies like Carnival of Souls
and The Mask, this piece explores the aes-
thetics of early 60s horror films as partof
Shaws ongoing series of films in his proj-
ect, Oist. In the film The Whole: A Study
of Oist Integrated Movement the artist
orchestrates a symphony of gestures to
create a dreamlike sequence that merges
the extravagancy of Busbey Berkeleys
films with the esoteric initiation dances
of spiritual leaders such as G.I Gurdjieff.
These implausible and absurdly comical
connections are inherent throughout the
artists work. Having once stated that one
could, understand the meaning of life
through misinterpretation, Jim Shaws
practice seems consciously layered and
complex in its effort to liberate the minds
of both artist and viewer.
El todo: un estudio del Movimiento integrado The Whole: A Study in Oist Integrated
Oist 2009 Video 08:37 min Cortesa del Movement 2009 Video 08:37 min
artista y de la Galera Blum & Poe, Los Courtesy of the artist and Blum & Poe
ngeles Nueva York Tokio y Simon Gallery, Los Angeles New York Tokyo and
Lee Gallery Simon Lee Gallery

240 / 241
Eider Yangana
Dentro de esta exposicin, Yangana
participa con dos performances que
muestran la estrecha relacin que el
artista ha desarrollado con diversos
materiales a travs de su accionar a nivel
de proporcin y disposicin energtica en
el espacio expositivo.
En la primera obra, titulada Se recoge y se
libera, el artista oscila entre dos posturas
una recta y contenida, la otra inclinada y
de recoleccin frente a unos recipientes
de agua para reflexionar acerca de la idea
de contener en reciprocidad con un movi-
miento de apertura, acentuando la nocin
de ciclo y transformacin.
La segunda obra, titulada Toda la gloria
del mundo cabe en un grano de maz,
reflexiona a partir de la frase de Jos Mart
impresa en un costal lleno de maz que
sostiene el artista. En la disposicin de
colores, tanto en la vestimenta del artista
(azul y rojo) como en el costal blanco que
cubre el color amarillo del maz, Eider
busca sugerir una lectura de carcter
simblico en relacin a la imagen de la
bandera, aludiendo a la idea de soberana
(tambin alimentaria) y nacin en el con-
texto latinoamericano.
El maz contenido en el costal viene del
Resguardo Indgena de Rioblanco Sotar,
donde vive el artista.
This exhibition features two performances
by Yanagana that showcase the close
relationship the artist has developed with
diverse materials, in actions that alter the
proportion and disposition of energy in
the exhibition space.
In his first work, Se recoge, se libera
[You Gather and You Release], the artist
oscillates between two positions in
front of bowls filled with water: one
straight and contained, the other bend-
ing over to collect the water. It is a work
that reflects on the idea of contain-
ment as being in a reciprocal relation
with opening up, thus accentuating the
notions of cycles and transformation.
His second work, titled Toda la gloria del
mundo cabe en un grano de maz [All the
Worlds Glory Fits in a Kernel of Corn], is a
reflection on Jos Marts famous phrase,
printed on a sack full of maize held by the
artist. Eiders arrangement of colors, both
in the artists clothing (red and blue) and
the white sack covering the yellow corn,
suggests a symbolic interpretation of the
image of the Colombian flag (whose colors
are red, blue and yellow), and alludes to
the ideas of sovereignty (applied also to
food) and of the nation in the context of
Latin America.
The maize in the sack comes from the
indigenous reservation of Rioblanca
Sotar, where the artist lives.
 1.

2.

1. Toda la gloria del mundo cabe en un grano 1. All of the Worlds Glory Fits in a Kernel of
de maz 2016 Performance-instalacin Corn 2016 Performance-instalation 25 min
25 min
2. You Gather It and You Release It 2015-2016
2. Se recoge y se libera 2015-2016 Performance
Performance

242 / 243
An desde una perspectiva editorial
AN, from a publishing perspective
Exergo publicacin de catlogos y de memorias,
hay ejercicios de construccin de archivo
Basta un paneo rpido sobre el terreno
y de sistematizacin del legado editorial
para darse cuenta del modo en que,
de unas y otras instituciones. Hay, ade-
durante el ltimo quinquenio como
ms, fundaciones, oenegs, empresas
parte de un ejercicio de absorcin de
consolidadas y monopolios editoriales con
ejes profesionalizantes antes ajenos
nimo de lucro, y todos publican libros
a las ideas sobre qu significa ser un
con feeling artstico que los posicionan en
artista en Colombiadistintos agentes
los primeros lugares de ventas en el pas.
del campo artstico se han convertido
en editores, escritores y diseadores Ese es quizs uno de los primeros
de publicaciones. Proyectos artsticos llamados de atencin para ver que el
personales, colectivos de diseo y campo artstico editorial en Colombia no
autopublicacin, empresas editoriales, solo est lleno de oportunidades, sino
revistas y un sinnmero de prcticas que tambin de amenazas.
usan el objeto libro y sus derivados como
Cuando una erupcin tal de publicaciones
vehculos de produccin de sentido enri-
es posible, sin duda es porque hay un
quecen el espectro de prcticas artsticas
mercado que hace viable tal efervescencia.
y refrescan el medio editorial en Colombia.
Y con el mercado llega la pregunta por
Hablar de diseo y publicacin indepen- aquello que, gratis o pagando, se vende,
diente en el pas es hablar tambin de frente a aquello que no vende.
colectivos artsticos: La Silueta, Tangrama,
As pues, hay un mercado empujado por
Can Press, Jardn Publicaciones, Por
una cultura hipster de lo cool, y hay otro
Estos Das, El Peregrino, Matera, Perra
promovido por la academia y validado
Lcida, Salvaje, Rat Trap, Calipso Press y
como relevante. Una relevancia construi-
una serie de pequeos emprendimientos
da desde los poderes de la especializacin
individuales publicados en fotocopias,
y desde una mirada hegemnica sobre los
ediciones limitadas en risografa o proce-
metarrelatos que quieren ser impulsados
so serigrfico y otras impresas en la casa,
por intereses explcitos y algunas veces
gastando el tner familiar, son apenas
encubiertos de favorecer un punto de
algunos ejemplos que muestran cmo la
vista por encima de otros.
publicacin artstica independiente en
Colombia es un animal que pisa fuerte y Es este autor suficientemente cool? Es
deja huellas en el monte. este libro suficientemente claro? Es este
artista suficientemente representativo
Por otro lado, las instituciones culturales,
como para hacerle un libro? Es esta
pblicas y privadas, han reforzado, al
editorial suficientemente digna de mostrar
menos en unas cuantas capitales del pas,
al pas en ferias internacionales? Es este
sus programas de estmulos editoriales.
colectivo de diseadores suficientemente
Hay becas pblicas para investigacin
profesional para que produzca nuestra
monogrfica sobre artistas, hay premios
publicacin? Es esta idea suficientemente
de investigacin histrica, hay premios
relevante para el espritu de los tiempos y
de crtica, hay convocatorias para
de los prejuicios que corren?
publicaciones seriadas, hay proyectos de
Exergue
You need only to pan quickly over the
field to realize how, over the past five
years, as part of an exercise in absorb-
ing professional frameworks formerly
unaware of what it means to be an artist
in Colombia, different agents in the art
field have turned into publishers, writers
and designers. Personal artistic projects,
design and self-publication collectives,
publishing companies, magazines, and an
endless number of practices that use the
book as an object and its derivatives as
vehicles for the creation of meaning, have
flourished in the country, enriching the
possible spectrum of artistic practices on
the one hand, and, on the other, revitaliz-
ing the publishing medium in Colombia.
To speak of independent efforts in design
and publishing in the country is also to
speak of art collectives: La Silueta, Tan-
grama, Can Press, Jardn Publicaciones,
Por Estos Das, El Peregrino, Matera, Perra
Lcida, Salvaje, Rat Trap, Calipso Press,
and a number of small, individual publi-
cations that are produced in the form of
photocopies, limited editions risographs,
silk-screen prints, and other home-
made projects that use up the family
toner supply, are just some examples
that demonstrate that independent art
publication in Colombia is an animal that
stomps hard and leaves deep footprints in
the wilderness.
No less noteworthy, is the way public and
private cultural institutions, at least in a
numberof major cities, have strengthened
their publishing incentives. There are
public fellowships for published research
on artists, prizes for historical research,
prizes for art criticism, competitions for
art journals, projects for publication of
catalogues and records of events in the
art world, and efforts to assemble the
printed archives and/or systematize the
editorial legacyof this or that institution.
There are also, on the other hand, founda-
tions, NGOs, established publishing firms,
and for-profit publishing monopolies that
are producing books with an artistic feel
and positioning them as best-sellers in
the country.
And that perhaps may be an initial warn-
ing that the field of art publications in
Colombia is not only full of opportunities,
but threats as well. When such an erup-
tion of publications takes place, there
is, without a doubt, a market that makes
that effervescence possible. And with
that market one must ask, whether free or
bought, what is sold and what is not.
So, there is one market driven by a
hipster or cool culture and another
promoted by the academy and vali-
dated as relevant. It is a relevance
based on the specialized powers that
be and on a hegemonic view of the
meta-narratives are promoted by
explicit, or at times veiled, interests that
favor one point of view over others.
Is this author cool enough? Is this
book sufficiently clear? Is this artist
representative enough to merit a book?
Isthis publishing firm worthy enough to
represent the country in international
book fairs? Is this collective of designers
sufficiently professional to entrust our
publication to them? Is this idea suffi-
ciently relevant to the spirit of the times
and the prejudices of the moment?
Thus one has to ask whether these
notions are advantageous as a criterion
of assessment. One has to ask if the
246 / 247
 Hay que pensar, entonces, si esa nocin
de suficiencia es provechosa como pers-
pectiva de evaluacin. Hay que pensar si
la existencia de un libro debe depender
de su calidad y hay que pensar, tambin,
si esas nociones de calidad son real-
mente objetivas o si corresponden ms
bien a la manifestacin de una alienacin
impulsada por el cierre de un universo
posible a eso que nos parece agradable,
inteligente, legible.
El 44 SNA An, ha insistido, desde sus
postulados curatoriales y desde los
lineamientos de su proyecto editorial, en
la necesidad de defender los mrgenes,
esos espacios liminales en proceso de
formacin o en franco proceso de olvido.
Se ha planteado la necesidad de servir
como medio de resonancia para voces
que disienten o para aquellas que, por
hablar en una suerte de lengua extraa,
no son escuchadas.
El Saln defiende el riesgo, da cuenta de
la amenaza, confa en la emergencia de
otras formas de decir y de unos relatos
que, aunque poderosos, existen entre
murmullos. An, al hablar de territorios,
debe plantar bandera, debe abrir espacio
y dar cabida a eso que no cabe o ha deja-
do de caber. Si hay un mercado ya consoli-
dado para productos editoriales, An debe
pensarse para aquello que no es producto
sino experimento, eso que se entiende
como la posibilidad de experiencia, una
experiencia entendida como aquello que
est afuera del crculo (ex-peri) de nues-
tra familiaridad, esa cosa all, lejos, que
espera ser oda, que quiere conversar con
nuestro renuente pensamiento.
Estructura
El componente editorial de An est arti-
culado a partir de ese conjunto poltico
(aunque de resonancia metafsica) de
aspiraciones y, a la vez, busca traducir
esas grandes preocupaciones en acciones
claras que permitan la transformacin
de ese pensamiento en accin. As, el
proyecto editorial propone un modelo
de publicacin que trasciende el mbito
profesional del artista para buscar otras
voces y otras perspectivas. Intenta anclar
preguntas, concepciones y manifestacio-
nes externas a la autoreferencialidad de
eso que se llama mundo del arte, para
pensar, sencilla y complejamente, en
territorios y mundos posibles. La ambicin
de este Saln, a travs del proyecto edito-
rial, es abrir una discusin entre eso que
pertenece al arte y a los artistas y aquello
que se sita afuera, con el fin de poner
en evidencia las grietas, las porosidades
y las distintas narrativas que atraviesan
eso que se llama la realidad, el pre-
sente o la historia.
El proyecto ha diseado un modelo de
participacin y produccin dividido en
tres grandes categoras que se subdividen
en otras. Estas categoras son:
Publicaciones comisionadas: Se invit a
artistas, escritores, filsofos y otros agen-
tes culturales a producir publicaciones
en torno a temas, preguntas o modelos
de produccin sugeridos desde el comit
editorial, con la intencin de articular
sus prcticas y espacios profesionales
habituales con otros no contemplados por
ellos y as dar cabida a procesos de expe-
rimentacin, a nuevas preguntas y a inte-
racciones con otros grupos o individuos.
Publicaciones convocadas: Buscando
atraer grupos o individuos cuyo trabajo
est por fuera del radar del equipo cura-
torial del Saln y, en general, del crculo
de productores con reconocimiento pbli-
co y prestigio consolidado, se abrieron
convocatorias para recibir propuestas
arriesgadas, hbridas y problemticas en
el marco general del Saln y de las pre-
guntas que busca suscitar.
Catlogo: Como curadores, tenemos
voz, hacemos preguntas, abrimos
caminos y buscamos conectar sentidos
y voces disonantes a travs del evento
44 SNA. Estas publicaciones son una
herramienta para hacer explcitas esas
preguntas, para controvertir regmenes
existence of a book must depend on
its quality and also wonder whether
these notions of quality are really
objective or correspond, instead, to
the manifestation of an alienation that
limits a possible universe to what seems
pleasant, intelligent or readable. which pertains to art and artists and that
Based on its curatorial premises and the
guidelines of its publishing project, the
44 National Salon of Artists, An,has
th
insisted on the need to defend the mar-
gins, those barely perceptible areas which
are in a process of consolidation or of
being forgotten. It has assumed the role
of resonator for dissenting voices and
for those who are unheard because they
speak in a strange sort of language.
The Salon defends risks, signals the
threat, and trusts the emergence of other
forms of saying, of narratives which, while
powerful, today exist only as whispers.
In speaking of territories, An should
plant the flag; it must open a space and
find room for that which does not fit in
or no longer fits in. If there is a market
for consolidated editorial projects, An
should be thinking about that which is not
a commercial product but an experiment,
that which is understood as the possibil-
ity of an experience, where experience is
understood as that which is beyond the
circle (ex=out, peri=perimeter) of what we
are familiar with: that thing over there, far
away, that waits to be heard and wants to
converse with our reluctant thought.
Structure
The publishing component of An is
based on articulating that set of political
(yet also metaphysically resonant) aspi-
rations, and, at the same time, it seeks
to translate these grand concerns into
clear actions which allow that thought
to become action. Thus, its publication
project has come up with a model which
transcends the artists professional realm
in order to look for other voices and other
perspectives. It tries to anchor questions,
concepts, and external manifestations in
the self-referential realm of what is known
as the art world, in order to think, in
simple and complex terms, about possible
territories and worlds. The ambition of
this Salon, then, is to open, with its publi-
cation project, a discussion between that
which is situated in a structural outside,
thus showing the fissures, the porosity,
and the different narratives that are found
in that which is known as reality, the
present, or history.
The project has designed a model of par-
ticipation and production, that is divided
into three broad categories that are fur-
ther subdivided. These categories are:
Commissioned publications: We invited
artists, writers, philosophers, and other
cultural agents to produce publications
revolving around subjects, questions or
production models suggested by the pub-
lication committee, with the intention of
linking their habitual practices and profes-
sional fields with others that they were not
aware of beforehand, thusfinding room for
processes of experimentation, new ques-
tions, and interactions with other groups
or individuals.
Publications chosen by open call: Seeking
to attract and find room for groups or
individuals whose work is below the radar
of the curatorial team and, in general,
of the circle of producers who possess
consolidated public acknowledgment and
prestige, we organized an open call for
daring, hybrid, and problematic proposals
within the general framework of the Salon
and the questions it wanted to pose.
Catalogue: As curators, we have a
voice, we ask questions, we open paths
andtry to connect dissonant meanings
and voices through the event known as
the 44th National Salon of Artists. These
publications are a tool for making these
questions explicit, for challenging regimes
of reality to raise doubts about ourselves
as organizers, professionals, and repre-
sentatives of an institutional narrative
248 / 249
de realidad y para ponernos en cuestin
nosotros mismos en tanto organizado-
res y representantes de una narrativa
institucional productora de hegemonas
que necesitan ser puestas en evidencia,
analizadas y socavadas desde adentro.
A su vez, estas categoras ofrecen la
posibilidad de producir distintas publica-
ciones, incluyendo fanzines y peridicos,
libros de pequeo y mediano formato,
afiches y otros materiales impresos,
registros de audio y video, etctera.
Cabe sealar que, buscando expandir la
accesibilidad de los materiales produci-
dos, se pondrn, sin excepcin, en lnea
(www.44sna.com), en formatos descarga-
bles y gratuitos, vinculando la plataforma
web a todo el proyecto editorial.
Enfoque pedaggico
El componente editorial de An se
centra en la publicacin y distribucin
de experimentos editoriales en forma-
tos diversos. Estos experimentos son
dispositivos pedaggicos en s mismos,
detonadores de pensamiento crtico y de
oportunidades para el autoaprendizaje y
la discusin. Teniendo eso en cuenta, el
proyecto editorial se articula con el semi-
nario terico (componente de formacin),
cuyas memorias sern editadas desde el
comit editorial, para generar espacios
transversales que permitan discusiones e
intercambios en vivo, conectando agentes
y pblicos usualmente separados entre s.
De igual modo, se plantea en la pgina
web del evento un volumen final de deba-
tes, crticas, comentarios y otras formas
de participacin del pblico a modo de
memoria del proyecto 44 SNA An. As,
ms all de una memoria institucionaliza-
da del evento, se cede la voz a sus antago-
nistas, confiando en que futuras versiones
podrn incorporar este aparato crtico
como herramienta de formacin dialctica
que d pie a la transformacin de esa
historia hegemnica de la marca Saln
Nacional en un espacio ms abierto y
experimental, que sirva como motor para
la formacin de sociedades agonsticas,
donde, citando a Chantal Mouffe, los opo-
nentes no son enemigos sino adversarios.
Sin duda, esta es una apuesta bastante
ambiciosa, pero es tambin una oportuni-
dad de reconectar el Saln con sus pbli-
cos, comentaristas, aliados y detractores.
Una pedagoga de la institucin requiere
hoy la desinstitucionalizacin del aprendi-
zaje, y esa labor, compleja y arriesgada, es
un reto al que el Saln, en tanto espacio
de difusin cultural por excelencia en el
pas, debe responder decididamente.
that is responsible for hegemonies which
need to be made evident, analyzed and
undermined from within.
In turn, these categories offer the pos-
sibility of producing publications of
different formats, including fanzines and
newspapers, small and medium-sized
books, posters and other materials, audio
and video recordings, etc. It is worth
pointing out that in an effort to broaden
access to the materials produced, all of
them, without exception, will be available
online (www.44sna.com) in formats that
may be downloaded without charge and
will link the online platform with the pub-
lishing project.
Educational focus
The publishing component of An is cen-
tered on the publication and distribution
of editorial experiments in different for-
mats. These experiments are educational
devices in and of themselves, triggers of
critical thought and of opportunities for
self-education and discussion. Taking that
into account, we further point out that we
will link the publishing project to the the-
oretical seminar (part of the educational
component), the records of which will be
produced by the editorial committee to
create cross-sectional areas which allow
for live discussions and exchanges that
connect agents and publics that are usu-
ally segregated from one another.
Likewise, we plan to publish on the events
webpage a final volume of debates, crit-
ical remarks, commentaries, and other
forms of participation by the public in the
form of the memoirs of the 44th National
Salon of Artists, An. Thus, going beyond
an institutionalized record of the event,
we yield to the voice of its antagonists,
trusting that future editions may incor-
porate this critical device as a tool for
dialectical education that gives rise to and
favors the transformation of the hege-
monic history ofthe trademark, National
Salon, into a more open and experi-
mental venue which serves as an engine
for the formation of agonistic societies,
where, to cite Chantal Mouffe, oppo-
nents are not enemies but adversaries.
There is no doubt that this is a rather
ambitious wager, but it is also an oppor-
tunity to reconnect the Salon with its
audiences, commentators, allies, and
detractors. Nowadays, the institutional
pedagogy needs to de-institutionalize the
learning process, and this complex and
hazardous task is a challenge which an
event with the prestige and influence of
the Salon must face resolutely.
250 / 251
Clera
Anger

Clera es un fanzine, o un libro-fanzine. Clera is a fanzine, or a book-zine. It is

Est lleno de anos y vergas, de desviacio- full of anuses and cocks, of detours,
nes, de calaveras, de punkeros ahorcados, of skulls, of hanged punks, of sketchy
de muequitos chuecos y de otros no tan drawings and others that arent so sketchy,
chuecos, aunque chuecos todos en su even though they are all sketchy in their
deformidad moral. Es una de esas cosas moral deformity. It is one of those things
que hay que decomisarles a los hijos ado- that should be confiscated from teens, a
lescentes, es un compendio de contenidos compendium that debates itself between
que se debaten entre la destruccin del the destruction of the social order and
orden social y las ganas de decir que esa the desire to say that this destruction
destruccin puede ser cool. Esa quizs can be cool. Maybe this would be the first
sera una primera descripcin, la de un description a respectable adult would
adulto de bien, sobre esta publicacin. make of the publication.
However, it is better to say that Clera is
Sin embargo, Clera es, ms bien, un
a portrayal of a group of small organi-
tratado sobre un conjunto de pequeas
zations, collectives, and individuals that
organizaciones, colectivos e individuos
seek to create a new world and autono-
que intentan crear mundos nuevos y
mous spaces. It is an exercise of resistance
espacios de autonoma. Es un ejercicio
from a self-assured perspective, more of
de resistencia desde el desenfado, es un
a fist than a fistful of bound photocopies.
puo ms que un puado de fotocopias
Clera is a reply, modest but blunt, to
encuadernadas. Clera es una respuesta,
those who ask what is happening with the
modesta pero contundente, a quienes
various youth subcultures on the conti-
se preguntan qu pasa en el contexto de
nent. Prolific metal heads from Pasto, DIY
unas y otras subculturas juveniles en el
collectives in Bogot, people who push
pas. Prolficos metaleros pastusos, colec-
hard to create space for queer graphics,
tivos DIY en Bogot, gente que empuja
and artists that recombine graphics from
duro para abrir boquetes en los que haya
the media to turn them into a dense vomit
espacio para una grfica marica y artistas
full of strangeness are, among others,
que combinan iconografas mediticas
featured in the pages of this publication.
para convertirlas en un vmito denso y
Clera is, ultimately, a compilation of
lleno de extraamiento son, entre muchas
ideas, questions, and projects about insti-
cosas, los que pueblan las pginas de la
tutions, about forms and formats to think
publicacin. Clera es, en ltimas, un
of ways to find a place in the world that is
compilado de ideas, preguntas y proyec-
capable of resisting and responding to the
tos sobre la institucin, sobre formas y
institutionalization of everything, through
formatos para pensar cmo encontrar un
the emergence of closeness, through the
lugar en el mundo capaz de resistir y res-
warmth and richness that can become an
ponder a la institucionalizacin de todo,
intersection of distinct communities of
desde la emergencia de lo cercano, de lo
young people doing things.
clido y de lo rico que puede ser el cruce
de comunidades distintas de gente joven
haciendo cosas.
Editor: Colectivo Rat Trap (Jos Darcy Publisher: Colectivo Rat Trap (Jos
Cabrera, Paola Acebedo, Carlos Darcy Cabrera, Paola Acebedo, Carlos
Velsquez, Jose Sann, Jernimo Velsquez, Jose Sann, Jernimo
Velsquez y Boris Restrepo) Velsquez and Boris Restrepo)
Diseo y produccin: Perro Centinela Design and production: Perro Centinela

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Coprfago Paradise
Coprophagous Paradise
Adolescentes a tope de venlafaxina y
haloperidol, dealers que son insectos, una
ciudad que se llama Coprfago Paradise
y que solo por el nombre no es la zona
rosa de Bogot. Romances, rupturas,
crisis emocionales, relatos de juventud,
Temor y temblor, policas corruptos y
grotescos y una banda de rock que pudo
llamarse Putas Embarazadas Drogadictas
y Marginadas, construyen el entramado
de esta novela que Juan Nicols Donoso
empez a escribir durante el cambio de
milenio, produciendo versiones incon-
tables, todas ellas rechazadas por las
grandes casas editoriales colombianas
que, con su habitual ceguera, no vieron
que toda esa rabia desatada, todo el exce-
so y el vaco de Coprfago Paradise, eran
perfectos para darle al mundo una nueva
mercanca llena de futuro.
Coprfago Paradise es la novela de una
generacin en Colombia que se qued sin
novela, debiendo apelar a una escrita en
Cali, durante los setenta, y a otra bogo-
tana, de comienzos de los noventa, para
poder pensarse a falta de un relato propio
y contemporneo, en una poca, all,
signada por la presencia de la posmoder-
nidad y de las subculturas finalmente glo-
balizadas y puestas al servicio de infinitos
mercados que, a diferencia del editorial,
s supieron explotar a las juventudes de la
poca. Hoy, este best seller que nunca fue
es un documento clave para mirar atrs y
entender a esos adultos emprendedores
de hoy que antes fueran adolescentes
descentrados del estrato 4.
Teenagers doped up on venlafaxine y hal-
operidol, dealers who are also insects, a
city named Coprophagous Paradise that
is only distinguished from Bogotas red
light by its name. Romances, ruptures,
emotional crises, tales of youth, Fear
and Trembling, corrupt and grotesque
police and a rock band that called itself
Marginalized and Drug-addicted Pregnant
Whores, construct the framework of this
novel that Juan Nicols Donoso began to
write during the turn of the millennium,
producing countless versions, all of them
rejected by the big Colombian publishing
houses, which, habitually blind, could
not see that all of the uncontrollable
fury, all of the excess and emptiness of
Coprophagous Paradise was perfect to
present a new commodity, full of promise,
to the world.
Coprophagous Paradise is the novel of a
generation in Colombia that was left with-
out its own novel, and which had to resort
to one written in Cali in the seventies, and
another from Bogot from the beginning
of the nineties, in order to reflect on itself,
lacking a contemporary story of its own, in
a period of time marked by the presence
of postmodernity and of subcultures that
had finally been globalized and put at the
service of the infinite markets, which, in
contrast with the publishing houses, knew
how to exploit the youth of this period.
Today, this best seller that never was is
a key document to look back and under-
stand the entrepreneurial adults of today
who were previously the disaffected teens
of the middle class.
Autor: Juan Nicols Donoso Author: Juan Nicols Donoso
Diseo: Mara Jimena Snchez Design: Mara Jimena Snchez
Editorial: Can Press Publisher: Can Press

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El Fuete
The Whip
Nstor Cardona fund El Fuete hace 74
aos, creando un proyecto de vida que su
hijo Fabio continu para darle a Pereira
una vlvula de escape a la tensin poltica
local y para comentar, usando la stira y la
caricatura, la historia de la ciudad.
El Fuete fue la escuela en la que muchos
caricaturistas se han formado y el punto
de comienzo para sus destacadas carreras
en la prensa nacional. Chcolo, Matador
y Mheo, son algunos de esos dibujantes
que empezaron en el tabloide y que, para
esta edicin, aceptaron hacer una edicin
exhaustiva, comentando con agudeza
todas las incidencias de un proceso de
paz que, para el momento del lanzamiento
del peridico, an no haba tenido en
las urnas el desastroso resultado que
todos conocemos.
En este nmero, realizado en el marco del
Saln, vemos los sinsabores y las espe-
ranzas de un pas dibujado por estos cari-
caturistas con esa risa que es una forma
de temblor y tambin un puo en la cara
de todos los Jos Flix, de los Ordez
y de los Uribes que pueblan un pas que
termin mostrando que puede ser una
caricatura ms agridulce que cualquier
intento por caricaturizarlo.
Nstor Cardona founded El Fuete [The
Whip] 74 years ago, beginning a life proj-
ect that his son Fabio continued, giving
Pereira an escape valve for local political
tensions and using satire and cartooning
to comment on history and society.
El Fuete was a school in which many
cartoonists learned their craft, and the
starting point for their storied careers in
the national press. Chcolo, Matador, and
Mheo are some of these cartoonists that
began their careers working for the pub-
lication and who, for this issue, agreed to
create an exhaustive publication, making
lucid commentary about the events in
a peace process that, at the time of the
newspapers launch, still had not been
through the disaster in the ballot box with
which all of us are familiar.
In this edition, created as part of the
Salon, we see the worries and hopes of a
country drawn by these cartoonists with
that particular smile that seems a way of
trembling and also a fist in the face of the
Jos Flixes, Ordoezes, and Uribes of a
country that ended up showing that it can
be a more bittersweet cartoon than any
attempted caricature.
Autores: Matador, Chcolo y Mheo Authors: Matador, Chcolo and Mheo
Edicin: Fabio Cardona Publisher: Fabio Cardona
Diseo: Mauricio Barrera Design: Mauricio Barrera

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Ensayo # 1
Essay #1
Yolanda Chois, Camilo Aguilera,
Mara Juliana Soto y Miguel Tejada con-
forman Hacia el Litoral, una plataforma
imaginaria que rene varios proyectos,
intenciones e ideas en torno a un terri-
torio geogrfico: el litoral Pacfico entre
Colombia y Panam. Como parte de su
accin, Hacia el Litoral realiza transmi-
siones radiales, cartografas, procesos
curatoriales, activacin social, poesa e
investigacin sociolgica con el fin de dar-
le forma a un posible archivo que pueda
llegar a dar indicios sobre lo que ocurre en
una regin en la que todos los actores de
la guerra se disputan, con su presencia
sombra sobre el territorio, corredores
de trfico, extensiones de tierra, recursos
naturales y comunidades que son, cclica-
mente, usadas y desmembradas por unos
y otros agentes del poder mafioso, estatal,
guerrillero y paramilitar.
Este Ensayo #1 construye una cronologa
de la guerra en Jurad, donde, a partir de
la incursin paramilitar a comienzos de
los aos 90, se rompi un relativo balance
previo, cuando solo el EPL y las FARC
colaboraban o competan por el control
de la regin. Esta cronologa, consolidada
por Camilo Aguilera a partir de materiales
fragmentarios, testimonios, recortes de
prensa y, en general, voces, dialoga con
fragmentos de un poema de Miguel Tejada
en el que esas esquirlas de materiales
encuentran un cuerpo para generar una
voz potente como solo puede ser la voz de
los que ya estn muertos, de los que se
resisten a no estar.
Yolanda Chois, Camilo Aguilera, Mara Juli-
ana Soto and Miguel Tejada form Hacia el
Litoral, an imaginary platform that brings
together various projects, intentions, and
ideas concerning a geographical territory:
the Pacific coast between Colombia and
Panama. As part of its process, Hacia el
Litoral creates radio transmissions, car-
tographies, curatorial processes, social
actions, poetry, and sociological research,
aiming to build an archive that can indi-
cate what occurs in a region in which all of
the participants in a war, with their dark
presence, fight for territory, trafficking
corridors, extensions of earth, natural
resources, and communities that are cycli-
cally used and dismembered by one or
another agent of mafia, state, guerrilla, or
paramilitary power.
Essay #1 constructs a chronology of the
war in Jurad, where the paramilitary
incursion that began in the 1990s broke
the relative balance that previously
existed, in which only the EPL (The Popular
Liberation Army) and the FARC collab-
orated or competed for control of the
region. This chronology, put together by
Camilo Aguilera using fragmentary mate-
rials, testimonies, press clippings, and
voices in general, establish a dialogue with
fragments of a poem by Miguel Tejada,
through which these splinters of material
find a body in order to generate a powerful
voice that could only be the voice of those
already dead, those who resist not being.
Autor: Colectivo Hacia el Litoral (Yolanda Author: Colectivo Hacia el Litoral (Yolanda
Chois Rivera, Mara Juliana Soto Narvez, Chois Rivera, Mara Juliana Soto Narvez,
Camilo Aguilera Toro y Camilo Aguilera Toro and
Miguel Tejada Snchez) Miguel Tejada Snchez)
Editor: Sic Semper Tyrannis Ediciones Publisher: Sic Semper Tyrannis Ediciones
Diseo: Cuntika Studio Design: Cuntika Studio

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Jos Mart la
berenjena sublime y
el srdido pendejo
Jos Mart, the Sublime
Eggplant and the
Sordid Idiot
En Popayn, en 1977, un hombre nego-
ciando su delirio, cargado de fantasas
con Camilo Torres, con Derrida y con el
Papa, al que haba querido decapitar con
un disco de Carlos Santana quizs unos
aos despus de esos rituales de decapi-
tacin, escribe un texto a mquina, un
texto cortado y vuelto a pegar, un texto
saltarn y musical, un texto lleno de dibu-
jitos y de diagramas, un texto brillante
pero infinitamente oscuro. Un texto que es
inexpugnable pero lleno de luz. Un texto
no publicado antes y quizs impublicable
a pesar de esta edicin. Un texto que es
un hechizo y una pera americana en la
que coinciden Mart y Carpentier, Glas,
una tal Lady Madeline Usher de Gianakos,
Estanislao Zuleta y un metaprofesor, de
nombre Wladimir y de apellido Chuleta,
llenando todos todo de telaraas, entre
cantos de oropndolas, de berenjenas
testiculares y de gladiolos. Un libro que es
histrico, monumental, en sus 33 pginas
de cantos y de fecunda obscenidad, cuya
funcin, a diferencia de toda la otra, sosa,
filosofa colombiana, no es instruirnos o
hacernos entender sino quizs, llevarnos
a una pregunta sin final que nos da la
oportunidad de perdernos en la manigua
y de terminar preados por la semilla de
mejores fantasmas.
Jos Mart, la berenjena sublime y el srdi-
do pendejo es, sin duda, uno de los textos
ms revolucionarios que se han escrito
en la historia de Colombia, un ejercicio de
ruptura e instauracin y un lied infinito de
Bruno Mazzoldi, cantante de jazz, profesor
de filosofa, dibujante de mscaras, tra-
ductor de Derrida y comentarista de Leon
de Greiff, payaso honoris causa y absoluto
padre de todo lo que podra llamarse Punk
en este pas.
In Popayn, in 1977, a man negotiating his
delirium, full of fantasies about Camilo
Torres, about Derrida and about the pope,
whom he wanted to decapitate with a
Carlos Santana record, writes a text with
his typewriter some years later than those
decapitation rituals, a text that was cut
up and pasted back together, a restless
and musical text, a text full of drawings
and diagrams, a brilliant but endlessly
dark text. A text that is impregnable but
full of light. A text that was previously
unpublished, and is maybe unpublishable,
despite this edition. A text that is a spell
and an American opera in which Mart and
Carpentier, Glas, a Lady Madeline Usher
de Gianakos, Estanislao Zuleta, and a
metaprofessor named Wladimir, last name
Chuleta, cross paths, filling everything
with spider webs, in between the songs of
golden orioles, testicular eggplants, and
gladioli. A historical book, monumental, in
its 33 pages of songs and fecund obscen-
ity, whose function, in contrast with all
the other dull Colombian philosophy, is
not to instruct us or make us understand,
but maybe to lead us to a question with-
out answer that gives us the opportunity
to lose ourselves in the jungle and to
end up impregnated with the seed of the
greatest ghosts.
Jos Mart, la berenjena sublime y el
srdido pendejo [Jos Mart, the Sublime
Eggplant and the Sordid Idiot] is, without a
doubt, one of the most revolutionary texts
ever written in the history of Colombia,
an exercise in rupture and establishment,
and an infinite lied by Bruno Mazzoldi,
jazz singer, philosophy professor, drawer
of masks, translator of Derrida and com-
mentator on Leon de Greiff, clown honoris
causa, and the absolute progenitor of all
that can be called Punk in this country.
Autor: Bruno Mazzoldi Author: Bruno Mazzoldi
Edicin: La parte maldita Publisher: La parte maldita
Diseo: Calipso Press Design: Calipso Press

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La oquedad de los
Brocca
The Emptiness of the
Broccas
La oquedad de los Brocca (2016), es el
segundo intento de Jos Antonio Covo por
destruir el universo para reemplazarlo
por una nada espesa y profunda. Tras
Osamentas Relampagueantes (2015), su
primera novela, Covo insiste en un ejer-
cicio literario que ahora es un programa:
la puesta en duda de todos los principios
que sostienen nuestras convicciones
sobre la vida. Para hacerlo, acude siem-
pre a situaciones y personajes que nos
resultan familiares, casi estereotipados,
sin importar si hablamos de un grupo de
jvenes de buenas familias cartageneras
dedicados a la fiesta, la desazn y las
drogas, o bien si nos mete en la vida de un
grupo de oficinistas anodinos y de juegos
de poder empresarial para arrastrarnos
luego a civilizaciones ocultas en el centro
de la Tierra que buscan acabar con esta
de la superficie, o a una sociedad secreta
donde sus miembros poseen clones sobre
los que pueden ejercer un sinnmero de
violencias con el fin de afirmar la propia
subjetividad sobre el martirio de ese uno-
mismo-otro que sera el clon.
El trabajo de Covo, ms que la produccin
de ficciones, es un ejercicio de recons-
truccin del lenguaje y de las formas
narrativas del gnero novela, un trabajo
sobre estructuras analticas mantenidas
siempre al borde del colapso, enajenadas
y puestas en evidencia para traernos de
regreso un reflejo de nosotros mismos en
versin agujero negro.
La oquedad de los Brocca is Jos Antonio
Covos second attempt to destroy the
universe and replace it with a thick, deep
nothing. After his first novel, Osamentas
Relampagueantes [Lightning Skeletons]
(2015), Covo insists on a literary exercise
that has become a program: to question
all of the principles that sustain our con-
victions about life. To do this, he turns
to situations and characters that seem
familiar to us, almost stereotypes, without
caring if we are speaking about a group of
young people from good Cartagena fami-
lies who are dedicated to parties, unease,
and drugs, or if we are placed into the
lives of a group of anodyne office workers
and the power games of the business
world, and later dragged to civilizations
hidden in the center of the Earth that seek
to terminate those of the surface, or a
secret society whose members possess
clones upon whom they exercise countless
violence with the goal of affirming their
own subjectivity through the martyrdom
of the other-self that is the clone.
Covos work, more than the production of
fiction, is the exercise of the reconstruc-
tion of language and the narrative forms
of the genre of the novel, a work of analyt-
ical structures that are always kept on the
edge of collapse, demented and revealed,
bringing us around to a reflection of our-
selves in the form of a black hole.
Autor: Jos Antonio Covo Meisel Author: Jos Antonio Covo Meisel
Edicin y diseo: Can Press Publisher and design: Can Press

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Movimiento hacia
la Izquierda
Movement
Towards the Left
Gabriela Pinilla explora en su trabajo las
huellas de una mitologa de la accin pol-
tica de Izquierda en Colombia, recuperando
momentos e iniciativas de grupos e indi-
viduos que abrazan la lucha para generar
espacios de transformacin social. El Equipo
TRansHisTor(ia), conformado por Camilo
Ordoez y Mara Sol Barn, por su parte, ha
realizado, durante la dcada pasada, una
serie de proyectos de investigacin curato-
rial que indagan, de un lado, por las formas
de accin colectiva en el arte colombiano y
los espacios de politizacin de sus prcticas
y, del otro, por las representaciones medi-
ticas y la incorporacin social de momentos
coyunturales en la historia de Colombia.
Pinilla y TRansHisTor(ia) colaboran con
frecuencia y, en esta ocasin, dieron a luz
Movimiento hacia la Izquierda, un lbum
comentado que nos lleva de la mano por
una historia vertiginosa, la de las muchas
izquierdas en Colombia, entre 1910 y 1990.
Esta historia, llena de incidentes, desvos
y confrontaciones, presenta las luchas
de obreros, sindicatos, grupos armados
y movimientos indgenas, estudiantiles y
campesinos, entre otros, a partir de noticias,
comunicados y manifiestos aparecidos en
prensa. Como trabajo de exploracin de
archivos, el libro es una fuente rica de mate-
riales para tratar de armar un rompecabezas
hecho con fichas de juegos distintos. Ms
all, es una invitacin a pensar en las
formas de lucha y en las posibilidades de
transformacin social organizada, en un
momento donde las estructuras fundacio-
nales de las democracias representativas
se desploman aqu y all, dando chance a
pensar el espacio de lo poltico desde las
ruinas de un mundo que empieza a ver el
colapso final del capitalismo.
In her work, Gabriela Pinilla explores the
traces of a mythology of political action
by the Left in Colombia, recuperating
moments and initiatives of groups and
individuals that embrace political struggle
to generate spaces of social transforma-
tion. Equipo TRansHisTor(ia), made up of
Camilo Ordoez and Mara Sol Barn, for its
part, has created, during the last decade, a
series of curatorial research projects about
forms of collective action in Colombian art
and the spaces of politicization of its prac-
tices, and media representations and social
incorporation of critical moments in the
history of Colombia.
Pinilla and TRansHisTor(ia) frequently
collaborate and, on this occasion, have
created Movimiento hacia la Izquierda
[Movement Towards the Left], an album
with commentary that takes us through
a vertiginous history, that of the many
lefts in Colombia, between 1910 and 1990.
This history, full of incidents, detours, and
confrontations, presents the struggle of
workers, unions, armed groups, and indige-
nous, student, and campesino movements,
among others, through news stories, com-
munications, and manifestos that appear in
the press. As a work of archival exploration,
the book is a rich source of materials in
the attempt to put together a puzzle made
with pieces from different games. Beyond
that, it is an invitation to think about ways
of struggle and the possibilities of orga-
nized social transformation, in a moment
in which the foundational structures of
representative democracies are collapsing
all over, giving an opportunity to consider
the space of the political in the ruins of a
world that is beginning to see the final col-
lapse of capitalism.
Autores, edicin y diseo: Gabriela Authors, editors and design: Gabriela
Pinilla y Equipo TransHisTor(ia) (Mara Pinilla and Equipo TransHisTor(ia) (Mara
Sol Barn y Camilo Ordez Robayo) Sol Barn and Camilo Ordez Robayo)

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Notas de estudio
Study Notes
Notas de estudio es un pequeo libro que
surge de las conversaciones que sostuvie-
ron el artista caleo Leonardo Herrera y el
patrn absoluto del cartel de Cali, Gilberto
Rodrguez Orejuela, editadas y revisadas
por Carlos Andrs Mndez. Estas conver-
saciones, cuyos vestigios se remontan a
1999, cuando Herrera visitaba al capo en la
crcel de Palmira para ensearle filosofa
e historia, son retomadas en 2015, en los
Estados Unidos, donde Leonardo consigue
visitarlo para hablar de filosofa, de
encierro, de la crisis de la investigacin en
Humanidades y de otros temas en los que
el antiguo narcotraficante toma distancia
de su vida pasada y se reconstituye como
un nuevo sujeto de pensamiento.
Estas conversaciones, puestas en un
punto curioso de elaboracin, balan-
cendose entre la memoria, la verdad y
la ficcin literaria, ofrecen, a travs de la
escritura de Carlos Mndez, un espacio
para pensar el trauma de las guerras del
narcotrfico en Colombia, la posibilidad de
perdn, la redencin y el espacio en el que
cautiverio y libertad dejan de entenderse
como opuestos cuando son articulados
por el acto siempre soberano y siempre
precario de pensar.
Notas de estudio [Study Notes] is a small
book that emerged from conversations
between the artist Leonardo Herrera, from
Cali, and the head chief of the Cali Cartel,
Gilberto Rodrguez Orejuela, edited and
revised by Carlos Andrs Mndez. These
conversations, which date back to 1999,
when Herrera visited the capo in the Pal-
mira prison to teach him philosophy and
history, restarted in 2015, in the United
States, where Leonardo was able to visit
him to discuss philosophy, imprisonment,
the research crisis in the humanities,
among other subjects in which the elderly
drug lord distanced himself from his past
life and reconstituted himself as a new
producer of thought.
These conversations, put in a curious
point of elaboration, balancing themselves
between memory, truth, and literary fic-
tion, offer, through the writing of Carlos
Mndez, a space to reflect on the trauma
of the drug wars in Colombia, the possi-
bility of forgiveness, redemption, and the
place where captivity and liberty no longer
understand themselves as opposites when
they are articulated through the sovereign
and always precarious act of thinking.
Autor: Leonardo Herrera Author: Leonardo Herrera
Editor: Carlos Andrs Mndez Editor: Carlos Andrs Mndez

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Roco en formacin
Dew in Formation
Qu es pasar en relacin con ser? Qu es What is moving in relation to being? What
poblar en relacin con ocupar? Por qu
las plantas en vez de las piedras? Y entre
las plantas, por qu las rampantes y no las
que se yerguen? Qu es un reino? Qu es
un reino en relacin con un espacio? Por
qu un reino sin partes y no un lugar?
En Roco en formacin, Tupac Cruz des-
pliega un manifiesto que es como una
epifana, pero una epifana que no sale de
nosotros sino que, arrastrndose, se cuela
disolviendo para formar pensamiento, un
pensamiento que va pasando con las pala-
bras para dibujarse de pgina a pgina
como uno nuevo, elemental e indivisible.
El libro, facsmil de un manuscrito en el
que se percibe no solo el temblor de la
mano de Cruz, sino el de un pensamiento
que pasa a travs suyo y que es forma y
formacin constante de s ms que ser
artfice de la forma o reproductor de la
forma, es un momento, un paso que pasa
por la vida misma de Tupac, siempre
poblando en sus acciones y en sus pensa-
mientos un reino que es una promesa sin
destino, una invitacin a pasar, una filoso-
fa de la accin antes de solidificarse en
lo hecho. Roco en formacin es la acep-
tacin de la unidad incansable y siempre
en trnsito, pues ningn estado precede
y ninguno sucede al roco en formacin,
ninguna forma precede y ninguna sucede
al roco en formacin.
is settling in relation to occupying? Why
plants instead of stones? And among the
plants, why the creeping plants and not
those that stand up on their own? What is
a realm? What is a realm in relation to a
space? Why a realm without parts and not
a place?
In Roco en formacin Tupac Cruz reveals
a manifesto that is like an epiphany, but
an epiphany that does not come from us
but that, dragging itself, dissolves into
thought, a thought that is carried along
with words to be drawn on each page like
something new, elemental, and indivisible.
The book, a facsimile of a manuscript in
which one can perceive not only the trem-
bling hand of Cruz, but also the thought
that passes through it and which is a
constant form and formation that, more
than being the artifice of the form or the
reproducer of the form, is a moment, a
step that passes through Tupacs life,
settling a realm in his actions and his
thoughts that is a promise without destiny,
an invitation to pass through, a philosophy
of action before it crystallizes into what
has been done. Roco en formacin is the
acceptance of tireless unity and is always
in transit, as no state precedes and none
follows dew in formation, no form pre-
cedes and none follows dew in formation.
Autor: Tupac Cruz Author: Tupac Cruz
Edicin: La parte maldita Publisher: La parte maldita
Diseo: Calipso Press Design: Calipso Press

268 / 269
T y yo
You and Me
T y yo, una novelita rusa, es una ficcin
distpica construida como esos memes
de internet que dicen T y yo (situacin
romntica, sexual o abiertamente pat-
tica) no s, pinsalo. Se trata de una
narracin kafkiana de reclusin y fuga, de
personajes transmutados, de ideologas
impuestas experimentalmente sobre los
personajes de la novela (es decir, sobre
t y yo), de laberintos y geometras sagra-
das que resultan ser vas de escape, de
llamados a la accin aqu y ahora, y de un
sentido constante de disolucin y vrtigo
que ponen en juego un paralelismo entre
un lugar que por extrao resulta opresivo
y que, por la opresin que ejerce, nos trae
la certeza de que hemos estado ah.
Juan Crdenas suele meter a sus lectores
en esos juegos donde el suelo se desdi-
buja y se vuelve siniestro como condicin
para traernos la verdad de la situacin.
Su trabajo es siempre un recordatorio de
que no podemos aferrarnos a la seguridad
de unas posiciones construidas cuando
la experiencia de estar aqu es siempre el
ejercicio de movernos sin descanso, tra-
tando infructuosamente de encontrarnos.
T y yo, una novelita rusa [You and Me,
a Russian Novella], is a work of dysto-
pian fiction in the style of those internet
memes that read You and me... (set
over an image of a romantic, sexual, or
openly pathetic situation)... I dont know,
think about it. It is a Kafkaesque tale of
reclusion, escape, of people who have
been transformed, of ideologies exper-
imentally imposed on the characters of
the novel (that is to say, you and me), of
labyrinths and sacred geometries that
end up being escape routes, of calls to
action here and now, and of a constant
sense of dissolution and vertigo that puts
into play a correspondence between a
place that, because of its strangeness, is
oppressive, and for the oppression that it
exercises, gives us the certain feeling of
having been there.
Juan Crdenas tends to thrust his read-
ers into those games where the ground
dissolves to become something sinister,
in order to bring us to the truth of the
situation. His work is a constant reminder
that we cannot hang on to security of
constructed positions when the experi-
ence of being here is always an exercise
of moving without rest, vainly trying to
find each other.
Autor: Juan Crdenas Author: Juan Crdenas
Editor: Cajn de sastre Publisher: Cajn de sastre
Diseo: Estudio Machete Design: Estudio Machete

270 / 271
Un libro sobre la
dignidad
A Book About Dignity
Qu es ser un hombre negro en
Colombia? Cmo se ha construido esa
identidad a travs de una historia nacional
que bien podra empezar con los expe-
dientes del Tribunal de Indias? Qu tanto
sigue siendo el hombre negro en Colombia
socialmente incorporado a un imaginario
que viene del esclavo? Y, ms an, qu ited from slavery? And, more still, what is
tanto es temido por incorporar hoy, no el
imaginario del esclavo, sino la historia
del insumiso?
A partir de un recorrido por dos expe-
dientes histricos, el de Domingo Criollo,
lder del palenque de la Sierra de Mara,
hacia 1686, y el de Blas Castaeda,
administrador de una finca en Medelln,
1896, sumados al testimonio exhaustivo
de Carlos Angulo, quien gan visibilidad
meditica en septiembre de 2015 por
haberse resistido y exigir respeto de la
polica, que buscaba requisarlo por el sim-
ple hecho de ser negro, Liliana Angulo teje
un relato histrico donde, sin importar
los contextos geogrficos y los momentos
especficos de los acontecimientos, se
siente la continuidad de una historia de
racismo, sustentada en el prejuicio de que
el hombre negro es una amenaza a la que
se debe controlar, reducir y subyugar.
El libro, diseado como un dispositivo
rotofolioscpico, permite reanimar en
las pginas, el ejercicio de resistencia de
Carlos Angulo frente al abuso policial,
grabado por una transente y amplia-
mente difundido en medios locales
como manifiesto por la dignidad de las
comunidades afro y, en especial, de los
hombres afro, largamente oprimidos en un
pas que supuestamente se define como
pluritnico y multicultural.
What does it mean to be a black man in
Colombia? How has this identity been
constructed throughout a national history
that could very well begin with the records
of the Council of the Indies? How has the
black man in Colombia continued to be
socially embodied in an imaginary inher-
more frightening than to embody today,
not the imaginary of the slave, but the
history of the rebel?
Through a reading of two historical
records, that of Domingo Criollo, the
leader of the palenque, or runaway slave
community, of Sierra de Mara, around
1686, and that of Blas Castaeda, admin-
istrator in a farm in Medelln, 1896, along
with the exhaustive testimony of Carlos
Angulo, who gained visibility in the
media in September 2015 for resisting
and demanding respect from the police,
who were attempting to arrest him for
the simple fact that he was black, Liliana
Angulo weaves a historical narrative in
which, without concern for the geographic
contexts and the specific times of the
accounts, one feels the continuity of a his-
tory of racism, sustained by the prejudice
that black men are a threat that must be
controlled, reduced, and subjugated.
The book, designed as a rotofolioscopic
device, revives Carlos Angulos exercise
of resistance in the face of police abuse,
filmed by a passerby and widely shared in
local media as a manifestation of the dig-
nity of Afro-Colombian communities, and
in particular, Afro-Colombian men, heavily
oppressed in a country that defines itself
as multiethnic and multicultural.
Autor: Liliana Angulo Author: Liliana Angulo

272 / 273
Un Pacto con el diablo
A Pact with the Devil
La historia de Colombia, el pas del
Sagrado Corazn, es ms bien la historia
de un pacto con el diablo. Un pacto
supuesto desde la llegada de los espao-
les, temerosos de los indios y en pnico
absoluto frente a los esclavos negros,
objetos por excelencia de los oficios
del Tribunal de la Inquisicin. Ms all,
esa presencia del diablo en Colombia
se extiende a muchas manifestaciones
culturales que van desde el tradicional
carnaval del Diablo en Riosucio, hasta la
fascinacin de todas las culturas juveniles
contemporneas por todo tipo de mani-
festaciones satnicas.
En esa historia de las subculturas urbanas,
Pereira tiene un lugar de honor, al haber
sido, de la mano de Hctor Escobar, uno
de los papas negros, epicentro de ceremo-
nias, rituales y pactos con el diablo que,
desde finales de los aos 60, fueron cons-
truyendo una comunidad rica en historias
y en manifestaciones.
Tras la muerte de Escobar, varias inicia-
tivas han surgido por rescatar su legado
y preservar la memoria de un hombre y
de un grupo dedicados al culto al diablo
como prctica de libertad.
En Un pacto con el diablo, Gustavo Acosta
compila materiales para una historia del
diablo en Pereira, de sus adoradores, de
sus espacios sociales, de sus manifesta-
ciones culturales y del modo en que este
grupo de personas ha sido percibido por
el resto de una sociedad que se debate
entre la curiosidad y el rechazo.
The history of Colombia, the country of
the Sacred Heart, is better said to be the
history of a pact with the Devil. A pact that
has existed since the arrival of the Span-
ish, fearful of the Indians and in absolute
panic of their black slaves, objects par
excellence for the offices of the Tribunal of
the Inquisition. Beyond that, the presence
of the Devil in Colombia extends to many
cultural manifestations, from the tradi-
tional Carnival of the Devil in Riosucio, to
the fascination that appears in every con-
temporary youth cultures with all forms of
the satanic.
In this history of urban subcultures,
Pereira has a place of honor for having
been, at the hand of Hctor Escobar, one
of the Black Popes, the epicenter of
ceremonies, rituals, and pacts with the
devil that, starting at the end of the 1960s,
helped to build a community rich in sto-
ries and events.
After the death of Escobar, various initia-
tives have arisen to rescue his legacy and
to preserve the memory of a man and a
group dedicated to the cult of the Devil as
a practice of freedom.
In Un pacto con el diablo [A Pact with the
Devil], Gustavo Acosta compiles materials
for a history of the Devil in Pereira, about
his worshippers, his social spaces, his cul-
tural manifestations, and the way in which
this group of people has been perceived
by the rest of a society that vacillates
between curiosity and rejection.
Autor: Gustavo Acosta Vinasco Author: Gustavo Acosta Vinasco
Diseo: Mara Jimena Snchez Design: Mara Jimena Snchez

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Vine, vi y me vend
I Came, I Saw, I Sold
Myself
Mara Natalia vila Leubro, ms conocida
en Facebook como Maria Leubro, lleg a
Filadelfia el 4 de mayo del 2016, procedente
de Bogot y con rumbo a Nueva York.
Junto a un mapa que mostraba su geopo-
sicionamiento satelital en el Philadelphia
International Airport, Natalia publica en
una pequea nota en su muro (qu extrao
suena hoy, 9 de noviembre de 2016, que una
mujer latina publique en su muro, desde
los Estados Unidos) apenas un deseo, un
deseo muy de ranchera, as como es ella:
ojal que me vaya bonito <3.
Los meses que siguieron vimos cmo a
Natalia no le fue tan bonito, cmo fue roba-
da, cmo la estafaron, cmo fue contratada
por centavos. A pesar de todo, durante esos
meses que pas lavando baos, comiendo
pupusas, llevando una vida precaria, como
tantos trabajadores ilegalizados en los
Estados Unidos, Natalia sigui publicando
en Facebook cada cosita que pasaba, cada
pequeo detalle de espanto y maravilla en
la capital del mundo, y su voz, tan de ella
y tan cercana a la de muchos, estaba llena
de dolor y, a la vez, de un humor ms all
de todo, excepto del amor.
Vine, vi y me vend, su libro, es un testi-
monio en minsculas luminosas de un
viaje de encuentro y de alienacin, de des-
aparicin y de revelacin, a nosotros, aqu,
para quienes no tenamos claro, hasta hoy,
que eso que se llama el sueo americano
est hecho de pesadillas.
Mara Natalia vila Leubro, better known
on Facebook as Maria Leubro, arrived in
Philadelphia on May 4, 2016, from Bogot,
headed to New York. Along with a map
that showed her global satellite position
in the Philadelphia International Airport,
Natalia published a small note on her wall
(its sounds so strange today, November
9, 2016, that a Latina woman wrote some-
thing on her wall from the United States).
The note was barely a desire, the kind of
desire that might be found in a ranchero
song, very much like her: I hope this goes
well for me. <3.
We see in the following months that it did
not go well for Natalia, as she was robbed,
ripped off, and hired to work for pennies.
Despite everything, during the months
that she spent cleaning bathrooms, eating
pupusas, and living a precarious existence,
like so many illegalized workers in the
United States, Natalia continued to pub-
lish everything that happened to her on
her Facebook feed, every tiny detail of fear
and wonder in the capital of the world.
Her voice, so uniquely her own and so sim-
ilar to many others, was full of sadness,
and at the same time, of a humor that
supersedes everything else except love.
Vine, vi y me vend [I Came, I Saw, I Sold
Myself], her book, is a testimony in tiny
illuminations of a journey of encoun-
ter and alienation, of disappearance
and revelation, to us, here, who still
dont completely understand that this
thing called the American dream is
made of nightmares.
Autor: Natalia vila Author: Natalia vila
Edicin y diseo: Can Press Publishing and Design: Can Press

276 / 277
5-5
5-5 es la transcripcin de un momento
histrico, de una aglutinacin de reali-
dad bajo la forma de una transmisin
televisiva: la del histrico triunfo, si es
que as pudiera llamarse, de la seleccin
colombiana de ftbol frente a su homlo-
ga argentina, narrado en la voz de William
Vinasco Ch. el 5 de septiembre de 1993.
Piruetas, eslganes, chistecitos triunfa-
listas, publicidades precarias de Pintuco,
Phillips, Simoniz, la 9 Millonaria, la abejita
Conavi y cualquier otra cosa posible de
ser vendida en televisin, salpican por
todos lados los incidentes del partido.
Ms all, otros incidentes se han colado
en esa transcripcin. No solo cinco goles,
tambin cinco muertos: Andrs Escobar,
Jaime Garzn, Manuel Cepeda Vargas,
Bernardo Jaramillo Ossa y las annimas
vctimas de la celebracin del 5-0 se
alternan la pelota de ese gran deporte
nacional que es el asesinato poltico, el
asesinato mafioso, el asesinato pasional,
el asesinato ordenado por el Estado, ase-
sinato, en fin, de tantas formas y modelos
como productos disponibles para cada
saque de banda, para todo tiro de esqui-
na. 5-5 es una instantnea del pas de los
90, ese que 23 aos despus pervive en
cada narracin del Gol Caracol, aunque
solo nos acordemos de los goles y nunca
de los muertos.
5-5 is the transcription of a historical
moment, of an agglutination of reality in
the form of a television broadcast: the
historical triumph, if it could be called
that, of the Colombian soccer team against
its Argentine counterpart, narrated by the
voice of William Vinasco Ch., on September
5, 1993. Pirouettes, slogans, triumphalist
jokes, and crude advertisements for Pin-
tuco, Phillips, Simoniz, the 9 Millonaria
lottery, the Conavi bee mascot, and any-
thing else that can be sold on television
are sprinkled throughout everything that
happened during the game.
Beyond that, other incidents have been
slipped into the transcription. Not only
five goals, but five deaths: Andrs Escobar,
Jaime Garzn, Manuel Cepeda Vargas, Ber-
nardo Jaramillo Ossa, and the anonymous
victims of the celebration of the 5-0 pass
the ball between the great national pas-
times of political murder, mafia murder,
murders of passion, murders ordered by
the state, murder, in the end, with as many
forms and models as there are dispos-
able products advertised before every
throw-in, every corner kick. 5-5 is a snap-
shot of the country in the 1990s, which
23 years later lives on in each narration
by the Gol Caracol sports program, even
though we remember only the goals, and
nothing of the deaths.
Autor: Nicols Llano Linares Author: Nicols Llano Linares
Edicin y diseo: Salvaje Publisher and design: Salvaje

278 / 279
El Saln: un territorio en disputa
The Salon: a Contested Territory

Las polmicas alrededor del Saln son inevitables. En los dos

textos de esta seccin, rsula Ochoa y ricka Flrez piensan desde
afuera algunas de las cosas que pedimos de estos Salones, lo que
esperamos de ellos y las dinmicas crticas que generan.

The polemics that surround the Salon are unavoidable. In the

two texts of this section, rsula Ochoa and ricka Flrez think, as
outsiders, about some of the things we ask of these Salons, what
we hope of them and the critical dynamics they generate.
 Reflexionar desde el centro,
cuestionar desde la periferia
rsula Ochoa*

Voy a comenzar este texto con dos afirmaciones pedantes y

negativas (esto lo tom de Camnitzer). La primera es que el
mundo del arte es un sistema corrupto, aparente, principalmen-
te arribista y embustero, nada distinto a los sistemas polticos
de nuestro estimado pas, pero a una escala menor. Lo otro es
que parte del problema reside en que el criterio se compra y
tambin se vende; y digo esto justamente porque no hace mucho
he podido leer los textos que se publican en los peridicos y las
redes sociales, unos ensalzando y otros cuestionando al actual
Saln Nacional de Artistas que se encuentra en su versin 44.

Sin mucho esfuerzo me pude percatar de que ninguno de los

textos logra dejar claro que el criterio de quienes escriben no est
influenciado por intereses que no van ms all de una marcada
conveniencia estratgica o un evidente resentimiento personal. Se
desprestigia el evento (aun sin conocerlo) desde la inconformidad
de sentirse relegado, o porque promueve otra clase de activida-
des alternas, por un lado, o se ensalza porque se es parte de la
nmina oficial, por otro. Es decir, no ha sido posible ver un pensa-
miento objetivo en relacin al actual Saln Nacional de Artistas.
Un criterio serio, en el mundo del arte, siempre parece utpico.

En un gran nmero de casos, quienes han cuestionado el Saln lo

hacen desde el desagrado de no haber sido partcipes del evento,
lo cual, de antemano, exhibe un rencor arraigado que supera su
aparente preocupacin hacia el estado actual de los Salones
dentro de la historia del arte colombiano, y esto, por lo tanto, no
podra ser aceptado como opinar desde un criterio real.

*(Medelln, Colombia, 1987)Graduated in Visual Arts and studied Cultural

Journalism and Art Criticism, Aesthetics, and 18th Century Art Theory at
Cdiz University. She collaborates with the international contemporary art
magazine Artishock and the cultural supplement of El Mundo newspaper.
She also works with the publishing collective La Artillera in Medelln and
writes about art and culture for several publications.
Reflect from the center,
question from the periphery
rsula Ochoa*

I am going to begin this essay with two pedantic and negative

statements (I took this from Camnitzer). The first is that the art
world is a corrupt, feigned, and mainly arriviste and deceitful
system, no different from the political systems of our esteemed
country, but on a smaller scale. The other is that part of the prob-
lem lies in the fact that the criteria are bought, and also sold; and
I say this precisely because a short while ago, I had the chance
to read comments published in newspapers and social networks,
some extolling and some questioning the current National Salon
of Artists, which is now in its 44th edition.

It didnt take much effort to notice that none of the texts managed
to make it clear whether the criteria of those who wrote them were
influenced or not by interests that do not go beyond a notable
strategic convenience or an obvious personal grudge. Without
even seeing it, the event was disparaged because the author felt
unhappy about being left out, or because the person promotes
other, alternative kinds of events, on the one hand, or is puffed
up about being included in the official program of the Salon, on
the other. That is, I have not been able to find any objective think-
ing about the current National Salon of Artists. In the world of art,
serious criteria seem to always be utopian.

In a great many cases, those who have questioned the Salon do so

because they resent not having been chosen, which demonstrates
a deep-rooted resentment which overpowers their apparent
concern with the current state of the Salons in the history of
Colombian art, and therefore shows that that approach cannot be
regarded as based on real criteria.

*(Medelln, Colombia, 1987)Graduated in Visual Arts and studied Cultural

Journalism and Art Criticism, Aesthetics, and 18th Century Art Theory at
Cdiz University. She collaborates with the international contemporary art
magazine Artishock and the cultural supplement of El Mundo newspaper.
She also works with the publishing collective La Artillera in Medelln and
writes about art and culture for several publications.

282 / 283
Por lo dems, esto no es nada distinto a la pataleta del nio que
no recibi su pedazo de torta al final de la fiesta. De esta clase de
textos ya se han escrito muchos. En nuestro sistema artstico los
llaman, a veces, crtica institucional. As, vale recordar los egos
lastimados en el anterior Saln (inter)Nacional, realizado en la
ciudad de Medelln, Saln que, si bien tuvo desmanes curatoriales
como el privilegio expositivo de unos artistas sobre otros, o la
compleja retrica que acompa el enmaraado concepto cura-
torial, tambin tuvo aciertos que fueron fcilmente detectables y
que incluso los ms escpticos convinieron aceptar: He venido a
Medelln a tragarme mis palabras.

Ahora, es probable que cuando convengamos en sacar las con-

clusiones y hacer un balance objetivo sobre el 44 Saln Nacional
de Artistas, con juicio y verdadera tica (no la que se fundamenta
en no me gust porque no me invitaron, s me gust porque s
lo hicieron) habr cosas tan positivas y destacables como otras
por revisar y cuestionar. La preguntas seran entonces por qu
quienes hacen parte del mundo del arte entienden tan mal lo que
es una crtica real o tener criterio, y no lo diferencian de una pata-
leta personal?, para qu leemos libros sobre filosofa del arte,
crtica de arte y esttica en las academias?, para qu se sienta
usted a llenar una silla en un seminario o un coloquio de arte
nacional?, los ttulos obtenidos por todos los que hacen parte del
ecosistema cultural colombiano solo sirven para ostentarlos en
sus redes sociales?

Desde la perspectiva del NO hacia el Saln (es inevitable para m

relacionar este texto con la situacin actual del pas) se estimaron
los interrogantes de personalidades afines a instituciones y
universidades que se encuentran vinculadas en la organizacin
de otros eventos, y entonces se hizo clara y lamentable la verdad
de que, en nuestro paisaje artstico, la nica forma posible de
hacerse propaganda es denigrando a los dems.

Indudablemente, siendo el Saln Nacional de Artistas el evento

ms grande y antiguo del pas, siempre ser un caldo de cultivo
para que otras ideas puedan surgir utilizando al evento medular
como una plataforma y, sobre todo, como magneto de pblicos.
Sin embargo, tambin es justo aclarar que el desarrollo de estos
nuevos espacios, y de otras perspectivas expositivas durante los
Salones oficiales, puede ser realmente positivo en tanto que son
iniciativas que nutren el paisaje esttico y artstico que plan-
tea cada Saln oficial.

Casi como una cuota comn a pagar, cada Saln ha sido desnu-
trido a su manera, cada versin es un punto focal de inconformi-
dades y desavenencias, porque el Saln Nacional de Artistas, tal
y como lo hemos conocido hasta hoy, no naci para ser el evento
de la unidad y la fraternidad en el mundo artstico colombiano;
por el contrario, cada Saln y en especial el de este ao surge
para problematizar, para movilizar pensamientos, para generar
Anyway, there isnt any difference between that approach and
that of the child who throws a tantrum because he or she didnt
get a piece of cake at the end of a birthday party. A lot has already
been written about those kinds of essays. In our artistic system,
they are called institutional critique at times. Thus, it is worth it
to recall the wounded egos in the previous (inter)National Salon,
held in the city of Medelln, which, while guilty certain curatorial
excesses, like the favoring of some artists over others in the exhi-
bition, or the complicated rhetoric tangled in the philosophy of
the curators, did show some fine achievements that were easy to
detect, so that even the most skeptical members of the audience
were forced to acknowledge them, saying I have come to Medelln
to eat my words.

Now, it is probable that when we reach our conclusions and make

an objective assessment of the 44th National Salon of Artists with
sound judgment and a true ethic (not the kind based on I didnt
like it because I wasnt invited, I liked it because they did invite
me, etc.), there will have been some positive and outstanding
things, just as there will be others that are questionable or require
further reflection. The questions to be asked then would be the
following: Why do those who form part of the art world have such
a poor understanding of what real criticism or valid criteria are?
Why cant they distinguish that from a personal temper tantrum?
What is the point of our reading books about the philosophy of art,
art criticism, and aesthetics at the university? Why do you sit down
just to fill a seat in a seminar or colloquium on Colombian art? Do
the degrees obtained by everyone who belongs to the ecosys-
tem of Colombian culture only serve as a way to show off on their
social networks?

From the point of view of the Salons Nos, or naysayers (I cant

help connecting this essay with the current referendum on the
Peace Agreement between the government and the FARC guerrilla),
it was possible to detect the bias of people associated with insti-
tutions and universities that are involved in the organization of
other events, and thus the unfortunate truth became clear: in our
artistic setting, the only possible way to call attention to oneself is
to belittle others.

There is no doubt that, as the biggest and oldest event of its kind
in the country, the National Salon of Artists will be a breeding
ground from which other ideas may arise by using that core event
as a platform, and above all a magnet to attract an audience. How-
ever, it is only fair to clarify that the emergence of new venues and
other standpoints on exhibiting art during the official Salons may
be truly positive insofar as they are initiatives which nourish the
aesthetic and artistic landscape set forth by each official Salon.

Almost as though it were a fee that everyone must pay, each Salon
has been malnourished in its own way: each edition becomes the

284 / 285
preguntas sobre los preceptos artsticos, culturales y polticos
que hemos venido alimentando desde hace ya muchos aos en
Colombia. Los Salones son () un lente sobre las realidades
cotidianas que construyen los paisajes sociales; un mirador para
comprender los accidentes, fallas y ondulaciones de un suelo
constantemente modificado por infinitas tensiones estticas, ti-
cas y polticas en un pas donde risa y temblor se confunden.

El nuevo siglo trajo consigo cambios radicales en los formatos del

Saln que parecan tambin ser una consecuencia de las nuevas
reformas filosficas que se permitieron desligar la historia de los
grandes discursos. El arte entonces comenz a preguntarse la
pertinencia de un arte reivindicatorio en un sentido contextual
y social, que iba en una perspectiva contraria a la estatizacin
generalizada de un arte purista e intocable desde el pedestal de
la institucin. Lo que Marta Traba llam termmetro del arte
colombiano dej de tener sentido para un pas desmembrado que
necesitaba, desde el arte, dejar de mirarse a s mismo y comenzar
a percatarse de los lazos que tena no solo con el continente lati-
noamericano, sino tambin con lo que pasaba en el mundo.

En este sentido, la formacin de conceptos curatoriales que

incluyeron un componente internacional, lejos de ser una mana
incmoda, como la ven quienes siguen alimentando un discurso
autista donde solo tendra cabida lo propio y lo vernculo, es
una necesidad fundamental para el arte, en Colombia y en cual-
quier pas. El reconocimiento de otras formas de sentir, de hacer
y de pensar sea bajo diferentes modos de insercin del arte en
la vida cotidiana o mediante la reelaboracin de los conceptos
del quehacer artstico, que incluye revisar la influencia del fen-
meno del mercado en la experiencia esttica que ha de propiciar
un evento central, forma parte de la responsabilidad que deben
afrontar los individuos que operan en una maquinaria artstica,
que no podra funcionar sola.

A pesar de las crticas a la institucionalidad cerrada y al mani-

quesmo esttico del Saln Nacional, en cada versin tambin en
AN puede advertirse un nuevo aspecto que pareciera, incluso,
por fuera de los cnones de la institucin.

El Saln Nacional de Artistas es ahora un terreno movedizo y, por

lo tanto, un terreno peligroso; su peligro radica justamente en
que nos desestabiliza de las pretensiones simblicas en las mani-
festaciones artsticas nacionales. Cada versin se ve obligada a
reformular, desde las curaduras, lo que su antecesor pudo haber
desestimado. Es por esto que valdra la pena reconocer que los
Salones nos han sealado, desde su condicin, que los asuntos
estticos no pueden ser perifricos a los asuntos de la realidad
nacional. La debilidad de cada Saln Nacional no corresponde
pues a una premeditacin ensaada contra los artistas, los modus
operandi, o las nociones estticas de quienes se han quedado
al margen del evento; esta es una debilidad inevitable porque la
focal point of disagreements and quarrels, because the National
Salon of Artists, in its current form, was not originally meant to
bean event to bring unity and fraternity to the Colombian art
world but, on the contrary, each Salon, and especially this years
edition, exists to problematize, mobilize a range of opinions, and
provoke questions about the artistic, cultural and political prin-
ciples that have thrived in Colombia for many years. The Salons
are, a lens on the everyday realities that construct our social
landscapes; a lookout tower which enables us to perceive the fea-
tures, faults, and undulations of a land which is constantly being
changed by an infinite number of aesthetic, ethical and political
stresses in a country where laughter and trembling are hard to
distinguish.

The new century has brought radical changes to the format of

the Salon, which also seemed to have been a result of the new
philosophical reforms that allowed us to unlink history from
grand discourses. Art then began to inquire into the relevance of
a vindicating art, in a contextual and social sense, which went
against the generalized consecration by the Establishment of a
pure and untouchable art that stood on the pedestal of the insti-
tutions. That standpoint, which the art critic Marta Traba called
the thermometer of Colombian art, no longer had meaning for a
dismembered country which needed for art to stop being so self-
absorbed and to begin perceiving the links it had, not only with
the rest of Latin America, but also with what was happening in the
rest of the world.

In that regard, far from being an uncomfortable mania, as it is in

the eyes of those who continue to feed off an autistic discourse
where there is only room for the the proper and the vernacular,
the invention of curatorial concepts with an international com-
ponent is a fundamental necessity for art, both in Colombia and
elsewhere. Such a recognition of other ways of feeling, doing, and
thinking, whether by employing different ways of inserting art into
daily life or by reformulating ideas about the role of art, includes
rethinking the influence of market forces on the aesthetic experi-
ence that a major event should encourage, and all these things are
part of the responsibility which should be assumed by the indi-
viduals who operate a machinery of art that cannot function on
its own.

Despite the criticisms about its closed nature and aesthetic

Manichaeism of the National Salon, one can see a new aspect in
each edition, and in AN, that would even seem to go beyond the
canons of the Salon as institution.

Nowadays, the National Salon of Artists is a shaky ground and

therefore, a dangerous one. The danger lies precisely in the fact
that it makes us nervous to see how it undermines the symbolic
pretensions of national artistic expressions. The curators of each

286 / 287
dinmica de seleccionar a unos significa, implcitamente, dejar por
fuera todos los dems.

Entre tanto, las formas posibles de estar en contra de una

propuesta institucional, donde las tiranas curatoriales, como
suelen llamarlas, han trazado un paisaje artstico deshonroso,
paradjicamente no se muestran discordantes con estas mismas
polticas de estructuracin en los eventos alternos. Quienes
critican las tiranas estticas, expositivas y complacientes con
el mercado, tambin tienen sus pequeas tiranas estticas y
complacientes con su idiosincrasia, pues estn contaminadas
por ese sentimiento con ansias de revancha, ms que por una
motivacin artstica real. Sus discursos se vuelven igual de mani-
queos, embusteros y demagogos que los de ese sistema oficial al
que tanto suelen criticar.

Tampoco es posible que se hable de esa pluralidad o demo-

cracia expositiva, de ese arte igualitario, libre y mltiple que
suelen describir con tanta elocuencia, porque eso es inexistente.
Gran error es creer que solo por no hacer parte de la burbuja
oficial del arte no se es un tirano. Que un artista simpatice con
mi ideologa no es un criterio, pero en el mundo del arte lo es,
porque, como mencion anteriormente, el criterio es algo que se
compra y se vende.

La aprehensin (interpretacin o lectura) de la obra artstica y de

los interrogantes que plantea cada uno de los participantes en
un evento como un Saln Nacional debe ser el prembulo para
la formacin de un criterio o un juicio verdadero. Los cambios de
sensibilidades personales, segn se exponen pblicamente en lo
que solemos llamar crtica de arte, que incluye mofas y chistes de
mal gusto hacia las personas involucradas con un pensamiento
distinto, solo refleja la incompetencia para formular un debate
desde problemticas que van ms all de una afinidad personal,
una forma de hacer arte o incluso, anacrnicamente, un estilo.

Las dinmicas actuales que propone el Saln, haciendo nfasis

en la necesidad de crear puntos de convergencia con todo lo que
pasa en la realidad del arte colombiano, este ao puntualiza en
una manera de encontrar posibles vnculos con eventos alternos
que tienen una nmina especialmente amplia de prcticas,
curaduras y actividades, y cuya propuesta apunta a la pluralidad
artstica y pedaggica. Esto contribuye a que el malestar hacia
el modelo actual del Saln (malestar siempre presente, claro) se
apacige por el gesto estratgico (no podra asegurar si positivo
o negativo) de seleccionar a casi todo el mundo; es decir, tenerlos
a todos contentos. Sin embargo, cabra matizar si ese gesto
pluralista donde todos tienen cabida no incita, de alguna forma, a
la falta de unidad desde un componente formal y unos conceptos
que ya no deberan ser arbitrarios en la formacin de estrategias
expositivas y, por ende, curatoriales en el discurso de proyectos
con filosofas incluyentes y contra el establishment.
edition have been forced to reformulate what its predecessor
might have dismissed. That is why it is worth acknowledging that
the Salons have shown us, each in their own way, that aesthetic
matters cannot be peripheral to the reality of the country. Thus,
the weakness of any one Salon does not amount to a premedi-
tated assault against the artists, modus operandi, or aesthetic
ideas of those who have been left out. That weakness is inevi-
table, because the dynamics responsible for choosing some artists
means, implicitly, leaving everyone else out.

In the meantime, the different ways of opposing an institutional

approach, which blame what is often called the tyranny of cura-
tors for laying out a disgraceful artistic terrain, paradoxically
do not disagree with those same policies when it is their turn to
structure alternative events. Those who criticize the curators for
being tyrannical about their aesthetic standards and the artists
they choose, as well as for being too indulgent towards the art
market, are also tyrannical in their way, contaminated, as they are,
by a zeal for revenge rather than a true artistic motivation. Their
discourses become just as Manichean, deceitful and demagogical
as those in the official system whom they criticize so much.

Nor is it possible to speak of an ideal of pluralism or democ-

racy in the approach to exhibitions, or that egalitarian, free and
many-sided art which they often describe so eloquently, because
it does not exist. It is a major error to believe that one is not a
tyrant only because one is not inside the bubble of official art.
The fact that an artist sympathizes with my ideology is not a cri-
terion, but it becomes one in the world of art, because, as I said
above, criteria are bought and sold.

The apprehension (interpretation or reading) of a work of art and

the questions that each participant in an event like a National
Salon poses should be the preamble for the formation of a true
criterion or judgment. The shifts in personal sensibilities, as
they are publicly seen in what we usually call art criticism, which
includes taunts and jokes in bad taste about people who think dif-
ferently, are only a reflection of our inability to formulate a debate
based on concerns beyond personal affinity, a way to make art, or
even that anachronistic term, style.

The current dynamics proposed by the Salon, which emphasize the

need to create meeting points for everything that happens in the
reality of Colombian art, zero in on a way to find possible links with
alternative events, displaying an especially wide range of prac-
tices, curatorial philosophies, and activities, so that it does point
to the ideal of an artistic and educational plurality.

This has helped to soften the uneasiness some feel about the
current model of the Salon (an eternal problem, of course), thanks
to its strategic gesture of choosing nearly everyone (though we
cant say for sure if it is positive or negative); in other words,

288 / 289
En esencia, no todo lo que est dentro del sistema oficial, acept-
moslo o no, est mal estructurado o acapara los discursos como
simples caprichos curatoriales para satisfacer a un mercado; y
no todo lo que est por fuera de esa esfera, desde la disidencia y
la revolucin, es un dechado de honestidad y buenas virtudes con
excelentes estrategias conceptuales y formales. He aqu la para-
doja, la historia del arte colombiano nos ha enseado que existe
una tendencia a polarizar los eventos, a polarizar los discursos,
las maneras de hacer arte con las ideologas determinantes de
cada momento histrico. Como consecuencia, tenemos un arte
nacional desmembrado, contradictorio desde el ncleo y con-
tradictorio en la periferia; un terreno artstico donde proliferan
opiniones iracundas, pero rido en una crtica real que reconozca
sus propias falencias y que no pretenda solo sealar como tiranos
a los dems.

Este es el paisaje poltico colombiano y lo venimos replicando

desde el arte, como ya seal anteriormente, a una menor
escala, aunque, por el contrario, el arte debera posicionarse
como la ms grande exaltacin del desarrollo social e intelec-
tual en la evolucin humana, pero es esto lo que hace parte
del panorama cultural.

En relacin a este punto, como malos colombianos, creemos que

hacer crtica es burlarse del otro. Aqu, hacer crtica es utilizar la
ofensa personal, el insulto o la injuria, las burlas facebookeras
(sic) donde se etiqueta al enemigo en un acto fingido de agallas
y honestidad injustificada. He visto, con pena, que incluso
las plataformas de crtica cultural solo se convirtieron en un
cmulo de memes y chistes de mal gusto hechos por personas
aparentemente estudiadas, aparentemente crticas y, aparen-
temente, con criterios claros. Esto, a lo sumo, constituye una
forma irresponsable de confundir al espectador que tiene la mala
costumbre de pensar que las pginas de cultura, o los sistemas
de comunicacin, cumplen una funcin pedaggica en cuanto a la
crtica de arte.

Cmo debera dialogar entonces la crtica de arte en el debate

sobre el arte actual? Ante todo, propongo subrayar la palabra dia-
logar, porque es lo que debe hacerse, pero casi nunca se hace. De
manera contraproducente para la claridad en las nociones sobre
crtica de arte, entendemos por crtica, cuando es acadmica, una
serie de textos cargados de trminos densos y de difcil com-
prensin, que se cierran a un posible debate a menos de que los
detractores sean ms grandilocuentes y utilicen trminos pompo-
sos contaminados por las nfulas de ser la verdad ilustrada.

Por otro lado, la crtica que no es acadmica, en el sentido de

que cuestiona los modelos tradicionales de ejercer la labor de
opinar, consiste en desinformar y tergiversar significados a travs
de la burla, pero con las mismas nfulas de ser la verdad. A
esto le llaman una crtica democrtica, abierta y plural. ElAN
making everyone happy. However, it is worth wondering if that
pluralist gesture, whereby there is room for everybody, would
not lead in any way to a lack of unity from a formal point of view
or a conceptual framework curatorial, in the end that should
not be arbitrary about setting the strategies for the exhibitions
and the use of a discourse with an inclusive, Anti-Establishment
philosophy.

Like it or not, not everything within the official system is poorly

structured, nor does it monopolize discourses as simple cura-
torial whims to satisfy a market; and not everything outside
that sphere, in terms of dissident or revolutionary opinions, is a
paragon of honesty and sound virtues based on excellent con-
ceptual and formal strategies. There lies the paradox: the history
of Colombian art has shown that there is a tendency to polarize
events, to polarize discourses and ways of making art in accor-
dance with the ideologies that are in fashion at a given time.
Thus, we have a national art with a split core and a contradictory
periphery; an artistic terrain where ill-tempered opinions abound,
but one that is meager in true criticism that acknowledges its own
shortcomings and goes beyond the simple pointing out of every-
one else as tyrants.

That is the landscape of Colombian politics and we have been

reproducing it in our art, on a lesser scale, to be sure, as I
remarked above, whereas, on the contrary, art should position
itself as the grandest exaltation of the social and intellectual evo-
lution of the human spirit, because that is what makes it part of
our cultural panorama.

With regard to that point, like the fallible Colombians we are, we

think that criticism isa matter of making fun of others. Here, criti-
cism amounts to using personal insults or slanders, to Facebook
jeers where the enemy is tagged in an unjustified and false dem-
onstration of guts and honesty. It distresses me to see that
even the platforms of cultural criticism have become a heap of
memes and jokes in bad taste, made by people that are apparently
cultured, apparently critical, and with apparently clear criteria.
This, in short, is an irresponsible way of confusing the spectators,
who have the bad habit of thinking that the websites on culture
or communication systems in general play an educational role in
art criticism.

How, then, should art criticism dialogue with the debates on con-
temporary art? Aboveall, I underline the word dialogue, because
that is what it should do but rarely does. The approach I am speak-
ing of is counterproductive when it comes to clarifying ideas about
art criticism. When it is of the academic kind, we think of criticism
as a series of texts filled with dense and incomprehensible terms
that close off the possibility of a debate, unless the opponents are
even more grandiloquent, using pompous terms tainted by claims
of being the truth revealed.

290 / 291
44 Saln Nacional de Artistas ha de analizarse y pensarse con
neutralidad y cabeza fra frente a lo que significa como complejo
expositivo y discursivo para el arte a nivel nacional y ante los
vnculos que puede generar (o no) con el arte de otros territorios.
Esto debe hacerse sin recargas demaggicas y sin mofas.

Cabe aclarar que las discusiones sobre si un Saln Nacional satis-

face o no a la mayora de los pblicos, o si debera, en su defecto,
hacerlo, son discusiones ridas y sin sentido real de autoevalua-
cin y evaluacin de los discursos, porque ante esto, habra que
preguntar, puntualmente, quines son los pblicos? y qu signi-
fica exactamente hacer parte de la mayora? De nuevo se herme-
tiza la discusin y se imposibilita un verdadero dilogo al respecto.

Desde esta concesin, lo que valdra la pena analizar es si AN

mueve reflexiones, si el Saln desde el componente museogr-
fico y expositivo verdaderamente da cuenta de esas prcticas
artsticas contemporneas como se volvi moda nombrarlas, y
si logra establecer puentes entre pblicos, instituciones y dis-
cursos. Se debe analizar si las obras aqu presentes pueden ser
consideradas como un fragmento (cuidado!, solo un fragmento)
de lo que puede entenderse como el panorama artstico nacional,
las inquietudes de los artistas que hacen parte de una dinmica
y una realidad social y poltica latinoamericana, y sus modos
de trabajar no solo los conceptos sino la materia y la forma.

Es justo entonces considerar que los anteriores Salones, aun

originando discusiones y malestares, han podido estimarse como
fragmentos que han ilustrado la realidad filosfica y creativa en
el arte nacional. Sin embargo, como todo fragmento, tambin
han dejado de lado situaciones, artistas e idiosincrasias que
quisieron hacer parte de ellos. Esto los ha convertido en malos
salones? No. Justamente, esto los convierte en un sntoma de
las mismas dinmicas que a todos nos interesa analizar y que
nos han empujado a preguntarnos si debe el Saln volver a sus
modelos tradicionales cuando no exista el concepto curar.

En realidad, lo que debe suceder o lo que puede seguir

sucediendo es que se evale la pertinencia de los conceptos
que pueda plantear cada Saln para llegar a un consenso
curatorial que incluya realmente una buena fraccin de lo que
significa hacer arte en Colombia. Quizs el debate siempre ha
estado mal formulado, quizs el problema no es que exista
un modelo de Saln curado, sino que se planteen curadu-
ras cerradas o poco consecuentes con nuestra realidad.

Para terminar, vale la pena recordar que el mundo del arte es

un sistema corrupto, aparente, principalmente arribista y embus-
tero; nada distinto a los sistemas polticos de nuestro estimado
pas, pero a una menor escala. Vale recordarlo porque la
intencin de un texto no debera ser ensalzar algo de lo que se
hace parte, o demeritarlo por quedarse por fuera. Las lealtades
On the other hand, non-academic criticism, in the sense that it
questions traditional models of commenting on art, consists of
misinforming and distorting its meanings through mockery, with
the same pretense of being the truth. That is what is called a
democratic, open, and pluralist criticism. The 44th National Salon
of Art, AN, must be analyzed and thought about with impartial-
ity and a cool head, regarding what it means to be a national
showcase for exhibiting and assessing Colombian art and about
the links it may forge (or not) with the art of other lands. All this
should be done without demagogical flourishes or mockery.

It is worth clarifying that the discussions about whether a National

Salon does or does not satisfy most the public or if it should do
that, are arid and without any real meaning in the sense of self-
criticism and a critical assessment of discourses, because, in the
face of that issue, it would be better to ask, specifically, who is
this public and what exactly does it mean to form part of the
majority? Once again, the discussion becomes hermetic and
makes it impossible to establish a true dialogue.

If we are going to talk about making concessions to the public, it

would be better to ask ourselves whether AN really moves the
spectators to reflect on art and whether its exhibition platform
truly considers those contemporary practices of art (as they are
fashionably called) and if it manages to establish bridges between
the public, the institutions and the discourses. We should be
analyzing whether the featured artworks can be regarded as a
fragment (warning: only a fragment!) of what can be understood
as the panorama of Colombian art, the concerns of the artists who
participate in the dynamics, and the social and political reality of
Latin America, and their ways of working not only with concepts
but with materials and forms.

Thus, it is fair to say that the previous Salons, even though they
inspired discussions and critiques, have served as fragments that
illustrate the philosophical and creative reality of Colombian art.
Nevertheless, like any fragment, they have also ignored situations,
artists and idiosyncrasies that wanted to be included. Does that
make them inadequate? No. That is precisely what has made them
a symptom of the dynamics which we are all interested in analyz-
ing, and which have forced us to ask ourselves whether the Salon
should return to its traditional model, before the irruption of the
idea of curating.

In fact, what should be happening or might continue to happen

is that we assess the relevance of the concepts which each Salon
sets forth in order to reach a curatorial concept which really
secures a consensus and includes a large part of what it means to
make art in Colombia. Perhaps the debate has been poorly framed
from the start. Perhaps the problem isnt that there exists a model

292 / 293
suelen contaminar los criterios, tanto como el rencor contamina
los dilogos (hablo de nuestro pas y hablo del mundo del arte).

Interpretando a Jos Luis Brea desde un planteamiento crtico,

lo que un Saln sea oficial o sea desde la periferia debera
hacer es sealar las zonas sensibles (desde la esttica) que
generen reacciones diversas, ser complementos que detecten
los puntos de quiebre de cada sistema (artstico, poltico y
social), proyecciones que contribuyan a poner en evidencia en
qu sentido las producciones simblicas de los artistas no solo
valen por lo que dicen, sino tambin por cuanto desborda lo
que creemos comprender de ellas, lo que no es dado a conocer.

En este caso, el Saln Nacional de Artistas puede mostrarnos

las causas por las que todo cerco de comprensin del territorio
artstico nacional genera una zona de exclusin; hablar a partir
de esta zona, ms que inducir a la violencia cultural desde
esos discursos V de Venganza, debera hacernos entender que
en todo aquello que vemos como un arte oficial, por contraluz,
se perfila tambin todo un otro mundo que se nos escapa.
of a curated Salon but that the curatorial ideas are too narrow or
unrelated to our reality.

To conclude, it is worth recalling that the art world is a corrupt,

feigned and mainly arriviste and deceitful system, no differ-
ent from the political systems of our esteemed country but on a
smaller scale. It is worth recalling because the intention of a text
should not be to glorify something to which one belongs, or to
scorn it because one is an outsider. Loyalties usually spoil criteria,
just as resentment spoils dialogues (I am speaking both about our
country and the world of art).

Following the ideas of Jos Luis Brea from a critical standpoint, I

would say that what a Salon should do, be it official or peripheral,
is to point out the sensitive areas (aesthetically speaking) which
bring about a variety of reactions, act as complements which
detect the breaking points in each system (artistic, political, and
social) and project truths which manifest the sense in which the
symbolic creations of artists are not only valuable for what they
say, but also for the way they exceed what we think we understand
in them, what is not explicitly announced.

In this case, the National Salon of Artists may show us why every
effort to encompass the territory of Colombian art creates a zone
of exclusion. Instead of provoking a cultural violence on the lines
of V for Vendetta, speaking from that zone should make us under-
stand that everything that we see as official art, if seen with a
backlight, suggests a whole other world which escapes us.

294 / 295
Territorio y performatividad
Tres puntadas sobre un concepto que falta

ricka Flrez*

1. ELOGIO DE LA OPACIDAD

En la selva del Choc se estrell una avioneta. Se salv una

mujer de 18 aos con su beb de brazos. Sobrevivieron despus
de pasar cuatro das en la manigua. Uno quiere verlo todo: los
harapos de la seora, las serpientes que la rodearon, el ro del
que tom agua y los cocos de los que se aliment durante esos
das. La miseria: uno la quiere ver.

Pero el noticiero solo muestra dos imgenes en loop: un res-

catista del ejrcito abrazando al nio, y otro militar abrazando
a la seora.

Uno quiere ver ms, uno quiere saber ms y, sobre todo, quiere
ver imgenes que representen con exactitud pornogrfica qu es
el sufrimiento.

Lo incompleto de la narracin y de las historias no corresponde

nicamente al hecho de que fue imposible tomar ms fotos
durante el desastre. No contarlo ni mostrarlo todo es tambin
un mecanismo de dominacin. A veces, dominar es sinnimo de
seducir o de conquistar.

Representar es intentar atrapar una esencia, aun sabiendo que

no existen esencias sino circunstancias; se trata, por lo tanto, de
una empresa destinada al fracaso. La investigacin social en las
ltimas dcadas ha mostrado cmo representar significa inven-
tar ms que capturar.

Al capturarlo, el militar no est cazando un guerrillero, sino

que se est inventando un enemigo; as como cuando intentamos
darle un nombre a algo que no lo tiene an.

*(Cali, Colombia, 1983)

Ha trabajado principalmente editando publicaciones, curando exposiciones
y escribiendo. Hizo parte del grupo de trabajo de Lugar a dudas. Fund (junto
con Mnica Restrepo, Herlyng Ferla y Hernn Barn) La Nocturna, una plata-
forma de experimentacin a partir de formatos discursivos y pedaggicos.
Territory and performativity
Three stitches about a missing concept

ricka Flrez *

1. IN PRAISE OF OPACITY

A light plane crashed in the jungle of Choc. A woman and the

baby in her arms were saved. They survived after spending four
days in the jungle. One would like to see it all: the ragged clothes
of the lady, the snakes which surrounded her, the river she drank
water from, and the coconuts she ate during those days. Misery:
one wants to see it.

But the TV news only shows a loop of two pictures: the soldier
who rescued them hugging the boy and another soldier hugging
the lady.

One wants to see more, one wants to know more, and above all,
see pictures representing what suffering is with pornographic
exactness.

The incompleteness of the narration and the stories is owed

not only to the fact that it was impossible to take more photos
of the accident. The refusal to tell or show is also a mechanism
of domination. At times, dominating is a synonym of seducing
or conquering.

To represent is to try to trap the essence of something, even

knowing that essences do not exist, but only circumstances. Thus,
we are speaking of an enterprise doomed to failure. In recent
decades, the social sciences have shown how representing means
inventing more than capturing.

When a soldier captures a guerrillero, the soldier is not hunting

him but inventing an enemy; just as when we try to give a name to
something that does not have one yet.

*(Cali, Colombia, 1983)

She has worked as an editor, curator and writer. She was part of the work
group of Lugar a dudas and founded (alongside Mnica Restrepo, Herlyng
Ferla and Hernn Barn) La Nocturna, a platform that experiments with
discursive and pedagogical formats.

296 / 297
A veces el escritor es consciente del fracaso de las palabras tratan-
do de atrapar objetos o imgenes, y quiz esta constituye una
regla de la higiene o la moral del arte: hacer cosas (una obra, un
texto, una curadura, una crtica, un trabajo de mediacin) desde la
consciencia de la distancia entre una cosa y su representacin, o la
consciencia de la imposibilidad de acceder a la la cosa en s.

La audiencia curiosa, ms que juzgona, prefiere pensar que las

omisiones del artista (la ausencia o el silencio) hacen parte
de su estrategia.

El escritor, como el artista, se sabe estratega: busca hacer cons-

ciencia de qu mostrar y qu ocultar para seducir a un lector.
Nada diferente a cuando tenemos un ratn en la casa y pensamos
qu tipo de queso usar en la trampa, dnde ubicarla y en qu
momentos exactos hacer silencio. Nada distinto a lo que hizo esa
muchacha de 18 aos, que iba dejando su celular, el tetero del
nio y su reloj, a medida que avanzaba por la selva. Pistas. Signos.
Interprtenme, bsquenme por favor.

Siempre estamos buscando atrapar un objeto, queriendo compren-

der algo, conscientes de que todo es escurridizo. Queremos seducir
a un amante, deseamos todo lo que nos es esquivo.

El elogio de la dificultad de Estanislao Zuleta podra leerse como

una de las mejores declaraciones sobre arte, y sobre la relacin del
arte con la palabra. En ese discurso, el filsofo acusaba: nuestro
pecado es imaginar mal los parasos. Y le aado yo: le pedimos a
los textos, o al discurso del curador, que hagan del arte un paraso
sin opacidad, que transformen la selva del arte en un terreno de
seguridad garantizada.

A veces a los artistas les gusta ocultar de ms, pensando que ese
es el anzuelo correcto que atrapar la curiosidad de su pblico.
A veces los artistas deciden ocultar de ms porque le apuestan
a construir un nuevo tipo de curiosidad, ms all de las lgicas
de la propaganda ese lenguaje que tiene un nico propsito: el
de convencer. Quiz los artistas buscan el arte para huir de la
Neolengua, ese intento fracasado por construir un lenguaje sin
ambigedad semntica.

Los artistas saben que el problema no es desconocer, o no enten-

der, el problema es cmo nos relacionamos con lo que no enten-
demos. Si lo juzgamos o lo interrogamos. Si despierta nuestra
curiosidad, nuestra xenofobia, o nuestros juicios morales que se
reducen a tres adjetivos o expresiones que no nos dejan ver nada:
mediocre!, perezoso!, no se entiende nada! El pblico est tan a
tientas en medio de la selva, como lo est el artista.

A la muchacha que sobrevivi en la manigua con su beb, no le

diramos: mediocre, qu malas pistas dejaste!, por tu culpa nos
demoramos tanto tiempo en rescatarte; al contrario, sus rescatis-
tas pusieron todo de s para interpretar las mnimas y ambiguas
At times, the writer is aware of the failure of words in the attempt
to trap objects or images and perhaps that amounts to a rule
about the hygiene or morality of art: to make things (a work of
art, a text, a curatorship, a critical essay, a mediation) with the
awareness of the distance between a thing and its representa-
tion, or the awareness that it is impossible to gain access to the
thing in itself.

Instead of judging, the curious audience prefers to think

that the omissions of the artist (absence or silence) are part
of his strategy.

The writer, like the artist, knows about strategy: she tries to be
aware of what to show and what to hide, in order to seduce a
reader. It is no different to when we have a mouse at home and
think about what kind of cheese to use in the trap, where to put
it, and the precise moment to be silent. It is no different from that
18-year-oldgirl who left behind her cell phone, her childs bottle,
and her watch as she wandered through the jungle. Traces. Signs.
They say: interpret me, please find me.

We are always seeking to trap an object, wanting to understand

something, aware that everything is slippery. We want to seduce
a lover; we desire everything which is elusive to us.

Estanislao Zuletas In praise of difficulty can be read as one of

the best statements about art and about the relation between art
and the word. In that speech, the philosopher made an accusa-
tion: our sin is the failure to imagine paradises. And I would add:
we ask of the texts, or the discourse of the curator, that they turn
art into a paradise without opacity, one which transforms the
jungle of art into a terrain of guaranteed safety.

At times, artists like to conceal too much, thinking that that is the
right hook to trap their publics curiosity. At times, artists decide
to hide too much because they wageron creating a new kind of
curiosity, beyond the logics of propaganda, that language which
has a single purpose: to convince. Perhaps artists turn to art to
flee from New-speak, that failed attempt to construct a lan-
guage without semantic ambiguity.

Artists know that the problem is not ignorance or a failure to

understand: the problem is how we relate to that which we do not
understand. Whether to judge it or interrogate it. If it awakens
our curiosity, our xenophobia, or our moral judgments, which can
be reduced to three adjectives or expressions which do not allow
us to see anything: mediocre! lazy! Its impossible to understand
that the audience gropes its way through the jungle as much as
the artist does.

We wouldnt say to the girl who survived in the jungle with her
baby: You mediocre girl,what lousy clues you left! Its your fault
it took us so long to rescue you. On the contrary, her rescuers

298 / 299
seas que dej. Cada signo poda representar que ella haba sido
tragada por la selva, o que estaba viva tratando de comunicarse.
El arte, como el rescate, es una tarea de fe. Si uno quiere ver, ve, y
si no ve, se lo puede inventar. Aunque tambin uno puede decidir
dejar que el artista se pierda en la selva, y tambin est bien, por-
que no se le hace dao a nadie y nadie se va a morir, pues el arte,
al fin y al cabo, es un experimento sin verdad.

En un mundo en el que cada vez hay menos espacio para la

curiosidad, el artista busca construir lugares para la opacidad;
y en vez de pavimentar una carretera en medio de la manigua,
recurre a la estrategia de dejar migas de pan como Hansel y Gretel.
Los artistas juegan con el peligro de nunca ser rescatados de la
selva; y prefieren ese riesgo que destruir la selva pavimentando
la carretera.

Nosotros, la audiencia, nos quedamos atrapados en las fisuras

de la representacin. Mordemos anzuelos ante la promesa de
una saciedad que nunca llega. Y hay algo de liberador en saber
que todo es una ficcin (que existen ms anzuelos que comida),
y al decir ficcin no nos referimos a la literatura, sino al poder
de invencin de cada interpretacin: con cada nombre se crea el
mundo y se establece una nueva manera de nombrar.

***

Esta fue la introduccin a un texto que escrib para quejarme de

una situacin en la que uno de los pasados salones regionales de
artistas fue juzgado por los crticos, y por parte del pblico, como
un error curatorial. Con ese texto quera sugerir que no atreverse
a recorrer un proyecto curatorial como una selva, cuyo significado
se va construyendo y destruyendo a cada paso, y atreverse a
juzgarla como un error, implicaba una postura esencialista en
la que se da por sentado que la calidad de xito o de fracaso es
una propiedad intrnseca a nuestras obras; es ignorar que se trata
de significados negociados (la curadura y la obra de arte como
un territorio en conflicto). Por qu no pensar la curadura misma
como un territorio que se recorre sin tener demasiadas armas con
qu defendernos?

Para ese proyecto el curador propone una exposicin en la que

decide no explicar mucho, no ser muy explicativo en el texto, y
no hacer una exposicin temtica. Intenta, ms bien, un experi-
mento metodolgico: si lo que nos interesa investigar son las
colectividades, por qu no hacer una exposicin en la que las
individualidades se confundan y todas ellas formen un solo cuer-
po indivisible? En ese sentido, ms que representar nuestro tema,
a saber, lo colectivo, por qu no encarnarlo en la metodologa
misma de la exposicin, en el modo en que interpelamos con el
diseo del espacio y de la situacin?

Varios crticos reaccionaron porque encontraron un formato

curatorial que no coincida con las exposiciones convencionales
gave all they had trying to interpret her minimal and ambiguous
traces. Each sign might just as well have meant that she had been
devoured by the jungle or that she was alive and trying to com-
municate with the outside world. Art, like rescue, is a matter of
faith. If you want to see it, you see it, and if you dont see it, you
can invent it. Although one may also decide to let the artist get
lost in the jungle, and that is all right too, because you harm no
one and no one is going to die, since, art, in the end, is an experi-
ment without truth.

In a world where there is less and less room for curiosity, the
artist tries to build places for opacity and instead of paving
a highway through the jungle, recurs to the strategy of leav-
ing bread crumbs in his wake, like Hansel and Gretel. Artists
play with the danger of never being rescued from the jungle
and they prefer that risk to destroying the jungle by paving it
over with roads.

We, the audience, remain trapped in the fissures of representa-

tion. We bite hooks in the face of a promise of satiety which is
never met. And there is something liberating about knowing that
it is all a fiction (that there are more hooks than food) and when
we say fiction we do not refer to literature but to the power of
invention in each interpretation. With each name you create the
world and establish a new way of naming.

***

The above was the introduction to an essay I wrote to complain

about a situation in which the critics and part of the public
labeled one of the previous regional salons of artists a cura-
torial mistake. With that essay I wanted to point out that the
failure to dare to walk a curatorial project as if it were a jungle,
with a meaning that gets built and destroyed on every step,
implied an essentialist position that takes for granted that terms
like success or failure are intrinsic properties of our works. In
fact, it ignores that it is all a matter of negotiated meanings (the
curatorship and the work of art as a territory in conflict). Why
not think of the curatorship itself as a territory that we travel
through without carrying too many weapons to defend ourselves?

In that exhibit, the curator proposed a show where he decides

not to explain so much, with a non-didactic text and a refusal
to organize the pieces thematically. He engages, instead, in a
methodological experiment: if we want to investigate collectivi-
ties, why not mount an exhibition in which the individualities
merge into each other, forming a single indivisible body? In that
sense, more than a representation of our theme that is, the
collective why not embody it in the very methodology of the
exhibition, in the manner in which we use the design of the space
and situation to ask questions?

300 / 301
que haban visto: aquellas que ilustran un tema y que disponen
las obras como una ilustracin de este. La exposicin temtica,
a diferencia de la exposicin concebida como un territorio que
se recorre con machete, crea una tajante divisin entre sujeto y
objeto. La exposicin temtica, aunque necesaria, nos mantiene
en una epistemologa clsica en la que asumimos el mundo como
cognoscible, abarcable, nombrable, clasificable y, por tanto, escin-
dido de nosotros porque lo podemos racionalizar, lo podemos
apartar de nosotros. Una epistemologa que quiz no activa lo
suficiente nuestra desconfianza en la representacin.

2. En un Saln Nacional de Artistas, el texto curatorial estaba

construido a partir de algunos fragmentos como estos:

() el an requiere del presente un ejercicio de libertad sin prome-

sa () Sin un para siempre, el an avanza, revelando un horizonte
mvil, hacia el que nos dirigimos sin nunca llegar () Ante la
manigua, la trocha. Ante lo inexpugnable, el paso que se abre a
machete. Ante la soledad, la mula, la fonda, la cancin. La trocha
no es autopista, es camino de contrabandistas, de ladrones, de
exploradores. La trocha nos responde cada vez que preguntamos
dnde estamos y de dnde venimos, por dnde vamos pasando
y hacia dnde estamos yendo. Estas preguntas por el carcter de
esos espacios que atravesamos antes de tomar posesin y de posi-
cionarnos, se nos cuenta, eran el punto de inicio para la enseanza
antigua del latn: Ubi, Quo, Unde, Qua. La trocha es cultura, es el
camino que en griego es Odos y es tambin, de alguna manera,
un primer mtodo: abrir paso, conectar puntos separados, confiar
en la propia marcha y en el cruce fortuito con otros senderos.

La trocha es ese camino que no preexiste a la caminata sino

que se configura mientras, a punta de machete, el caminante
se abre camino. Esa es una gran metfora para describir
lo que significa performatividad. Performar es un verbo
muy distinto a representar. El primero tiene que ver ms
con entender con el cuerpo. Cmo convertir la trocha en
un mtodo y no en un tema para ser representado?

3. Los Salones Nacionales en Colombia, que fueron creados por el

gobierno hace 76 aos, constituan un esfuerzo por representar el
arte nacional: un jurado elega lo mejor, el arte ms representativo
de Colombia. Este formato inicial se basaba en varias ideas: 1) Que
el territorio es una entidad fsica, que est dada por, y se reduce a,
la geografa. 2) Que, al ser as, representar con fidelidad un terri-
torio es una tarea plausible. 3) Que existe algo como identidad
colombiana o un tipo especfico de arte nacional.

Por lo problemtico de estas ideas positivistas y esencialistas

respecto al territorio y su representabilidad, hace aproximada-
mente diez aos el gobierno cambi el formato otorgando becas
de investigacin curatorial por regin, encargadas de investigar
A number of critics reacted negatively because they encoun-
tered a curatorial format thatdid not resemble the conventional
exhibitions they had seen, which illustrate a theme and arrange
the works in order to illustrate it. In contrast with the exhibi-
tion conceived as a territory that you traverse with a machete,
the thematic exhibition creates a sharp division between subject
and object. While necessary, thematic exhibitions keep us in a
classical epistemology where we assume the world as know-
able and measurable and can be named and classified, and thus,
decoupled from ourselves because we can rationalize it, we can
distance ourselves from it. It is an epistemology that maybe does
not sufficiently activate our distrust of representation.

2. In one edition of the National Salon of Artists, the curatorial

essay was constructed of fragments like the following:

(...) The notion of yet requires from the present an exercise of

freedom without promises (...) Without a forever, the yet moves
forward, revealing a moving horizon, one which we head for
without ever reaching it (...) When faced with the jungle, the trail.
When faced with the impregnable, a machete-cleared path. When
faced with solitude, the mule, the inn, the song. The trail is no
motorway; its the path trod by smugglers, thieves, and explorers.
The trail responds when we ask where we are, where were from,
where were passing through, and where were headed. These
questions regarding the nature of the spaces we travel through
before taking possession and positioning ourselves, we are told,
were the starting point for the ancient teaching of Latin: Ubi, Quo,
Unde, Qua. The trail is culture, it is the way Odos in Greek and
it is also, in a way, an initial method:a clearing of obstacles, a
connecting of separate points, trusting ones step and the fortu-
itous crossing of other trails.

The track is that trail which does not exist before the walk but is
opened, by machete,as you traverse it. That is the great meta-
phor to describe what performativity means. To perform is a
very different verb from to represent. The former has more to
do with understanding with the body. How do you turn the track
into a method and not a theme to be represented?

3. The National Salons of Colombian Art, created by the govern-

ment 76 years ago, were an effort to represent the nations art: a
jury chose the best, the most representative Colombian art. This
initial format was based on several ideas: 1) That territory is a
physical entity, which is given by and reduced to geography. 2)
That, as such, it is a plausible enterprise to faithfully represent a
territory. 3) That something like a Colombian identity or specific
kind of national art does really exist.

About ten years ago, due to the problematic nature of these posi-
tivist and essentialist notions of territory and the possibility of
representing it, the government changed the format, awarding

302 / 303
cada zona del pas a partir de una hiptesis, un tema, una
constelacin de ideas.

Lo ms interesante de este nuevo modelo al menos en teora

era que, primero, ya no se hablara de los mejores artistas nacio-
nales, sino que se concebira cada versin del saln como una
constelacin de ideas y formas investigadas. Segundo, este mode-
lo pretenda cambiar lo que significa para los Salones la nocin de
territorio: ya no es un pedazo de tierra definido por unos lmites
geogrficos, sino que es una red de prcticas, afectos, discursos,
instituciones, etc. En ese sentido, se trata de una visin ms
performativa: no es algo dado, sino que es algo que se va cons-
truyendo, que va tomando forma mientras se lo recorre. Mirar la
nocin de territorio de esa manera desmantela tambin la nocin
de identidad en general, y de identidad supeditada a un lugar
geogrfico. Por ltimo, otra cosa interesante es que este nuevo
modelo en teora problematiza lo que significa representar.

4. La nocin de territorio implica una disposicin corporal que

configura una nueva epistemologa. Bernardo Ortiz (artista
colombiano) alguna vez me sugiri cambiar la palabra objeto de
estudio por territorio de estudio. La primera nocin implicaba,
segn l, algo tangible que uno puede agarrar con las manos,
algo que uno puede ver como separado de uno mismo y, en ese
sentido, es abarcable la empresa de hacer una representacin
fiel, justa, completa, clara, objetiva y unvoca de ese objeto. En
cambio, en el territorio estamos inmersos, en el territorio el sujeto
observador y el objeto observado se confunden. No podramos
hablar de objetividad porque estamos inmersos en el sopor, esta-
mos con la vista nublada, llenos de manigua alrededor, tratando
de caminar por un camino que no existe.

Qu pasa si vemos el ejercicio curatorial as? Qu pasa si vemos

de esa manera la investigacin en humanidades y ciencias socia-
les? Cmo tendran que cambiar nuestras metodologas?

Creo que, en trminos curatoriales, con el paradigma del terri-

torio si as quisiramos llamarlo lo que habra que cambiar
es nuestra insistencia mimtica en representar un tema en vez
de encarnarlo. Insistir en la nocin de territorio es insistir en la
nocin de performatividad.

Para construir algo como un territorio, teniendo en cuenta que el

territorio se negocia, es decir, privilegiando la acepcin performati-
va de esa nocin, tendramos que hacer exposiciones menos abar-
cables, clasificables, nombrables, domesticables, consumibles o,
como dijo un amigo: menos amigables con el consumidor. Quiz eso
se puede lograr con ms desconfianza en la mmesis, y en la mme-
sis como la funcin primordial del arte. Quiz eso le abrira paso a
otras formas de entender, de entender con el cuerpo, por ejemplo,
activando otros mecanismos cognitivos, distintos a los usuales.
fellowships for curatorial research by regions, so that those
responsible would investigate each part of the country based on
a hypothesis, a theme, a constellation of ideas.

The most interesting thing about this new model, at least in

theory, was that, first,the best national artists would not be an
issue, but each version of the salon would be regarded as a con-
stellation of researched ideas and forms. Second, this model set
out to change what the notion of territory meant for the Salons,
being no longer a piece of land defined by geographical borders
but a network of practices, effects, discourses, institutions, etc.

In that regard, it is a more performative vision: instead of con-

sidering everything a given, it is something created as you go
along, a path that takes shape as you walk. To look at the notion
of territory in that way also dismantles the notion of identity in
general and of an identity subordinated to a geographical place.
Finally, the other interesting thing is that this new model, in
theory, problematizes the meaning of to represent.

4. This new notion of territory implies a bodily arrangement

which shapes a new epistemology. Bernardo Ortiz (a Colombian
artist) once suggested that I change the term object of study
for territory of study. The first notion, he thought, implies
something tangible which you can grab with your hand, some-
thing which you can see as separate from yourself, and in that
sense, it considers it possible to make a representation of that
object, one that is faithful, just, complete, clear, objective, and
unequivocal. In a territory, by contrast, we are immersed; in a
territory, the observing subject and the observed object merge.
We cannot speak of objectivity because we are immersed in
drowsiness, our sight is clouded, we are surrounded by a form-
less jungle, trying to walk a path that does not exist.

What would happen if we looked at the curatorial exercise in

that way? What would happen if we looked at research into the
humanities and social sciences in that way? How should we
change our methodologies?

In curatorial terms, regarding the paradigm of territory, if we

choose to call it that, we would have to change our mimetic
insistence on representing a theme instead of embodying it. To
insist on this new notion of territory is to insist on the notion of
performativity.

To build something like a territory considering that we are

negotiating it, stressing its performative meaning we would
have to mount exhibitions which are less measurable, less easy
to classify, name, domesticate, and consume. Or, as a friend
said, less consumer-friendly. Perhaps that can be achieved with
more distrust of mimesis, and of mimesis as the primordial func-
tion of art. Perhaps that would open the way to other ways of

304 / 305
Me atrevera a decir que buena parte de los malentendidos que
han tenido lugar en Colombia en las ltimas dcadas incluidas
las mltiples discusiones acerca de los formatos del Saln
Nacional y de los salones regionales tienen que ver con que el
concepto de performatividad en este pas se desprecia o se igno-
ra: no nos hemos atrevido a pensar que el arte sea una selva sin
posibilidad de rescate.
understanding, of understanding with the body, for example, acti-
vating other cognitive mechanisms, different from our usual ones.

I would dare to say that a good part of the misunderstandings

which have taken placein Colombia in recent years, including the
many controversies about the formats of the National Salon and
the regional ones, are related with the concept of performativity,
which is scorned or ignored in this country: we have not dared to
imagine that art may be a jungle with no possible rescue.

306 / 307
Componente de formacin
Educational Component
Este componente del 44 Saln Nacional
de Artistas se plante como un proceso
transversal para resolver tres problemas
estructurales. El primero, capacitar a
un equipo basado en la regin para
trabajar en sus actividades de pre-
produccin y produccin y crear una
base operativa slida para apoyar las
necesidades derivadas de la realizacin
de la muestra, que se hiciera cargo de la
organizacin de varios grupos de trabajo
que posteriormente pudieran asumir
la realizacin de eventos similares.
Este momento parti de una propuesta
realizada en 2015 por Julin Urrego y
Margarita Pineda e implementada por
Juana Valencia, que buscaba encontrar las
fortalezas y debilidades en distintas reas
relacionadas con el montaje, la produc-
cin y la coordinacin de exposiciones,
para luego plantear una serie de talleres
apropiados a las necesidades locales.
La segunda fase busc crear y consolidar
un grupo de mediadores para el Saln,
afianzando un proceso de estudio deriva-
do del conocimiento de la curadura, las
obras, propuestas y proyectos artsticos
seleccionados y el contacto con las
personas encargadas de la concepcin
del Saln (curadores y artistas). La
obvia conclusin de esta etapa fue el
comienzo, o la afirmacin, de ciclos activos
de investigacin en arte contempor-
neo por parte de sus participantes.
El proceso con los mediadores se plan-
te no como una actividad de simple
animacin cultural (guas capacitados
para (per)seguir al pblico en cada una
de las diferentes sedes del evento), ni
como programacin de espectculos de
alta y mediana intensidad que afectaran
el entorno directo donde se realizaran
(shows que aspiraran/se limitaran a la
visibilidad meditica), sino como una obra
artstica en s misma, encomendada al
artista y pedagogo samario Edwin Jimeno,
que la desarroll en un taller de cinco
das titulado El acto de mediacin como
prctica de sensibilizacin e inclusin.
Desde la perspectiva de Jimeno, el pro-
yecto quiso resolver cuatro cuestiones: la
planificacin de los talleres, su desarrollo,
la intervencin educativa y el rol del artis-
ta mediador en una exposicin de arte.
Aunque en el Caribe colombiano escasean
las entidades de formacin en artes, hay
una creciente poblacin de artistas con-
temporneos. Jimeno ha aportado a este
fenmeno diseando y aplicando talleres
de capacitacin formal e informal en
arte contemporneo dirigidos a diversas
poblaciones. Por esta razn, se le invit
a plantear, ms que un proyecto singular,
una serie de acciones que oscilaran entre
la capacitacin pedaggica constructi-
vista clsica y elperformance, donde el
mediador comprendiera aspectos que
trascienden la complejidad de su actividad
de acompaamiento al pblico. De igual
manera, Jimeno consider que la labor de
los mediadores iba ms all de ser unos
guas entusiastas, para hacerse conscien-
tes de su gran responsabilidad al momen-
to de interpretar las obras o de provocar
las interpretaciones de los visitantes.
Vinculado a la idea de la formacin de
mediadores, o mejor, de multiplica-
dores, se realizaron luego una serie
de actividades en colegios pblicos
y otros espacios de las comunidades
This component of the 44th National Salon
of Artists was thought of as a cross-sec-
tional approach that sought to solve three
structural problems. The first, to train a
region-based team to work on pre-pro-
duction and production activities and
create a solid operational base to support
the exhibitions needs, one that would be
responsible for organizing several work-
ing groups which would later be able to
assume responsibility of similar events.
This phase started with a proposal made
in 2015 by Julin Urrego and Margarita
Pineda and implemented by Juana Valen-
cia, which sought to diagnose strengths
and weaknesses in different areas related
to mounting, producing, and coordinating
exhibits, and then organize a series of
workshops relevant to local needs.
The second phase sought to create and
consolidate a group of willingmediators
during the Salon to strengthen a course of
study that involves knowledge of curator-
ship and of the pieces, artistic proposals,
and projects included in the exhibits,
with the aid of the people responsible for
the design of the Salon (the curators and
artists). The obvious conclusion of this
stage was the beginning or consolidation
of active cycles for research on contempo-
rary art by its participants.
The process with the mediators was
designed not as an activity simply meant
to get people interested in culture (trained
guides to help the publicin each of the
different venues of the event), nor as
the scheduling of shows with a strong or
medium impact on the places where they
are held (that is, ones that were limited to
hoping for and/or attracting mass media
attention), but as a work of art in itself,
under the supervision of Edwin Jimeno,
an artist and teacher from Santa Marta
who developed the process in a five-day
workshop titled The act of mediation as
a practice for raising awareness and pro-
moting inclusion.
As Jimeno saw it, the project had four main
aspects: the planning of the workshops,
their development, intervention in edu-
cational institutions, and the role of the
artistic mediator in art exhibitions.
While there are only a few entities devoted
to training in the arts in the Caribbean
region of Colombia, there are a growing
number of contemporary artists there.
This development has been helped by
Jimenos work, designing and holding
formal and informal workshops for train-
ing in contemporary art that are aimed
at different populations. For that reason,
he was invited to conceive a project
that would not consist of a single event
but rather as a series of activities that
would range from conventional educa-
tional training to performance, where the
mediator would deal with aspects which
transcend his role as a guide to the public.
Jimeno likewise believed that the work of
the mediators should go beyond acting as
enthusiastic guides, and to be aware of
their serious responsibility when it comes
to interpreting the artworks or drawing out
interpretations from visitors.
Related to the idea of training mediators
or, better yet, knowledge multipliers,
activities were organized in public schools
and other spaces of participating commu-
nities, where allied teachers integrated
310 / 311
participantes, donde los docentes transformacin de territorios, el 44 Saln
aliados integraron sus programas aca- Nacional de Artistas abri Psicotropismos.
dmicos con la curadura del Saln. Drogas, espectros y alucinaciones para
la transformacin del ahora, un semi-
Una tercera dimensin de este com-
nario que cont con la participacin de
ponente, coordinada por Alejandro
expertos nacionales e internacionales,
Garcs, busc proyectar el Saln hacia
quienes generaron un marco expandido
la esfera pblica de la ciudad. Para
para la comprensin de las drogas como
lograrlo, semapearon las institucio-
espacios para el modelado cognitivo, la
nes, organizaciones, grupos focales e
rearticulacin de procesos perceptivos y
independientes que vienen desarrollando
la redefinicin de lo real, trascendiendo
propuestas de investigacin, formacin y
una discusin local sobre los frmacos,
creacin en el Eje Cafetero para emitir una
siempre limitada a su condicin de ilega-
convocatoria de formacin de pblicos
lidad y de productora de marginalidad.
en la que se realizaron activaciones en
distintos lugares de la ciudad, talleres de De esta manera, el componente de
crnica y fanzine, as como instructivos formacin contempl el presente es
para la formalizacin de colectivos. decir, las necesidades de la regin
donde sucedi para sensibilizar pblicos,
En respuesta al eje del Saln que buscaba
entrenar mediadores y afinar capaci-
abrir espacios de reflexin capaces de
dades tcnicas y tambin el futuro
generar lecturas que incidieran sobre la
apenas sugerido en el horizonte, como
comprensin de problemas que trascien-
un respiro ante una realidad que se
den la esfera artstica y que se inscriben
presenta como inamovible y que, desde
en la produccin de realidad y en la
el Saln, nos interesa cuestionar.
their academic programs with the exhibits 44th National Salon of Artists launched
of the Saln. Psicotropismos. Drogas, espectros y aluci-
naciones para la transformacin del ahora
A third dimension of the Educational Com-
[Psycho-tropisms: drugs, specters and hal-
ponent, coordinated by Alejandro Garcs,
lucinations for the transformation of the
sought to extend the reach of the Salon
present], a seminar which included Colom-
to the public sphere of the city. To achieve
bian and foreign experts who created an
that, a survey was made of the institu-
expanded framework for understanding
tions, organizations and independent
drugs as a means for cognitive modeling,
groups currently carrying out proposals
the reshaping of perceptual processes,
for research, training, and creation in the
and the redefinition of the real. The sem-
Coffee Axis, to issue an open call for spec-
inar went beyond the limitsof the usual
tator education that included activities in
discussions of drugs, which are generally
different parts of the city, as well as work-
limited to their illegality and their relation
shops on writing, fanzine creation, and
to marginal sectors of society.
legal formalization of existing collectives.
In that sense, the Educational Component
As a response to the needs of the the-
addressed the presentthat is to say, the
oretical axis of the Salon that sought
needs of the region where it took placeto
to open spaces of reflection that would
raise public awareness, train mediators
stimulate an understanding of problems
and strengthen technical skills. It also
which transcend the artistic sphere and
addressed a possible future, an alternative
are related with the reality of the country
to a current reality that seems unavoid-
and the transformation of territories, the
able and that the Salon wants to question.

312 / 313
Imgenes de los talleres para Images of Edwin Jimenos
mediadores a cargo de Edwin Jimeno. workshops for mediators.

314 / 315
Biografas de artistas
Artists biographies
Fredy Alzate (Rionegro, Colombia, 1975)
Estudi Artes Plsticas en la Universidad de Antioquia (Medelln) y una maestra en Artes
Plsticas y Visuales en la Universidad Nacional (Bogot). Ha recibido distinciones como el
primer premio, XIX Saln Arturo y Rebeca Rabinovich (Medelln, 1999); la Beca de creacin en
escultura, Alcalda de Medelln (2012), y mencin de honor en la II Bienal de Artes Plsticas y
Visuales, FUGA (Bogot, 2012). Entre sus exposiciones individuales estn Zonas Grises, Centro
Len (Repblica Dominicana, 2015); Arando en el vaco, (bis) oficina de proyectos (Cali, 2016);
Horror vacui, Galera de la Oficina (Medelln, 2015), y La Vorgine, Galera OMR (Mxico D.F.,
2015). Ha participado en muestras colectivas como Artists Engaged? Maybe, Fundao Calouste
Gulbenkian (Lisboa, 2014), y Pangaea: New Art from Africa and Latin America, Saatchi Gallery
(Londres, 2014). En su obra, Alzate parte de la arquitectura, el paisaje y la configuracin de
un lugar social para pensar temas como la naturaleza amenazada y la urbanizacin excesiva.
Vive en Medelln.

Dbora Arango (Medelln, Colombia, 1907 2005)

Figura clave en la pintura colombiana. Abord de forma cruda temas sociales y polticos. En
sus leos y acuarelas hay obreros, prostitutas y monjas caricaturescas que ofrecen un retrato
alucinado de un entorno violento. Rechazada por la sociedad conservadora de su poca y
amenazada con la excomunin, Arango dej de pintar en 1965 por problemas de salud. Tras
aislarse del mundo artstico durante casi una dcada, su trabajo comenz a ser reevaluado,
proceso que termin con retrospectivas de su obra en Medelln y Bogot (1984) y con recono-
cimientos como el Premio de las Artes y las Letras de la Secretara de Educacin y Cultura de
Antioquia (1984),la Medalla al Mrito Artstico y Cultural por el Instituto Distrital de Cultura
y Turismo de Bogot (1993) y la Cruz de Boyac en su Grado Mximo (1994).

Adriana Arenas Ilian (Pereira, Colombia, 1969)

Artista conceptual que asume el contexto como una dimensin y utiliza la realidad capturada
o recreada como un ready made dentro de sus instalaciones, buscando seducir a los especta-
dores a travs de la belleza para que confronten sus entendimientos prefabricados sobre la
poltica, la cultura y la sociedad. Ha expuesto individualmente en Galera Casas Riegner (Bogot,
2007), Rice University Art Gallery (Houston, 2002) y Johnson County Community College, The
Contemporary Arts Center (Cincinnati, 2001), entre otros. En 1999 gan la beca World Views, que
le permiti trabajar 6 meses en el piso 91 de las hoy desaparecidas Torres Gemelas. Su obra
Fbrica de oro y piedras preciosas gan el Saln Nacional de Artistas (2004). Vive en Pereira.

Gonzalo Ariza (Bogot, Colombia, 1912-1995)

Acuarelista y pintor paisajista. Realiz estudios en la Escuela de Bellas Artes de Bogot y en
1936 viaj con una beca a Japn donde estudi grabado y acuarela durante dos aos. Tras el
surgimiento de Marta Traba y su apoyo a los pintores modernos en los aos 50 y 60, Ariza se
retira de la escena artstica. Una dcada despus vuelve a exponer y realiza exposiciones
retrospectivas en el Centro Colombo Americano (Bogot, 1978) y el Museo Nacional de Colombia
(Bogot, 1982). Entre otras distinciones, recibi la Condecoracin Kun Santo Zuimosho, del
gobierno japons (1985), y el Premio Cooperartes en reconocimiento a su obra (Bogot, 1987).
La obra de Ariza es una extensa investigacin de la geograf a y el paisaje tropical colombiano.
Fredy Alzate (Rionegro, Colombia, 1975)
Studied Visual Arts at the Universidad de Antioquia (Medelln) and has a MFA from National
University (Bogot). He has received awards like first prize at the Arturo and Rebeca Rabinovich
Salon (Medelln, 1999); the Fellowship of Creation for sculpture, Mayors Office of Medelln (2012),
and an honorable mention at the 2nd Biennial of Fine and Visual Arts, FUGA (Bogot, 2012). Among
his individual exhibitions are: Zonas Grises [Gray Zones], Len Center (Dominican Republic, 2015);
Arando en el vaco [Ploughing in the void], (bis) projects office (Cali, 2016); Horror vacui, Galera de
la Oficina (Medelln, 2015); and La Vorgine [The Whirpool], Galera OMR (Mexico City, 2015). He has
participated in collective exhibitions like Artists Engaged? Maybe, Fundao Calouste Gulbenkian
(Lisbon, 2014), and Pangaea: New Art from Africa and Latin America, Saatchi Gallery (London, 2014).
Alzates work is based on architecture, landscape and the shaping of a social place in order to
reflect on themes like the destruction of Nature and excessive urbanization. He lives in Medelln.

Dbora Arango (Medelln, Colombia, 1907 2005)

Was a key figure in Colombian painting, with her blunt depictions of social and political
questions. Her oils and watercolors show workers, prostitutes, and caricatured nuns; they
present a hallucinated portrait of a violent setting. Rejected by the conservative society of
her era and threatened with excommunication, Arango stopped painting in 1965 for health
reasons. After she had withdrawn from the art world for nearly a decade, her work began to
be revalued, a reassessment which ended with retrospectives in Medelln and Bogot, and
with awards like the Arts and Letters Prize of the Secretary of Education and Culture of Antio-
quia, the Medal of Artistic and Cultural Merit of the Bogot Institute of Culture and Tourism
(1993) and the Cross of Boyac of the highest rank, the most important civil distinction in
the country (1994).

Adriana Arenas Ilian (Pereira, Colombia, 1969)

Arenas is a conceptual artist who assumes context as a dimension for her work and uses a cap-
tured or recreated reality as ready-made in her installations, seeking to beguile the spectators
with its beauty so that they question their preconceived notions of politics, culture, and society.
She has had one-woman shows in the Galera Casas Riegner (Bogot, 2007), the Rice University
Art Gallery (Houston, 2002), the Johnson County Community College, and the Contemporary Arts
Center (Cincinnati, 2001), among others. In 1999 she was awarded the World Views Fellowship,
which allowed her to work for six months on the 91st floor of the now vanished Twin Towers. Her
work, titled Fbrica de oro y piedras preciosas [Factory of Gold and Precious Stones], won a prize at
the 2004 edition of the National Salon of Artists. She lives in Pereira.

Gonzalo Ariza (Bogot, Colombia, 1912-1995)

A watercolorist and landscape painter, he studied at the Escuela de Bellas Artes (School of Fine
Arts) of Bogot and in 1936 won a fellowship to study engraving and watercolor in Japan for two
years. After the emergence of the critic Marta Traba and her support for the modernist painters of
the country in the 1950s and 1960s, he withdrew from the art scene. A decade later, he began to
exhibit again and held retrospective exhibitions at the Colombo-American Center (Bogot, 1978)
and the National Museum of Colombia (Bogot, 1982). Among his awards there are the Kun Santo
Zuimosho Decoration from the Japanese government (1985), and the Cooperartes Prize in recog-
nition of his work (Bogot, 1987). Arizas work comprises an extensive inquiry into the geography

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La luz, la atmsfera, la humedad y las sutiles sensaciones ambientales de los diferentes climas
y en particular la bruma de los pramos y los bosques hmedos fueron capturados en su
obra con una especial melancola.

Elena Bajo (Madrid, Espaa, 1975)

Arquitecta de la ESARQ (Barcelona), con una maestra en Arte del Central Saint Martins School
of Art (Londres). Su prctica tiene lugar en la interseccin entre el pensamiento anarquista, la
ecologa social y la metafsica, y explora la dimensin ecolgica, social y poltica de los espacios
cotidianos, las estrategias para conceptualizar la resistencia, la potica de la ideologa y la relacin
entre temporalidades y subjetividades. Fue cofundadora de EXHIBITION, New York (2009) y del
colectivo DCLUB (Divestment Club). Entre sus exposiciones recientes estn Victory over the Sun,
D+T Project Gallery (Bruselas, 2016); Isle of Innocence, Kunsthalle (So Paulo, 2015), y Timeless
Considerations, Stacion Center for Contemporary Art (Prishtina, 2014). En 2016-2017 fue premiada
por la Fundacin Botn por su proyecto Uranias Mirror. Vive en Berln y Los ngeles.

Alicia Barney (Cali, Colombia, 1952)

Realiz estudios de Bellas Artes en el College of New Rochelle, Nueva York, y una maestra en el
Pratt Institute, Brooklyn. Entre sus exposiciones individuales estn Basurero utpico, Instituto de
Visin (Bogot, 2015); Juguete de las Hadas, Museo de Arte de Pereira y Museo La Merced de Cali
(1998), y Aves en el cielo, Gartner Torres (Bogot, 1993). Su trabajo ha hecho parte de muestras
colectivas como Contraexpediciones, Museo de Antioquia (Medelln, 2014); 41 Saln Nacional de
Artistas (Cali, 2008), y Fragilidad, Museo de Arte de la Universidad Nacional (Bogot, 1998). Ha
recibido reconocimientos como el primer premio del III Saln Regional de Artes Visuales (Cali,
1980) y la beca Francisco de Paula Santander (Bogot, 1992). Su obra, considerada pionera dentro
del arte medioambiental colombiano, reflexiona sobre la relacin entre los humanos y su entorno,
tocando temas como la sobrepoblacin, el hambre y la destruccin de la naturaleza. Vive en Bogot.

Carlos Bonil (Bogot, Colombia, 1979)

Maestro en Artes Plsticas de la Universidad Nacional de Colombia. Entre sus exposicio-
nes individuales estn Bien Mostrenco, Valenzuela Klenner (Bogot, 2016); Nada a la Vista,
La Usurpadora (Puerto Colombia, 2015); Restos, Ro 52 (Mxico D.F., 2010), y Puedo hacerlo
yo?, Valenzuela Klenner (Bogot, 2007). Ha participado en muestras colectivas como ARCO
Colombia (Madrid, 2015); Bogotpolis, Stenersen Musseet (Oslo, 2013) e Imaginary Homelands,
The Art Gallery of York University (Toronto, 2012). Su obra hace parte de la Coleccin Jumex
y de colecciones particulares en Colombia, Mxico y Puerto Rico. En su obra, Bonil parte de
objetos obsoletos cargados histricamente que desarma y recompone, hacindolos al mismo
tiempo familiares e inquietantes. Paralelo a su actividad artstica es msico en bandas como
ACyDC, Trilobite y Mugre. Vive en Bogot.

Milena Bonilla (Bogot, Colombia, 1975) Luisa Ungar (Bogot, Colombia, 1976)
Colaboran desde 2014 en obras que exploran cmo ciertas discursividades histricas estn
atravesadas por relaciones de poder entre los seres humanos y la idea de naturaleza como
sujeto. Han realizado presentaciones de sus trabajos conjuntos en museos e instituciones
como CA2M Centro de Arte Dos de Mayo (Madrid, 2015); Spring Workshop (Hong Kong, 2015);
Rongwrong (Amsterdam, 2014); Bonneffanten Museum (Maastricht, 2014), y el proyecto Within
the Sound of your Voice en la Bienal de Marrakech (2014).

Silvie Boutiq (Bogot, Colombia, 1966)

Artista caracterizada por una prctica feminista a partir de una variedad de medios y estrategias.
Desde el performance hasta la instalacin, Boutiq busca responder de manera suspicaz a las
estructuras de los eventos a los que la invitan. Ha participado en varias versiones del Festival
de Performance de Cali. Vive en Bogot, donde maneja la Librera Errata.
and tropical landscape of Colombia. His work captures the light, atmosphere, moisture, and subtle
environmental sensations of different climates, with a special melancholy, especially in his depic-
tions of misty Andean moors.

Elena Bajo (Madrid, Spain, 1975)

Graduated as an architect from ESARQ (Barcelona) and with a MFA from the Central Saint Martins
School of Art (London). Her work lies in the intersection between anarchist thought, social ecol-
ogy, and metaphysics, and explores the ecological, social, and political dimension of everyday
spaces, strategies to conceptualize resistance, the poetics of ideology, and the relation between
temporalities and subjectivities. She was the co-founder of EXHIBITION, New York (2009) and the
DCLUB collective (Divestment Club). Among her recent exhibitions are: Victory over the Sun, D+T
Project Gallery (Brussels, 2016); Isle of Innocence, Kunsthalle (So Paulo, 2015), and Timeless Con-
siderations, Stacion Center for Contemporary Art (Prishtina, Kosovo, 2014). In 2016-2017 the Botn
Foundation awarded her a prize for her project Uranias Mirror. She lives in Berlin and Los Angeles.

Alicia Barney (Cali, Colombia, 1952)

BFA, College of New Rochelle, New York; MFA, Pratt Institute, Brooklyn. Her individual exhibitions
include Basurero utpico [Utopian Rubbish Dump], Instituto de Visin (Bogot, 2015); Juguete de
las Hadas [Fairies Toy], Pereira Museum of Art and La Merced Museum of Cali (1998), and Aves
en el cielo [Birds in the sky] Gartner Torres (Bogot, 1993). Her work has been shown in collective
exhibitions like Contraexpediciones [Counter-expeditions], Museum of Antioquia (Medelln, 2014);
41st National Salon of Artists (Cali, 2008), and Fragilidad [Fragility], Art Museum of National Uni-
versity (Bogot, 1998). She was awarded first prize at the 3rd Regional Salon of Visual Arts (Cali,
1980) and the Francisco de Paula Santander fellowship (Bogot, 1992). Her work, regarded as a
forerunner of Colombian environmental art, reflects on the relationship between human beings
and their surroundings, especially the problems of overpopulation, hunger, and the destruction
of Nature. She lives in Bogot.

Carlos Bonil (Bogot, Colombia, 1979)

Has a BFA in Visual Arts from the National University of Colombia. Among his one-man shows
are: Bien Mostrenco [Very Abandoned/Abandoned Property], Valenzuela Klenner (Bogot, 2016);
Nada a la Vista [Nothing in Sight], La Usurpadora (Puerto Colombia, 2015); Restos [Remains], Ro 52
(Mexico City, 2010), and Puedo hacerlo yo? [Can I do it?], Valenzuela Klenner (Bogot, 2007). He has
participated in collective exhibitions like ARCO Colombia (Madrid, 2015); Bogotpolis, Stenersen
Musseet (Oslo, 2013) and Imaginary Homelands, The Art Gallery of York University (Toronto, 2012).
His work is found in the Jumex Collection and private collections in Colombia, Mexico, and Puerto
Rico. Bonils work is based on historically charged, obsolete objects which are disassembled and
put together again, so that they become both familiar and disturbing. In addition to his work in
visual arts, he is a musician in bands like ACyDC, Trilobite and Mugre. He lives in Bogot.

Milena Bonilla (Bogot, Colombia, 1975) and Luisa Ungar (Bogot, Colombia, 1976)
Have worked together since 2014 on projects that explore how certain historical discourses are
crisscrossed by relations of power among human being, and the idea of Nature as a subject. Their
works have been shown in museums and institutions like the CA2M 2nd of May Art Center (Madrid,
2015); Spring Workshop (Hong Kong, 2015); Rongwrong (Amsterdam, 2014); Bonneffanten Museum
(Maastricht, 2014), and the Within the Sound of your Voice project at the Marrakech Biennial (2014).

Silvie Boutiq (Bogot, Colombia, 1966)

Is an artist with a feminist practice that uses a variety of media and strategies, ranging from per-
formance to installation, in response to the structure of the events to which she is invited. She
has participated in several versions of Performance Festival in Cali. She lives in Bogot, where
she owns and manages the Errata Bookstore.

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Mara Buenaventura (Medelln, Colombia, 1974)
Magster en Artes Plsticas y Visuales de la Universidad Nacional, graduada en Filosof a de
la Universidad de los Andes, sigui estudios de Creacin Escnica en la Escuela Internacional de
Teatro Jacques Lecoq (Pars). El eje de su trabajo es el crecimiento de las plantas, los usos de la
tierra y la historia del lugar que habita, la Sabana de Bogot. Su obra mezcla oficios y saberes como
la cocina, la instalacin y la escritura, ha merecido premios como la Beca Nacional de Creacin
en Artes Visuales del Ministerio de Cultura de Colombia y ha sido expuesta en Instituto de Visin
(Bogot, 2016); MDE 15 (Medelln, 2015); Contraexpediciones, Museo de Antioquia (Medelln, 2014);
FUGA (Bogot, 2014); Galerie Ratskeller (Berln, 2013);14 Salones Regionales de Artistas Zona Centro
(Bogot, Tunja, 2012); LA Galera (Bogot, 2012); La Alianza Francesa (2011), y el Museo Nacional de
Colombia (Bogot, 2004), entre otros. Vive en Bogot.

Calipso Press
Colectivo editorial formado por Eva Parra (Ciudad Real, Espaa, 1982) Camilo Otero (Miami,
EE. UU., 1983) que publica al son mediterrneo tropical desde 2015. Trabajan con una dupli-
cadora Riso desde Cali e investigan la relacin entre el arte y el diseo, la ilustracin y las
narrativas visuales. En su trabajo, entienden el ejercicio editorial en un sentido amplio
y, adems de publicaciones, han realizado talleres y proyectos en los Salones Regionales
de la Zona Pacfico y la Zona Centro (Cali y Bogot, 2015), ArtBo (Bogot, 2015), Miss
Read: The Berlin Art Book Fair (2016) y las Picnic Sessions (Mstoles, 2016). Viven en Cali.
www.calipsopress.com facebook.com/calipsopress instagram: @calipsopress

James Campo (Popayn, Colombia, 1981)

Maestro en Artes Plsticas de la Universidad del Cauca. Entre sus exposiciones estn La
Barbarie Originaria, Museo de Arte de Pereira (2016); Exposicin Alterna Corpo, Casa Museo
Mosquera (Popayn, 2008); Dilogo Generacional, Centro Cultural Colombo Americano (Cali,
2010); Para Verte Mejor Cuerpo Pacfico, Universidad del Cauca (Popayn, 2010); Cauca pac-
fico no pacfico (Popayn, 2012); Cauca, pacfico e indmito (Bogot, 2014), y Dispora Zona
Pacfico (Popayn, 2015). Vive en Santa Rosa, corregimiento de Popayn.

Lou Cantor
Colectivo fundado en 2011 interesado en la intersubjetividad y la comunicacin interperso-
nal. En su prctica exploran el campo polismico de la comunicacin contempornea donde
el medio, el mensaje y el significado se repliegan sobre s mismos. Entre sus exposiciones
colectivas se encuentran The Labour of Watching, Leto Gallery (Varsovia, 2016), OSLO10 (2016) y
Basel 2015; Language and Misunderstanding, CUNY (Nueva York, 2015); Epistemic Excess, Artists
Space (Nueva York, 2015); la Bienal de Berln (2012) y New National Art, Museum of Modern Art
(Varsovia, 2012). Viven en Berln.

Antonio Caro (Bogot, Colombia, 1950)

Es considerado el fundador del arte conceptual en Colombia por una serie de obras que comenz
a realizar en 1970 en las que se aproximaba a su entorno con un afilado sentido del humor. Entre
sus muestras individuales estn En Medelln todo est muy Caro, Museo de Arte Moderno de
Medelln (2016); Todo est muy Caro, Espacio Trapzio (Madrid, 2015), y Colombia Marlboro
1975-2015, Galera Casas Riegner (Bogot, 2015).Ha sido incluido en eventos como Resistance
PerformedAesthetic Strategies under Repressive Regimes in Latin America, Migros Museum
(Zrich, 2014); Artevida, Museu de Arte Moderna (Ro de Janeiro, 2014), y 43 Saln Nacional
de Artistas (Medelln, 2013). Su obra hace parte de colecciones en Colombia, Suiza, Estados
Unidos y Mxico. Vive en Bogot.
Mara Buenaventura (Medelln, Colombia, 1974)
has a MFA from National University with an undergraduate degree in Philosophy from Los Andes
University, and studies at the Jaques Lecoq International Theater School, Paris. The axis of her
work is the growth of plants, the uses of the land, and the history of the place where she lives,
the plains of Bogot. Her work mixes arts and skills like cooking, installation, and writing. She has
won awards like the National Fellowship for Creation in the Visual Arts of the Colombian Ministry
of Culture, and has been featured at the Instituto de Visin (Bogot, 2016); MDE 15 (Medelln, 2015);
Contraexpediciones [Counter-expeditions], Museum of Antioquia (Medelln, 2014); FUGA (Bogot,
2014); the Galerie Ratskeller (Berlin, 2013); the 14th Regional Salons of Artists, Central Zone (Bogot,
Tunja, 2012); LA Galera (Bogot, 2012); the Aliance Franaise (2011), and the National Museum of
Colombia, (Bogot, 2004), among other venues. She lives in Bogot.

Calipso Press
A publishing collective that comprises Eva Parra (Ciudad Real, Spain, 1982) and Camilo Otero (Miami,
U.S., 1983), founded in 2015 with a touch of the Mediterranean and the tropics. It works with a Riso
duplicating machine to investigate the relation between art and design, illustration and visual
narratives. It takes a broad approach to editorial practices and in addition to publications, it has
held workshops and projects at the Regional Salons of the Pacific and Central Zones of the coun-
try (Cali and Bogot, 2015), ArtBo (Bogot, 2015), Miss Read: the Berlin Art Book Fair (2016) and the
Picnic Sessions (Mstoles, Spain, 2016). They live in Cali.
www.calipsopress.com facebook.com/calipsopress instagram: @calipsopress

James Campo (Popayn, Colombia, 1981)

studied Arts at Cauca University. Among his exhibitions are: La Barbarie Originaria [Original Bar-
barism], Pereira Museum of Art (2016); Exposicin Alterna Corpo, Casa Museo Mosquera (Popayn,
2008); Dilogo Generacional [Generational Dialogue], Colombo-American Cultural Center (Cali,
2010); Para Verte Mejor Cuerpo Pacfico [To Better See You, Peaceful/Pacific Body], Cauca University
(Popayn, 2010); Cauca pacfico no pacfico [Non-peaceful Pacific Cauca], (Popayn, 2012); Cauca,
pacfico e indmito [Cauca, peaceful and indomitable] (Bogot, 2014), and Dispora Zona Pacfico
[Pacific Zone Diaspora] (Popayn, 2015). He lives in Santa Rosa, a rural district of Popayn.

Lou Cantor
A Collective that was founded in 2011 and is interested in inter-subjectivity and interpersonal
communication. Its work explores the polysemic field of contemporary communication where the
medium, the message, and the meaning fold over each other. They have participated in collec-
tive exhibitions like: The Labor of Watching, Leto Gallery (Warsaw, 2016), OSLO10 (2016) and Basel
2015; Language and Misunderstanding, CUNY (New York, 2015); Epistemic Excess, Artists Space
(New York, 2015); the Berlin Biennial (2012) and New National Art, Museum of Modern Art (Warsaw,
2012). They live in Berlin.

Antonio Caro (Bogot, Colombia, 1950)

Is regarded as the founder of conceptual art in Colombia, thanks to a series of works he started in
the 1970s that commented on his environment with a sharp sense of humor. Among his one-man
shows, there are: En Medelln todo est muy Caro [Everything is very expensive/Caro in Medelln],
Medelln Museum of Modern Art (2016); Todo est muy Caro [Everything is very expensive/Caro],
Espacio Trapzio (Madrid, 2015), and Colombia Marlboro 1975-2015, Galera Casas Riegner (Bogot,
2015). He has participated in events like Resistance PerformedAesthetic Strategies under Repres-
sive Regimes in Latin America, Migros Museum (Zurich, 2014); Artevida [Art [and] life] Museu de Arte
Moderna (Ro de Janeiro, 2014), and the 43rd National Salon of Artists (Medelln, 2013). His work
forms part of collections in Colombia, Switzerland, the United States and Mexico. He lives in Bogot.

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Carolina Caycedo (Londres, Reino Unido, 1978)
Maestra en Artes Plsticas de la Universidad de los Andes y Magster en Artes de University of
Southern California. Actualmente investiga los efectos de la economa extractiva en los cuerpos
de agua y los cuerpos sociales en las Amricas. Ha desarrollado proyectos pblicamente compro-
metidos en Bogot, La Jagua, Madrid, Lisboa, San Juan, Nueva York, San Francisco y Londres. Ha
expuesto en Creative Time, Queens Museum, New Museum, Secession, Palais de Tokyo, Fundacin
Cartier; y en bienales internacionales como las de Sao Paulo (2016), Berln (2014), La Habana (2009)
y Estambul (2001), entre otras. En 2012, Caycedo fue artista residente de la DAAD en Berln. En 2013
recibi la beca Repensar el Espacio Pblico de la Fundacin Prncipe Claus. Su obra se encuentra
en las Colecciones del Banco de la Repblica de Colombia, Los Angeles County Museum (LACMA),
Universidad de Colorado y Artist Pension Trust, entre otras. Vive en Los ngeles.

Gustavo Ciraco (Ro de Janeiro, Brasil, 1969)

Trabaja transversalmente con artes performativas y visuales en proyectos y performances que
parten del paisaje y la arquitectura de contextos especficos, y de su invencin y el poder
creador de su presencia. Sus obras han estado en Europa, Amrica Latina, Oriente Medio y Asia.
Recientemente se ha concentrado en su proyecto museolgico Una sala de maravillas, expuesto
en Tokio y Ro de Janeiro, donde rene momentos sublimes vividos por artistas en sus procesos
creativos y carreras profesionales. Su trabajo ha sido acogido en importantes festivales, galeras
y teatros, entre otros el Tokyo Wonder Site (Tokio); San Art (Saign); Chelsea Theatre, Battersea
Arts Centre (Londres); Tanz im August, Haus der Kulturen der Welt (Berln); La Ferme de Buisson
(Pars); La Casa Encendida (Madrid); Museu Coleo Berardo, Culturgest (Lisboa); CCBB, Panorama
(Ro de Janeiro); Metropolis (Copenhague); SESC (Sao Paulo); Mercat de les Flors (Barcelona) y NAVE
(Santiago). Vive en Lisboa y Ro de Janeiro. www.gustavociria.co

Fredy Clavijo Cuartas (Pereira, Colombia, 1977)

Licenciado en Artes Plsticas de la Universidad Tecnolgica de Pereira. En su obra indaga, a
travs de instalaciones e intervenciones, los posibles medios de traduccin de la experiencia,
vinculando la nocin de paisaje presente en las actividades de ocio que se desarrollan durante
el paseo, el turismo y los viajes. Hace parte del equipo de la residencia artstica La Cuenca
(Pereira). Vive en Pereira.

Alberto De Michele (Venecia, Italia, 1980)

Artista italo-holands que estudi Arte en Gerrit Rietveld Academie (Amsterdam), Cooper
Union (Nueva York) y Sandberg Instituut (Amsterdam), y realiz una residencia de dos aos
en la Rijksakademie (Amsterdam). Entre sus exposiciones individuales estn El segundo viaje,
Museo Rayo (Roldanillo, 2015); Vincent, (bis) oficina de proyectos (Cali, 2015) y Porta Lavernalis,
Gentili Apri (Berln, 2011). Su trabajo ha hecho parte de muestras colectivas como Spell to spe-
lling**spelling to spell, De Appel Arts Centre (Amsterdam, 2015); Glitch, Interferenze tra Arte e
Cinema (Miln, 2014); Cinma du rel, Centre Pompidou (Pars, 2013), y An Opal World, Kunstraum
(Londres, 2013). Su obra explora, a travs de instalaciones, fotografas, videos y performances,
la fascinacin por el inframundo de lo ilegal y las culturas marginales. Vive en Amsterdam y Cali.

Bar Dorusz (Estambul, Turqua, 1978)

Artista y cineasta. Sus instalaciones, fotografas, pelculas y dibujos, en entornos arquitectnicos,
exploran y negocian lo indeterminado del paisaje, el espacio de la experiencia y los horizon-
tes de las expectativas. Ha expuesto en el Van Abbemuseum (Eindhoven, 2016); el Asia Culture
Center (Gwanju, 2014), y en el NBK (Berln, 2014), entre otros. Sus documentales han participado
en decenas de festivales en Pars, San Sebastin y Estambul. Vive en Beirut y Estambul, donde
ensea en Sabanci University.
Carolina Caycedo (London, United Kingdom, 1978)
has a BFA in Arts from Los Andes University (Bogot) and MFA from the University of Southern
California. She currently investigates the effects of the extractive economy on bodies of water
and social bodies in the Americas. She has undertaken public projects of socially engaged art in
Bogot, La Jagua, Madrid, Lisbon, San Juan, New York, San Francisco, and London. She has exhib-
ited at Creative Time, the Queens Museum, New Museum, Secession, Palais de Tokyo (Paris) and
the Cartier Foundation; and in international biennials like So Paulo (2016), Berlin (2014), Havana
(2009) and Istanbul (2001). In 2013 she won the Rethinking the Public Space Fellowship from Prince
Claus Foundation (Holland). Her work is found in the collections of the Colombian Central Bank
(Banco de la Repblica), the Los Angeles County Museum (LACMA), the University of Colorado, and
the Artist Pension Trust, among others. She lives in Los Angeles.
Gustavo Ciraco (Rio de Janeiro, Brazil, 1969)
He works with performance and visual arts on projects based on the landscape and architecture
of specific contexts and the inventiveness and creative power of his presence. He has recently
focused on his museological project, Una sala de maravillas [A Hall of Wonders], exhibited in Tokyo
and Rio de Janeiro, where he assembles sublime moments experienced by artists in their creative
undertakings and professional careers. His work has been shown at important festivals, galler-
ies and theaters, among them: the Tokyo Wonder Site (Tokyo); San Art (Saigon); Chelsea Theatre,
Battersea Arts Centre (London); Tanz im August, Haus der Kulturen der Welt (Berlin); La Ferme de
Buisson (Paris); La Casa Encendida (Madrid); Museu Coleo Berardo, Culturgest (Lisbon); CCBB,
Panorama (Rio de Janeiro); Metropolis (Copenhagen); SESC (So Paulo); Mercat de les Flors (Barce-
lona) and NAVE (Santiago). He lives in Lisbon and Rio de Janeiro. www.gustavociria.co

Fredy Clavijo Cuartas (Pereira, Colombia, 1977)

Graduated in arts from the Technological University of Pereira. Through installations and interven-
tions, he inquires into the possible means of translating experience, linking the notion of landscape
found in leisure activities which take place during outings, tourism, and travels. He forms part of
the La Cuenca artists in residence team (Pereira). He lives in Pereira.

Alberto De Michele (Venice, Italy, 1980)

Italian-Dutch artist with art studies at the Gerrit Rietveld Academie (Amsterdam), Cooper Union (New
York) and Sandberg Institut (Amsterdam) and an artist-in-residence for two years at the Rijksakad-
emie (Amsterdam). His one-man shows include El segundo viaje [The second journey], Museo Rayo
(Roldanillo, Colombia, 2015); Vincent, (bis) projects office (Cali, 2015) and Porta Lavernalis, Gentili
Apri Art Organization (Berlin, 2011). His work has been shown in collective exhibitions like Spell to
spelling**spelling to spell, De Appel Arts Centre (Amsterdam, 2015); Glitch, Interferenze tra Arte e
Cinema (Milan, 2014); Cinma du rel, Pompidou Center (Paris, 2013), and An Opal World, Kunstraum
(London, 2013). His work uses installations, photographs, videos and performances to explore his
fascination with the underworld of crime and marginal cultures. He lives in Amsterdam and Cali.

Bars Dogrusz (Istanbul, Turkey, 1978)

Artist and filmmaker. His installations, photographs, films and drawings, placed in architectural
settings, explore and negotiate the indeterminate nature of the landscape, the space of experi-
ence, and the horizons of expectations. He has exhibited at the Van Abbemuseum (Eindhoven, 2016);
the Asia Culture Center (Gwanju, 2014), and the NBK (Berlin, 2014), among other. His documentaries
have been shown in dozens of festivals in Paris, San Sebastin and Istanbul. He lives in Beirut and
in Istanbul, where he teaches at the Sabanci University.

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Wilson Daz (Pitalito, Colombia, 1963)
Estudi Artes Plsticas en la Universidad Nacional de Colombia, Bogot. Su trabajo indaga el
complejo contexto histrico, social y poltico del pas desde la dcada de los 80 por medio de
operaciones artsticas como la apropiacin de imgenes de los medios masivos o de significado
histrico. Daz utiliza este material en proyectos que involucran la pintura, el dibujo, el video,
las acciones y la escritura, entre otros. Ha expuesto individualmente en la Galera Santa Fe
(Bogot, 2014); Museo de Arte de Pereira (2012); Museo de Arte Moderno de Barranquilla (1999);
el Museo de Arte Moderno de Bogot (1998) y Museo La Tertulia (Cali, 1998). Ha participado en
las bienales de Mercosur (Porto Alegre, 2011); La Habana (2009); Liverpool (2004) y Venecia (2003).
Es miembro fundador de Helena Producciones, colectivo de artistas establecido en 1998 que
ha realizado ocho Festivales de Performance en Cali. Vive en Cali.

Herlyng Ferla (Cali, Colombia, 1984)

Maestro en Artes Plsticas del Instituto Departamental de Bellas Artes en Cali. Entre sus
exposiciones individuales estn La voz de las cosas, (bis) oficina de proyectos (Cali, 2016);
Metafsica concreta, Lugar a Dudas (Cali, 2013); y Despreciadores del cuerpo, Galera Jenny Vil
(Cali, 2011). Ha ganado las Becas Locales de Creacin BLOC (Cali, 2012) y la beca de investigacin
curatorial de los 15 Salones Regionales zona Pacfico, (2014). Su trabajo teje relaciones entre
la estructura interna de los objetos y la transformacin que han sufrido en el uso cotidiano.
Hace parte de La Nocturna, colectivo que explora formatos pedaggicos, discursivos y
curatoriales. Vive en Cali.

Stephen Ferry (Cambridge, EE. UU., 1960)

Fotoperiodista. Desde los aos 80 cubre cambios polticos y sociales, problemas medioam-
bientales y de derechos humanos en distintos pases. Ha publicado en New York Times, GEO,
TIME, National Geographic, entre otras, y ha sido investigador visual para Human Rights
Watch. Su trabajo ha recibido reconocimientos como World Press Photo, Imagen del ao
y mejor fotoperiodismo, y becas del National Geographics Expeditions Council, el Fondo
del Embajador para la Preservacin Cultural, el Fondo para el Periodismo Investigativo, la
Fundacin Alicia Patterson, el Fondo Howard Chapnick, la Knight International Press Fellowship,
the Getty Images Grants for Editorial Photography, la Open Society Foundation y el fondo
de la Magnum Foundation. Entre sus publicaciones estn I am Rich Potos: The Mountain
that Eats Men (Monacelli, 1999), que documenta el legado histrico de la conquista espa-
ola en los mineros quechua de Potos, y Violentology: A manual of the Colombian Conflict
(Umbrage/Icono, 2012), resultado una dcada cubriendo el conflicto armado colombiano.

scar Figueroa (San Jos, Costa Rica, 1986)

Entre sus exposiciones individuales estn On the Other Side of the Railroads, Museo de Arte y
Diseo Contemporneo, MADC (San Jos, 2015); The Poverty of Progress, Galera Des Pacio (San
Jos, 2014), y Durmientes, Sala Poligrfica, TEOR/Tica (San Jos, 2013). Ha representado a Costa
Rica en eventos comola IX Bienal de Artes Visuales del Istmo Centroamericano (Guatemala,
2014) y la X Bienal del Mercosur (Porto Alegre, 2015). Su obra haceparte de colecciones como
las del Museo de Arte y Diseo Contemporneo (San Jos); National Taiwan Museum of Fine
Arts (Taiwan), y Museo Iberoamericano de Arte Contemporneo (Huelva), entre otras. En su
obra, Figueroa produce imgenes, acciones y procesos que sobreponen e hibridan material y
contrastan semnticamente las relaciones de poder que se producen con la equivalencia entre
el valor de uso y el valor de cambio. Vive en Heredia, Costa Rica.

Andres Felipe Gallo (Santa Rosa de Cabal, Colombia, 1988)

Licenciado en Artes Visuales, en la actualidad cursa la Maestra en Esttica y Creacin de la
Universidad Tecnolgica de Pereira. Desde 2011 exhibe su trabajo en exposiciones colectivas
Wilson Daz (Pitalito, Colombia, 1963)
Studied Visual Arts at National University of Colombia, Bogot. His work inquires into the complex
historical, social, and political context of the country since the 1980s through artistic methods like
the appropriation of images with historical significance from mass media. Daz uses this material
in projects that employ painting, drawing, video, actions, and writing, among others. He has had
individual exhibitions at the Santa Fe Gallery (Bogot, 2014); Pereira Art Museum (2012); Barranquilla
Museum of Modern Art (1999); Bogot Museum of Modern Art (1998) and La Tertulia Museum (Cali,
1998). He has also participated in the Biennials of Mercosur (Porto Alegre, 2011); Havana (2009);
Liverpool (2004) and Venice (2003). He is a founding member of Helena Producciones, an artist
collective founded in 1998, which has organized eight Performance Festivals in Cali. He lives in Cali.

Herlyng Ferla (Cali, Colombia, 1984)

Graduated in Arts from the Cali Departmental Institute of Fine Arts. Among his individual exhibi-
tions are: La voz de las cosas [The Voice of things] (bis) office of projects (Cali, 2016); Metafsica
concreta [Concrete Metaphysics], Lugar a Dudas (Cali, 2013); and Despreciadores del cuerpo [Scorn-
ers of the Body], Galera Jenny Vil (Cali, 2011). He won one of the BLOC Local Creation Fellowships
(Cali, 2012) and the fellowship for curatorial investigation of the 15th Regional Salons, Pacific zone.
His work interweaves relations between the internal structure of objects and the transformation
they have suffered in everyday use. He forms part of the La Nocturna collective which explores
educational, discursive, and curatorial formats. He lives in Cali.

Stephen Ferry (Cambridge, U.S., 1960)

A photojournalist since the 1980s, he has covered political and social changes, environmental
problems, and human rights issues in several countries. His work has appeared in the New York
Times, GEO, TIME and National Geographic, among others, and he has been a visual investigator
for Human Rights Watch. He has won awards like the World Press Photos Photo of the Year for
best photo-journalism, and fellowships from the National Geographics Expeditions Council, the
Ambassadors Fund for Cultural Preservation, the Investigative Journalism Fund, the Alicia Patter-
son Foundation, the Howard Chapnick Fund, the Knight International Press Fellowship, the Getty
Images Grants for Editorial Photography, the Open Society Foundation, and the Magnum Founda-
tion Fund. Among his publications are: I am Rich Potos: The Mountain that Eats Men (Monacelli,
1999), which documents the historical legacy of the Spanish Conquest for the Quechua-speaking
miners of Potos, and Violentology: A manual of the Colombian Conflict (Umbrage/Icono, 2012), the
result of a decade covering the Colombian conflict.

scar Figueroa (San Jos, Costa Rica, 1986)

Among his individual exhibitions are: On the other side of the railroads, San Jos Museum of Art and
Contemporary Design, MADC, (2015); The Poverty of Progress, Des Pacio Gallery (San Jos, 2014), and
Durmientes [Sleepers], Sala Poligrfica, TEOR/Tica (San Jos, 2013). He has represented Costa Rica
at events like the 9th Biennial of Visual Arts of the Isthmus of Central America (Guatemala, 2014)
and the 10th Mercosur Biennial (Porto Alegre, 2015). His work forms part of collections at the San
Jos Museum of Art and Contemporary Design; the Taiwan National Museum of Fine Arts (Taiwan),
and the Ibero-American Museum of Contemporary Art (Huelva, Spain), among others. Figueroas
work creates images, actions and processes that employ a superposition of hybrid materials to
make semantic contrasts about the relations of power which arise from the equivalence between
use value and exchange value. He lives in Heredia, Costa Rica.

Andres Felipe Gallo (Santa Rosa de Cabal, Colombia, 1988)

Has a degree in Visual Arts and is currently studying an MFA in Aesthetics and Creation at the
Technological University of Pereira. Since 2011 he has shown his work in individual and collective
exhibitions, like Cerca de la posibilidad [Near the Possibility], Carlos Drews Castro Hall (Pereira,
2015); Del rostro al rastro [From the Face to the Trace], Galera Maga (Pereira, 2014), and Reflexiones

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e individuales entre las que se encuentran Cerca de la posibilidad, Sala Carlos Drews Castro
(Pereira, 2015); Del rostro al rastro, Galera Maga (Pereira, 2014), y Reflexiones al borde, Alianza
Francesa de Pereira (2013). Fue ganador de la convocatoria Pasantas Nacionales del Ministerio
de Cultura (2016) y del primer premio del Saln Traslude de Arte Contemporneo (2015). En su
trabajo se interesa por considerar la fragmentacin, el residuo y la ruina a travs de procesos
de recoleccin, reciclaje y reconfiguracin de materiales, objetos e imgenes.Vive en Pereira.

Ethel Gilmour (Cleveland, EE. UU., 1940 Medelln, Colombia, 2008)

Tras un pregrado en Humanidades en Atlanta y una maestra en Pintura del Pratt Institute (Nueva
York), se radic en Medelln en 1971, donde hizo parte de la escena artstica local y ense en
la Universidad Nacional de Colombia. Influida inicialmente por el expresionismo abstracto y el
arte pop, desarroll un lenguaje personal de colores planos donde la belleza de la naturaleza
resulta a menudo asediada por la violencia y el descontrol. Entre sus reconocimientos est haber
sido presentada, en el marco del XI Saln Regional de Artistas (2005), como maestra del arte
antioqueo, y la retrospectiva pstuma Flores para Ethel Gilmour (1940-2008): homenaje, Museo
de Arte Moderno de Medelln (2010).

Beatriz Gonzlez (Bucaramanga, Colombia, 1938)

Una de las figuras claves en el arte colombiano. Ha realizado pinturas, instalaciones y dibujos
que se aproximan, con humor finsimo, al acontecer nacional. Curs estudios de Arquitectura en
la Universidad Nacional de Colombia (1956-1958) y en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad
de los Andes se gradu como Maestra en Bellas Artes (1959-1962). Entre sus reconocimientos est
el ttulo Honoris Causa de Maestra en Artes Plsticas por parte de la Universidad de Antioquia
(2000) y el Premio Vida y Obra del Ministerio de Cultura de Colombia (2006). Ha realizado exposi-
ciones colectivas nacionales e internacionales desde 1964. Adems de su labor artstica, es una
destacada historiadora del arte colombiano, entre sus libros estn Manual de arte del siglo XIX
en Colombia (2013), La caricatura en Colombia a partir de la Independencia (2010) y Jos Mara
Espinosa abanderado del arte en el siglo XIX (1998). Vive en Bogot.

Matilde Guerrero (Bogot, Colombia, 1982)

Maestra en Artes Plsticas de la Universidad de Bogot Jorge Tadeo Lozano con tesis laurea-
da. Sus lenguajes plsticos giran alrededor del dibujo, la pintura, el video, el performance, la
intervencin e instalacin. Busca desarrollar colectivamente procesos simblicos a travs de
un inters conceptual por la informalidad. Ha merecido diferentes distinciones como la Beca
de Residencias Artsticas Nacionales (2015), la Beca para Proyectos de Circulacin de las Artes
Plsticas y/o Visuales (2013) de Idartes y la Beca para circulacin en espacios independientes,
Ministerio de Cultura (2012). Entre sus exposiciones individuales estn Tierras prometidas,
Valenzuela Klenner Galera (Bogot, 2016); Parafernalia, Laagencia (Bogot, 2013), Filtracin,
Universidad Jorge Tadeo Lozano (Bogot, 2011) y Salom Mata-tigres, El Parche Artist Residency
(Bogot, 2013). Vive en Bogot.

Juliana Gngora Rojas (Bogot, Colombia, 1988)

Artista con pregrado y maestra en Artes Plsticas en la Universidad Nacional de Colombia
(Bogot). En su obra indaga sobre las aplicaciones escultricas de tcnicas tradicionales de
construccin como el bahareque y la tapia pisada. Ha participado en muestras colectivas como
Sal Vigua, Cmara de Comercio de Bogot (2015); Saln de Arte Joven, FUGA (Bogot, 2015), y
Nuevos Nombres, Banco de la Repblica (2013). Ha realizado una exposicin individual, Labor,
en FLORA ars+natura (Bogot, 2016) y particip en Long Live the Old Flesh, open call Nogueras
Blanchard (Barcelona y Madrid). Gan la Beca de creacin para artistas emergentes, Ministerio de
Cultura (2015). Ha sido artista residente en Mildreds Lane (Nueva York, 2016); Lugar a Dudas (Cali,
2014-2015); FLORA ars+natura (2015), y fue invitada al Mac Val Muse (Pars, 2017). Vive en Bogot.
al borde [Reflections on the Edge], Aliance Franaise of Pereira (2013). He won an internship awarded
by the Ministry of Culture (2016) and first prize at the Traslude Salon of Contemporary Art (2015).
His work delves into ideas of fragmentation, waste, and ruin through the gathering, recycling and
reshaping of materials, objects and images. He lives in Pereira.

Ethel Gilmour (Cleveland, EE. UU., 1940 Medelln, Colombia, 2008)

Obtained a B.A. in Humanities in Atlanta and a MFA in Painting from the Pratt Institute (New York).
She moved to Medelln in 1971, where she formed part of the local art scene and taught at National
University. Initially influenced by Abstract Expressionism and Pop Art, she developed a personal
language of flat colors where the beauty of Nature is often marred by violence and chaos. Among
her awards, she was an honored as a Master of the art of Antioquia at the 11th Regional Salon of
Artists (2005) and was the subject of a posthumous retrospective Flores para Ethel Gilmour (1940-
2008) [Flowers for Ethel Gilmour], at the Medelln Museum of Modern Art (2010)

Beatriz Gonzlez (Bucaramanga, Colombia, 1938)

One of the key figures in modern Colombian art. She has worked with painting, installations, and
drawings, all of which comment on the life of the country with a subtle and piercing sense of humor.
She studied Architecture at the National University of Colombia (1956-1958) and Arts at Los Andes
University, Bogot (1959-1962). Among her awards, she received an Honorary Masters Degree in
Visual Arts from the University of Antioquia (2000) and the Colombian Ministry of Cultures Prize
for Lifetime Achievement (2006). Her works have been shown in Colombian and international
exhibitions since 1964.
In addition to her work as an artist, she is an outstanding investigator of the history of Colom-
bian art and has published such books as: Manual de arte del siglo XIX en Colombia [Manual of
Colombian 19th century art] (2013), La caricatura en Colombia a partir de la Independencia [Politi-
cal caricature in Colombia from the time of the Independence] (2010) and Jos Mara Espinosa,
abanderado del arte en el siglo XIX [Jos Mara Espinosa, standard bearer of art in the 19th century]
(1998). She lives in Bogot.

Matilde Guerrero (Bogot, Colombia, 1982)

Graduated with honors in Art from Jorge Tadeo Lozano University in Bogot. Her artistic languages
revolve around drawing, painting, video, performance, intervention, and installations. She seeks
to collectively develop symbolic processes through a conceptual interest in informality. She has
won awards like the Fellowship for National Artistic Residencies (2015), the Bogot District Institute
of Arts (Idartes) Fellowship for the Circulation of Fine and/or Visual Arts Projects (2013) and the
Ministry of Cultures Fellowship for Circulation of Independent Venues (2012). Among her individual
exhibitions are: Tierras prometidas [Promised lands], Valenzuela Klenner Galera (Bogot, 2016);
Parafernalia [Paraphernalia], Laagencia (Bogot, 2013), Filtracin [Filtration], Jorge Tadeo Lozano
University (Bogot, 2011) and Salom Mata-tigres [Salom the tiger-killer], El Parche Artist Resi-
dency (Bogot, 2013). She lives in Bogot.

Juliana Gngora Rojas (Bogot, Colombia, 1988)

Graduated with a BFA and MFA from the National University of Colombia (Bogot). Her work
inquires into the sculptural applications of traditional building techniques like wattle and daub
and adobe walls. He has participated in collective exhibitions like Sal Vigua [Timber Salt], Bogot
Chamber of Commerce (2015); the FUGA Salon of Young Artists (Bogot, 2015); and Nuevos Nombres
[New Names], Central Bank of Colombia (2013). He held an individual exhibition, entitled Labor, in
FLORA ars+natura (Bogot, 2016) and participated in Long Live the Old Flesh, open call Nogueras
Blanchard (Barcelona and Madrid). She won a Fellowship for emerging artists, Ministry of Culture
(2015). She has been an artist in residence at Mildreds Lane (New York, 2016); Lugar a Dudas (Cali,
2014-2015); and FLORA ars+natura (2015), and she is scheduled to have a fellowship at the Mac Val
Museum (Paris, 2017). She lives in Bogot.

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 Nicols Guilln Landrin (Camagey, Cuba, 1938 Miami, EE. UU., 2003)
Cineasta y pintor, sobrino del poeta Nicols Guilln. Trabaj en la empresa cinematogrfica
estatal cubana ICAIC entre 1962 y 1972, cuando fue expulsado por conducta antisocial y
manifestaciones disidentes. En su obra privilegi bsquedas personales y experimentales,
evitando la euforia revolucionaria de la poca, y recibiendo crticas por hacer documentales
incoherentes con el contexto cubano. Entre sus pelculas estn En un barrio viejo (1963), Ociel
del Toa (1965), Coffea Arbiga (1968) y Taller de Lnea y 18 (1971), que precipit su salida del ICAIC
por cuestionar la efectividad de las asambleas sindicales. Tras pasar por un proceso de reedu-
cacin, que incluy clnicas mentales y tratamientos de electroshock, se exili en Miami en 1989.

lvaro Herazo (Cartagena 1942 Barranquilla 1988)

Estudi Arquitectura en la Universidad del Atlntico y arte en el Royal College of Printing en
Londres. Fue crtico, escritor y director de la Escuela de Bellas Artes de la Universidad del
Atlntico en Barranquilla. Su obra ha sido expuesta en el Museo de Bellas Artes de Caracas,
Espacio Alterno Sara Modiano (Barranquilla), Museo Nacional (Bogot), I Trienal de Buenos
Aires, Museo de Arte Moderno de Cartagena y en el I Coloquio de Arte No Objetual en el MAMM
de Medelln, entre otros. Su obra, de carcter conceptual, utiliza la fotograf a, la serigraf a, y
el performance para explorar preguntas acerca del territorio que lo llev a crear cartograf as
utpicas con mapas transformados y geograf as fantasiosas.

Leonardo Herrera Madrid (Cali, Colombia, 1977)

Estudi Arte en el IDBA de Cali y ha presentado su trabajo en distintos escenarios a nivel nacional
e internacional, entre ellos la Pinacoteca de la Universidad de Concepcin (Chile), el Centro de
la Fotografa (Ginebra), el SFMOMA (San Francisco) y el Centro de Expresiones Contemporneas
(Rosario). Sus proyectos de investigacin parten de dos intereses: primero, el fenmeno narco y
sus implicaciones socioculturales, sealando ciertas crisis culturales con relacin al territorio;
y, segundo, los escenarios de conflicto ideolgico que crean maneras de exclusin radicales.
Actualmente es docente en la Universidad del Valle y del Instituto Departamental de Bellas
Artes. Fue cofundador de Helena Producciones, realizadores del Festival de Performance de
Cali. Vive en Cali.

Juan Fernando Herrn (Bogot, Colombia, 1963)

Graduado en Artes Plsticas en la Universidad de los Andes, con una maestra en Escultura del
Chelsea College of Art (Londres). Ha sido invitado a bienales como las de Venecia, Estambul,
Liverpool, So Paulo, La Habana y Johannesburgo. Entre sus exposiciones individuales estn
Flujos deseantes, Museo de la Universidad Nacional (Bogot, 2016); Espina dorsal, NC-arte
(Bogot, 2011); Escalas, Galera Magda Bellotti (Madrid, 2009), y Sin ttulo, Metales Pesados
(Santiago de Chile, 2009). En su obra, Herrn utiliza medios como la fotografa, la escultura y la
instalacin para examinar hechos sociales y polticos o procesos culturales relacionados con
la definicin territorial o la conformacin y operacin de estructuras de poder que definen la
identidad de comunidades especficas o de la nacin. Vive en Bogot, donde es Profesor Titular
de la Universidad de los Andes.

Mara Teresa Hincapi (Armenia, 1954 Bogot, 2008)

Considerada una de las pioneras del performance en Colombia. Inicialmente vinculada al teatro,
en 1984 empez su trabajo plstico, en colaboracin con artistas como Jos Alejandro Restrepo
(Parquedades, escenas del parque para una actriz, video y msica, 1987). Su obra se plantea
desde el cuerpo para reflexionar sobre lo femenino, lo cotidiano y lo sagrado. Entre sus trabajos
se destacan Vitrina, mencin de honor, II Bienal de Arte en el Museo de Arte Moderno de Bogot
(1989); Una cosa es una cosa, primer premio en el XXXIII Saln Nacional de Artistas (1990), incluida
en exposiciones como Stanze e Segreti (Miln) y Versiones del Sur, Esttica del Sueo, Museo
Nacional Centro de Arte Reina Sofa (Madrid); Divina proporcin, primer premio, XXXVI Saln
Nicols Guilln Landrin (Camagey, Cuba, 1938 Miami, USA, 2003)
Filmmaker and painter, nephew of the poet Nicols Guilln. He worked in the state-owned cinema
company ICAIC between 1962 and 1972, when he was expelled for antisocial conduct and dis-
sident manifestations. In his work, he privileged experimental and personal aspects and avoided
the revolutionary euphoria of the times, which caused officials to label it incoherent with the
Cuban context. Among his films are En un barrio viejo [In an Old Neighborhood] (1963), Ociel del
Toa (1965), Coffee Arbiga (1968) and Taller de Lnea y 18 [Workshop of Line and 18] (1971), which
caused his exit from ICAIC by questioning the effectiveness of union assemblies. After a process
of reeducation, which included stays in mental clinics and electroshock treatments, he went into
exile in Miami in 1989.

lvaro Herazo (Cartagena 1942 Barranquilla 1988)

Herazo studied architecture at Atlntico University in Barranquilla and art at the Royal College of
Printing in London. He was a writer and critic and directed the School of Fine Arts at the University
of Barranquilla. He has exhibited at the Caracas Museum of Fine Arts, Espacio Alterno, the Sara
Modiano Gallery (Barranquilla), the National Museum of Colombia (Bogot), the 1st Buenos Aires
Triennial, the Cartagena Museum of Modern Art and the 1st Colloquium on Non-Object Art at the
Medelln Museum of Modern Art, among others. His work, influenced by conceptual art, used pho-
tography, silkscreen, and performance to explore questions centered on the territory, developing
utopian cartographies with transformed maps, and fantastic geographies.

Leonardo Herrera Madrid (Cali, Colombia, 1977)

Studied art at the Cali Departmental Institute of Fine Arts and has shown his work in Colombia and
abroad, in spaces like the Gallery of the University of Concepcin (Chile), the Geneva Photography
Center, the San Francisco Museum of Modern Art, and the Center for Contemporary Expressions
(Rosario, Argentina). His investigative projects are based on two interests: the phenomenon of
drug trafficking and its socio-cultural implications, pointing to cultural crises reflected in the ter-
ritory; and, secondly, scenarios of ideological conflict that create radical exclusions. He currently
teaches at Valle University and the Department Institute of Fine Arts. He was a co-founder of
Helena Productions, organizers of the Cali Performance Festival. He lives in Cali.

Juan Fernando Herrn (Bogot, Colombia, 1963)

Studied Visual Arts at Los Andes University (Bogot) and has a MFA in Sculpture from the Chelsea
College of Art (London). He has participated in the Biennials of Venice, Istanbul, Liverpool, So
Paulo, Havana and Johannesburg. Among his individual exhibitions are: Flujos deseantes [Desiring
Flows], Museum of National University (Bogot, 2016); Espina dorsal [Backbone], NC-arte (Bogot,
2011); Escalas [Scales], Magda Bellotti Gakllery (Madrid, 2009), and Sin ttulo [Untitled], Metales
Pesados (Santiago de Chile, 2009). Herrns work uses different media such as photography,
sculpture, and installations to examine social and political occurrences or cultural phenomena
related to the definition of territory or the formation and operation of structures of power which
define the identity of specific communities or the nation. He lives in Bogot, where he is a Full
Professor at Los Andes University.

Mara Teresa Hincapi (Armenia, 1954 Bogot, 2008)

Regarded as one of the pioneers of performance art in Colombia, she was originally linked to
the theater. In 1984 she began working in the field of art, in collaboration with artists like Jos
Alejandro Restrepo (Parquedades, escenas del parque para una actriz [Frugalities/Park things,
scenes from the park for an actress, video and music], (1987). Her work is based on the use of the
body to reflect on the feminine, the everyday and the sacred. Among her outstanding works are
Vitrina [Showcase], Honorable Mention, 2nd Biennial of Art at the Bogot Museum of Modern Art
(1989); Una cosa es una cosa [One thing is one thing], first prize at the 33rd National Salon of Art-
ists (1990), included in exhibitions like Stanze e Segreti (Milan) and Versiones del Sur, Esttica del

330 / 331
Nacional de Artistas (1996), y El espacio se mueve despacio, 51 Bienal de Venecia (2005). Tras su
muerte, el Museo Patricia and Phillip Frost organiz una retrospectiva desu obra (Miami, 2010).

Catalina Jaramillo (Medelln, Colombia, 1981)

Estudi Artes Plsticas en la Universidad Nacional de Colombia. Su obra gira en torno a la
contemplacin, con referencias a la autobiograf a, la literatura y la ficcin. Ha expuesto indi-
vidualmente en la Galera Jenny Vil (2014), Espacio Oden (2014) y Galera Sextante (2012 y
2010). Colectivamente ha mostrado su trabajo en espacios como Matadero (Madrid), Casa de
Amrica (Madrid), Banco de la Repblica (Bogot), Harris Gallery (California) y Galera Senda
(Barcelona). Entre sus distinciones estn el primer premio en el Saln Cano (2007); el segundo
lugar en el Concurso Arte Joven, Embajada de Espaa-Colsanitas (2014); Residencia El Ranchito,
Matadero (Madrid, 2015) y la Beca Escuela Flora (Bogot, 2016). Su trabajo hace parte de la
exposicin permanente del Banco de la Repblica. Vive en Bogot.

Edwin Jimeno (Santa Marta, Colombia, 1974)

Artista plstico, curador, docente e investigador; desde 1997 se desempea como artista
del cuerpo a nivel nacional, con reconocimientos como el segundo premio en el 38 Saln
Nacional de Artistas (2001), primer premio en la Bienal del Fuego (2002) y seleccin en
el Proyecto Pentgono Actos de fabulacin, Ministerio de Cultura de Colombia (2000).
Ha sido coordinador del laboratorio Cort con tijera de palo (Santo Toms, Atlntico, 2010)
y de Alapar15, convenio entre el Ministerio de Cultura y Entre las artes. Dirigi el colectivo
Capirote, ganador de la Beca para desarrollar el laboratorio Cuerpo y Territorio (Santo Toms,
2010 2013) e hizo parte del equipo de curadores del proyecto Atarraya, 14 Saln Regional
de Artistas (2011). Actualmente participa en el proyecto Obra viva del Banco de la Repblica.
En su trabajo, parte de la experiencia del cuerpo para indagar las resonancias personales de
traumas colectivos. Vive en Santo Toms.

Amadou Keita (Bamako, Mali, 1967)

Desde muy temprano se interes en la fotografa, dedicndose al oficio desde 1986. En su
obra trata temas diversos como lo cotidiano, la tradicin y la diversidad cultural. Gracias a
diversos encuentros profesionales se encamin hacia la fotografa como expresin artstica
contempornea. Ha trabajado con organizaciones como ifad/World Press Photo o Dimotix, y
participado en exposiciones como Les rencontres photographiques de Bamako (2009 2011);
Bamako in Paris, Pavillon Carr de Baudoin (Pars, 2013), y el Festival Photo dAddis-Abeba (2014).
Gan el premio Humanity Photo Award (2013). Vive en Bamako, Mali.

La Decanatura
Colectivo conformado en 2012 por los artistas Elkin Caldern Guevara (Bogot 1975) y Diego
Pieros Garca (Bogot 1981) que busca generar nuevas miradas y aproximaciones al arte a
partir de enfoques histricos y de disciplinas ajenas como la msica o el deporte. Entre sus
distinciones, han recibido la Beca para Propuestas de Circulacin de las Artes Plsticas y/o
Visuales, Idartes (2013). Su proyecto Centro Espacial Satelital de Colombia fue seleccionado
para participar en la curadura Museo Efmero del Olvido, XV Salones Regionales de Artistas,
Ministerio de Cultura (Bogot, 2015).

LaMutante
Plataforma conformada por Nicols Cadavid (Bucaramanga, Colombia, 1979), Efran Marino
(Bucaramanga, Colombia, 1979) y Sebastin Snchez (Bogot, Colombia, 1983) fundada en 2006
para dinamizar y fortalecer el campo artstico de Bucaramanga, a travs de proyectos que
incluyen residencias artsticas, exhibiciones, publicaciones virtuales, conferencias, talleres,
festivales y subastas de arte. Sin contar con un espacio fsico donde desarrollar sus actividades,
LaMutante se instala en centros culturales y espacios pblicos para desarrollar sus propuestas
Sueo [Versions of the South, the Aesthetics of the Dream], Queen Sofia Arts Center (Madrid); Divina
proporcin [Divine proportion], first prize, 36th National Salon of Artists (1996), and El espacio se
mueve despacio [Space moves slowly], 51st Biennial of Venice (2005). After her death, the Patricia
and Phillip Frost Museum, Miami, organized a retrospective of her work (2010).

Catalina Jaramillo (Medelln, Colombia, 1981)

BFA in Arts from National University of Colombia. Her work revolves around contemplation, with
references to autobiography, literature and fiction. She has had individual exhibitions at the Galera
Jenny Vil (2014), Espacio Oden (2014) and Galera Sextante (2012 and 2010) and participated in
collective exhibitions in venues like the Matadero (Madrid), Casa de Amrica (Madrid), Central Bank
of Colombia (Bogot), Harris Gallery (California) and the Galera Senda (Barcelona). She won First
Prize at the Saln Cano (2007); Second Prize at the Concurso Arte Joven [Young Artists Competition],
Spanish Embassy-Colsanitas (2014); she was chosen as artist in residence at El Ranchito, Matadero
(Madrid, 2015); and the Escuela Flora Fellowship (Bogot, 2016). Her works are in the permanent
collections of the Colombian Central Bank (Bogot). She lives in Bogot.

Edwin Jimeno (Santa Marta, Colombia, 1974)

Visual artist, curator, teacher, and researcher, he has focused on performance art since 1997,
receiving awards like second prize at the 38th National Salon of Artists (2002), first prize at the
Bienal del Fuego [Biennial of Fire] (2002) and included in the Pentagon Project Acts of Invention,
Colombian Ministry of Culture (2000). He has been the coordinator of the Corta con tijeras de palo
[Cut with wooden scissors] laboratory (Santo Toms, Atlntico, Colombia) and Alapar 15, an agree-
ment between the Ministry of Culture and the Entre las artes collective. He was the director of the
Capirote collective, winner of a fellowship to organize the Body and Territory laboratory (Santo
Toms, 2010-2013) and part of the curatorial team for the Atarraya project, 14th Regional Salon
of Artists (2011). He currently participates in the Obra viva [Live work] project of the Colombian
Central Bank. His work digs into the experience of the body to inquire into the personal dimension
of collective traumas. He lives in Santo Toms.

Amadou Keita (Bamako, Mali, 1967)

Became interested in photography at an early age and has been devoted to it since 1986. His
work deals with a variety of subjects related to daily life, tradition and cultural diversity. Thanks
to a number of professional encounters, he turned his attention to photography as a medium for
contemporary art. He has worked with organizations like Ifad/World Press Photo and Dimotix, and
participated in exhibitions like Les rencontres photographiques de Bamako (2009 2011); Bamako
in Paris, Pavillon Carr de Baudoin (Paris, 2013), and the Addis-Abeba Photo Festival (2014). He won
the Humanity Photo Award (2013). He lives in Bamako, Mali.

La Decanatura
A collective formed in 2012 by Elkin Caldern Guevara (Bogot, 1975) and Diego Pieros Garca
(Bogot, 1981) which seeks new approaches to art based on historical events using alien disci-
plines like music or sports. Among their awards, they have received a Fellowship for the circulation
of visual arts, Bogot District Institute of Art (Idartes), 2013. Their project, Centro Espacio Satelital
de Colombia [Colombian Satellite Space Center] was chosen in the Ephemeral Museum of Oblivion,
a curatorship of the 15th Regional Salons, Ministry of Culture (Bogot, 2015).

LaMutante
A platform that comprises Nicols Cadavid (Bucaramanga, Colombia, 1979), Efran Marino (Bucara-
manga, Colombia, 1979) and Sebastin Snchez (Bogot, Colombia, 1983), founded in 2006 to activate
and strengthen the art field in Bucaramanga through projects including artist residencies, exhibi-
tions, virtual publications, conferences, workshops, festivals and art auctions. As it lacks a venue
for its activities, LaMutante carries its proposals in cultural centers and public spaces. After nearly

332 / 333
y concentra su capacidad de difusin en internet. Tras cerca de diez aos de trabajo, Galera
LaMutante es un referente para proyectos que, si bien se inscriben dentro del crculo de lo oficial,
proponen estrategias para la circulacin del arte con lgicas no hegemnicas que amplan el
espacio de comunicacin entre artistas y pblicos. Han realizado intervenciones en ArteBa (2015),
ARCOmadrid (2015); ArtBo (Bogot, 2013); A Beautiful City is a Nice Place for Art, El Parqueadero
(Bogot, 2012), y Apuntes al margen, Encuentro Internacional de Arte de Medelln, MDE11 (2011).
Viven en Bucaramanga.www.galerialamutante.org

Paulo Licona (Tunja, Colombia, 1977)

Hijo de docentes, encuentra en su etapa escolar el castigo, que sera el detonante de gran parte
de su trabajo. Tras varios intentos fallidos por entrar a la Universidad Nacional, ingresa, gracias
al Icetex, a la Universidad de Bogot Jorge Tadeo Lozano donde curs su pregrado con alegra
de clase media y pequeas virtudes beligerantes. Antes de graduarse presenta el trabajo en
diferentes cafetines, paralelo a actividades como ayudante de mago, mesero, barman y gua de
las colecciones del Banco de la Repblica. Desde el ao 2000 expone con regularidad, primero
junto a su socio Camilo Turbay, con el colectivo TODOPIPAS. En paralelo expone individualmente
dentro y fuera del pas. Sus proyectos se centran en problemas de educacin, guerritas locales
y uno que otro apunte fuera de sus cabales. Tiene un hijo nacido en el 2000 y actualmente se
dedica ms a la cocina, la decoracin piatera y una que otra idea muy sensible. Vive en Bogot.

Fabio Melecio Palacios (Barbacoas, Colombia, 1975)

Maestro en Artes Plsticas del Instituto Departamental de Bellas Artes de Cali. Entre sus expo-
siciones individuales est Enseando a comer sancocho de pescado hecho con coco, Vitrina de
Lugar a Dudas (Cali, 2014). Ha recibido varios premios, entre los que se destaca el VI Premio
Luis Caballero (2011). Sus trabajos sugieren un cuestionamiento crtico y poltico a partir de
lo cotidiano, haciendo nfasis en ciertas prcticas laborales relacionadas con lo contractual,
la construccin de pas, el territorio, la interculturalidad y el paisaje urbano. Vive en Palmira.

Colectivo Maski
Conformado en 2005 por Juan David Laserna (Bogot, Colombia, 1980), Camilo Ordez Robayo
(Bogot, Colombia, 1979) y Jairo Surez (Bogot, Colombia, 1978) el Colectivo Maski ha servido
como plataforma de creacin colectiva para el desarrollo de proyectos que se nutren de la
investigacin documental y de campo, particularmente de problemticas relacionadas con la
arquitectura moderna, la historia y la ciudad. En los ltimos aos, su prctica se ha centrado
en fenmenos arquitectnicos que permiten entender cmo la ciudad ha sido moldeada por
procesos econmicos e ideologas progresistas. Maski ha propuesto la revisin de salas de cine
abandonadas, proyectos de vivienda o emplazamientos conmemorativos, activando la memoria
como herramienta para examinar las contingencias del presente. Su trabajo ha sido exhibido,
entre otros, en Unidad Compleja Interpuesta, (bis) - oficina de proyectos (Cali, 2016); Bogot:
belleza y horror, Mambo (Bogot, 2015); Movimiento armnico simple (individual), Espacio Oden
(Bogot, 2015), y La desilusin de la certeza o la ilusin de la incertidumbre, Artecmara/ArtBo
(Bogot, 2013). Viven en Bogot.

Ana Mara Milln (Cali, Colombia, 1975)

En su trabajo utiliza una voz personal, escptica y a veces humorstica para penetrar los
espacios narrativos donde se transmite la informacin de subculturas e ideas de violencia.
Hablando desde la cultura pop y amateur, incorpora las posibilidades y errores propios del
ensayo, as como formas narrativas consideradas disfuncionales. Entre sus exposiciones estn
Fro en Colombia (individual) Premio Luis Caballero, Archivo de Bogot (2015); Nido o tomo. He
ten years of activities, LaMutante Gallery has become a reference point for projects that, while
included in the official art circuit, propose non-hegemonic logics for art circulation that aim to
broaden the communication between artists and the public. They have undertaken interventions
in ArteBa (2015); ARCOmadrid (2015); ArtBo (Bogot, 2013); A Beautiful City is a Nice Place for Art,
El Parqueadero (Bogot, 2012); and Apuntes al margen [Notes Written in the Margins], Medelln
International Encounter of Art, MDE11 (2011). They live in Bucaramanga. www.galerialamutante.org

Paulo Licona (Tunja, Colombia, 1977)

The son of teachers, he encountered the notion of punishment at school, which has largely inspired
his work ever since. After several unsuccessful attempts to enter National University de Colombia,
he won a place at the Jorge Tadeo Lozano University of Bogot, with the help of a government
student loan, where he was a happy middle-class undergraduate but rebellious at times. Before
graduating, he exhibited his work at several different small cafes, and also worked as a magicians
assistant, waiter, bartender, and guide to the art collections of the Colombian Central Bank. He
has held regular exhibitions since 2000, along with Camilo Turbay, his partner at the TODOPIPAS
collective. Meanwhile, he has had individual exhibitions in Colombia and abroad. His projects
focus on the problems of education, local disputes, and the occasional crazy note. He had a child
in 2000, and currently spends more time cooking, decorating piatas, and pursuing the occasional
very sane idea. He lives in Bogot.

Fabio Melecio Palacios (Barbacoas, Colombia, 1975)

Graduated in Visual Arts from the Cali Departmental Institute of Fine Arts. Among his individual
exhibitions are Enseando a comer sancocho de pescado hecho con coco [Teaching How to Eat Fish
Stew Made With Coconut], Vitrina de Lugar a Dudas (Cali, 2014). He has received various awards,
including is the 6th Luis Caballero Prize (2011). His work suggests a critical, political questioning,
based on an examination of daily life and emphasizing practices related to the contractual, the
construction of the country, inter-culturalism and the urban landscape. He lives and works in
Palmira, Colombia.

Colectivo Maski
Formed in 2005 by Juan David Laserna (Bogot, Colombia, 1980), Camilo Ordez Robayo (Bogot,
Colombia, 1979) and Jairo Surez (Bogot, Colombia, 1978), the Maski Collective has served as a
platform for collective creation, undertaking projects nourished by documentary investigation
and field work, particularly on the problems of modern architecture, history and the city. In recent
years, it has focused on architectural phenomena that illustrate how the city has been shaped
by economic factors and progressive ideologies. Maski has called for a reassessment of aban-
doned movie theaters, housing projects and commemorative sites, activating memory as a tool to
examine the contingencies of the present. Its work has been shown at Unidad Compleja Interpu-
esta [Complex Interposed Unit], (bis) projects office (Cali, 2016); Bogot: belleza y horror (Bogot:
Beauty and Horror), Bogot Museum of Modern Art (Mambo) (2015); Movimiento armnico simple
[Simple Harmonic Movement] (individual), Espacio Oden [Bogot, 2015], and La desilusin de la
certeza o la ilusin de la incertidumbre [The Disillusion of Certainty or the Illusion of Uncertainty],
Artecmara/ArtBo (Bogot, 2013). Its members live in Bogot.

Ana Mara Milln (Cali, Colombia, 1975)

In her work, she uses a personal, skeptical and at times humorous voice to penetrate narrative
spaces where information about subcultures and ideas of violence are transmitted. Speaking
with the language of pop and amateur culture, she incorporates the characteristic possibilities
and mistakes of the experiment as well as narrative forms regarded as dysfunctional. Among her
exhibitions there are: Fro en Colombia [Cold in Colombia] (individual), Luis Caballero Prize, Archives

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aqu la estrella, Die Ecke Arte Contemporneo (Santiago de Chile, 2015); Hielo Negro (individual),
(bis) oficina de proyectos (Cali, 2015); Mutis Mutare, El Matadero (Madrid, 2015); Video Sector,
Miami Art Basel (2014); Ir para Volver, 12 Bienal de Cuenca (2014); Six Lines of Flight: Shifting
Geographies in Contemporary Art (con Helena Producciones), SFMOMA (San Francisco, 2012);
AUTO-KINO! presented by Phil Collins, Temporre Kunsthalle (Berln, 2009); I Still Believe in
Miracles part I, Muse dArt Moderne de la Ville de Paris (2005).

Miraje
El proyecto Miraje comenz en 2013 por Hernando Arias Pez (Chiquinquir, Colombia, 1938),
Mara Clara Arias Sierra (Bogot, Colombia, 1987) y Lucille De Witte (Versailles, France, 1989)
como un intento de observar, documentar y difundir la historia de Marte, un terreno desrtico
en Sutamarchn, Boyac, transformado en bosque por Hernando Arias desde 1975. Hoy, los
55.000 rboles plantados han ido muriendo progresivamente a causa de una especie de mus-
go. El bosque espectral constituye la base de una reflexin sobre las nociones de patrimonio
inmaterial y tecnologas primitivas. A partir de este espacio, el colectivo ha desarrollado pro-
yectos como la Residencia de tecnologa primitiva en Marte (Sutamerchn, 2013); la exposicin
50m / 50ha en El Parche (Bogot, 2013); la excursin Noticias de Marte (Sutamerchn, 2015); e
Islas flotantes, incluida en la curadura Escuela de Garaje de los XV Salones Regionales, Zona
Centro(Bogot, 2015).

scar Moreno Escrraga (Bogot, Colombia, 1973)

Maestro en Artes Plsticas y magster en Estudios Culturales de la Universidad Nacional de
Colombia, candidato a doctor en Estudios Sociales de la Universidad Externado de Colombia.
Sus propuestas indagan por el valor del cuerpo potico y la construccin del tejido social,
ms all de fronteras disciplinares. Se interesa por las pedagogas que propician el acto de
escuchar y el hacer reflexivo, y que posibilitan el encuentro interpersonal y las emergencias de
sentido desde lo particular y lo local. Desde 2006 es profesor asociado del Programa de Artes
Plsticas de la Universidad Jorge Tadeo Lozano, en el que coordina el Observatorio de Poticas
Sociales, desde donde se generan redes de interaccin entre diversos agentes e instituciones
culturales. Vive en Bogot.

Rabih Mrou (Beirut, Lbano, 1967)

Actor, director, dramaturgo, artista visual y editor adjunto de The Drama Review (TDR) y la publica-
cin trimestral Kalamon. Es cofundador y miembro del consejo del Centro de Arte de Beirut (BAC).
Su prctica compleja y diversa, que incluye diferentes disciplinas y formatos entre el teatro, el
performance y las artes visuales, lo ha convertido en una figura clave para su generacin. Mrou
usa ficcin y anlisis en profundidad como herramientas para entender su realidad inmediata,
explora la responsabilidad de los artistas para comunicarse con una audiencia de un contexto
especfico cultural y poltico. En su obra trata temas ignorados por el clima poltico actual de
su pas, relacionados con la guerra civil en Lbano y eventos recientes como la Primavera rabe
y la Revolucin siria. Vive en Beirut.

Ricardo Muoz Izquierdo (Pereira, Colombia, 1985)

Estudi Artes visuales en la UTP. Entre sus exposiciones individuales estn Aburridos dibujos,
Sketch (Bogot, 2015); Pink Punk and Bad Painting, Museo de Arte de Pereira (2014) y Libretas
de Dibujo, Sala Bellas Artes, Universidad del Atlntico (Barranquilla, 2013). Ha sido artista
residente en Cerveira (Portugal), Barranquilla y Medelln. En su obra, explora un lenguaje
grfico de fuerte carga anecdtica desde el humor, el cinismo y la deformacin alegrica. A
partir de la literatura, su imaginario personal y los mundos de la psicodelia, el punk, la por-
nograf a y las subculturas, construye universos simblicos en medios como la fotograf a, el
dibujo, el video y la pintura. En su obra, las superficies se usan desmedida y saturadamente
para encontrar yuxtaposiciones absurdas y srdidas de conos del arte con signos triviales
of Bogot (2015); Nido o tomo. He aqu la estrella [Nest or Atom. Heres the Star], Die Ecke Arte
Contemporneo (Santiago de Chile, 2015); Hielo Negro [Black Ice] (individual) (bis) projects office
(Cali, 2015); Mutis Mutare, El Matadero (Madrid, 2015); Video Sector, Miami Art Basel (2014); Ir para
volver [To Go in Order to Return], 12th Cuenca Biennial (2014); Six Lines of Flight: Shifting Geogra-
phies in Contemporary Art (with Helena Producciones), SFMOMA (San Francisco, 2012); AUTO-KINO!
presented by Phil Collins, Temporre Kunsthalle (Berlin, 2009); and I Still Believe in Miracles part
I, Muse dArt Moderne de la Ville, Paris (2005).

Miraje Collective
The Miraje project was founded in 2013 by Hernando Arias Pez (Chiquinquir, Colombia, 1938),
Mara Clara Arias Sierra (Bogot, Colombia, 1987) and Lucille De Witte (Versailles, France, 1989) as
an attempt to observe, document and disseminate the story of Marte [Mars], a deserted terrain in
Sutamarchn, Boyac, Colombia, which Hernando Arias began to turn into a forest in 1975. Today,
the 55,000 trees he planted have gradually been dying due to a type of moss. This spectral forest
forms the basis of reflections on notions of intangible heritage and primitive technologies. Basing
itself on that area, the collective has developed projects like the Residency of primitive technol-
ogy on Mars (Sutamerchn, 2013); the 50m/ 50ha [50 meters/50 hectares] exhibition in El Parche
(Bogot, 2013); the Noticias de Marte [News from Mars] excursion (Sutamerchn, 2015); and Islas
Flotantes [Floating islands], included in the Escuela de Garaje curatorship of the 15th Regional
Salons, Central Zone (Bogot, 2015).

scar Moreno Escrraga (Bogot, Colombia, 1973)

Has a BFA in Visual Arts and a MA in Cultural Studies from the National University of Colombia,
and is studying for a PhD in Social Studies at the Externado University of Colombia (Bogot). His
proposals inquire into the value of the poetic body and the construction of the social fabric,
beyond disciplinary frontiers. He is interested in educational methods that encourage the act of
listening and make people reflect and open possibilities for interpersonal encounters and the
emergence of meanings from individual and local contexts. Since 2007 he has been an Associate
Professor of the Visual Arts Program of the Jorge Tadeo Lozano University in Bogot, where he is
the coordinator of the Observatory of Social Poetics, which creates networks of interaction among
diverse cultural agents and institutions. He lives in Bogot.

Rabih Mrou (Beirut, Lebanon, 1967)

Actor, director, playwright, visual and associate editor of The Drama Review (TDR) and the tri-
monthly publication Kalomon. He is a co-founder and member of the council of the Beirut Art
Center (BAC). His work, complex and diverse, spans different disciplines and formats like theater,
performance and visual arts, and has made him a key figure for his generation. Mrou uses fiction
and in-depth analysis as tools to understand his immediate reality, and explores the responsibil-
ity artists must communicate with a public in a specific cultural and political context. His work
deals with subjects ignored by the current political climate of his country, related to the civil war
in Lebanon and recent events like the Arab Spring and the Syrian Revolution. He lives in Beirut.

Ricardo Muoz Izquierdo (Pereira, Colombia, 1985)

Studied Visuals Arts at the Technological University of Pereira. Among his individual exhibitions are:
Aburridos dibujos [Boring drawings] Sketch (Bogot, 2015); Pink Punk and Bad Painting, Pereira Art
Museum (2014); and Libretas de Dibujo [Drawing Notebooks], Fine Arts Gallery, Atlntico University
(Barranquilla, 2013). He has been an artist in residence in Cerveira (Portugal), Barranquilla and
Medelln. His work explores a graphic language with a strong anecdotal charge characterized by
humor, cynicism and allegorical deformation. Inspired by literature, his personal imaginary and
the worlds of psychedelics, punk, pornography and subcultures, he constructs symbolic worlds
using photography, drawing, video and painting. He saturates his outsized surfaces with refer-
ences to generate absurd and sordid juxtapositions between the icons of art and the trivial signs

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de la cultura popular y underground, acentuando las tensiones dialcticas entre lo pblico y
lo privado, lo culto y lo marginal. Vive en Pereira.

Romn Navas (Bogot,Colombia, 1985) Henry Palacio (Bogot,Colombia, 1987)

Artistas visuales, Universidad Distrital de Bogot (ASAB). Entre sus exposiciones individuales estn
Flujos y Basuras, Galera Valenzuela Klenner(Bogot, 2013) y Museo de Arte ContemporneoMAC
(Bogot, 2013), y Desarrollo Involutivo, Museo de Arte Moderno de Medelln (2015). Ganadores
de la residencia CRAC Valparaso Chile, de Idartes (2014) y de la Beca de Creacin para artistas
emergentes del Ministerio de Cultura (2015). Su trabajo hace parte de la coleccin de la Fundacin
Gilberto Alzate Avendao. En su obra abordan valores relativos a la urbe, el recorrido y la relacin
entre proceso y objeto artstico. Viven y trabajan en Bogot.

Warren Neidich(Nueva York, EE. UU., 1958)

Fundador del Saas Fee Summer Institute of Art y artista post-conceptual que cuenta entre sus
intereses la fotografa, el video, la neurociencia cognitiva, la medicina y la arquitectura. Ha
recibido premios como el Vilm Flusser Theory Award, Transmediale (Berln, 2010); beca Fulbright
(2011 y 2013) y la AHRB/ACE Arts and Science Research Fellowship (Reino Unido, 2004). Entre sus
exposiciones individuales estn Sacred Spaces of the Incorrigible Anarchy of Time, Barbara Seiler
Gallery (Zrich, 2016); Equal not Equal, LAXART (Los ngeles, 2015);The Noologists Handbook, P74
Gallery (Ljubljana, 2012), y Horizon Swell, Fons Welters Gallery (Amsterdam, 2011). Sus libros The
Psychopathologies of Cognitive Capitalism Part 3 (Archive Press) yResistance is Fertile (Merve
Verlag) se editarn este ao. Vive en Los ngeles y Berln.

Juan Obando (Bogot, Colombia, 1980)

Diseador industrial con opcin en Arquitectura y Ciudad de la Universidad de los Andes y
Master of Fine Arts en Studio Art de Purdue University (2010). Entre sus exposiciones recientes
se cuentan Museum Mixtape, Reverse Art Space (Brooklyn, 2016); Selections, Bakalar and Paine
Galleries, (Boston, 2016); The Champions, El Parqueadero, Banco de la Repblica (Bogot, 2015);
Default Browser, (bis) oficina de proyectos (Cali, 2015) y NADA(Bogot 2015), y A Bird Without a
Song (Keep Playing), Espacio ArtVersus (Bogot, 2014). Su trabajo se centra en la intervencin de
sistemas sociales orquestando situaciones temporales dirigidas hacia la creacin de video-per-
formances, redes participativas y publicaciones experimentales, donde utiliza el humor para
sealar crticamente debilidades, ironas y contradicciones. Vive en Boston y Bogot.

Roberto Ochoa (Cartagena, Colombia, 1982) Tatyana Zambrano (Medelln, Colombia, 1982)
Unidos por su inters en el videoarte, colaboran desde 2011. El trabajo en conjunto les
permite discutir preocupaciones comunes y verlas transformarse con los conocimientos,
experiencias y el trabajo del otro. Zambrano es publicista y artista plstica de la Universidad
de Antioquia. Actualmente hace parte del programa educativoSOMA (Mxico D.F.) y cursa
la maestra de la UNAM en Artes Visuales. Su obra ha sido reconocida en Les Rencontres
Internationales New Cinema and Contemporary Art en Berln, e hizo parte de la seleccin
oficial de videoarte latinoamericano del Getty Museum. Ochoa es ingeniero ambiental y
actualmente realiza la maestra en Artes Visuales en la UNAM-Mxico. Usa el video y la
fotograf a como medios para investigar tensiones y contradicciones polticas y ambientales
en la contemporaneidad. Viven en Mxico D.F.

Mario Opazo (Tom, Chile, 1969)

Artista plstico y realizador audiovisual. Ha participado en eventos como la 52 Bienal de Venecia
(2007), la X Bienal de La Habana (2009), la II Bienal del Mercosur (Porto Alegre, 1999) y en varias
ediciones de las Rencontres Internationales realizadas en el Centro Pompidou y el Museo Beaux
Arts (Pars) y el Museo Nacional Reina Sofa (Madrid). Entre sus distinciones recibi el primer
premio en el 36 Saln Nacional de Artistas en Colombia (1996), el Premio Luis Caballero (2010) y el
of popular and underground culture, heightening the dialectical tensions between the public and
the private, and the high-brow and the marginal. He lives in Pereira.

Romn Navas (Bogot, Colombia, 1985) and Henry Palacio (Bogot, Colombia, 1987)
Are visual artists from the District University of Bogot (ASAB). Among their individual exhibi-
tions are: Flujos y Basuras [Flows and Garbage], Galera Valenzuela Klenner (Bogot, 2013) and the
Museum of Contemporary Art, (Bogot, 2013), and Desarrollo Involutivo [Reactionary Development],
Medelln Museum of Modern Art (2015). They were awarded the CRAC residency, Valparaso, Chile,
by the Bogot District Institute of Art (Idartes) (2014) and the Ministry of Cultures Fellowship for
Creation for emerging artists (2015). Their work is included in the collection of the Gilberto Alzate
Avendao Foundation (Bogot). It deals with values that have to do with urban life, traveling and
the relation between the artistic process and its object. They live in Bogot.

Warren Neidich (New York, U.S., 1958)

Founder of the Saas Fee Summer Institute of Art and post-conceptual artist, his interests include
photography, video, cognitive neuroscience, medicine and architecture. He has received awards
like the Vilm Flusser Theory Award, Transmediale (Berlin, 2010); a Fulbright Fellowship (2011 and
2013) and the AHRB/ACE Arts and Science Research Fellowship (United Kingdom, 2004). Among
his individual exhibitions are: Sacred Spaces of the Incorrigible Anarchy of Time, Barbara Seiler
Gallery (Zurich, 2016); Equal not Equal, LAXART (Los Angeles, 2015); The Noologists Handbook, Gal-
lery (Ljubljana, 2012), and Horizon Swell, Fons Welters Gallery (Amsterdam, 2011). His books The
Psychopathologies of Cognitive Capitalism Part 3 (Archive Press) and Resistance is Fertile (Merve
Verlag) will be published this year. He lives in Los Angeles and Berlin.

Juan Obando (Bogot, Colombia, 1980)

Industrial designer from Los Andes University with a MFA in Studio Art from Purdue University
(2010). Among his recent exhibitions are Museum Mixtape, Reverse Art Space (Brooklyn, 2016);
Selections, Bakalar and Paine Galleries, (Boston, 2016); The Champions, El Parqueadero, Central
Bank of Colombia (Bogot, 2015); Default Browser, (bis) projects office (Cali, 2015) and NADA (Bogot
2015), and A Bird Without a Song (Keep Playing), Espacio ArtVersus (Bogot, 2014). His work centers
on interventions in social systems that orchestrate temporal situations aimed at the creation of
video-performances, participatory networks and experimental publications which use humor to
critically point out weaknesses, ironies and contradictions. He lives in Boston and Bogot.

Roberto Ochoa (Cartagena, Colombia, 1982) and Tatyana Zambrano (Medelln, Colombia, 1982)
United by their interest in video art, have worked together since 2011. Their joint work enables them
to deal with common concerns and see them transformed into a body of knowledge and experi-
ence which they can exchange. Zambrano is a publicist and visual artist from Antioquia University.
She currently forms part of the SOMA educational program (Mexico City) and is studying for a
Masters in Visual Arts at the Autonomous University of Mexico (UNAM). Her work has won awards
at the New Cinema and Contemporary Art section of Les Rencontres Internationales in Berlin,
and forms part of the official selection of Latin American video art of the Getty Museum. Ochoa
is an environmental engineer and is currently studying for a Masters in Visual Arts at the UNAM,
Mexico. He uses video and photography as means to inquire into the political and environmental
tensions and contradictions of contemporary life. They live in Mexico City.

Mario Opazo (Tom, Chile, 1969)

Is a visual artist and audiovisual producer who has participated in events like the 52nd Venice
Biennial (2007), the 10th Havana Biennial (2009), the 2nd Mercosur Biennial (Porto Alegre, 1999) and
several editions of the Rencontres Internationales held at the Pompidou Center and the Muse
des Beaux-Arts (Paris). He has won awards like first prize at the 36th Colombian National Salon
of Artistas (1996), the Luis Caballero Prize (2010) and first prize at the Saln de Arte Joven [Young

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primer premio en el Saln de Arte Joven. En 2012 fue invitado especial a la Bienal de la Imagen en
Movimiento en Buenos Aires BIM y el Festival Vartex (Medelln, 2016) realiz una muestra retros-
pectiva de su obra en video. Es profesor de la Universidad Nacional de Colombia. Vive en Bogot.

Grupo Otn
Grupo creado por Martn Alonso Abad Abad (Jeric, Colombia, 1940), lvaro Hoyos Baena
(Pereira, Colombia, 1953) y Mauricio Rivera Henao (Pereira, Colombia, 1980) para generar
experiencias estticas en contextos fuera de la institucin museo y/o sala de exhibicin
que permitan interactuar en torno a espacios simblicos y fsicos a partir de la relacin del
grupo con sus habitantes. Definen a la naturaleza como autora de sus proyectos y se asumen
como coautores al sealar fenmenos vitales que conectan su condicin humana a estados de
autorregulacin y automaticidad de la vida. Los tres artistas que componen el grupo pertene-
cen a diferentes generaciones y formaciones acadmicas y aportan, cada uno a partir de sus
experiencias, diversas capas que, de manera silvestre, resuenan en la prdida de individuali-
dad creadora en beneficio de los territorios a los que aluden los proyectos. Viven en Pereira.

Prabhakar Pachpute (Sasti, Chandrapur, India, 1986)

Uno de los artistas indios ms prominentes de su generacin. Tras estudios de escultura, forma
el colectivo artstico Shunya dentro de Clark House Initiative. Ha expuesto en instituciones como
el Van Abbemuseum (Eindhoven, 2013), Kadist Art Foundation (Pars, 2013), IFA (Stuttgart y Berln,
2013), MACBA (Barcelona, 2015), y en bienales como la de Sao Paulo (2014), Estambul (2015), y
la VIII Trienal Asia-Pacfico (Brisbane, 2015). En su prctica realiza dibujos de gran formato en
carboncillo directamente sobre paredes, a menudo combinndolos con esculturas, efectos de
luz, animaciones cuadro a cuadro y sonido, haciendo referencia al oficio de los mineros y a su
efecto en el paisaje natural y humano. Vive en Mumbay.

Juan Sebastin Pelez (Medelln, Colombia, 1982)

Graduado en Artes de la Universidad de Bogot Jorge Tadeo Lozano. Exhibe individualmente desde
2007. Su trabajo ha circulado en Colombia, Estados Unidos, Mxico, Per, Argentina, Espaa y
Alemania. Entre sus exposiciones recientes estn la Bienal de Berln (2016); Everything Included,
Sleep Center (Nueva York, 2016); Sitio, ArtBo (Bogot, 2015); Temporary Autonomous No Flex Zone
(individual), (bis) oficina de proyectos (Cali, 2015); #pleaselike (individual), El Parqueadero,
Banco de la Repblica (Bogot, 2015); Dont Do it Yourself, Carne (Mxico D.F., 2015), y Refurbished
(individual), MIAMI Prcticas Contemporneas (Bogot, 2014). Es cofundador de los espacios
independientes El Bodegn (20052009) y MIAMI (2011). Vive en Bogot.

Linda Pongut (Bogot, Colombia, 1989)

Egresada del Programa de Artes Plsticas de la Universidad de Bogot Jorge Tadeo Lozano.
Ha participado en exposiciones colectivas como Yogyakarta International Videowork Festival
(Indonesia, 2012); La estrategia del Caracol, The Warehouse Art (Bogot, 2013); Travesas, Museo
de Arte Universidad Jorge Tadeo Lozano (Bogot, 2013); Identities in Transit, Walking in Someone
Elses Shoes, Aluna Art Foundation (Miami, 2014) y Artecmara, ArtBo (Bogot, 2015). En su obra
parte de la experiencia como un contenedor de ideas que construye el mundo, observando
materiales y objetos; busca fallas y ramificaciones que permiten experimentar de otra forma una
situacin que no termina siendo fatdica pero s inusual. Su trabajo se adapta a los lugares donde
existe, consciente de que el espacio hace que las preguntas se transformen constantemente. All
busca un intermedio, un lapso, un tipo de momento de extraeza donde se reconcilien estados
aparentemente lejanos en una temporalidad entrecruzada e inestable. Vive en Bogot.

Gala Porras-Kim (Bogot, Colombia, 1984)

Tienen un doble pregrado en Arte y Estudios de Amrica Latina en UCLA, as como estudios en la
Skowhegan School of Painting and Sculpture (Maine). Entre sus exposiciones individuales estn
Artists Salon]. In 2012 he was a guest artist at the Buenos Aires Biennial of the Image in motion
BIM and the Festival Vartex (Medelln, 2016) held a retrospective of his video work. He lives in
Bogot, where he teaches at National University of Colombia.

Grupo Otn
A group founded by Martn Alonso Abad Abad (Jeric, Colombia, 1940), lvaro Hoyos Baena
(Pereira, Colombia, 1953) and Mauricio Rivera Henao (Pereira, Colombia, 1980) to create aesthetic
experiences in contexts beyond the institutional settings of museums or galleries, which allow
for an interaction in symbolic and physical spaces, based on the relationship of the group with
their inhabitants. They define Nature as the author of their projects and act as co-authors who
point out vital phenomena connecting their human condition to the states of self-regulation and
automatism of life. The three artists who make up the group belong to different generations and
have had different types of academic training. Based on their experiences, each artist provides a
variety of layers, which, in a natural manner, allows them to lose creative individuality in benefit
of the territories addressed in their projects. They live in Pereira.

Prabhakar Pachpute (Sasti, Chandrapur, India, 1986)

Is one of the most prominent Indian artists of his generation. After studying sculpture, he formed
the Shunya art collective, under the Clark House Initiative. He has exhibited in such institutions
as the Van Abbemuseum (Eindhoven, 2013), Kadist Art Foundation (Paris, 2013), IFA (Stuttgart and
Berlin, 2013), MACBA (Barcelona, 2015), and biennials like those of So Paulo (2014), Istanbul (2015),
and the 3rd Asia-Pacific Triennial (Brisbane, 2015). He creates large format drawings in charcoal
applied directly to walls, often combining them with sculptures, light effects and box-frame ani-
mations, which refer to the job of miners and its effect on the natural and human landscape. He
lives in Mumbay.

Juan Sebastin Pelez (Medelln, Colombia, 1982)

Graduated in Art from Jorge Tadeo Lozano University in Bogota, exhibiting individually since
2007. His work has been seen in Colombia, the United States, Mexico, Peru, Argentina, Spain and
Germany. Among his recent exhibitions there are the Berlin Biennial (2016); Everything Included,
Sleep Center (New York, 2016); Sitio [Site], ArtBo (Bogot, 2015); Temporary Autonomous No Flex
Zone (individual), (bis) projects office (Cali, 2015); #pleaselike (individual), El Parqueadero, Central
Bank of Colombia (Bogot, 2015); Dont Do It Yourself, Carne (Mexico City, 2015), and Refurbished
(individual), MIAMI Prcticas Contemporneas (Bogot, 2014). He is co-founder of the independent
venues El Bodegn (2005-2009) and MIAMI (2011). He lives in Bogot.

Linda Pongut (Bogot, Colombia, 1989)

Graduate of the Visual Arts Program of Jorge Tadeo Lozano University in Bogot. She has partici-
pated in collective exhibitions like the Yogyakarta International Videowork Festival (Indonesia,
2012); La estrategia del Caracol [The Snail Strategy], The Warehouse Art (Bogot, 2013); Travesas
[Journeys], Museum of Art, Jorge Tadeo Lozano University (Bogot, 2013); Identities in Transit, Walk-
ing in Someone Elses Shoes, Aluna Art Foundation (Miami, 2014) and Artecmara, ArtBo (Bogot,
2015). Her work is based on her experience as a vessel for ideas which constructs the world. She
observes materials and objects, seeking faults and ramifications that allow a different experi-
ence of situations that become not strictly fateful but probably uncanny. She adapts her work to
different venues, aware that the questions are constantly shifting, and seeks an interval, a lapse
in time, a strange moment where apparently distant states are reconciled in an intercrossed, and
unstable temporality. She lives in Bogot.

Gala Porras-Kim (Bogot, Colombia, 1984)

Has undergraduate degrees in Art and Latin American Studies from UCLA and studied at the Skow-
hegan School of Painting and Sculpture (Maine). Among her individual exhibitions are: Whistling

340 / 341
Whistling and Language Transfiguration, Commonwealth and Council (Los ngeles, 2012); I Want
to Prepare to Learn Something I Dont Know, Commonwealth and Council (Los ngeles, 2010); F
for Overdue, FOXRIVER (Singapur, 2010), y Adaptations, Dobaebacsa HQ/ DaiShengFanDian (Sel,
2010). Entre sus reconocimientos est el premio Creative Capital Award (2015) y una beca para
artistas visuales de la California Community Foundation (2013). En su trabajo parte de pregun-
tas epistemolgicas para explorar loslmites y posibilidades de acceder a la informacin de
culturas ajenas. Vive en Los ngeles.

Ernesto Restrepo Morillo (Montera, Colombia, 1960)

Diseador grfico de la Universidad Pontificia Bolivariana, MFA de la Universidad de Pensilvania.
Entre sus exposiciones individuales estn En simultnea. Taller de economa bsica (y est-
tica), Sala U Arte Contemporneo (Medelln, 2012); Bolsa de valores, Galera de la Oficina
(Medelln, 2012); Papamasiva Tenga su propio bodegn! Cosecha 17, Museo de Arte Moderno
de Medelln (2011); The mus musculus domesticus project-Chapter one, VertexList (Brooklyn,
2004), y Steal-life, Benedicta Arts Center (Minnesota, 2002). Su obra ha participado en exhi-
biciones colectivas como El barro tiene voz, Museo de Arte Moderno de Medelln (2013); 41
Saln Nacional de Artistas (Cali, 2008) y 40 Saln Nacional de Artistas (Bogot, 2006), entre
otros. Desde hace 25 aos trabaja en su proyecto Cosecha de papas, donde entiende el des-
cubrimiento de Amrica como un accidente motivado por razones econmicas, no cientficas
o exploratorias, contextualizando su obra alrededor de comentarios sobre la economa y el
mercado. Vive en Medelln.

Flix Restrepo (Medelln, Colombia, 1877 Manizales, Colombia, 1941)

Pionero de la industria cinematogrfica nacional, tras aprender el oficio en un viaje a
Estados Unidos. Desde 1896 manejaba un estudio fotogrfico en Medelln y tras su tras-
lado a Manizales continu sus labores, ampliando su campo de accin al cine. Realiz el
documental Manizales City originalmente para celebrar los 75 aos de la fundacin de la
ciudad, aunque lo alter en 1925, agregndole imgenes del incendio que arras con el
centro de la ciudad. Tras su paso por el cine y la fotograf a, Restrepo se dedic a la minera
y el comercio, segn el libro Historia social del cine en Colombia, de lvaro Concha Henao.

Luis Roldn (Cali, Colombia, 1955)

Curs estudios de Arquitectura en la Universidad Javeriana de Bogot y de Grabado moderno e
Historia del arte en Pars. Entre sus recientes exposiciones individuales se encuentran, Periplo.
Una retrospectiva 1986-2016, Biblioteca Luis ngel Arango (Bogot, 2016); Rompecabezas, Museo
La Tertulia (Cali, 2015); Eidola, Henrique Faria Fine Arts (Nueva York, 2015); Secreta Prudencia,
FUGA, y Presin y flujo, Galera Casas Riegner (Bogot, 2014). Tambin ha expuesto en la Bienal
de Cartagena BIACI (2014), en Jose Bienvenu Gallery y 60 Wall Gallery Deutsche Bank (Nueva
York, 2010 y 2012), en la X Bienal Monterrey FEMSA(2013), la Bienal de Venecia (2009), Lugar a
Dudas (2007, Cali), TEOR/Tica (2006, Costa Rica), y los Museos de Arte Moderno de Buenos
Aires y Montevideo, entre otros. Sus distinciones incluyen el Premio Luis Caballero (2001) y el
primer premio del XXXVI Saln Nacional de Artistas. Su obra hace parte de colecciones pbli-
cas en Cali, Bogot, Medelln, Argentina, Nicaragua, Costa Rica, Venezuela, Mxico y Estados
Unidos. Vive en Nueva York.

Mara Isabel Rueda (Cartagena, Colombia, 1972)

Graduada de Artes Plsticas en la Universidad Nacional de Colombia, donde realiz tambin
su maestra en Artes Plsticas y Visuales. Ha sido docente de la Maestra en Artes Plsticas y
Visuales de la Universidad Nacional, la Facultad de Artes Plsticas de la Universidad de Bogot
Jorge Tadeo Lozano y La Salle College, Barranquilla. Fue co-curadora de los espacios indepen-
dientes El Bodegn, La Residencia y actualmente dirige La Usurpadora, en Puerto Colombia. Entre
sus exposiciones individuales recientes estn Lgrimas de Isis, Oden (Bogot, 2016); Como es
and Language Transfiguration, Commonwealth and Council (Los Angeles, 2012); I Want to Prepare
to Learn Something I Dont Know, Commonwealth and Council (Los Angeles, 2010); F for Overdue,
FOXRIVER (Singapore, 2010); and Adaptations, Dobaebacsa HQ/ DaiShengFanDian (Seoul, 2010). She
has won such awards as the Creative Capital Award (2015) and a fellowship for visual artists from
the California Community Foundation (2013). His work revolves around epistemological questions,
which explore the limits and possibilities of gaining access to information about alien cultures.
She lives in Los Angeles.

Ernesto Restrepo Morillo (Montera, Colombia, 1960)

Is a graphic designer from Pontifical Bolivarian University with a MFA from the University of Penn-
sylvania. Among his one-man shows are: En simultnea. Taller de economa bsica (y esttica)
[Simultaneously. Workshop on basic economy (and aesthetics)], Sala U Arte Contemporneo
(Medelln, 2012); Bolsa de valores [Stock Market/Bag of Values], Galera de la Oficina (Medelln,
2012); Papamasiva... Tenga su propio bodegn! Cosecha 17 [Papamasiva... Have your own still life!
Harvest 17], Medelln Museum of Modern Art) (2011); The mus musculus domesticus project-Chapter
one, VertexList (Brooklyn, 2004), and Steal-life, Benedicta Arts Center (Minnesota, 2002). His work
has been shown in collective exhibitions like El barro tiene voz [Clay has a Voice], Medelln Museum
of Modern Art (2013); the 41st National Salon of Artists (Cali, 2008) and the 40th National Salon of
Artists (Bogot, 2006), among others. For the past 25 years, he has been working on his project
Cosecha de papas [Potato Harvest], where he regards the Discovery of America as an accident
motivated by economic reasons, not scientific or exploratory ones, and places his work in the
context of commentaries on the economy and the market. He lives in Medelln.

Flix Restrepo (Medelln, Colombia, 1877 Manizales, Colombia, 1941)

Pioneer of the national film industry, after learning the trade in a trip to the United States. Since
1896 he managed a photography studio in Medelln and, after moving to Manizales, he expanded
his activities to cinema. He originally made the documentary Manizales City to celebrate the 75th
anniversary of the citys founding, and altered it in 1925, including images of the fire that destroyed
the citys downtown area. After his activities in photography and film, Restrepo focused in mining
and commerce, according to the book Historia social del cine en Colombia, by lvaro Concha Henao.

Luis Roldn (Cali, Colombia, 1955)

Architect from Javeriana University in Bogot with studies in engraving and history of art in Paris.
Among his recent individual shows are: Periplo: una retrospectiva 1986-2016 [Voyage: a retrospec-
tive], Luis ngel Arango Library (Bogot, 2016); Rompecabezas [Jigsaw Puzzle], Museo La Tertulia
Museum (Cali, 2015); Eidola [Phantom], Henrique Faria Fine Arts (New York, 2015); Secreta Prudencia
[Secret Prudence], FUGA, and Presin y flujo [Pressure and flow], Casas Riegner Gallery (Bogot,
2014). He has also exhibited at the Cartagena Biennial, BIACI (2014); the Jose Bienvenu Gallery and
60 Wall Gallery Deutsche Bank (New York, 2010 and 2012); the 10th Monterrey Biennial, FEMSA
(2013); the Venice Biennial (2009); Lugar a Dudas (2007, Cali); TEOR/ Tica (2006, Costa Rica); and
the Buenos Aires and Montevideo Museums of Modern Art, among others. His awards include the
Luis Caballero Prize (2001) and first prize at the 36th National Salon of Artists. His work is in public
collections in Cali, Bogot, Medelln, Argentina, Nicaragua, Costa Rica, Venezuela, Mexico and the
United States. He lives in New York.

Mara Isabel Rueda (Cartagena, Colombia, 1972)

BFA and MFA from National University of Colombia. She has taught at National University, Jorge
Tadeo Lozano University in Bogot and La Salle College, Barranquilla. She was co-curator of inde-
pendent venues like El Bodegn and La Residencia in Bogot, and currently directs another, La
Usurpadora, in Puerto Colombia. Among her recent individual shows are Lgrimas de Isis [Tears
of Isis], Oden (Bogot, 2016); Como es arriba es abajo [As is above, so is below], Sketch (Bogot,
2015); and La llorona [The Wailing Woman], Mal de archivo (Rosario, Argentina, 2014). In her works,

342 / 343
arriba es abajo, Sketch (Bogot, 2015), y La llorona, Mal de archivo (Rosario, Argentina, 2014). En
su obra explora, a travs de medios como el dibujo, el video, la fotografa, las publicaciones y
la instalacin, momentos en los que la realidad se desdobla mostrando una inesperada riqueza
interior. Vive en Puerto Colombia.

Jess Ruiz Durand (Huancavelica, Per, 1940)

Artista visual, diseador multimedia, profesor universitario de posgrado e investigador en ico-
nografa. Combina su formacin acadmica cientfica en matemticas y fsica con sus intereses
en la filosofa y esttica contempornea terica y prctica. Como diseador y creador visual ha
intervenido en numerosos proyectos investigativos considerados referentes en su gnero. Entre
los temas tratados estn los afiches y fotografas de la Reforma Agraria peruana (1969-1973) y las
revistas culturales Amar, Educacin, Textual y Martn (1967-2016). Como pintor ha realizado series
en distintos medios como las pinturas de Memorias de la ira (1987-2016); la serie cintica, fractal
y multimedia Poticas del nmero (1968-2016); los trpticos profanos PresidentesPresidiarios
Corruptocracia (2005-2016) y los trpticos profanos dobles Heroicos indgenas americanos, nnimos
y annimos (San Diego, California, 2017). Sus obras estn en las colecciones de Moma (Nueva
York), Mali (Lima), Malba (Buenos Aires), Universidad Nacional Autnoma de Mxico, Kunstverein
(Stuttgart), entre otras. Vive en Lima.

Edwin Snchez (Bogot, Colombia, 1976)

Diseador industrial y artista de la Universidad de Bogot Jorge Tadeo Lozano. Se ha desem-
peado en diferentes reas como el diseo, la produccin artstica y la docencia. Actualmente
realiza la Maestra en Artes Plsticas y Visuales en la Universidad Nacional de Colombia. Tiene
estudios de especializacin en Estticas Tecnolgicas, medios audiovisuales y digitales, en la
Pontifcia Universidade Catlica de So Paulo, Brasil. Sus proyectos han sido incluidos en Pilot 3:
International archive for artists and curators (Londres, 2007), Younger than Jesus New Museum
(Phaidon Press, 2008), y Project 35, Independent Curators International (2010), entre otros. Ha sido
ganador del Ciclo de Nuevas Propuestas de la Alianza Francesa (Bogot, 2011) y participado en
proyectos colectivos como The Rimembers y El Bodegn. Su proyecto actual, cercano a la crnica,
articula ejes de investigacin que surgen del trabajo de campo con la comunidad creada alrededor
de una tradicional zona de prostitucin en Bogot, en mltiples soportes que ponen en juego el
material de archivo. Vive en Bogot.

Vanessa Sandoval (Cali, Colombia, 1990)

Egresada de Licenciatura en Artes Visuales de la Universidad del Valle. Produce obra desde 2009
y exhibe desde 2011. Ha ganado distinciones como las Becas Locales de Creacin BLOC (2014) y la
Convocatoria de la Sala de Exhibiciones de Lugar a Dudas (2014). Su trabajo est centrado en la
manera como el contexto define el sujeto que lo habita y en el carcter trgico de las relaciones
humanas, que condicionan la percepcin de lo que pensamos es la realidad. Vive en Bogot.

Toms Saraceno (Tucumn, Argentina, 1973)

Arquitecto de la Universidad Nacional de Buenos Aires, con postgrados de la Escuela Superior de
Bellas Artes (Buenos Aires) y la Staatliche Hochschule fr Bildende Knste (Frankfurt). Su obra parte
de una investigacin que relaciona los mundos del arte, la arquitectura, las ciencias naturales y la
ingeniera. Sus esculturas flotantes y sus instalaciones interactivas proponen y exploran maneras
nuevas y sostenibles de habitar y percibir el entorno. En los ltimos aos su obra ha sido parte
de exposiciones individuales y colectivas en el Museo de Arte Contemporneo, Monterrey (2016);
Palais de Tokyo (Pars, 2015); Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen K21 (Dsseldorf, 2013-15), y
Museo Metropolitano de Nueva York (2012), entre otros. Vive en y ms all del planeta Tierra.
she explores, thru media such as drawings, video, photography, books and installations, moments
where reality shows an unexpected inner richness. She lives in Puerto Colombia.

Jess Ruiz Durand (Huancavelica, Peru, 1940)

Visual artist, multimedia designer, postgraduate university professor and iconography researcher.
He combines his scientific training in mathematics and physics with his interest in philosophy and
contemporary aesthetics, both theoretical and practical. As a designer and visual creator, he has
intervened in many investigative projects considered canonical in their genre. He has researched
posters and photographs for the Peruvian Agrarian Reform (1969-1973) and the cultural magazines
Amar, Educaci, Textual and Martn (1976-2016). As a painter, he has finished series like the Memo-
rias de la ira [Memories of Anger] (1987-2016); the kinetic, fractal and multimedia series Poticas del
nmero [Number Poetics] (1968-2016); his secular triptychs (PresidentsPrisonersCorruptocracy,
2005-2016) and his double-triptychs Heroicos indgenas americanos, nnimos y annimos [Heroic
American indigenous people, known and unknown] (San Diego, California, 2017). His works are in
the collections of the Moma (Nueva York), the Mali museum (Lima), the Malba museum (Buenos
Aires), National Autonomous University of Mexico and the Kunstverein (Stuttgart), among others.
He lives in Lima.

Edwin Snchez (Bogot, Colombia, 1976)

Industrial designer and artist from Jorge Tadeo Lozano University of Bogot, he has worked in
different areas like design, artistic production and teaching. Currently enrolled in a Masters in
Plastic and Visual Arts at National University de Colombia. His projects have been included in
Pilot 3, International archive for artists and curators (London, 2007); Younger than Jesus New
Museum (Phaidon Press, 2008), and Project 35, Independent Curators International (2010), among
others. He was a winner at the Cycle of New Proposals, Aliance Franaise (Bogot, 2011) and has
participated in collective projects like The Rimembers and El Bodegn. His current project is
based on fieldwork in a traditional red-light district in Bogot using multiple media and archive
material. He lives in Bogot.

Vanessa Sandoval (Cali, Colombia, 1990)

Has a degree in Visual Arts from Vallee University. She has been producing works since 2009 and
exhibiting since 2011. She has won awards like the Local Fellowship for Creation (BLOC, 2014) and
a Lugar a Dudas Exhibition Fellowship (2014). Her work focuses on the way context defines its
inhabiting subjects and the tragic nature of human relations, which condition what we perceive
as reality. She lives in Bogot.

Toms Saraceno (Tucumn, Argentina, 1973)

Architect from the National University of Buenos Aires, with postgraduate degrees from the Escuela
Superior de Bellas Artes (Higher School of Fine Arts, Buenos Aires) and the Staatliche Hochschule
fr Bildende Knste (Frankfurt). His work is based on an investigation of the worlds of art, archi-
tecture, natural sciences and engineering. His floating sculptures and interactive installations set
forth and explore new and sustainable ways to inhabit and perceive our environment. In recent
years, his work has been shown in individual and collective exhibitions in the Monterrey Museum
of Contemporary Art (2016); Palais de Tokyo (Paris, 2015); Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen
K21 (Dsseldorf, 2013-15), and New York Metropolitan Museum of Art (2012), among others. He lives
on and beyond Planet Earth.

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Claudia Patricia Sarria (Bogot, Colombia, 1975)
Artista interesada en el campo de la gestin y produccin artstica. En su obra se ha concentrado
en indagar las condiciones de vida e interaccin de las personas en el marco de los fenmenos
y contradicciones derivados del progreso de los sistemas de produccin, distribucin, consumo
y orden en el contexto urbano. Combina sus actividades con su labor en Helena Producciones,
colectivo de artistas del que hace parte desde 2000. Su trabajo ha sido incluido en No Copyright,
CALCO, Sala de exposiciones Universidad del Valle (Cali, 2014); Six Lines of Flight, Shifting
Geographies in Contemporary Art, SFMOMA (San Francisco 2012); Emergente, Casa Entrerros
(Cali, 2011); XX Saln del Fuego, Fundacin Gilberto Alzate Avendao (Bogot, 2008); Imagen
Regional 5, Banco de la Repblica (Bogot, 2007), y XIX Saln del Fuego, Fundacin Gilberto
Alzate Avendao (Bogot, 2006). Vive en Cali

Moe Satt (Yangon, Birmania, 1983)

Tras graduarse como zologo en 2005, Moe se dedic al arte, haciendo parte de una nueva
generacin con una aproximacin distinta a su concepcin y materializacin. Ha sido residente
en diversas instituciones, entre ellas Rimbun Dahan (Malasia, 2008); 3331 Arts (Chiyoda, 2011); De
Deelstaat Nijmegen (Holanda, 2013), e International Residence at Rcollets (Francia, 2015). Entre
sus exposiciones estn las bienales de Busan (2012), CAFA (Pekn, 2013) y de Artes Vivas (Vancouver,
2011). Tambin ha mostrado su trabajo en el Zrcher Theater Spektakel (Zrich, 2013) y en el
Festival/Tokio (2014). Fue finalista del premio Hugo Boss Asia Art para artistas emergentes (2015).
En su obra examina, a travs de fotografas y videos, detalles de la cultura budista de su pas con
resonancias polticas. Trabaja como artista y curador en Yangon, Myanmar.

Jeremy Shaw (Vancouver Norte, Canad, 1977)

Egresado del Emily Carr Institute of Art + Design (Vancouver). En su obra parte de diferentes
medios para explorar estados alterados y prcticas culturales y cientficas que buscan delimi-
tar experiencias trascendentales. Combinando y amplificando lenguajes del arte conceptual,
las pelculas etnogrficas, los videos musicales y la investigacin cientfica, Shaw propone un
espacio posdocumental en el cual ideales y sistemas de creencia disparatados se valoran por
igual. Entre sus exposiciones individuales estn Medium-Based Time, Contemporary Art Gallery
(Vancouver, 2015); Hot 100s, Knig Galerie (Berln, 2014); Best Minds, MoMA, PS1 (Nueva York, 2011),
y Single Channel Higher States, SAMSA (Berln, 2010). Vive en Berln.

Jim Shaw (Midland, EE. UU., 1952)

Graduado de la Universidad de Michigan y con una maestra del California Institute of the Arts. En
su obra mina las sobras de la cultura pop en una prctica eclctica que incluye dibujos, pinturas,
instalaciones y msica con el grupo Destroy All Monsters. Como observador y coleccionista de
los productos culturales de su pas, explica: Es buen gusto versus no buen gusto. Me di cuenta
de que yo no estaba hecho para el buen gusto. Shaw recontextualiza la imaginera que funciona
desde el mainstream hasta los detritus religiosos en Thrift Store Paintings, curadura de lienzos
de tiendas de caridad. Entre sus exposiciones recientes estn Jim Shaw: The End is Near, New
Museum y Simon Lee Gallery (Nueva York y Londres, 2015), y I Only Wanted You to Love Me, Metro
Pictures (Nueva York, 2014). Ha participado en bienales como la de Venecia (2013), Sidney (2002)
y la del Whitney Museum (2002 y 1991). Vive en Los ngeles.

Andreas Siekmann (Hamm, Alemania, 1961)

Ha realizado exposiciones individuales en instituciones como BAK Base for Active Knowledge
(Utrecht, 2014); Galerie Barbara Weiss (Berln, 2014); Museum Abteiberg (2012), y Stdtische
Museen Jena (2010). Su obra ha sido incluida en muestras colectivas como la Bienal de Taipei
(2012), y las Documentas 12 y 11 (Kassel, 2007 y 2002). Su obra parte de una tradicin de visua-
lizacin de datos comenzada en Viena en 1929 por Gerd Arntz y Otto Neurath, para compartir
Claudia Patricia Sarria (Bogot, Colombia, 1975)
As an artist, she is interested in the field of artistic management and production. Her work focuses
on the conditions of the lives and the interactions of people within the framework of the phe-
nomena and contradictions derived from the progress of systems of production, distribution,
consumption and order in an urban context. She combines those activities with her work at Helena
Producciones, an artists collective she has belonged to since 2000. Her work has been shown
at: No Copyright, CALCO, Universidad del Valle Exhibition Galleries (Cali, 2014); Six Lines of Flight,
Shifting Geographies in Contemporary Art, SFMOMA (San Francisco 2012); Emergente [Emergent],
Casa Entrerros (Cali, 2011); XX Saln del Fuego [20th Salon of Fire], FUGA (Bogot, 2008); Imagen
Regional 5 [Regional Image 5], Central Bank of Colombia (Bogot, 2007), and the XIX Saln del Fuego,
FUGA (Bogot, 2006). She lives in Cali.

Moe Satt (Yangon, Burma, 1983)

After graduating as a zoologist in 2005, Satt opted for a career in art, forming part of a new gen-
eration with a different approach to concepts and materials. He has been an artist in residence
in such institutions as the Rimbun Dahan (Malaysia, 2008); 3331 Arts (Chiyoda, Tokyo 2011); De
Deelstaat Nijmegen (Holland, 2013), and the International Residence at Rcollets (France, 2015).
He has participated in the biennials of Busan, Korea (2012), CAFA (Peking, 2013) and Live! (Van-
couver, 2011). He has also shown his work at the Zrcher Theater Spektakel (Zurich, 2013) and the
Festival/Tokyo (2014). He was a finalist for the Hugo Boss Asia Art prize for emerging artists. Using
photographs and videos, his work examines details of the Buddhist culture of his country, with
political undertones. He works as an artist and curator in Yangon, Myanmar.

Jeremy Shaw (North Vancouver, Canada, 1977)

Graduate of the Emily Carr Institute and of Art + Design (Vancouver). His work makes use of dif-
ferent media to explore altered states and cultural and scientific practices which seek to delimit
transcendental languages. Combining and broadening the languages of conceptual art, ethno-
graphic films, music videos and scientific investigation, Shaw proposes a post-documentary
aesthetic where ideals and crazy belief systems are equal. Among his individual exhibitions are
Medium-Based Time, Contemporary Art Gallery (Vancouver, 2015); Hot 100s, Knig Galerie (Berlin,
2014); Best Minds, MoMA, PS1 (New York, 2011); and Single Channel Higher States, SAMSA (Berlin,
2010). He lives in Berlin.

Jim Shaw (Midland, U.S., 1952)

He is a graduate of the University of Michican with a MFA from the California Institute of Arts. His
work mines the leftovers of pop culture with an eclectic approach that includes drawings, paint-
ings and installations, and music with the band Destroy All Monsters. As an observer and collector
of the cultural products of his country, he remarks: It is a matter of good taste versus bad taste.
I realized that I was no good for good taste. Shaw places that imaginary in a new context that
ranges from the mainstream to the religious debris seen in Thrift Store Paintings, where he acts
as a curator of the works sold there. Among his recent exhibitions there are: Jim Shaw: The End is
Near, New Museum and Simon Lee Gallery (New York and London, 2015), and I Only Wanted You to
Love Me, Metro Pictures (New York, 2014). He has participated in biennials like Venice (2013), Sydney
(2002), and Whitney Museum (2002 and 1991). He lives in Los Angeles.

Andreas Siekmann (Hamm, Germany, 1961)

Has held one-man shows at institutions like BAK Base for Active Knowledge (Utrecht, 2014);
Galerie Barbara Weiss (Berlin, 2014); the Museum Abteiberg (2012), and the Stdtische Museen
(Jena, 2010). His work has been shown in collective exhibitions like the Taipei Biennial (2012), and
the Documentas 12 and 11 (Kassel, 2007 and 2002). His work is inspired by the tradition of data
visualization started in Vienna in 1929 by Gerd Arntz and Otto Neurath, which aims to share data

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con los espectadores datos con resonancias polticas, sociales y econmicas. A travs de sus
grficas estilizadas busca confrontar los conceptos previos tanto del artista como del pblico.
Adems de su trabajo artstico tambin realiza curaduras y reflexiones tericas. Vive en Berln.

Jeison H. Sierra (Zaragoza, Colombia, 1986)

Licenciado en Educacin con nfasis en Artes Plsticas de la Universidad de Antioquia, ha cur-
sado estudios en el Instituto de Bellas Artes y la Escuela de Artes Dbora Arango. Su obra es el
resultado de inquietudes que deambulan por el paisaje y toman cuerpo en el dibujo, la pintura
y la escultura. La experiencia personal de haber salido de Zaragoza, su pueblo natal, se ha
convertido en el punto de partida y en el detonante de su proceso actual. Su xodo constituye
el punto de inflexin en su experiencia vital, donde la carga emotiva del desarraigo y la soledad
se convierten en disparadores de sentido. Su obra hace parte de las colecciones Suramericana
(Medelln) y la de Arte Latinoamericano Goodyear (2015), y de colecciones privadas en Colombia,
Alemania y Estados Unidos. Vive en Medelln y Bogot.

Eusebio Siosi Rosado (Riohacha, Colombia, 1971)

Arquitecto, gestor cultural y artista perteneciente a la etnia wayuu, Clan Ipuana. Ha parti-
cipado en exposiciones colectivas como los XV Salones Regionales de Artistas, zona Caribe
(Barranquilla, 2015); Imagen Regional 7, Banco de la Repblica (Riohacha, 2011); 40 Saln
Nacional de Artistas (Tunja, 2005); Salones de Jvenes Artistas Costeos (Barranquilla, 2002
y 2000); Imagen Caribe: la pintura, exposicin itinerante por las sedes culturales del Banco
de la Repblica (Cartagena, Sincelejo, Montera, San Andrs, Barranquilla, Santa Marta,
Riohacha, Valledupar, 2000-2002). Su proyecto Sueos de la Outs se present en Limited
Contract (Zrich, 2015). Actualmente trabaja en Barreras Visuales, donde visibiliza, a travs
de acciones performticas de desplazamiento y emplazamiento colaborativo, el peligro que
significa la extincin de usos y costumbres de la etnia wayuu. Vive en Riohacha y trabaja en
proyectos culturales y de formacin en La Guajira.

Chulayarnnon Siriphol (Bangkok, Tailandia, 1986)

Cineasta y artista visual. Realiza cortos narrativos, experimentales y documentales, y videoins-
talaciones en las que juega con la interseccin entre las memorias personales y socia-
les, lo documental y la ficcin, lo real y lo sobrenatural. Su trabajo se ha proyectado en
numerosos festivales de cine en Asia y Europa, entre ellos el 34 Festival Internacional
de Cine de Rotterdam (2005), el 26 Festival Internacional de Cortometrajes de Hamburgo
(2010), Can You Hear Me?, Objectifs Centre for Photography and Film (Singapur, 2012), la IV
Bienal Internacional de Arte Joven de Mosc (2014) y la V Trienal de Arte Asitico de Fukuoka
(Japn, 2014). Vive en Bangkok. www.chulayarnnon.com

Corazn del Sol (Berkeley, EE.UU., 1972)

El mundo del arte en Los ngeles hizo parte de la cotidianidad de su infancia, all pudo ver la
aceptacin inicial y posterior exclusin de su madre y abuela. Su trabajo se basa en la psique
consciente e inconsciente desde donde crea una nueva constelacin para mostrar aquello
que no puede ser discutido. Entre sus exposiciones estn Let Power Take A Female Form, The
Box (Los ngeles, 2015); Feed Me What You Need To Know, Highways (Los ngeles, 2014), y The
Kitchen Table, reprise, College Art Association Conference (Los ngeles, 2012). Vive en Los ngeles.

Alfonso Surez (Mompox, Colombia, 1952)

Uno de los ms prolficos artistas de la regin Caribe, con una trayectoria de 25 aos de produccin
que comenzaron en la dcada de los ochenta. Entre sus distinciones se encuentra el haber sido
invitado de honor en la Bienal de Arte de Bogot (1990) y haber recibido primeros premios en el VI
with political, social and economic connotations. With his stylized diagrams Siekmann seeks to
confront both his and his publics preconceptions. In addition to his work as an artist, he is also
a curator. He lives in Berlin.

Jeison H. Sierra (Zaragoza, Colombia, 1986)

Graduated in Education with an emphasis in Visual Arts from Antioquia University with further
studies at the Institute of Fine Arts and the Dbora Arango School of Fine Arts. His work revolves
around concerns about the landscape that materialize in drawings, paintings and sculptures. His
personal experience of having left his birthplace, the town of Zaragoza, has become the turning point
in his life, where the emotional burden of uprooting and loneliness become sources of meaning. His
work is part of the Suramericana (Medelln) and Goodyear Latin American Art collections (2015) as
well as private ones in Colombia, Germany and the United States. He lives in Medelln and Bogot.

Eusebio Siosi Rosado (Riohacha, Colombia, 1971)

Architect, cultural organizer and artist from the Ipuana Clan of the Wayuu indigenous group, he
has participated in collective exhibitions like the 15th Regional Salons of Artists, Caribbean zone
(Barranquilla, 2015); Imagen Regional 7 [Regional Image 7], Central Bank of Colombia (Riohacha,
2011); the 40th National Salon of Artists (Tunja, 2005); the Salons of Young Artists from the Coast
(Barranquilla, 2002 and 2002); and Imagen Caribe, la pintura [Caribbean Image, painting], an itiner-
ant exhibition shown at the cultural centers of the Colombian Central Bank (Cartagena, Sincelejo,
Montera, San Andrs, Barranquilla, Santa Marta, Riohacha, Valledupar, 2000-2002). His project
entitled Sueos de la Outs [Dreams of the Outs] was presented at Limited Contract (Zurich, 2015).
He is currently working on Barreras Visuales [Visual Barriers], where he uses performative acts of
collaborative displacement and locating to visualize the danger implied in the extinction of the
customs and uses of the Wayuu indigenous culture. He lives in Riohacha and works on cultural
and training programs in La Guajira.

Chulayarnnon Siriphol (Bangkok, Thailand, 1986)

Filmmaker and visual artist who explores different formatsinstallations and fiction, experi-
mental and documentary shorts to explore the intersection between personal and social
memories, the documentary and the fictional, the real and the supernatural. His films have been
shown in many film festivals in Asia and Europe, including the 34th Rotterdam International
Film Festival (2005), the 26th Hamburg Short Films Festival (2010), Can You Hear Me? Objectifs
Centre for Photography and Film (Singapore 2012), the Fourth Moscow International Biennial
of Young Artists (2014) and the 5th Fukuoka Triennial of Asiatic Art (Japan, 2014). He lives in
Bangkok. www.chulayarnnon.com

Corazn del Sol (Berkeley, U.S., 1972)

Was born into an artistic environment as the granddaughter of the artist Eugenia Butler and the
daughter of the artist Eugenia P. Butler, Corazon del Sol was familiar with the art world and its
dynamics from an early age and a witness to the initial acceptance and later rejection of those
two women. Among her exhibitions are: Let Power Take Female Form, The Box (Los Angeles, 2015);
Feed Me What You Need To Know, Highways (Los Angeles, 2014), and The Kitchen Table, reprise,
College Art Association Conference (Los Angeles, 2012). She lives in Los Angeles.

Alfonso Surez (Mompox, Colombia, 1952)

Is one of the most prolific artists of the Caribbean region, with a 25-year career that began in the
1980s. Among his awards, he has been a guest artist at the 1990 Bogot Biennial of Art and has
won prizes at the 6th Regional Salon of Artists (1993), the 35th National Salon of Artists (1994), the
7 th Regional Salon (1995) and the 8th Regional Salon (1997). His performances combine elements

348 / 349
Saln Regional de Artistas (1993), XXXV Saln Nacional de Artistas (1994), VII Saln Regional (1995), y
VIII Saln Regional (1997). Su trabajo en el performance transita entre lo popular, lo kitsch, la crtica
ambiental y la metamorfosis del cuerpo y el paisaje que lo rodea y que habita. Vive en Barranquilla.

Maria Taniguchi (Dumaguete City, Filipinas, 1981)

Ganadora del premio Hugo Boss Asia Art (2015) y Artista asociada LUX (2009). Entre sus expo-
siciones recientes estn History of a Vanishing Present: A Prologue, The Mistake Room (Los
ngeles, 2016); Afterwork, Para Site (Hong Kong, 2016); Globale: New sensorium, ZKM Centre
for Art and Media (Karlsruhe, 2016); The Vexed Contemporary, Museum of Contemporary Art
and Design (Manila, 2015); y la VIII Trienal Asia-Pacfico de Arte Contemporneo, QAGOMA
(Brisbane, 2015). En su trabajo, Taniguchi realiza pinturas cerebrales de forma diaria y siste-
mtica, utilizando distintos radios de agua y acrlico para construir arquitecturas pictricas
que cuestionan la nocin de superficie. Su obra est en las colecciones del M+ Museum (Hong
Kong); the Burger Collection (Hong Kong); Kadist Art Foundation (San Francisco); Queensland
Art Gallery/Gallery of Modern Art (Brisbane); y la K11 Art Foundation (Shanghai). Vive en Manila.

Jorge Tobar Panchoaga (Popayn, Colombia, 1984)

Antroplogo y fotgrafo. Desarrolla trabajos relacionados con su historia personal a partir
de temas como la identidad, la memoria y las relaciones del ser humano con su entorno. Su
obra hace parte de colecciones como el Fondo Cultural Suizo en Colombia y la coleccin de
fotograf a de Higashikawa (Japn). Adems de Colombia, ha expuesto en Espaa, Argentina,
Chile, Guatemala, Irlanda, Lituania y Ecuador. Gan la beca de creacin de artistas con tra-
yectoria intermedia del Ministerio de Cultura (2016); el Premio Iberoamericano de Fotograf a
NEXOFOTO (Espaa, 2015); el IX Premio Nacional Colombo Suizo de Fotograf a (2013),y el VI
Saln de Arte Joven Club el Nogal (2011). Es cofundador del Colectivo de fotograf a +1 y de
CROMA Taller Visual. Actualmente es X-Photographer de Fujifilm. Vive en Bogot.

Gustavo Toro (Pereira, Colombia, 1982)

Artista visual egresado de la Universidad Tecnolgica de Pereira. Su trabajo ha sido expuesto
en el Museo de Arte Moderno de Medelln; ArteCmara, ArtBo (Bogot, 2013); Museo de Arte de
Pereira (2014); Casa Republicana, Banco de la Repblica (Bogot, 2012); Centro de Artes CMA
(Madrid, 2013); Banco de la Repblica (Pereira, 2014), y Design District Exhibition (Miami, 2013),
entre otros.En los ltimos aos su obra ha tratado cuestiones de diferencia social y las ten-
siones relacionadas con habitar territorios que pasan por dinmicas naturales que alteran el
paisaje. Seleccionado como finalista del Premio Sara Modiano 2016, ha sido ganador de la Beca
de investigacin creacin en artes visuales del Instituto de Cultura de Pereira (2015); Beca de
creacin para jvenes artistas, Ministerio de Cultura (2014); Pasantas Nacionales, Ministerio
de Cultura (2013); Saln Traslude de Arte Contemporneo, Museo de Arte de Pereira (2012), y
FotoUrbe 5 (2011). Vive en Pereira.

Ivan Tovar (Cali, Colombia, 1987)

Estudi Arte en el Instituto Departamental de Bellas Artes en Cali, de donde se gradu con su
proyecto Todos los fuegos el fuego. Desde 2013 hace parte del equipo de Lugar a Dudas, donde
actualmente dirige el programa internacional de residencias. Entre sus distinciones est una
pasanta con el videoartista Ral Marroqun (Amsterdam, 2015) y una beca para artistas emer-
gentes de la Secretara de Cultura de Cali (2015). Ha participado en exposiciones colectivas como
Artecmara 2015, ArtBo (Bogot); Horas extra, MIAMI Prcticas Artsticas (Bogot, 2016) y NON,
SAVVY Contemporary (Berln, 2014). En su obra se ocupa del antiespacio: si se imagina que el
universo se expande, hacia dnde lo hace exactamente? El antiespacio tiene la capacidad de
ser reconstruido, destruido y transformado constantemente. El antiespacio es una paradoja,
como el vaco que deja un libro de Gordon Matta-Clark en una biblioteca. Vive en Cali.
of popular art, kitsch, environmental criticism and the metamorphosis of the body and the sur-
rounding landscape. He lives in Barranquilla.

Maria Taniguchi (Dumaguete City, Philippines, 1981)

Winner of the Hugo Boss Asia Art prize (2015) and LUX Associated Artist (2009). Among her recent
exhibitions are: History of a Vanishing Present: A Prologue, The Mistake Room (Los Angeles, 2016);
Afterwork, Para Site (Hong Kong, 2016); Globale: New sensorium, ZKM Centre for Art and Media
(Karlsruhe, 2016); The Vexed Contemporary, Museum of Contemporary Art and Design (Manila, 2015);
and the 8th Asian-Pacific Triennial of Contemporary Art, QAGOMA (Brisbane, 2015). Taniguchis work
consists of cerebral paintings done in a daily and systematic way which use different densities
of water and acrylic to construct pictorial architectures which question the notion of surface.
Her work is found in the collections of the M+ Museum (Hong Kong); the Burger Collection (Hong
Kong); the Kadist Art Foundation (San Francisco); the Queensland Art Gallery/Gallery of Modern
Art (Brisbane); and the K11 Art Foundation (Shanghai). She lives in Manila.

Jorge Tobar Panchoaga (Popayn, Colombia, 1984)

Anthropologist and photographer, his works focuses on his personal story and revolves around
subjects like identity, memory and mankinds relations with its environment. His work forms part
of collections like the Swiss Cultural Fund in Colombia and the Higashikawa, Japan photography
collection. In addition to Colombia, he has exhibited in Spain, Argentina, Chile, Guatemala, Ireland,
Lithuania and Ecuador. He won a fellowship for creation, awarded to artists in mid-career by the
Ministry of Culture (2016); the NEXOFOTO Ibero-American Photography Prize (Spain, 2015); the 9th
Colombo-Swiss National Photography Prize (2013) and the 6th El Nogal Club Salon of Young Artists
(2011). He is a co-founder of the + 1 Photography Collective and the CROMA Visual Workshop. He
is currently a Fujifilm X-Photographer. He lives in Bogot.

Gustavo Toro (Pereira, Colombia, 1982)

Visual artist graduated from the Technological University of Pereira. His work has been shown at
the Medelln Museum of Modern Art; ArteCmara, ArtBo (Bogot, 2013); the Pereira Museum of Art
(2014); Casa Republicana, Central Bank of Colombia (Bogot, 2012); Centro de Artes CMA (Madrid,
2013); Central Bank of Colombia (Pereira, 2014); and the Design District Exhibition (Miami, 2013),
among others. In recent years his work has dealt with questions of social difference and the ten-
sions related to inhabiting territories that face natural dynamics that alter the landscape. He was
chosen as a finalist for the Sara Modiano Prize 2016, and has won a Fellowship for investigation in
visual arts from the Pereira Institute of Culture (2015); a Fellowship of Creation for Young Artists,
Ministry of Culture (2014); a National Internship, Ministry of Culture (2013), and received prizes at
the Traslude Salon of Contemporary Art (Pereira, 2012) and Fotourbe (2011). He lives in Pereira.

Ivn Tovar (Cali, Colombia, 1987)

He studied Art at the Cali Departmental Institute of Fine Arts, where his graduation project was
Todos los fuegos el fuego [All the Fires the Fire]. Since 2013 he has been part of the Lugar a Dudas
team, where he currently directs the program of international residencies. He has won an intern-
ship with the video artist Ral Marroqun (Amsterdam, 2015) and a fellowship for emerging artists
from the Cali Secretary of Culture. He has participated in collective exhibitions like Artecmara
2015, ArtBo (Bogot); Horas extra [Extra Hours], MIAMI Prcticas Artsticas (Bogot, 2016); and
NON, SAVVY Contemporary (Berlin, 2014). His work is concerned with the anti-space, imagined to
be the expanding universe: exactly where does it expand to? The anti-space can be constantly
reconstructed, destroyed and transformed: its a paradox, like the void left by a book by the U.S.
intervention artist Gordon Matta-Clark in a library. He lives in Cali.

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Andrs Felipe Uribe Crdenas (Bogot, Colombia, 1982)
Videoartista Crossover Borderline Mestizo. Maestro en Bellas Artes de la Universidad de
Bogot Jorge Tadeo Lozano. Su obra se ha caracterizado por una prctica crossover que fusiona
escritura, audio, video y performance a travs de problemas de lenguaje que tejen dinmicas
de poder y accin semitica. Desde 2004 exhibe su trabajo a nivel local e internacional. Entre
otras, ha realizado exhibiciones individuales en SELECTO Planta Baja (Los ngeles, EE. UU.,
2015); NADA (Bogot, 2015) y MIAMI Prcticas Contemporneas (Bogot, 2011). Ha participado
en exhibiciones colectivas nacionales como Cilicios, Galera Espacio El Dorado (Bogot, 2016);
Pabelln Artecmara en ArtBo (Bogot, 2015, 2011 y 2007), y Saln Regional de Artistas Zona
Centro (Bogot, 2015 y 2009), y en colectivas internacionales en Berln, Oslo y Washington, entre
otras. Becario del Instituto Goethe en 2012, del Ministerio de Cultura de Colombia en 2015 y de
Idartes en 2015. Vive en Bogot.

Liliana Vlez Jaramillo (Bogot, Colombia, 1980)

Estudi Arte en la Universidad de los Andes. Ha mostrado su trabajo, entre otros, en el
Instituto Hemisfrico de Performance (Nueva York); el Museo de Arte Contemporneo
MAC (Bogot); en ARCOmadrid, y en el Festival de Cine de Oberhausen. En su obra explora y
transgrede la lnea que divide lo pblico de lo privado usando su cuerpo como herramienta.
Movida por su historia personal, realiza una obra que busca hacer visible un deseo reprimido
de salir y expresar, producto de haber tratado de esconder su cuerpo y sus emociones por
largo tiempo. Vive en Bogot.

Apichatpong Weerasethakul (Bangkok, Tailandia, 1970)

Cineasta y artista. Ha expuesto sus videos e instalaciones en eventos como las bienales de
Sharjah (Emiratos rabes, 2013), Liverpool (2006), Busan (2004) y Estambul (2001), y en la
Documenta 13 (Kassel, 2012). Sus obras se apartan de una linealidad tradicional para trans-
mitir una fuerte sensacin de desencajamiento. Temticamente, Weerasethakul enfrenta la
cuestin de la memoria, aproximndose sutilmente a sus dimensiones polticas y sociales.
Entre sus reconocimientos est la Palma de Oro del Festival de Cannes, por su pelcula Lung
Boonmee Raluek Chat (2010), y los premios Fukuoka (2013) y Yanghyun Art Prize (2014). Vive
en Chiang Mai, Tailandia.

Ming Wong (Singapur, 1971)

Realizador de videos, fotografas, instalaciones y performances donde reinterpreta momentos
icnicos del cine mundial o la cultura popular, a menudo interpretando personajes de diversos
gneros, etnicidades, nacionalidades o periodos histricos. Aprovechando traducciones imper-
fectas, Wong descubre los agujeros y lagunas tras las nociones de autenticidad y originalidad
en la vida personal y social, revelando cmo la identidad se construye, reproduce y circula.
Represent a Singapur en la 53 Bienal de Venecia (2009), donde su muestra individual Life of
Imitation recibi mencin especial. Ha expuesto individualmente en instituciones como Ullens
Center for Contemporary Art (Pekn, 2015); Shiseido Gallery (Tokio, 2013); REDCAT (Los ngeles,
2012), y Neuer Berliner Kunstverein (Berln, 2010). Ha participado en numerosas bienales, entre
ellas la de Sydney (2016 y 2010); Shanghai (2014); Lyon (2013); Liverpool (2012); Gwangju (2010), y
Performa 11 (Nueva York, 2010). Vive en Berln.

www.interferencia-co.net
Tctica de accin que acta desde 2008, ideada y gestionada de manera conjunta por Marco Moreno
(Bogot, Colombia, 1972) y Jimena Andrade (Bogot, Colombia, 1971) para generar estrategias de
pertenencia y ejercicios de contexto con comunidades y diferentes actores sociales. Su metodo-
loga de trabajo busca encontrar herramientas pedaggicas formalizadas en videos, traducciones
y estrategias de red, dispuestas en la pgina web que se piensa como un archivo sensible y
perceptivo a la especificidad poltica y social del material producido. Han sido conferencistas en
Andrs Felipe Uribe Crdenas (Bogot, Colombia, 1982)
A Mestizo Crossover Borderline Video-artist with a BFA in Fine Arts from Jorge Tadeo Lozano
University of Bogota. His work as an expression of crossover practices, combining text, audio,
video and performance pointing at problems of language which weave dynamics of power and
semiotic action. He has exhibited his work both in Colombia and abroad since 2004. He has held
one-man shows in SELECTO Planta Baja (Los Angeles, USA, 2015); NADA (Bogot, 2015) and MIAMI
Prcticas Contemporneas (Bogot, 2011), among others. He has participated in collective exhi-
bitions in Colombia like Cilicios [Cilice], Galera Espacio El Dorado (Bogot, 2016); the Artecmara
Pavilion at ArtBo (Bogot, 2015, 2011 and 2007), and the Regional Salon of Artists, Central Zone
(Bogot, 2015 and 2009), and in international ones in Berlin, Oslo and Washington, among others.
He won a Fellowship from the Goethe Institute in 2012, the Colombian Ministry of Culture in 2015
and the Bogot District Institute of Arts (Idartes) in 2015. He lives in Bogot.

Liliana Vlez Jaramillo (Bogot, Colombia, 1980)

She studied Art at Los Andes University (Bogot). Her work has been featured at the Hemispheric
Performance Institute (New York); the Bogot Museum of Contemporary Art (MAC, Bogot); ARCO-
madrid and the Oberhausen (Germany) Short Film Festival. Her work explores and transgresses the
line dividing public and the private, using her body as a tool. Inspired by her personal history, her
work seeks to make visible a repressed desire to go out and express herself, the result of having
tried too long to hide her body and emotions. She lives in Bogot.

Apichatpong Weerasethakul (Bangkok, Thailand, 1970)

Film-maker and artist who has shown his videos and installations in events like the biennials of
Sharjah (United Arab Emirates, 2013), Liverpool (2006), Busan (2004) and Istanbul (2001), and at the
Documenta 13 (Kassel, 2012). His works reject a traditional linearity in order to transmit a strong
feeling of disjointedness. In thematic terms, Weerasethakul confronts the question of memory,
subtly approaching its political and social dimensions. Among others he has won the Golden Palm
at the Cannes Festival, for his film Lung Boonmee Raluek Chat (2010), the Fukuoka prize (2013) and
the Yanghyun Art Prize (2014). He lives in Chiang Mai, Thailand.

Ming Wong (Singapore, 1971)

Is a creator of videos, photographs, installations and performances where he reinterprets iconic
moments in world cinema or popular culture, playing roles of diverse genders, ethnicities, nation-
alities or historical periods. Taking advantage of mistranslations, Wong discovers the omissions
and gaps behind the notions of authenticity and originality in personal and social life and reveals
how identity is built, reproduced and circulated. He represented Singapore at the 53rd Venice
Biennial (2009), where his individual show, Life of Imitation, won a special mention. He has held
individual exhibitions at institutions like the Ullens Center for Contemporary Art (Peking, 2015);
the Shiseido Gallery (Tokyo, 2013); REDCAT (Los Angeles, 2012), and the Neuer Berliner Kunstverein
(Berlin, 2010). He has participated in numerous biennials, among them those of Sydney (2016 and
2010); Shanghai (2014); Lyon (2013); Liverpool (2012); Gwangju (2010), and Performa 11 (New York,
2010). He lives in Berlin.

www.interferencia-co.net
Tactical Action formed in 2008, created and managed by Marco Moreno (Bogot, Colombia, 1972)
and Jimena Andrade (Bogot, Colombia, 1971) to create strategies of belonging and exercises with
different communities and social actors. Its working methodology seeks to formalize educational
tools in videos, translations and web strategies, available on their website, which has become an
archive sensitive to and perceptive about the political and social specificity of the material pro-
duced. They have participated at events like Escuela de garaje [Garage school], the 15th Regional
Salon of Artists, Central zone (2015); 2nd De-formation Encounter, To be here doing something,

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eventos como Escuela de garaje, 15 Saln Regional de Artistas Zona Centro (2015); II Encuentro
De-formacin. Estar aqu haciendo algo, Centro Cultural de Espaa (Mxico D.F., 2014), y Museo de
Arte Moderno de Barranquilla (2012). Viven en Guasca.

Eider Yangana (Popayn, Colombia, 1990)

Indgena del resguardo Yanacona de Rioblanco Sotar. Yanagana es maestro en Artes Plsticas
de la Universidad del Cauca (2014) y su rea de investigacin es el performance y la instalacin,
desde donde indaga en formas de expresin humana que resuenan con lo armnico/natural.
Adems de su trabajo artstico, ha desarrollado una labor pedaggica de pintura mural con
diferentes colectivos en el territorio caucano.

Sonnia Ypez (Buga, Colombia, 1992)

Maestra en Artes Plsticas de la Universidad de Caldas. Ha participado en exposiciones colec-
tivas en Pelotas (Brasil), Manizales y Medelln. En 2014 fue ganadora de la Beca Santander para
intercambios estudiantiles en Guadalajara, Mxico. Ha realizado una exposicin individual,
Delicado, Pinacoteca de Bellas Artes (Manizales, 2014). Vive en Manizales.

Sergio Zevallos (Lima, Per, 1962)

Naci en el entonces mejor hospital de Lima, Per, donde su madre se hizo ingresar ilegal-
mente a emergencias. Luego vivi los estados de emergencia de los aos 70 y 80, cuando
empez su desarraigo. No concluy ningn estudio. Lleg a Berln en 1989, punto que le
sirve de base para una prctica nmada por diversas geograf as y disciplinas artsticas.
Empez dibujando, sigui con performances, fotograf a; adems escribe, compone sonido,
mezcla todo. Le interesan las contradicciones en la relacin entre individuo y poder en
una obra definida por lo hbrido, tanto en sentido orgnico y sexual como en lo terico y
conceptual. Entre sus exposiciones individuales estn Proyecto AMIL (Lima, 2015); Un cuerpo
ambulante, Wrttembergischen Kunstverein (Stuttgart, 2014), y Callejn oscuro, Museo de
Arte Contemporneo MAC (Lima, 2013). Su obra hace parte de colecciones como la del Museo
Nacional Reina Sof a (Madrid), la del Banco de la Repblica (Bogot) y la Coleccin Peter Nobel
(Zrich). Vive en Berln.
Spanish Cultural Center (Mexico City, 2014); and the Barranquilla Museum of Modern Art. They live
in Guasca, Colombia.

Eider Yangana (Popayn, Colombia, 1990)

A member of the Yanacona indigenous community of Rioblanco Sotar, he teaches visual arts
at the Universidad del Cauca (2014). In his work he uses performance and installation to inquire
into forms of human expression that resound with the harmonious and the natural. In addition
to his artistic work, he has given several mural painting workshops with different collectives in
the Department of Cauca.

Sonnia Ypez (Buga, Colombia, 1992)

Graduated in Art from Caldas University (Colombia), has participated in collective exhibitions in
Pelotas (Brazil), Manizales and Medelln. In 2014 she won the Santander Fellowship for student
exchanges and worked in Guadalajara, Mexico. She held an individual exhibition, entitled Delicado
[Delicate] at the Manizales Gallery of Fine Art (2014). She lives in Manizales.

Sergio Zevallos (Lima, Peru, 1962)

He was born in what was then the best hospital in Lima, after his mother sneaked through the
emergency ward. Afterwards, he lived through the states of emergency in Peru during the 1970s
and 1980s, when his uprooting began. He has no formal studies. He arrived in Berlin in 1989, the
starting point for a nomadic career which has taken him through different places and disciplines.
He began with drawings, and followed it with performance and photography. He also writes,
composes soundtracks and mixes everything. He is interested in the contradictions between the
individual and power in a work marked by its hybrid nature, both in the organic and sexual sense
and in the theoretical and conceptual one. Among his individual exhibitions are Proyecto AMIL [Amil
Project], (Lima, 2015); Un cuerpo ambulante [A wandering Body], Wrttembergischen Kunstverein
(Stuttgart, 2014); and Callejn oscuro [Dark Alley] Museum of Contemporary Art, MAC (Lima, 2013).
His work forms part of the collections of the Reina Sofa Museum of Art (Madrid), Central Bank of
Colombia (Bogot) and the Peter Nobel Collection (Zurich). He lives in Berlin.

354 / 355
Componente editorial

Gustavo Acosta Vinasco (Pereira, Colombia, 1974)

Estudi filosofa,literatura, periodismoe idiomas. Ha sido cronista,redactory editor de conteni-
dospara variosmedios del pas. Entre sus publicaciones estn Sexta Generacin y Otros Cuentos (2010),
La Dieta de la Hiena (2013), Al Recio Empuje de los Titanes Pereira 150 Aos (Editor, 2013) yLos Vasos
Silbantes (2015). Aficionado a todaslas msicas del hombre; ciclista urbano; docente desertor;arque-
logo de ficciones;ya no cree que existan los genios, pero hace una concesin con Baricco, Houllebecq,
Rebeca Dautremer y scar Muoz; piensa que el ftbol ya no es un depor te;
detesta los uniformes. Vive en Pereira, donde se desempea comoperiodista y editor web de El
Diario del Otn.

Liliana Angulo Corts (Bogot, Colombia, 1974)

Artista plstica graduada de la Universidad Nacional de Colombia, con Maestra en Artes en
la Universidad de Illinois en Chicago (beca Fullbright). Adems de varias exposiciones indivi-
duales y colectivas en Colombia, ha participado en exhibiciones en Europa, Asia, Amrica y el
Caribe. En su obra investiga el cuerpo y la imagen a partir de asuntos de gnero, etnicidad,
lenguaje, historia y poltica. Su compromiso con las comunidades afrodescendientes la ha
llevado a explorar cuestiones de representacin, identidad, discursos de raza y poder, as
como prcticas performativas, tradiciones culturales, asuntos de reparacin histrica y el
trabajo directo colaborativo con organizaciones sociales de la dispora africana. Desarrolla
su produccin artstica en medios como escultura, fotograf a, video, intervenciones, ins-
talacin, performance y sonido, entre otros. Entendiendo la prctica artstica como
integral, tambin se ha desempeado como investigadora, creadora, educadora, gestora, admi-
nistradora y curadora. Vive en Colombia.

Mara Natalia vila Leubro (Bogot, Colombia, 1979)

Graduada en Artes Plsticas de la Universidad de Bogot Jorge Tadeo Lozano. En su obra
busca usar el poder de la ficcin y la imaginacin para crear dilogos entre seres animados
e inanimados, mediados por el humor, la tragedia, la cotidianidad y la msica, entre otros.
Ha participado en numerosas publicaciones, entre ellas ANTI-OQUIA (2012) y Sobre el fra-
caso (2010). Ha participado en exposiciones como Terra Tenebrosa, Sin Espacio (Cali, 2016);
Sal Vigua, Cmara de Comercio de Bogot (2015); El saln de la justicia, FUGA y Cmara de
Comercio de Bogot (2015), y Muecos de loza, Museo de Arte Contemporneo de Bogot MAC
(2014). Hizo parte del Colectivo Zunga desde 2007 hasta su disolucin en 2014. Vive en Bogot.

Cajn de sastre
Propuesta editorial de carcter interdisciplinario e independiente a cargo de Catalina Vargas
Tovar (Cali, Colombia, 1977) que rene, en cada libro, creadores de diferentes disciplinas para
explorar correspondencias y sincronas frente al texto literario. La iniciativa naci con el
propsito de divulgar expresiones narrativas contemporneas y se inscribe en una cultura
editorial investigativa que apela a la actualizacin y apropiacin de referentes culturales.
Entre sus publicaciones se encuentran Papel de pared amarillo, de Charlotte Perkins Gilman
ilustrado por Alejandro Mancera; Sus cartas, de Kate Chopin ilustrado por Jos Toms Giraldo;
La letra U, de Ugo Tarchetti ilustrado por Andrs Felipe Uribe; La mente encantada, de Nathaniel
Hawthrone ilustrado por Mateo Lpez; Levantar cabezas, de Lydia Maria Child ilustrado por
Liliana Angulo, y La bella penitente, de Wilkie Collins ilustrado por Nicols Paris. Dentro del
44 SNA public T y yo de Juan Crdenas.
Editorial component
Gustavo Acosta Vinasco (Pereira, Colombia, 1974)
Studied philosophy, literature, journalism and languages. He has been a journalist, editor and con-
tents director for various Colombian media. Among his publications there are: Sexta Generacin
y Otros Cuentos [Sixth Generation and Other Stories], (2010); La Dieta de la Hiena [The Hyenas
Diet], (2013); Al Recio Empuje de los Titanes Pereira 150 Aos [The Vigorous Thrust of the Titans
150 years of Pereira], (Editor, 2013), and Los Vasos Silbantes [Sibilant Glasses/ Vessels], (2015). A
lover of all musical genres, urban cyclist, negligent teacher and archaeologist of fictions, he does
not believe in the existence of geniuses, but makes an exception for Baricco, Houllebecq, Rebeca
Dautremer and scar Muoz. He thinks that soccer is no longer a sport and detests uniforms. He
lives in Pereira, where he works as a journalist and web editor for the El Diario del Otn newspaper.

Liliana Angulo Corts (Bogot, Colombia, 1974)

A visual artist with a BA from National University of Colombia and an MFA from the University of
Illinois in Chicago (Fulbright Scholarship). In addition to a number of individual and collective
enterprises in Colombia, she has participated in exhibitions in Europe, Asia, the Americas and
the Caribbean. Her work inquires into the body and the image on the basis of matters of gender,
ethnicity, language, history and politics. Her commitment to the countrys Afro-American com-
munities has led her to explore questions of representation, identity and discourses of race and
power, as well as performative practices, cultural traditions, efforts at historical reparation and a
direct collaborative work with social organizations of the African exile. She uses media like sculp-
ture, photography, video, interventions, installations, performances and sound, among others.
She regards art as an integral practice and has thus worked as an investigator, creator, educator,
organizer, administrator and curator. She lives in Colombia.

Mara Natalia vila Leubro (Bogot, Colombia, 1979)

Is a graduate in Visual Arts from Jorge Tadeo Lozano University of Bogot. Her work seeks to use
the power of fiction and imagination to create dialogues between animate and inanimate crea-
tures, leavened by humor, tragedy, everyday life and music, among others. She has contributed
to many publications, such as ANTI-OQUIA (2012) and Sobre el fracaso [On failure], (2010). She has
participated in exhibitions like Terra Tenebrosa [Sinister Land], Sin Espacio (Cali, 2016); Sal Vigua
[Cormorant Salt], Bogot Chamber of Commerce (2015); El Saln de la justicia [The Salon of Justice],
FUGA and the Bogot Chamber of Commerce (2015); and Muecas de loza [China dolls], Bogot
Museum of Contemporary Art MAC (2014). She was part of the Zunga Collective since 2007 until
its dissolution in 2014. She lives in Bogot.

Cajn de Sastre
Interdisciplinary and independent editorial initiative, founded by Catalina Vargas Tovar (Cali, Colom-
bia, 1977) that gathers, ineach book, creators from different disciplines to explore connections and
coincidences in approaching literary texts. It started as a way to disseminate contemporary narra-
tive expressions and it inscribes itself in a research-based editorial culture that aims to actualize
and appropriate different cultural referents. Cajn de sastre has published Spanish translations
of Charlotte Perkins Gilmans The Yellow Wallpaper, illustrated by Alejandro Mancera; Kate Chopins
Her Letters, illustrated by Jos Toms Giraldo; Ugo Tarchettis La lettera U, illustrated by Andrs
Felipe Uribe; Nathaniel Hawthrones The Haunted Mind, illustrated by Mateo Lpez; Lydia Maria
Childs Stand from Under, illustrated by Liliana Angulo, and Wilkie Collins A Fair Penitent, illustrated
by Nicols Paris. As part of the 44th SNA, they published T y yo [You and I], by Juan Crdenas.

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Juan Crdenas (Popayn, Colombia, 1978)
Ha publicado las novelas Zumbido (451 Editores, 2008), Los estratos (Perifrica, 2013) y
Ornamento (Perifrica, 2015). Traduce, viaja, pasa mucho tiempo solo, da paseos largos, es
profesor de Escritura Creativa en el Instituto Caro y Cuervo, no quiere tener columna en
ningn peridico y como vive distrado se la pasa concentrado en otra cosa. Vive en Bogot.

Ensayo Colectivo Editorial

Se conforma en 2015 por Yolanda Chois Rivera (Cali, Colombia, 1987), Mara Juliana Soto
Narvez (Cali, Colombia, 1987), Camilo Aguilera Toro (Bogot, Colombia, 1975) y Miguel Tejada
Snchez (Cali, Colombia, 1982) como un ejercicio de edicin y publicacin del registro de
las experiencias artsticas y de comunicacin del proyectoHacia el litoral. Accin Colectiva,
realizado en 2014. Entre 2015 y 2016, el colectivo lleva a cabo acciones de discusin (lecturas
en voz alta, intercambio de textos y voces) y composicin editorial, con el nimo de exponer
o abrir antes de publicar el proceso de realizacin de documentos, memorias e informes.
Han realizado intervenciones en el Museo La Tertulia (Cali, 2015), en el espacioLa radia ser,
de la emisora de la Universidad Nacional de Colombia (Bogot, 2105) y junto a la piscina de
la Casa Obeso Meja (Cali, 2016). Tras estas sesiones de taller-debate, las experiencias se
consolidan en tres entregas editoriales:Ensayo # 1, Ensayo # 2, Ensayo # 3.

Jos Antonio Covo Meisel (Cartagena, Colombia, 1987)

Maestro en Artes de la Universidad de los Andes. Entre sus intereses se cuentan el psicoa-
nlisis, la ciencia ficcin, la semitica y la filosof a de lenguaje. Como artista ha participado
en las exposiciones El nio peristalsis y la comitiva vomitiva, Valenzuela Klenner (Bogot,
2015); Una cierta muerte, Museo de Arte Moderno de Cartagena (2014), y No Tengo Hambre,
Valenzuela Klenner (Bogot, 2012). Como escritor ha mantenido un blog desde 2012 y public,
en 2015, su primera novela, Osamentas relampagueantes (Can Press). Vive en Cartagena.

Tupac Cruz (Austin, EE.UU, 1976)

En 2012 expuso La mente miente en la Galera Valenzuela y Klenner (Bogot). La instalacin,
con un bordado, banderines en serigraf a, figuras en papel mach, dibujos y un video en el que
el presidente de Colombia involucra a los ciudadanos en una sociedad fundada por helechos
milenarios, promueve la simplificacin de toda accin. Este montaje retoma motivos desarro-
llados enla primera parte de su novela grfica Esfera roja(Jardn Publicaciones, 2013) y en la
instalacinEl escner consume su propio interior, inspirada en representaciones populares
del encarcelamiento e incluida en la exposicin colectivaEl diablo probablemente, Museo
La Tertulia (Cali, 2015). Entre los motivos que ha examinado en estos trabajos est: pasar vs.
crecer, prestar atencin vs. estar distrado, organizarse vs. vivir juntos. Vive en Los ngeles.

Juan Nicols Donoso Cubillos (Bogot, Colombia, 1977)

Artista plstico y magster en Filosof a con la tesis El exceso en Kierkegaard. Desde 2011
se desempea como docente en la Escuela de Ciencias Humanas de la Universidad del
Rosario. Entre sus intereses estn los vnculos entre existencialismo y filosof a de la mente.
En varios de sus textos literarios el sistema nervioso central se asume como una anomala
en s mismo. Ha publicado la crnicaDramatic Chronicle(Ro Grande Review, 2013) yDel
sujeto trascendental como sujeto sin yo (o tengo un doctorado en secundaria), incluido en
la socializacin del taller Escuelita del mal, realizado por el artista Paulo Licona en escuelas
de la localidad de Kennedy. Vive en Bogot.
Juan Crdenas (Popayn, Colombia, 1978)
Has published the novels Zumbido [Buzzing] (451 Editores, 2008), Los estratos [The strata] (Peri-
frica, 2013) and Ornamento [Ornament], (Perifrica, 2015). He translates, travels, spends a lot of
time alone, takes long walks, is a teacher of Creative Writing at the Caro and Cuervo Institute, does
not want to have a column in any newspaper, and since he lives in a distracted state, spends his
time focusing on something else. He lives in Bogot.

Ensayo Colectivo Editorial [Essay/Test/Trial Publishing Collective]

Formed in 2015 by Yolanda Chois Rivera (Cali, Colombia, 1987), Mara Juliana Soto Narvez (Cali,
Colombia, 1987), Camilo Aguilera Toro (Bogot, Colombia, 1975), and Miguel Tejada Snchez (Cali,
Colombia, 1982) as an exercise in editing and publishing a record of the artistic and communica-
tive experiences of the Hacia el litoral. Accin Colectiva [Towards the coast. Collective Action]
project, undertaken in 2014. Between 2015 and 2016, the collective carried out acts of discussion
(readings exchanges of texts and voices) and editorial composition, in order to expose or open up
the procedures of creating documents, memoirs and reports before publishing them. It has car-
ried out interventions in La Tertulia Museum (Cali, 2015), the La radia ser program on the radio
station of National University of Colombia (Bogot, 2015) and alongside the swimming pool of the
Obeso Meja House in Cali (2016). Following those workshops/debate sessions, the experiences
were memorialized in three published essays: Ensayo # 1, Ensayo # 2, Ensayo # 3.

Jos Antonio Covo Meisel (Cartagena, Colombia, 1987)

Has a BFA in Arts from Los Andes University (Bogot). Among his interests are psychoanalysis,
science fiction, semiotics and the philosophy of language. As an artist he has participated in the
exhibitions El nio peristalsis y la comitiva vomitiva [The Peristalsis Child and the Emetic Retinue],
Valenzuela & Klenner (Bogot, 2015); Una cierta muerte [A Certain Death], Cartagena Museum of
Modern Art (2014); and No Tengo Hambre [Im not Hungry], Valenzuela Klenner (Bogot, 2012). As
a writer, he has had his own blog since 2012 and, in 2015, he published his first novel, Osamentas
relampagueantes [Flashing Bones], (Can Press). He lives in Cartagena.

Tupac Cruz (Austin, U.S., 1976)

In 2012 he exhibited La mente miente [The Mind Lies] at the Valenzuela and Klenner Gallery
(Bogot). That installation, which features a piece of embroidery, silk-screen pennants, figures in
papier mach, drawings and a video in which the president of Colombia, who is involved with the
inhabitants of a society founded by millenary ferns, promotes the simplification of all actions. The
montage reworks motifs developed in the first part of his graphic novel Esfera roja [Red sphere]
and his installation El escner consume su propio interior [The scanner consumes its own insides],
inspired by popular representations of imprisonment and included in the exhibition El diablo
probablemente [Probably the Devil], La Tertulia Museum (Cali, 2015). Among the concerns which
he deals with in these works are: getting by vs. growing, paying attention vs. being distracted
and organizing oneself vs. living together. He lives in Los Angeles.

Juan Nicols Donoso Cubillos (Bogot, Colombia, 1977)

Visual artist with an MA in philosophy with the thesis Excess in Kierkegaard. Since 2011 he has
taught at the School of Human Sciences at Rosario University (Bogot). Among his interests there
are the links between existentialism and the philosophy of the mind. In several of his literary texts
the central nervous system is regarded as an anomaly in itself. He published Dramatic Chronicle
in the Ro Grande Review (2013) and On the transcendental subject as a subject without an I (or
I have a doctorate in secondary education), included in the publication of the Escuelita del mal
[Little school of evil] workshop, held by the artist Paulo Licona in schools of the Kennedy district
in Bogot. He lives in Bogot.

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Bruno Mazzoldi (Miln, Italia, 1942)
Residente en Colombia desde 1960. Ha enseado en la Escuela Normal para Varones de Fonseca,
Baja Guajira, el Colegio Junn de la Isla de Providencia, la Universidad del Cauca y la Universidad
de Nario. A comienzos de los aos 70 se desempe como vocalista del grupo de jazz de
Peggy Dromgold. En 1994, y al filo del II Congreso para el Estudio de los Estados Modificados
de la Conciencia, celebrado en Lrida, Espaa, tuvo ocasin de exponer por ltima vez algu-
nos rodeos grficos bajo el ttulo Cuatro episodios de humorismo mstico. Entre unos cuantos
escritos publicados en el pas y en el exterior cabe mencionar los textos redactados al borde
de la obra de Jos A. Restrepo: Proyecto Tableaux mourants (2004); Verme dormido Jobs de
Benjamin, Derrida y Restrepo (2006); Emails en Ejercicios espirituales (2015). Vive en Pasto.

Carlos Andrs Mndez Sandoval (Cali, Colombia, 1978)

Magster en Filosofa con nfasis en Historia de la filosofa moderna, esttica y filosofa poltica.
Ha desarrollado investigaciones que analizan los desplazamientos tericos y prcticos que
implica el trnsito de una concepcin del poder desde el modelo de la guerra a una concepcin
del poder en tanto gubernamentalidad. Vive en Cali.

Gabriela Pinilla (Bogot, Colombia, 1983)

Estudi Bellas Artes en la Universidad Jorge Tadeo Lozano en Bogot, Colombia, y actualmente
hace una maestra en Artes Plsticas y Visuales en la Universidad Nacional (Bogot). Entre sus
exposiciones individuales estn El ramo de olivo que no germin, Valenzuela y Klenner (Bogot,
2015); La venganza de la historia 3: Barrio Policarpa, Valenzuela Klenner (Bogot, 2012); Los bhos
no son lo que parecen, Sala Alterna, Galera Santa Fe (Bogot, 2010), e Historia sencilla, Galera
12:00 (Bogot, 2010). Ha recibido reconocimientos como la Beca de Creacin en Artes Visuales del
Ministerio de Cultura (2012) y el premio Exposiciones en la Galera Santa Fe, otorgado por Idartes
(Bogot, 2010). En su obra utiliza medios como pintura, dibujo, instalacin, impresos y videos
para pensar las resonancias en el presente de hechos histricos especficos. Vive en Bogot.

Equipo TransHisTor(ia)
Conformado por Mara Sol Barn (Bucaramanga, Colombia, 1975) y Camilo Ordez Robayo (Bogot,
Colombia, 1979) en 2008, TransHisTor(ia) desarrolla proyectos de investigacin, curatoriales y
de creacin en torno a problemas de la historia del arte y la cultura visual en Colombia. Entre
sus investigaciones y curaduras estn Mltiples y Originales. Arte y cultura visual en Colombia;
aos 70, FUGA (Bogot, 2010); Rojo y ms Rojo. Taller 4 Rojo; produccin grfica y accin directa,
FUGA (Bogot, 2012), MAMM (Medelln, 2013) y Museo La Tertulia (Cali, 2014); Con Wilson dos
dcadas vulnerables, locales y visuales, Galera Santa Fe (Bogot, 2014), y Sal Vigua, Cmara de
Comercio de Bogot (2015). Barn y Ordez son profesores de planta del Departamento de Artes
Visuales de la Pontificia Universidad Javeriana de Bogot y Ordez es profesor de ctedra de
la Facultad de Artes de la ASAB. Viven en Bogot. transhistoria.laveneno.org

Rat Trap
Rat Trap es una plataforma de produccin de arte no institucional y msica no corporativa.
Sus integrantes son Jos Darcy Cabrera (Puerto Ass, Colombia, 1979), Paola Acebedo (Bogot,
Colombia, 1987), Carlos Velsquez (Bogot, Colombia, 1985), Jose Sann (Bogot, Colombia,
1990), Jernimo Velsquez (Bogot, Colombia, 1990) y Boris Restrepo (Bogot, Colombia, 1989),
Tras 12 aos de eventos culturales se materializ como un espacio f sico en mayo de 2012.
Actualmente el proyecto incluye dos talleres de serigraf a, un estudio de grabacin, dos salas
de ensayo, trece talleres de artistas, una sala de proyectos y una tienda. Su objetivo princi-
pal es defender la autonoma creativa y promover la sostenibilidad econmica de proyectos
artsticos, sociales y culturales, ofreciendo herramientas y espacios para el desarrollo de
Bruno Mazzoldi (Milan, Italy, 1942)A resident of Colombia since 1960, he has taught at the Escuela
Normal para Varones [Boys School], Fonseca, Lower Guajira; the Junn High School on the island
of Providencia; Cauca University and Nario University. At the beginning of the 1970s he was the
vocalist of the Peggy Dromgold jazz group. In 1994, during a fringe event at the 2nd Congress for the
Study for Altered States of Awareness, held in Lrida, Spain, he exhibited the last of some graphic
commentaries he made, entitled Four episodes of mystical humourism. Among a variety of his
essays, two are worth mentioning: his analysis of the work of Jos A. Restrepo: Proyecto Tableaux
mourants (2004); Verme dormido Jobs de Benjamin, Derrida y Restrepo [To see me asleep the
Jobs of Benjamn, Derrida and Restrepo] (2006); and Emails en Ejercicios espirituales [Spiritual
Exercises] (2015). He lives in Pasto.

Carlos Andrs Mndez Sandoval (Cali, Colombia, 1978)

Has a Masters in Philosophy with a major in the History of Modern Philosophy, Aesthetics and
Political Philosophy. He has undertaken investigations which analyze the theoretical and practi-
cal shifts implied by the transition from a conception of power to the model of war and thus to a
conception of governance. He lives in Cali.

Gabriela Pinilla (Bogot, Colombia, 1983)

BFA from Jorge Tadeo Lozano University (Bogot), currently doing an MFA at National University
(Bogot). Among her one woman shows are El ramo de olivo que no germin [The Olive Branch that
Didnt Bud], Valenzuela y Klenner (Bogot, 2015); La venganza de la historia 3: Barrio Policarpa [The
Revenge of History 3: Policarpa Neighborhood], Valenzuela Klenner (Bogot, 2012); Los bhos no
son lo que parecen [Owls are not What They Seem], Sala Alterna, Galera Santa Fe (Bogot, 2010),
and Historia sencilla [A Simple Story], Galera 12:00 (Bogot, 2010). She has been awarded a creation
fellowship by the Ministry of Culture (2012) and an exhibit grant for the Galera Santa Fe, Idartes
(Bogot, 2010). In her work, she uses painting, drawings, installations, publications and videos to
think about present resonances of specific historical events. She lives in Bogot.

Equipo TransHisTor(ia) [TransHisTor(y) Team]

Formed by Mara Sol Barn (Bucaramanga, Colombia, 1975) and Camilo Ordez Robayo (Bogot,
Colombia, 1979) in 2008, TransHisTor(ia) carries out investigative, curatorial and creative projects
about the history of the art and visual culture of Colombia. Among their research and curatorial proj-
ects are: Mltiples y Originales. Arte y cultura visual en Colombia; aos 70, [Multiples and Originals.
Art and visual culture in Colombia; the 1970s], FUGA (Bogot, 2010); Rojo y ms Rojo. Taller 4 Rojo:
produccin grfica y accin directa [Red and more Red, Workshop 4 Rojo: graphic production and
direct action], FUGA (Bogot, 2012), Medelln Museum of Modern Art (2013) and La Tertulia Museum
(Cali, 2014); Con Wilson... dos dcadas vulnerables, locales y visuales [With Wilson... two vulner-
able, local and visual decades], Santa Fe Gallery (Bogot, 2014); and Sal Vigua [Cormorant Salt],
Bogot Chamber of Commerce (2015). Barn and Ordez are professors of Visual Arts at Javeriana
University and Ordez also teaches at the ASAB. They live in Bogot. transhistoria.laveneno.org

Rat Trap
Rat Trap is a platform for the production of non-institutional art and non-corporate music. Their
members are Jos Darcy Cabrera (Puerto Ass, Colombia, 1979), Paola Acebedo (Bogot, Colombia,
1987), Carlos Velsquez (Bogot, Colombia, 1985), Jose Sann (Bogot, Colombia, 1990), Jernimo
Velsquez (Bogot, Colombia, 1990), and Boris Restrepo (Bogot, Colombia, 1989). After 12 years of
participating in cultural events, it established its own physical headquarters in May of 2012. Its cur-
rent activities include two silk-screen workshops, a recording studio, two rehearsal halls, thirteen
artists workshops, an exhibit space and a store. Its main aim is to defend creative autonomy and
promote the economic sustainability of artistic, social and cultural projects by offering tools and

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producciones autogestionadas y costo efectivas que permitan hacer viables en el tiempo
prcticas que histricamente han dependido de incentivos estatales y fondos privados. A
nivel grfico han realizado carteles, camisetas, zines y lanzarn, dentro del 44 SNA, su primer
libro. Viven en Bogot.

Salvaje
Fundado en 2015 por Mara Paola Snchez, Andrea Triana y Gabriel Meja como el brazo editorial
del espacio NADA, Salvaje explora las posibilidades de la publicacin no solo como objeto
de arte sino como catalizador de relaciones, de colaboraciones y posibles encuentros. En
sus proyectos buscan potencializar el libro como contenedor de rupturas y construcciones
porttiles, un medio econmico capaz de infiltrarse y ser infiltrado, portable en pequeas
maletas y casi nunca descubierto porque, como sealan, no hay perros anti publicaciones
en los aeropuertos. Han publicado Fe y alegra, de Leonardo Herrera; La arcilla fundamental,
de Gabriel Meja; el DVD Release me!, de Juan Meja y, dentro del 44 SNA, 5-5, de Nicols Llano.

Seminario Psicotropismos
Brigitte Baptiste (Bogot, Colombia, 1963)
Biloga de la Universidad Javeriana y una de las mayores expertas en temas ambientales y
biodiversidad en Colombia. Realiz una maestra en Conservacin y desarrollo tropical en
la Universidad Internacional de Florida becada por la Comisin Fulbright, y un doctorado en
Economa ecolgica y manejo de recursos naturales en la Universidad Autnoma de Barcelona.
Actualmente dirige el Instituto de Investigacin de Recursos Biolgicos Alexander von Humboldt
y representa a Colombia ante varios organismos internacionales ambientales. Vive en Bogot.

Rafael Castellanos Jimnez (Bogot, Colombia, 1975)

Doctor en Historia de la Filosof a, Universidad de Pars IV, Sorbona. Entre Berln y Bogot hizo
parte de la creacin de Bogotrax (festival gratuito y experimento socio-cultural; 2003-2013).
Ha realizado proyectos artsticos, culturales y pedaggicos enfocados en Latinoamrica,
alrededor de la relacin entre la selva y la ciudad, la vida en el barrio y el territorio, entre
ellos Bajo el concreto la selva, Galera Neurotitan (Berln, 2014), exposicin de muralistas
contemporneos suramericanos y el videoclip S.O.S (2013-2014), realizado en Manaos con el
grupo de hip-hop bogotano A la intemperie. Actualmente tiene un trabajo en curso sobre
las poticas del hip-hop, el barrio, la selva, la guerra, el desarraigo y la bsqueda a travs
del viaje como experiencia irrevocable de la otredad. Vive en Berln.

Sanfor Kwinter (Canad)

Escritor y terico de la arquitectura con un doctorado en Literatura Comparada en la Universidad
de Columbia. Cofundador, junto al diseador Bruce Mau y el terico Jonathan Crary, de la influyente
editorial Zone Books. Ha enseado en universidades como Rice, MIT, Columbia, Cornell y Harvard,
y actualmente es profesor de Teora y crtica de la arquitectura en el Instituto Pratt (Nueva York).
Ha publicado ampliamente sobre aspectos filosficos del diseo, la arquitectura y el urbanismo
en libros como Architectures of Time: Toward a Theory of the Event in Modernist Culture(MIT Press,
2001); Far from Equilibrium: Essays on Technology and Design Culture(Actar Press, 2008), y Requiem:
For the City at the End of the Millennium (Actar Press, 2010). Ha recibido reconocimientos del
Canada Arts Council y del Getty Center for the History of Art and the Humanities. Tambin recibi
el premio de arquitectura de la American Academy of Arts and Letters (2013). Vive en Nueva York.
venues for the development of self-managed and cost-effective productions which allow for the
viability over time of practices which have traditionally depended on State incentives and private
funding. In the field of graphic arts, it has produced posters, t-shirts and fan-zines and will launch
its first book at the 44th National Salon of Artists. Its members live in Bogot.

Salvaje
Founded in 2015 by Mara Paola Snchez, Andrea Triana and Gabriel Meja as the editorial
branch of the independent space NADA, Salvaje explores the possibilities of publishing not
only as producer of art-objects but as a catalyst of relationships, collaborations and possible
encounters. In their projects they seek to strengthen the books possibilities as a container
for ruptures and portable constructions, a cheap medium able to infiltrate and be infiltrated,
portable in small bags without being detected because, as they point out, there are no anti-
book dogs in airports. They have published Fe y alegra [Faith and Happiness], by Leonardo
Herrera; La arcilla fundamental [The Fundamental Clay], by Gabriel Meja; the DVD Release me!,
by Juan Meja, and, as part of the 44th SNA, 5-5, by Nicols Llano.

Psychotropisms Seminar
Brigitte Baptiste (Bogot, Colombia, 1963)
A biologist from Javeriana University (Bogot), she is one of the leading experts in Colombia in the
field of the environment and biodiversity. She won a Fulbright Commission Scholarship to do a
MSc in Conservation and Tropical Conservation at Florida International University and has a PhD
in Ecological Economy and the Management of Natural Resources from the Autonomous Univer-
sity of Barcelona. She is currently the director of the Alexander von Humboldt Institute for the
Investigation of Biological Resources and has represented Colombia at a variety of international
environmental organizations. She lives in Bogot.

Rafael Castellanos Jimnez (Bogot, Colombia, 1975)

He has a PhD in History of Philosophy from Paris University IV, the Sorbonne. Working between
Berlin and Bogot, he took part in the creation of Bogotrax (a free festival and socio-cultural
experiment; 2003-2013). He has undertaken artistic, cultural and educational projects focused on
Latin America, which revolve around the relation between the jungle and the city and between
neighborhood life and the territory, among them Bajo el concreto la selva [Under the concrete, the
jungle], Neurotitan Gallery (Berlin, 2014), an exhibition of contemporary South American muralists
and the videoclip S.O.S. (2013-2014), made in Manaus with a Bogot hip-hop group, A la intemperie.
He is currently working on the poetics of hip-hop, the neighborhood, the jungle, the war, uprooting
and the quest, through traveling, for the irrevocable experience of otherness. He lives in Berlin.

Sanfor Kwinter (Canada)

A writer and theoretician of architecture with a PhD in Comparative Literature from Columbia
University, he is the co-founder, along with the designer Bruce May and the theoretician Jonathan
Crary, of the influential Zone Books. He has taught at Rice, MIT, Columbia, Cornell and Harvard,
and is currently Professor of Architectural Theory and Criticism at the Pratt Institute (New York).
He has published a wide range of books on the philosophical aspects of design, architecture and
urbanism, such as Architectures of Time: Toward a Theory of the Event in Modernist Culture (MIT
Press, 2001); Far from Equilibrium: Essays on Technology and Design Culture (Actar Press, 2008),
and Requiem: For the City at the End of the Millennium (Actar Press, 2010). He has received awards
from the Canada Arts Council, the Getty Center for the History of Arts and Humanities and the
architecture prize of the American Academy of Arts and Letters (2013). He lives in New York.

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Florencia Portocarrero (Lima, Per, 1981)
Investigadora, curadora independiente y psicoterapeuta. Estudi Psicologa Clnica en la
Pontificia Universidad Catlica del Per, donde tambin se recibi como Magster en Estudios
Tericos en Psicoanlisis. Durante 2012/2013 particip en el programa curatorial de de Appel Arts
Centre (msterdam) y recientemente se gradu con honores de la maestra en Teora del Arte
Contemporneo, Universidad de Goldsmiths (Londres). Portocarrero escribe regularmente en
la revista internacional de arte contemporneo Artishock y ha contribuido con sus textos sobre
arte y cultura en numerosos catlogos y publicaciones. En Lima fue cofundadora del espacio
de arte independiente Bisagra y curadora del programa pblico de Proyecto AMIL. Vive en Lima.

John Welchman (1958)

Profesor de historia del arte en la Universidad de California, San Diego. Ha escrito para medios
como Art Forum, The New York Times y The Economist. Es autor de los libros Modernism
Relocated: Towards a Cultural Studies of Visual Modernity (Allen & Unwin, 1995), Invisible
Colours: A Visual History of Titles (Yale UP, 1997), Art After Appropriation: Essays on Art in the
1990s (Routledge, 2001), y Past Realization: Essays on European Contemporary Art (Sternberg
Press, 2015). Adems de numerosas publicaciones acadmicas, ha editado varios volmenes
de escritos y entrevistas del artista Mike Kelley. Vive en San Diego.

Equipo curatorial

Rosa ngel
Directora artstica
Maestra en Bellas Artes de la Universidad Jorge Tadeo Lozano, Bogot, con maestra en tecnologas
digitales interactivas de la Universidad Complutense, Madrid, y candidata a doctor en artes de
la Universidad de Castilla la Mancha, Cuenca.
Formada como artista y con una experiencia diversa en reas como los audiovisuales y la gestin
cultural, ha sido co-curadora, con Adriana Arenas, del 12 saln Regional de Artistas Zona Centro
Occidente eje[s] imaginario[s] (2007) y tutora y miembro del comit regional de la investigacin
curatorial de los 13 Salones Regionales de Artistas (2009).
Desde 2006, ha sido la curadora del Museo de Arte de Pereira en varios periodos, concentrndose
a partir de 2012 en una serie de exposiciones que exploran, desde varios ngulos y a partir de la
obra de distintos artistas, la riqueza y resonancia del paisaje y la nocin de territorio. Entre estas
exposiciones se encuentran la colectiva Ro arriba, ro abajo (2013) y las individuales Estudios
comparados de paisaje, de Alberto Baraya (2015) y Siguiendo el ro, de Natalia Castaeda (2016).
Vive y trabaja en Pereira.

CURADORES

Victor Albarracn
Escritor, curador y artista visual. MFA en prcticas pblicas del Otis College of Art and Design, Los
ngeles. Entre 2005 y 2009 fue coordinador del Consejo curatorial de la Fundacin El Bodegn (arte
contemporneo vida social). En 2014 fue co-fundador de SelectoPlanta Baja, Los ngeles, CA.,
y hace parte de su equipo curatorial. Ha sido columnista, editor, crtico y traductor para diversas
publicaciones culturales en Colombia y el exterior. Ha escrito tres libros publicados en Colombia,
Noruega y los Estados Unidos. Profesor, consultor de proyectos y jurado de distintas facultades
universitarias de arte y director de talleres y tutor de los laboratorios de investigacin de creacin
del Ministerio de Cultura. Gan el Premio nacional de crtica en 2009 y la beca Fulbright- Ministerio
de Cultura Ministry 2012. Actualmente es el director artstico de Lugar a Dudas, en Cali.
Florencia Portocarrero (Lima, Peru, 1981)
An investigator, independent curator and psychotherapist, she studied Clinical Psychology at
Pontifical Catholic University of Peru, where she was also awarded a MA in Theoretical Studies
in Psychoanalysis. During 2012-2013, she participated in the curatorial program of the Appel Arts
Centre (Amsterdam) and she recently graduated with honors from a MA in Theory of Contemporary
Art from Goldsmiths University (London). Portocarrero periodically writes for the international
magazine of contemporary art, Artishock, and has published her essays on art and culture in
many catalogues and publications. In Lima, she was the co-founder of the independent art venue,
Bisagra, and curator of the public program of the AMIL project. She lives in Lima.

John Welchman (1958)

Professor of art history in the Visual Arts department at the University of California, San Diego. He
has contributed to publications like Screen, Art Forum, The New York Times and The Economist.
His books include Modernism Relocated: Towards a Cultural Studies of Visual Modernity (Allen &
Unwin, 1995), Invisible Colours: A Visual History of Titles (Yale UP, 1997), Art After Appropriation:
Essays on Art in the 1990s (Routledge, 2001), and Past Realization: Essays on European
Contemporary Art (Sternberg Press, 2015). He has edited a number of academic publications
and several volumes of interviews and writings by the artist Mike Kelley. He lives in San Diego.

Curatorial Team

Rosa ngel
Artistic Direction
Bachelor in Fine Arts from the Universidad Jorge Tadeo Lozano, Bogot; MA in Interactive Digital
Technologies from Complutense University, Madrid; Ph.D courses in Arts from the University of
Castilla la Mancha, Cuenca.
With experience in different areas, including audiovisuals and cultural governance, Angel co-cu-
rated, with Adriana Arenas, the 12th Regional Salon of Artists in the Western-Central Region
(2007), and served as tutor for the curatorial team of the 13th Regional Salon of Artists and as
a member of its regional committee (2009).
Since 2006, she has been at different periods head curator of the Pereira Art Museum, focu-
sing since 2012 in exhibits that explore, from different angles, the richness and possibilities of
landscape and the notion of territory. These exhibits include the group show Upriver, downriver
(2013) and the individual shows Comparative Studies of Landscape, by Alberto Baraya (2015), and
Following the River, by Natalia Castaeda (2016). She lives in Pereira.

CURATORS

Victor Albarracn
Writer, curator and visual artist. MFA in Public Practice from Otis College of Art and Design, Los
Angeles. From 2005 to 2009, programmed activities at El Bodegn: Contemporary Art and Social
Life, in Bogot. In 2014, he joined the curatorial team at Selecto-Planta Baja in Los Angeles, CA.
Headed independent curatorial projects in Bogot and Los Angeles since 2010. He has been a
columnist, editor, critic and translator for various cultural publications in Colombia and abroad.
Author of three books published in Colombia, Norway and the United States. Teacher, project
consultant, and juror for art faculties in several Colombian universities, and workshop director
and tutor for the Ministry of Cultures Creation-Research Laboratories. Artist with numerous
exhibitions in Colombia and abroad. National Critics Award in 2009 and Fulbright-Ministry of
Culture Fellowship in 2012. Currently he is the Artistic Director of Lugar a Dudas, in Cali.

364 / 365
Inti Guerrero
Es curador y crtico radicado en Hong Kong. Estudi historia y teora del arte y arquitectura en la
Universidad de Los Andes en Colombia y en la Universidade de Sao Paulo en Brasil, y complet
el Programa Curatorial de Appel en Holanda. Entre 2011 y 2014 fue director artstico asociado
y curador de TEOR/Tica, un espacio para el arte y pensamiento fundado en 1999 en San Jos,
Costa Rica. Sus curaduras han sido exhibidas en museos y centros del arte alrededor del mundo
incluyendo: Tate Modern, Londres; Museo de Arte Moderno de So Paulo; Minsheng Museum,
Shanghai; Museo Carrillo Gil, Ciudad de Mxico; Fundacin Kadist, San Francisco; Museo de Arte
Contemporneo de Vigo; Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Turn, y Museo de Arte de Ro,
Ro de Janeiro. Sus textos han sido publicados en libros, catlogos y revistas incluyendo Afterall,
Ramona, The Exhibitionist, ArtNexus, Manifesta Journal y Art Asia Pacific.

Guillermo Vanegas
Psiclogo de la Universidad Nacional de Colombia, con estudios en Maestra de Estudios Culturales
e Historia del Arte la Arquitectura y la Ciudad del mismo lugar. En 2010 fund Reemplaz0, entidad
sin nimo de lucro a travs de la cual realiza curaduras de arte contemporneo. Fue curador de
los XIII Salones Regionales de Artistas para el Ministerio de Cultura en 2009. Se desempea como
profesor universitario desde 2007. Ha recibido varias menciones por sus escritos sobre arte y
cultura contempornea en Colombia y Espaa, entre ellas la Beca de investigacin monogrfica
del Ministerio de Cultura 2015 para escribir sobre el artista Jos Horacio Martnez. Desde 2007 es
profesor universitario. Sus escritos se publican regularmente en medios de Colombia y Espaa.
Vive en Bogot.

Curadores Invitados

Pamela Desjardins (Tucumn, Argentina, 1982)

Curadora argentina. Realiz la maestra en Teora y Esttica del Arte Contemporneo en la Universidad
Autnoma de Barcelona y el Programa de Estudios Independientes (PEI) en el Museo de Arte
Contemporneo de Barcelona. Desde el 2014 hasta la actualidad es curadora en residencia (Beca
Lily Scarpetta) en FLORA ars+natura, en donde ha producido exposiciones de artistas como Doris
Salcedo, Carlos Garaicoa, Lucia Koch, Antonio Caro, Ral Zurita y Patrick Hamilton, entre otros. Le
interesa principalmente el cruce entre prcticas artsticas y curatoriales. Obtuvo la beca Rsidence
des Amriques para curadores otorgada por el Consejo de las Artes de Montreal para desarrollar
un proyecto en Founderie Darling (Montreal,2013). Colabor como curadora en la seleccin de
artistas latinoamericanos para el No 3 de la revista sobre dibujo HB (2013). Fue ganadora del Travel
Grant otorgado por Getty Foundation para asistir a la Conferencia Anual del CIMAM (International
Committee for Museums and Collections of Modern Art) en Doha, Qatar, (2014) y particip represen-
tando a Colombia en el Simposio sobre modelos institucionales y el programa de visitas organizado
por Mondriaan Found (Amsterdam, 2015). Vive en Bogot .

Ximena Gama Chirolla (Bogot, Colombia, 1982)

Filsofa de la Universidad Nacional de Colombia y Especialista en Historia y Teora del Arte
Moderno y Contemporneo de la Universidad de los Andes. Ha colaborado en distintos proyectos
de investigacin en arte latinoamericano en Estados Unidos y Colombia. Trabaj en el Museum
of Fine Arts en Houston (MFAH) y en el centro de investigacin ICAA (International Center of The
Arts of the Americas), Sicardi Gallery (Houston) y Cecilia de Torres L.T.D (Nueva York). Centra su
trabajo como curadora en las prcticas contemporneas latinoamericanas. Fue curadora del
Espacio Oden en Bogot y en 2016 co-cur Luis Roldn: Periplo, una retrospectiva (Museo de
Arte del Banco de la Repblica). Obtuvo en el 2015 el Travel Grant de la Getty Fundation para
Inti Guerrero
Colombian critic and curator based in Hong Kong. Studied History and Art and Architecture
Theory at the University of Los Andes (Colombia) and the University of Sao Paulo (Brazil) and
completed the Appel Curatorial Program in Holland. Associate Artistic Director and curator of
TEOR/Tica from 2011 to 2014, a space for art and thought founded in 1999 in San Jose, Costa
Rica. Has curated shows in art museums and centers around the world, including the Tate
Modern (London), the So Paulo Museum of Modern Art, the Minsheng Museum in Shanghai, the
Carrillo Gil Museum in Mexico City, the Kadist Foundation in San Francisco, the Vigo Museum of
Contemporary Art, the Fondazione Sandretto Re Rebaudengo in Turin, and the Rio de Janeiro
Art Museum. Articles published in books, catalogs and magazines including Afterall, Ramona,
The Exhibitionist, ArtNexus, Manifesta Journal and Art Asia Pacific.

Guillermo Vanegas
Writer and curator with an MA in History of Art, Architecture and the City from the National
University of Colombia, Bogot. In 2010, Vanegas founded Reemplaz0 as a platform for his writing
on contemporary art and for curatorial projects that have included contemporary and historical
exhibitions. In 2009, he curated Prembulo, the 13th Regional Artists Salon for the Colombian
(Central Zone). In 2015 he received a grant from the Colombian Ministry of Culture to write a
book about the artist Jos Horacio Martnez. Since 2007, he teaches at several universities in
Bogot. He is a regular contributor to online and printed periodicals in Colombia and Spain.
He lives in Bogot.

Guest Curators

Pamela Desjardins (Tucumn, Argentina, 1982)

She has a MA in Theory and Aesthetics of Contemporary Art from the Autonomous University of
Barcelona, and participated in the Program of Independent Studies at the Barcelona Museum of
Contemporary Art. From 2014, she has been the curator in residence (on a Lily Scarpetta Fellow-
ship) at FLORA ars+natura, where she has mounted the exhibitions of artists like Doris Salcedo,
Carlos Garaicoa, Lucia Koch, Antonio Caro, Ral Zurita and Patrick Hamilton, among others. She is
interested in the intersection between artistic and curatorial practices. She won the Rsidence
des Amriques fellowship for curators awarded by the Montreal Arts Council to develop a project
at the Founderie Darling (Montreal, 2013). She collaborated as a curator in the selection of Latin
American artists for issue No. 3 of the HB drawing magazine (2013). She won a Travel Grant from
the Getty Foundation to attend the annual conference of the International Committee for Muse-
ums and Collections of Modern Art in Doha, Qatar, (2014) and was the representative of Colombia
at the Symposium on Institutional Models and Program of Visits organized by the Mondrian Fund
(Amsterdam, 2015). She lives in Bogot.

Ximena Gama Chirolla (Bogot, Colombia, 1982)

She studied Philosophy at National University de Colombia and has a specialization in the History
and Theory of Modern and Contemporary Art from Los Andes University (Bogot). She has collabo-
rated in different research projects in the United States and Colombia centered in Latin American
Art. She worked at the Houston Museum of Fine Arts (MFAH) and the International Center of the
Arts of the Americas research center, the Sicardi Gallery and Cecilia de Torres L.T.D. (New York). Her
work as a curator is focused on contemporary practices of Latin American art. She was the curator
of the Espacio Oden in Bogot and co-curator in 2016 of the exhibition Luis Roldn: Periplo, una
retrospectiva [Luis Roldn: Journey, a retrospective], (Art Museum of Central Bank of Colombia).

366 / 367
asistir a la conferencia anual del Cimam en Tokio, Japn y en el 2013 la Beca de participacin
en el Seminario Intensivo de Curadura impartido por el ICI (Independent Curators International
NYC) ICI e idartes. Durante ese mismo ao obtuvo la Beca de docencia de la Facultad de Ciencias
Sociales de la Universidad de los Andes de Bogot y la Mencin de Honor en el Premio Nacional
de Crtica otorgada por el Ministerio de Cultura y Universidad de los Andes. Actualmente finaliza
la maestra en Estudios Culturales en la Universidad de los Andes y trabaja como curadora
independiente. Vive en Bogot

La Usurpadora
Mara Isabel Rueda (Cartagena, Colombia, 1972) es Maestra en Artes Plsticas en la Universidad
Nacional de Colombia donde tambin realiz sus estudios de pregrado. Mario Llanos (Barranquilla,
Colombia, 1988) curs estudios en Arquitectura e Interiorismo en la Universidad Autnoma
del Caribe de Barranquilla. Como colectivo han organizadoproyectos expositivos con artistas
como Gustavo Turizo, Alfonso Surez y Luis Ernesto Arocha en espacios como Lugar a Dudas
(Cali), Muzac (Montera), Oden (Bogot) y el Museo del Atlntico (Barranquilla), entre otros.
Sus investigaciones estn encaminadas a recuperarartistas influyentes del Caribe, pero cuyos
aportes en el campo de las artes no han sido estudiados a profundidad o resultan desconocidos
dentro de la historia oficial del arte en Colombia. Viven en Puerto Colombia.

Warren Neidich(Nueva York, EE. UU., 1958)

Fundador del Saas Fee Summer Institute of Art y artista post-conceptual que cuenta entre sus
intereses la fotografa, el video, la neurociencia cognitiva, la medicina y la arquitectura. Ha
recibido premios como el Vilm Flusser Theory Award, Transmediale (Berln, 2010); beca Fulbright
(2011 y 2013) y la AHRB/ACE Arts and Science Research Fellowship (Reino Unido, 2004). Entre sus
exposiciones individuales estn Sacred Spaces of the Incorrigible Anarchy of Time, Barbara Seiler
Gallery (Zrich, 2016); Equal not Equal, LAXART (Los ngeles, 2015);The Noologists Handbook, P74
Gallery (Ljubljana, 2012), y Horizon Swell, Fons Welters Gallery (Amsterdam, 2011). Sus libros The
Psychopathologies of Cognitive Capitalism Part 3 (Archive Press) yResistance is Fertile (Merve
Verlag) se editarn este ao. Vive en Los ngeles y Berln.

Helena Producciones
Colectivo de artistas que investiga temas relacionados con la produccin artstica y sus con-
diciones desde distintos frentes. Desde 1998 organiza el Festival de Performance de Cali, que
en 2012 recibi el primer Visible Award de la Citadellarte, Fondazione Pistoletto. Actualmente,
Helena Producciones est constituido por Wilson Daz, Ana Mara Milln, Claudia Patricia Sarria,
Andrs Sandoval y Gustavo Racines. Su trabajo ha sido incluido en: Cuerpo Pacfico, CAC (Quito,
2015); Six Lines of Flight: Shifting Geographies in Contemporary Art, SFMOMA (2012); Living as
Form, Creative Time (Nueva York, 2011); Cali en el espejo, Or Gallery (Vancouver, 2007); To be
Political it has to Look Nice, Apexart (Nueva York, 2003); De la representation a laction, Le
Plateau (Pars, 2002).
In 2015 she won a travel grant from the Getty Foundation to attend the annual conference of the
Cimam in Tokyo, Japan and in 2013 a Fellowship to participate in an intensive seminar on curator-
ship at the Independent Curators International NYC, with the help of Idartes. In the same year,
she obtained a Teaching Fellowship at the Social Sciences Faculty of Los Andes University, Bogot
and an Honorable Mention in the National Criticism Prize awarded by the Ministry of Culture and
Los Andes University. She is currently finishing her MA in Cultural Studies at Los Andes University
and works as an independent curator. She lives in Bogot.

La Usurpadora [The Usurper]

Mara Isabel Rueda (Cartagena, Colombia, 1972) has a BFA and MFA from National University of
Colombia. Mario Llanos (Barranquilla, Colombia, 1988) studied Architecture and Interior Design at
the Autonomous University of the Caribbean in Barranquilla. As a collective, they have organized
exhibitions with artists like Gustavo Turizo, Alfonso Surez and Luis Ernesto Arocha, in venues like
Lugar a Dudas (Cali), Muzac (Montera), Oden (Bogot) and the Museo del Atlntico [Museum of
the Atlantic] (Barranquilla), among others. Their investigations are focused on winning recogni-
tion for influential but forgotten artists from the Caribbean whose contributions to the field of
art have not been studied in depth or have been ignored in the official histories of Colombian
art. They live in Puerto Colombia.

Warren Neidich (New York, U.S., 1958)

Founder of the Saas Fee Summer Institute of Art and post-conceptual artist, his interests include
photography, video, cognitive neuroscience, medicine and architecture. He has received awards
like the Vilm Flusser Theory Award, Transmediale (Berlin, 2010); a Fulbright Fellowship (2011 and
2013) and the AHRB/ACE Arts and Science Research Fellowship (United Kingdom, 2004). Among
his individual exhibitions are: Sacred Spaces of the Incorrigible Anarchy of Time, Barbara Seiler
Gallery (Zurich, 2016); Equal not Equal, LAXART (Los Angeles, 2015); The Noologists Handbook, Gal-
lery (Ljubljana, 2012), and Horizon Swell, Fons Welters Gallery (Amsterdam, 2011). His books The
Psychopathologies of Cognitive Capitalism Part 3 (Archive Press) and Resistance is Fertile (Merve
Verlag) will be published this year. He lives in Los Angeles and Berlin.

Helena Producciones
An artist collective which investigates subjects related to artistic production and its conditions
from different angles, it has organized the Cali Performance Festival since 1998, which won the
first Visible Award of Citadellarte, Fondazione Pistoletto in 2012. Currently the members of Helena
Producciones are Wilson Daz, Ana Mara Milln, Claudia Patricia Sarria, Andrs Sandoval and
Gustavo Racines. Its work has been included in Cuerpo Pacfico [Peaceful Body], CAC (Quito, 2015);
Six Lines of Flight: Shifting Geographies in Contemporary Art, San Francisco Museum of Modern
Art (2012); Living as Form, Creative Time (New York, 2011); Cali en el espejo [Cali in the mirror], Or
Gallery (Vancouver, 2007); To be Political it has to Look Nice, Apexart (New York, 2003); and De la
representation a laction, Le Plateau (Paris, 2002).

368 / 369
An
44 Saln Nacional de Artistas
Pereira, septiembre 16 a
noviembre 14, 2016

Juan Manuel Santos Caldern

Presidente de la Repblica
President of Colombia

Mariana Garcs Crdoba

Ministra de Cultura
Minister of Culture

Zulia Mena Garca

Viceministra de Cultura
Vice-Minister of Culture

Enzo Rafael Ariza Ayala

Secretario general
General Secretary

Guiomar Acevedo Gmez

Directora de Artes
Arts Director

Carolina Ponce de Len Nieto

Asesora de Artes Visuales
Visual Arts Advisor

Miguel Jos Rujana Acosta

Olga Luca Otero Garca
Direccin de Artes
Arts Department

Laura Sofa Arbelez Vargas

Mara Victoria Benedetti Naar
Diana Andrea Camacho Salgado
ngela Mara Montoya Rodrguez
Juan Sebastin Suanca Sierra
Grupo de Artes Visuales
Visual Arts Group

Ibon Maritza Munvar Gordillo

Jefe de la Oficina de Divulgacin y Prensa
Head of Press and Communications Office

370 / 371
Alicia Cristina Jimnez Mantilla
Juan David Padilla Vega
Isabel Cristina Salas
Grupo de Divulgacin y Prensa
Press and Communications Group
Juan Pablo Gallo Maya
Alcalde de Pereira
Mayor of Pereira
Briselia Yamily lvarez Gil
Directora general del Instituto
Municipal de Cultura y Fomento al Turismo
General Director of the Municipal Institute of
Culture and Tourism Development
Johanna Toro Ruiz
Diana Vega Baltn
Ins Patricia Zorro Arellano
Instituto Municipal de Cultura
y Fomento al Turismo
City Institute of Culture and Tourism
Jorge Ivn Ramrez Cadavid
Secretario general
General Secretary
Mauricio Alberto Vega Lpez
Vicepresidente administrativo
y financiero
Administrative and Financial Vice-President
Carolina Henao Villegas
Coordinadora administrativa
Administrative Coordination
Mara Victoria Buitrago Catao
Juan Manuel Gonzlez Narvez
Valentina Ramrez Marulanda
Jorge Mario Salazar Zuleta
Cmara de Comercio de Pereira
Pereira Chamber of Commerce
Equipo de trabajo 44 SNA
44th SNA Team

Sigifredo Salazar Osorio Rosa ngel Arenas

Gobernador de Risaralda Direccin artstica
Governor of Risaralda Artistic Director

Ana Luca Crdoba Velsquez Vctor Albarracn Llanos

Secretaria de Deporte, Recreacin Inti Guerrero Oliveros
y Cultura de Risaralda Guillermo Vanegas Flrez
Risaralda Secretary for Sport, Recreation Equipo curatorial
and Culture Curatorial Team

Mauricio Vega Lemus Liliana Andrade Lozano

Presidente ejecutivo, Cmara Diseo y museografa de la exposicin
de Comercio de Pereira Museography and Exhibition Design
Executive President, Pereira Chamber of
Commerce Juanita Torres Barrera
Daniela Argelles Gmez
Germn Calle Zuluaga Laura Puerta Barco
Presidente, Junta Directiva, Cmara de Asistentes de curadura
Comercio de Pereira Curatorial Assistants
Board President, Pereira Chamber of
Commerce Martha Alzate Hincapi
Directora de Gestin y Relaciones
Ana Mara Cuartas Saldarriaga Institucionales
Vicepresidenta de Competitividad Director of Management and Institutional
Competitivity Vice-president Relations
Luis Felipe Ospina Galeano Francisco Antonio Durango Seplveda
Asistente de Direccin de Gestin y (Museo de Antioquia)
Relaciones Institucionales Julio Echeverri
Management and Institutional Relations Juan Sebastin Flrez Giraldo
Assistant (Museo de Antioquia)
John Fredy Galvis
Adriana Mara Pineda Estrada scar Gil
Directora de Produccin Federico Gmez
Production Director Sebastin Henao
Carlos Daniel Lpez
John Fredy Quiceno (Open Studios) Lzaro Lpez
Productor del componente expositivo Juan Esteban Martnez
Exhibit Producer Vicente Montejo
Yuli Murillo
Keith lvarez Muoz Edwin Narvez
Diego Herreo Mnera Jorge Orlando Padilla Prez
Juan David Marn Mnera Zoila Porras
Asistentes de Produccin Manuela Quiceno
Production Assistants Santiago Pastrana
(Museo de Antioquia)
Nelly Pearanda Daniel Restrepo
Sebastin Angulo Carlos Roa
Fundacin Arteria Robinson Sierra
Apoyo de produccin Mauricio Surez
Production Support Jaime Tobn
Luz Aida Trejos
Kelly Pricylla Franco Snchez Nstor Vargas
Registro y Conservacin Equipo de montaje
Records and Conservation Exhibition Display Assistants

Yuliana Quiceno Cardona Margarita Pineda

(Museo de Antioquia) Julin Urrego Gil
Asesora de Registro Coordinadores de Formacin 2015
Records Advisor Education Program Coordinators 2015

Mara Adelaida Bohrquez Botero Melissa Aguilar Restrepo

(Museo de Antioquia) Carlos Betancourt
Asesora de Conservacin Mara Adelaida Bohrquez Botero
Conservation Advisor Juan Guillermo Bustamante Cardona
Andrs Cabrera Higuita
Alejandro lvarez Julin Carvajal Arias
Pablo Felipe Arenas Jaime Cern
Luz Marina Bermdez Guillermo Cspedes Rubio
mar Bermdez Harvin Corena Argota
Bernardo Cano (Universidad Tecnolgica de Pereira)
(Museo de Antioquia) Ferran ElOtro
Jaime Cardona David Escobar Parra
Santiago Cardona Juan Fernando Herrn
Julin Carvajal Arias Sebastin Gonzlez
Julin Cspedes Juan Martn Camargo

372 / 373
Andrs Marulanda
Carlos J. Matus
Javier Meja Bacca
Nelly Pearanda
Yuliana Quiceno Cardona
Germn Roldn Lopera
Santiago Rubio
Isabel Seguro
Diana Shool Montoya
Jos Andrs Uruburo
Rodrigo Vega
Talleres de Formacin 2015
Education Workshops 2015
Juana Valencia Gutirrez
Coordinadora de Formacin
Education Program Coordinator
Mariana Giraldo Corts
Asistente de Formacin
Education Program Assistant
Alejandro Quintero Garcs
Coordinador de eventos
Event Coordinator
Manuel Kalmanovitz Gonzlez
Coordinacin editorial
Editorial Coordinator
Ana Lpez Ortiga (espaol)
Giampaolo Bianchi (English)
Correccin de estilo
Copy editors
Jimmy Weiskopf
Max Schnuer
Traduccin
Translation
David Escobar Parra
Sebastin Restrepo Guerrero
Juan Fernando Caola Vlez
Daniela Giraldo Surez
Luis Guillermo Palacios
Federico Lozano
Registro fotogrfico y audiovisual
Photographic and Video Record
Toquica Estudio de Diseo
Diseo grfico e identidad visual
Graphic Design and Visual Identity
Articulados
Comunicaciones
Communications
Pickles PR
Prensa internacional
International Press
Seminario Psicotropismos. Drogas,
espectros y alucinaciones para la
transformacin del ahora
Psychotropisms Seminar: drugs, spectres
and hallucinations for a transformation of
the present
Brigitte Baptiste
Rafael Castellanos
Jos Antonio Covo
Juan Nicols Donoso
Sanfor Kwinter
Bruno Mazzoldi
Warren Neidich
Florencia Portocarrero
John Welchman
Conferencistas
Speakers
ESCUELA DE MEDIADORES
School of Mediators
Edwin Jimeno
Formador
Trainer
Yulieth Arana Snchez
Ana Mara Arango Arango
Edward Bustamante
Sebastin Cabello Garca
Jorge Humberto Gmez Carmona
Melissa Isabel Herrera Monsalve
Andrs Felipe Manzano Garca
Jos Gabriel Marn Echeverri
Daniel Montoya
Isabel Mosquera Duque
Francy Nedy Orrego Snchez
Laura Osorio Camperos
Santiago Ossa Arango
Adrin Felipe Parra Mesa
Manuela Quiceno
Daniel Restrepo Trejos
Jeison Ros
Jenny Toro Salas
Mnica Vlez
Milena Villegas Aguirre
Ana Mara Zuleta Garcs
Wilson Mario Zuluaga Arboleda
Mediadores
Mediators

Alianza Francesa
Centro Colombo Americano
Edificio Antiguo Club Rialto
Museo de Arte de Pereira
Saln Comunal Barrio Zea
Universidad Tecnolgica de Pereira
Sedes
Venues

ISBN: 978-958-753-245-6

Panamericana, 2016
Impresin
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