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Edita ANOTARTE SL
Ciudad del Transporte 1, 1 - local 2
Pol. del Tambre
15890 - Santiago de Compostela
[AN]EDITORIAL
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Estamos en nueva estacin, y con la primavera, novedades, pero tambin memoria de lo que fue
el invierno. Parece que todo renace, y que las intenciones se renuevan (de nuevo); por aadir
algo ms, decir que ya tenemos un asunto en ciernes: el TEA de Tenerife que convoca proceso
de eleccin para Director Artstico. Ser que la democracia comienza a aparecer en los centros
de arte? Deberamos preocuparnos de quin elige a los que eligen? Esperemos, veamos y disfrutemos mientras tanto.
En mayo, el 18, se celebra, como cada ao, el da internacional de los museos; este ao el ICOM
lo convoca con el lema Los museos, agentes del cambio social y el desenvolvimiento, y por primera vez, se realizarn actividades desde Internet. Entre las destacadas, sealamos, la ofrecida por el Tech Museum of Innovation de California (USA) que representar un simulacro de sus
instalaciones por medio de Second Life, la plataforma digital.
En cuanto a ferias de arte, tenemos, de nuevo y renovada, al menos de nombre, FEMACO (antes
MACO, 23-27 de abril), en Mxico DF y en donde Art Notes, otra vez, estar presente con su propuesta editorial. Tambin en abril, Art Chicago 2008 (25-28 de abril), ArtBrussels (18-21 de
abril, donde tambin Art Notes participa), y la de casa, LOOP (8-10 de mayo).
Tan slo una sugerencia para la nueva lnea directiva, aparte de procurar satisfacer a todos aquellos que se han sentido insatisfechos con la ltima celebracin y su aire de provisionalidad:
Cundo aprender nuestra ARCO del pragmatismo y eficacia de das de feria de las internacionales?.
Un dato, final y curioso de la influencia del arte en los medios y las gentes; el atractivo. La catedral de Mallorca increment visitas y ganancias (4 entrada) desde la puesta en escena de mural
de Miquel Barcel con un total, hasta ahora, de 900.000 visitantes. Es un hecho.
Diseo y maquetacin
[MQ+]studio
Colaboradores
Manolo Allu
Claudia Arozqueta
Juan-Ramn Barbancho
Perla Carnota Gugliotti
Susana Cendn
Vanesa Daz
Jos Mara Durn
Pablo Fanego
Amalia Garca Rub
Emma Gonzlez Rey
Felicia Margarita Grulln Perera
Ianko Lpez Ortiz de Artiano
Chus Martnez Domnguez
Antonella Montinaro
Slvia Muoz dImbert
Rosa Naharro Diestro
Rakel Ochoa
Romn Padn Otero
Teresa Pearce de Azevedo
Marina Ramoneda
Andrs Isaac Santana
Iigo Sarriugarte
Natalie Sve
Adam Thompson
Alfredo Valds
Carmen del Vando Blanco
In view of this new season, we can find some new things but also the memory of the winter.
Everything seems to come back to life, and intentions seem to be renewed (again); and just to
say something more, we already have a blossoming matter: the TEA in Tenerife announces the
selection process for the position of Artistic Director. Will democracy start to appear at art centres? Should we be worried about the person choosing those who chose? Lets wait, see and
enjoy in the meantime.
May 18 is the international day of museums, like every year; this year the ICOM announces it
with the motto Museums, the agents of the social change and development, and for the first
time there will be activities organized in the Internet. Among them we can stand out the one by
the Tech Museum of Innovation in California (USA) representing a semblance of the installations
by means of Second Life, the digital platform.
Regarding art fairs, we can mention the new and renewed, at least in the name, FEMACO (previously MACO, April 23-27), in Mexico DF, in which Art Notes will be present again with its editorial project. In April we can also talk about Art Chicago 2008 (April 25-28), ArtBrussels (April
18-21, in which ART NOTES also takes part), and here in Spain, LOOP (May 8-10).
Just a suggestion for the new management team, apart from trying to satisfy those who have
felt dissatisfied with the last event and its temporary character: When will our ARCO learn something from the pragmatism and effectiveness of the international fairs?
Just a final and curious piece of information regarding the influence of art in the media and people, the attractiveness: Mallorcas cathedral increased the number of visitors and profits (ticket:
4) from the staging of Miquel Barcels mural with an amount of 900.000 visitors so far. Its a
fact.
Traduccin
Olga M Moreiro
Suscripcin anual
Espaa: 30 / Europa: 50
Amrica Latina/ resto del mundo: 60
www.artnotes.info
Imprime LITONOR
Dep. Legal: C-2423-2004
ISSN: 1887-3529
SUMARIO
Empresa Colaboradora
litonor@litonor.com
Distribucin nacional e internacional
Coedis SL / Avda. Barcelona, 225
08750 Molins de Rei (Barcelona)
de las imgenes sus autores, de los
textos sus autores, de las reproducciones autorizadas, VEGAP, Madrid, 2008.
ART NOTES es miembro de la Asociacin
de Revistas Culturales de Espaa (ARCE)
ENTREVISTA_CRISTINA GARCS
PROYECTO_OLIVER AN [11-13]
MIRADAS [14-15] [28-29] [42-43] [76-79]
EXPOSICIONES NACIONALES [16-40]
NEW YORK [65-66]
INTERNACIONAL [67-75]
CULTURA [80-82]
CONVOCATORIAS [84-90]
AGENDA [91-95]
Esta revista ha recibido una ayuda de la

Direcin del libro, archivos y Bibliotecas,
para su difusin en bibliotecas, centros
culturales y Universidades de Espaa.
Portada: Caravan (2005)

Gelabert Azzopardi Companyia de Dansa
C. Paniagua/C. Gelabert. Foto: R. Ribas
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_EN PORTADA
A
Thomas Noon Dance. Mur
Lannima Imperial. Variacions. Al-leluia
Cloud Gate Dance Theatre of Taiwan

Moon Water. Bailarina:CHOU Chang-ning. Foto: TENG Hui-en
Corografo: Lin Hwai-Min
MADRID EN DANZA
El Festival Internacional Madrid en Danza, desde el 7 al 29
de abril, organizado desde la Consejera de Cultura y
Turismo de la Comunidad de Madrid, desde su Direccin
General de Promocin Cultural, lleva veintitrs aos constituyendo una interesante cita anual para la danza.
En esta edicin se presentan 26 espectculos durante tres
semanas desde diferentes tendencias, estilos y formatos,
como la compaa canadiense de Marie Chouinard con
Preludio para la siesta de un fauno / La Consagracin de la
primavera, el coregrafo taiwans Lin Hwai-Min con Moon
Water, desde Reino Unido Rafael Bonachela (Square Map of
Q4), la compaa senegalesa Jant-Bi con la pieza Waxtaan,
o nacionales como Daniel Abreu con Negro y Gelabert
Azzopardi Companyia de Dansa.
Gelabert Azzopardi, fundada en Barcelona en 1985 por Lydia
Azzopardi y Cesc Gelabert, se caracteriza por el estilo singular de sus producciones coreogrficas. Cesc Gelabert, bailarn, coregrafo y director, crea a finales de los ochenta dos
piezas emblemticas de la historia de la danza en Espaa:
Requiem (Verdi) y Belmonte, con composicin original de
Carles Santos, y como responsable de decorados y vestuario Frederic Amat. Gelabert Azzopardi, con coreografa de
Cesc Gelabert, presenta en este Festival dos propuestas
Orion y Caravan, estrenadas en el Teatre Lliure de Barcelona
el pasado ao. Orion se define como una formula coreogrfica, un teorema dancstico construido a partir de algunas de
las explicaciones que la ciencia moderna ha dado a la realidad, se inspira en algunas de las ideas cientficas como el
Big Bang, la evolucin de las especies de Darwin o las neurociencias cognitivas. En esta coreografa intervienen ocho
artistas, incluyendo al propio Gelabert, y la msica creada
para ella es de Francisco Lpez y Borja Ramos. Caravan,
una pieza que toma como referencia la pieza de jazz homnima de Duke Ellington, tiene como ncleo la llegada y el
encuentro de los bailarines en un territorio desconocido e
incierto, sin referencias. La coreografa tiene msica de Chet
Baker, Doctor John, Aaron Neville y Lester Bowie.
The Internacional Festival Madrid en Danza, organized by
the Consejera de Cultura y Turismo of the Madrid government, from the Direccin General de Promocin Cultural,
has been an interesting annual event for dance for twentythree years.
There are 26 shows in three weeks in this edition, including
different styles and formats, such as the Canadian company
of Marie Chouinard with Preludio para la siesta de un fauno
/ La Consagracin de la primavera, the Taiwanese choreographer Lin Hwai-Min with Moon Water, from the United
Kingdom Rafael Bonachela (Square Map of Q4), the
Senegalese company Jant-Bi with the piece Waxtaan, or the
national ones such as Daniel Abreu with Negro and Gelabert
Azzopardi Companyia de Dansa.
Gelabert Azzopardi, founded in Barcelona in 1985 by Lydia
Azzopardi and Cesc Gelabert, is characterized by the singular style of their choreographic productions. Cesc Gelabert,
dancer, choreographer and director, creates two emblematic pieces of the dance history in Spain: Requiem (Verdi) and
Belmonte, with the original composition of Carles Santos,
and with Frederic Amat as the responsible for scenery and
wardrobe. Gelabert Azzopardi, with a choreography of Cesc
Gelabert, shows two proposals in this festival Orion and
Caravan, released at the Teatre Lliure in Barcelona last year.
Orion is defined as a choreographical formula, a dancing
theorem created from the basis of some explanations modern
science has given of reality, inspired on some scientific ideas
such as the Big Bang, Darwins origin of the species or the
cognitive neurosciences. Eight artists take part in this choreography, including Gelabert, and the music was created by
Francisco Lpez and Borja Ramos. Caravan, a piece that
refers back to the homonym jazz piece of Duke Ellington,
focuses on the arrival and meeting of the dancers in an
unknown and uncertain territory, without references. The
music was composed by Chet Baker, Doctor John, Aaron
Neville and Lester Bowie.
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June 3 8, 2008
Open hours
Tuesday to Saturday 1 p.m. to 9 p.m.

Sunday 1 p.m. to 7 p.m.
Opening reception
Burgweg 15, CH-4058 Basel

T +41/61/692 20 21
info@liste.ch, www.liste.ch
A project in the workshop community
Warteck pp
Main Sponsor
E. GUTZWILLER & CIE, BANQUIERS, Basel
Grafic: Ute Drewes, Basel Photo: Hans-Jrg Walter, Zrich
Monday, June 2, 5 p.m. to 10 p.m.
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_entrevista...
CRISTINA GARCS
Cristina Garcs es responsable de INICIARTE,

programa de apoyo al arte de la Consejera de
Cultura de la Junta de Andaluca.
Entrevista realizada por Juan-Ramn Barbancho.
En muchas autonomas espaolas estn cambiando los planes de apoyo y difusin al arte actual.
Tambin en Andaluca ha cambiado la situacin,
un cambio cualitativo y cuantitativo con respecto
a los planes anteriores. Cul es la posicin y el
planteamiento de la Consejera de Cultura al
crear el programa INICIARTE?
Iniciarte nace con la idea de facilitar la creacin y la
difusin artstica, fomentar el desarrollo de las industrias culturales, facilitar el trabajo de investigadores y
profesionales de la creacin y crear vnculos entre arte
y sociedad. Antes de que existiera este programa las
nicas ayudas con las que contbamos eran las Ayudas
a la Creacin, con un presupuesto de 60.000. Como
bien dices el cambio es cuantitativo y cualitativo;
hemos pasado de esta cantidad a un milln de euros,
pero en esta ocasin a repartir en distintos conceptos,
no nicamente para la produccin de proyectos, sino
tambin para la investigacin, formacin y difusin de
las actividades relacionadas con la creacin contempornea. El primer ao partimos con un objetivo claro,
una apuesta decidida por la creacin ms emergente y
el apoyo a las galeras andaluzas. En los dos aos
siguientes nos hemos abierto a un perfil ms amplio en
lo que respecta a los artistas y tambin a galeras que
promocionan a nuestros creadores fuera de Andaluca.
INICIARTE tambin supone un cambio por cuanto no slo es un apoyo a la creacin actual en su
vertiente plstica, tambin supone un empujn a
la difusin, publicacin de libros y catlogos,
asistencia a ferias y exposiciones, etc. Cmo se
entiende la creacin actual, en amplio sentido,
desde INICIARTE?
Nosotros, como gestores, lo que hemos hecho al asentar las lneas estratgicas de nuestro programa ha sido
detectar los problemas con los que se encuentran los
creadores andaluces, las galeras, los crticos, los comisarios, los investigadores e intentar poner a disposicin de todos ellos los medios que estn a nuestro
alcance para solucionarlos. Por eso somos un programa
abierto, e iremos sumando lneas de ayuda a medida
que vayamos detectando ms problemas.
El proyecto tambin otorga tres premios anuales
a creadores andaluces con una trayectoria especialmente destacada, supone esto una especie
de premios a la excelencia? Habr en el futuro
unos premios similares para aquellos comisarios
y comisarias que difundan el arte andaluz fuera
de nuestras fronteras?
Los Premios a la Actividad Artstica suponen un reconocimiento al trabajo de los artistas, un empujn a sus
carreras y tambin una inyeccin econmica. Est
dotado con 30.000 cada uno, lo que lo convierte en
uno de los premios de mayor cuanta econmica de
Europa destinado a artistas jvenes. Este ao el premio va a cambiar. De la misma manera que en las
Ayudas ampliamos el perfil de nuestros destinatarios,

los premios tambin evolucionarn en esta direccin.
Habr dos premios a la actividad artstica (para creadores emergentes) y un premio a la trayectoria (para
artistas ya consolidados). Somos conscientes de que
existe una generacin de artistas andaluces, entre los
40 y 50 aos, que no puede quedar al margen de nuestro programa.
En lo que respecta a la segunda pregunta, es posible
que en el futuro contemplemos la posibilidad de otorgar premios al comisariado. De hecho, en nuestra primera edicin, convocamos el Premio a la Exposicin
Comisariada, que qued desierto por la baja calidad de
los proyectos presentados. Fueron los miembros de la
comisin los que propusieron modificar el objeto del
premio. Todava estamos estudiando la mejor frmula,
pero s, es posible que el ao que viene contemos con
uno.
Para los que trabajamos en y desde Andaluca
INICIARTE supone un cambio radical, que acogimos con alegra y esperanza; sin embargo, algunos aspectos particulares fueron discutidos,
como el asunto de los honorarios. Creo que esto
ha cambiado, en qu medida?
El pago de honorarios y las justificaciones econmicas
son los dos puntos de la convocatoria en los que, con
ms insistencia, nuestros beneficiarios han solicitado
una revisin. Creo que los problemas que estos puntos
han generado se deben a dos cuestiones: la primera es
que estamos sujetos a la ley de subvenciones del estado y parece que este dato nuestros solicitantes lo desconocen; la segunda es que, a veces, no se realiza una
lectura pormenorizada de aspectos de la convocatoria
que son fundamentales. Nuestros solicitantes tienen
que superar ciertas dificultades como pedir una ayuda,
una beca, facturar, elaborar un presupuesto, una
memoria de proyecto, un dossier de obra o incluso
tener conocimientos bsicos de procedimientos fiscales. Somos conscientes de que, en la medida de nuestras posibilidades, tenemos que intentar acercarnos a
nuestros solicitantes, pero, por otra parte, el sector
tiene que profesionalizarse. En lo que respecta a los
honorarios, hemos conseguido modificar este aspecto.
En un principio la convocatoria slo contemplaba la
posibilidad del pago a terceros (colaboradores) siempre y cuando estos honorarios no superaran el 25% del
total de la produccin, lo que daba lugar a que, por
ejemplo, los comisarios no pudieran cobrar por desarrollar su actividad. Este ao se contempla el pago de
honorarios con facturas debidamente cumplimentadas
que no excedan del 25% del presupuesto solicitado
para la actividad. Adems, existen modificaciones en
los conceptos de reformulaciones presupuestarias y
tambin en los plazos de ejecucin.
INICIARTE tambin ha abierto un espacio expositivo en la antigua iglesia de Santa Luca. Me
parece interesante que la abogada de los ciegos
abra los ojos a la creacin ms actual. Qu
supone el ESPACIO INICIARTE y cul es su proyeccin?
Espacio Iniciarte supone la consolidacin del programa. Un lugar donde mostraremos trabajos de artistas
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[AN] CRISTINA GARCES
andaluces relacionados con nuestra convocatoria.

Encargamos a los artistas que creen una obra ex profeso para el espacio, asumiendo, por supuesto, la produccin. Es un gran reto para los artistas. Contamos
con un perfil de creadores muy jvenes y para muchos
es la primera vez que se enfrentan a un espacio tan
imponente como el de Santa Luca.
Adems, el espacio cuenta con una hemeroteca donde
puedes encontrar las principales publicaciones relacionadas con la creacin artstica, ediciones en las que
Iniciarte ha colaborado econmicamente y un lugar de
trabajo con acceso gratuito a Internet.
Queremos que el trabajo de nuestros creadores tenga
la difusin que se merece y situar la sala en un lugar
de referencia dentro de los circuitos expositivos relacionados con el arte contemporneo.
Este espacio acoge solo las exposiciones de los
premiados o tambin posibilitar exposiciones de
comisarios y comisarias andaluces?
Es cierto que damos especial importancia a la difusin
de nuestros premiados. Hemos comenzado la programacin con las intervenciones de los tres artistas que
obtuvieron este reconocimiento en 2006: Mara Caas,
Simon Zabell y Jess Palomino. Entre desmontaje y
montaje ofrecemos un fin de semana de espectculos
audiovisuales de artistas andaluces y extranjeros. Los
primeros fueron Alva Noto, Frank Bretschneider y los
sevillanos Novasnica, siempre con trabajos que se
adaptan al espacio. El prximo 18 y 19 de abril ser el
turno del islands Johan Johanson y los sevillanos rbol.
Adems, Espacio Iniciarte se convertir una vez al ao
en sede del Centro Andaluz de la Fotografa y continuaremos con los artistas premiados en 2007: Juan Carlos
Bracho, Cristina Lucas y Santiago Cirugeda.
Como todos son proyectos que tienen que adaptarse a
la singularidad de la iglesia, las producciones hay que
cuidarlas mucho. Una vez que los artistas superan el
miedo inicial al espacio, se implican con gran esfuerzo
e ilusin en el proyecto. Asimismo, se editan catlogos
en los que participan activamente, ya que para muchos
es la primera vez que cuentan con una edicin donde
se recoja toda su trayectoria.
Vamos a trabajar con tranquilidad en la programacin,
vamos a ver cmo funciona la sala y s, es probable
que prximamente empecemos a contar con otro tipo
de proyectos.
Hasta ahora INICIARTE ha repartido sus dones
por toda la Comunidad, sin embargo, en cuanto a
espacios expositivos, Andaluca est un poco
desierta. En algunas provincias no hay salas y en
otras son tan deficientes y estn tan mal equipadas que mejor no citarlas. Tiene prevista la
Consejera expandir el ESPACIO INICIARTE a
otras provincias?
Efectivamente. Uno de los problemas con los que nos
encontramos es con la carencia de espacios expositivos. En este sentido, es imprescindible la creacin de
una red de salas. Estamos estudiando varias propuestas y la posibilidad de llevar las exposiciones producidas por el programa no slo a otras ciudades andaluzas, sino tambin fuera de Andaluca. Habr ms
Espacios Iniciarte pero no creo que tenga sentido
reproducir exactamente el esquema a desarrollar en
Santa Luca. Debemos estudiar las particularidades de
cada ciudad y adaptarnos a ellas.
Uno, o unos, de los problemas de la creacin contempornea se fragua en las escuelas y se materializa en las facultades de Bellas Artes y escuelas de Artes y Oficios. Entiendo que esto es com-
petencia de otra Consejera, tiene INICIARTE

entre sus cometidos programas de apoyo a la formacin de los futuros creadores y/o crticos y
comisarios?
S. Iniciarte ofrece la posibilidad de completar la formacin con cursos no reglados y con la organizacin de
talleres y jornadas. La ayuda econmica para este apartado asciende a 12.000 y 18.000 respectivamente.
Qu le depara el futuro al proyecto, est suficientemente consolidado?
Tras dos convocatorias, el programa est consolidado.
Queremos seguir trabajando para mejorar la convocatoria, para poder dotar al programa de mayor presupuesto, as como de medios humanos, para seguir
difundiendo el trabajo de nuestros artistas, para poder
comenzar con la creacin de esa red de salas de la que
hablbamos antes; en resumen, para poder situar la
creacin contempornea andaluza en el lugar que le
corresponde.
INICIARTE compra obra para la Coleccin de la
Junta de Andaluca. Qu diferencia hay entre
esta coleccin y la del Centro Andaluz de Arte
Contemporneo?
La principal diferencia es que Iniciarte se centra en
artistas jvenes andaluces y que slo compra obras
cuyos precios no superen los 6.000. Adems, cada
uno tiene una comisin propia. La primera comisin de
Iniciarte estuvo formada por Alicia Chillida, Alicia
Murra, Fernando Martn, Francisco del Ro y Jos
Lebrero. Se modifica cada dos aos, y a excepcin del
director del Centro Andaluz de Arte Contemporneo,
todos los miembros cambian. Precisamente en estos
das estamos cerrando la composicin de la nueva
comisin, con las aceptaciones formales a da de hoy
de Juan Antonio lvarez Reyes y scar Alonso Molina.
Cmo se ve desde INICIARTE la proyeccin y el
apoyo que se presta al arte en otras comunidades
autnomas?
Percibimos que muchas comunidades autnomas estn
haciendo grandes esfuerzos por promocionar la creacin contempornea ms emergente, pero sinceramente, considero que a da de hoy lideramos este tipo de
iniciativas.
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Foto: Vctor Gracia
Cristina Garcs is the person in charge of INICIARTE, the art support scheme of the Consejera de
Cultura de la Junta de Andaluca.
Interview by Juan-Ramn Barbancho
scheme. For that reason we have an open scheme and

we will go on adding aid lines as we detect more problems.
In many Spanish autonomous regions the art support and diffusion schemes are changing. The situation in Andalusia has also changed, a qualitative
and quantitative change regarding the previous
schemes. What is the Culture Councils stance on
the creation of the scheme INICIARTE?
INICIARTE has been created with the idea of supporting
the artistic creation and diffusion, promoting the development of cultural industries, supporting the work of
investigators and professionals of creation and creating
connections between art and society.
Before the scheme was created, the only support we had
was the Creation Aids, with a budget of 60.000. And,
as you said, the change was quantitative and qualitative; we have increased the quantity to a million euros,
but divided into several concepts in this occasion, not
only for the production of projects but also for the investigation, training and diffusion of activities related to
contemporary creation.
In the first year we started with a clear aim in mind, a
determined bet for the most emergent creation and the
support to Andalusian galleries. In the following two
years we have widened the profile regarding artists and
galleries that promote our creators outside Andalusia.
The project also awards to the Andalusian creators

with an important trajectory with three annual
prizes; are these the prizes for the excellence?
Will there be similar prizes for those curators
spreading Andalusian art abroad in the future?
The Prizes for the Artistic Activity are a recognition for
the work of the artists, a push for their careers and also
an economic injection. It is worth 30.000 for each one,
which means that is one of the most important prizes for
young artists in Europe.
This year the prize is going to change. Since we widened
the profile of the target group in the Aids, the prize will
also develop in the same direction. There will be two
prizes for the artistic activity (emergent artists) and a
prize for the best trajectory (for consolidated artists).
We are aware that there is a generation of Andalusian
artists, 40-50 year old artists that might stay out of our
scheme.
Regarding the second question, we may think of awarding the curators. In fact, in our first edition, we
announced the Prize for the Best Curated Exhibition,
which was declared void owing to the bad quality of the
presented projects. The commission member suggested
the modification of the prize aim. We are still taking into
account the different formulas but it is possible that we
have one on the next year.
INICIARTE is also a change, since it is not only a

support for present creation in the plastic field,
but it is also a push for the diffusion and publication of books and catalogues, the attendance to
fairs and exhibitions, etc. How is present creation
understood from INICIARTEs view in the broad
sense of the term?
We, as the managers, have detected the problems the
Andalusian creators, galleries, critics, curators, investigators face and offered them the media available to us
to solve them, by laying down the strategic lines of our
From our point of view, I mean those who work in

and from Andalusia, INICIARTE is a radical change
we welcomed happily and hopefully, however
some particular aspects were discussed, for
instance the fees matter. I think this has changed,
how?
The fees payment and the economical justifications are
two of the points on which our recipients have applied
for a revision. I think the problems caused by these two
points are due to two questions: the first one is that we
are ruled by the state subsidy law and this is a question
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I think our applicants do not know; and the second one

is that people do not always read all the essential
aspects of the official announcement.Our applicants
must overcome certain difficulties such as applying for
an aid, a grant, making invoices, budgets, the report of
a project, a dossier of a work or even having some basic
knowledge of fiscal proceedings.
We are aware that, according to our possibilities, we
should bring close to our applicants, but, on the other
hand, the sector should become professional.
Regarding the fees, we have modified this aspect. At the
beginning the official announcement only included the
payments to third parties (collaborators) as long as the
fees do nor go beyond the 25% of all the production,
and this led to the fact that the curators were not paid
for their work.
This year we included the payments with duly completed invoices not exceeding the 25% of the applied budget fro the activity.
There are also some modifications in the concepts of
budgetary formulas and also in the execution period.
INICIARTE has also opened an expositive space at
the old church of Santa Luca; I think it is very
interesting that the blinds advocate opened the
eyes to the most current creation. What does the
ESPACIO INICIARTE bring about and which is its
hold?
Espacio Iniciarte brings about the consolidation of the
scheme. A place where we will show the projects of
Andalusian artists related to our scheme. We ask the
artists to create an piece for the expositive space, and
of course we assume the production. It means a great
challenge for the artists. We can count on very young
creators and for many of them it is the first time they
face up to such an impressive space as Santa Luca
Church.
The space also includes a newspaper library where you
can find the main publications related to the artistic creation, editions which Iniciarte had collaborated with economically and a workplace with free access to the
Internet.
We would like our creators work to have the diffusion
they deserve and turning the expositive space into a referent place within the expositive circuits related to contemporary art.
Does this space only hold the exhibitions of the
awarded artists? Or will it also include the exhibitions of the Andalusian curators?
We really pay special attention to the diffusion of our
awarded artists. We have started the programme with
the interventions of the three artists awarded in 2006:
Mara Caas, Simon Zabell and Jess Palomino. Between
the setting up and the dismantling we show a weekend
full of audiovisual shows of Andalusian ad foreign artists.
The first ones were Alva Noto, Frank Bretschneider and
Novasnica from Seville, with pieces adapted to the
expositive space. Next April 18 and 19 we will exhibit
the pieces of the Icelandic Johan Johanson y rbol from
Seville.
The Espacio Iniciarte will also become the headquarters
of the Centro Andaluz de la Fotografa and we will go on
with the awarded artists in 2007: Juan Carlos Bracho,
Cristina Lucas and Santiago Cirugeda.
As all the projects must be adapted to the singularity of
the church, the productions must also be very carefully
created. Once the artists have overcome the initial fear
for the space, they get much involved in the project.
There is also the edition of catalogues in which the
artists take part actively, since for many of them it is the
first time they are included into a publication that cap-
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tures their trajectory. We are going to work in the programme calmly, and see how the expositive space works
and, yes, it is probable that we will include other kind of
projects soon.
INICIARTE has distributed gifts all over the
autonomous region, however, regarding expositive spaces Andalusia is deserted. In some
provinces there are no galleries, and in others the
galleries are so defective and badly equipped that
its not worth naming them. Has the Council
planned to spread the ESPACIO INICIARTE to
other provinces?
Sure. One of the main problems we have to face is the
lacking of expositive spaces. In this sense, the creation
of a network of galleries is essential. We are taking into
account several proposals and the possibility of taking
the exhibitions produced by the programme not only to
other Andalusian cities, but also out of Andalusia.
There will be more Espacio Iniciarte but I think it has no
sense to exactly reproduce the programme to be developed at Santa Luca. We should study the particularities
of every city and adapt to them.
One or some of the main problems of contemporary creation is brewing at the schools and is
materialized at the faculties of Fine Arts and
schools of Arts and Crafts. I understand that this
is the jurisdiction of another council; does INICIARTE includes supporting schemes for the training
of the future creators and/or critics and curators?
Yes, it does. It offers the chance to complete their training with non-regularized courses and with the organization of workshops and conferences. The economic aid for
this section amounts to 12.000 and 18.000 respectively.
What does future holds in store for the project? Is
it enough strengthened?
After two years the project is consolidated. We would
like to go on working hard so as to improve the prizes
and being able to provide the project with a higher
budget, and staff so as to go on spreadidg the work of
our artists and start with the creation of this network of
galleries we talked about previously; in short, to be able
to promote Andalusian contemporary creation.
INICIARTE purchases pieces for the Collection of
the Andalusian Regional Government; what is the
difference between this collection and the one of
the CAAC?
The main difference is that Iniciarte mainly focuses on
Andalusian young artists and only purchases the pieces
whose prize is under 6000. Each one has also their own
committee. Iniciartes first committee was made up of
Alicia Chillida, Alicia Murra, Fernando Martn, Francisco
de Ro and Jos Lebrero. It is modified every two years,
and except for the director of the CAAC all the member
change. In fact these days we are closing the composition of the new committee, with the formal approval of
Juan Antonio lvarez Reyes and scar Alonso Molina.
How do you see the art support and projection in
the other autonomous regions?
We can notice that many autonomous regions are making great efforts to promote the most emergent contemporary creation, but I really think that, nowadays, we
head this kind of initiatives.
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_proyecto...
Oliver Ano
n
t x t .
P a b l o
F a n e g o
Desvos de la imagen tcnica
Deviations of the technical image
Una de las discusiones ms cansinas en la evolucin del

arte cinematogrfico de las ltimas dcadas es la que se
refiere a la autenticidad de la imagen flmica y la veracidad de la imagen documental. La pretendida pureza en
ambos modos de representacin confrontaba un amplio
espectro de nociones que, bajo la influencia del pensamiento postestructuralista, se revelaron especialmente
problemticas: la idea de autora, la representacin de
lo histrico, la posibilidad del naturalismo En este
periodo se sucedieron, todava dentro de los cauces de
la institucin cine, multitud de manifestaciones visuales, agrupables como cine experimental o documental,
que trataban de resolver la eterna discrepancia entre ficcin y realidad.
La aparicin del formato vdeo en los 60 planteara adems la exigencia de una separacin crtica entre narracin e informacin, y provocara, tal y cmo denunci
Godard, el creciente contagio formal entre lo televisivo y
lo cinemtico. Por otro lado, el vdeo-arte permiti el
paulatino ingreso de la imagen en movimiento en galeras y museos, mediante la presencia de monitores o por
medio de la creacin de situaciones espaciales diseadas para la proyeccin de imgenes, hasta que la tradicin del cine de vanguardia pudo encontrar acomodo en
la institucin musestica.
Pero ha sido en los dos ltimos lustros cuando la imagen
movimiento se expande dentro del museo, hasta el
punto de transmutar la experiencia del espectador en
una especie de montaje de imgenes por la oscuridad de
sus salas, deconstruyendo las formas narrativas clsicas
en mltiples pantallas, o reproduciendo en instalaciones
de todo tipo secuencias extraidas de la cultura audiovisual. El repertorio de convenciones de la imagen flmica
o documental se entrecruza hoy en el museo en una
suerte de interdisciplinariedad ajena al dogmatismo de
la generacin de sus predecesores. Una forma de
mmesis secundaria en la que se adoptan los mismos
filtros mediticos que, como una realidad interpuesta,
existen entre nosotros y el mundo. Es lo que con acierto Nicolas Bourriaud ha definido con el trmino postproduccin, para referirse a aquellas prcticas en las que el
artista actual se sirve de materiales o imgenes ya elaboradas.
Son stos algunos de los desvos de la imagen que
Oliver An est interesado en explorar. As, se encuentran ecos del found cinema o del cine directo en un interesante trabajo como Una pelcula colectiva compuesta
por diversas piezas videoamateur cedidas al artista en
las que se alternan con soltura diferentes grados de ficcin y registro real. O en lo que podra funcionar como
una perfecta ilustracin de la tesis de Bourriaud, la
secuencia de imgenes de esta doble pgina: el artista
se apropia de una serie de metraje inconsciente obtenido de los interludios muertos de grabacin en una productora de televisin. La inactividad de la escena y la
solitaria presencia de las cmaras frente al vaco suprematista del chroma key parece desvelar en efecto cmo
la realidad es hoy programada y diferida en imgenes,
antes que directamente consumida.
One of the weariest debates in the evolution of cinematographic art in the last decades is the one referring to the authenticity of the filmic image and the
truthfulness of the documental image. The alleged
pureness of both ways of representation confronted a
wide spectrum of notions that, under the influence of
the post-structuralist thought, were specially problematic: the idea of authorship, the representation of
the historical, the possibility of naturalism... In this
period there were, by means of the cinema institution, a lot of visual showings grouped as experimental or documental cinema that tried to solve the eternal disagreement between fiction and reality.
The appearance of the video in the sixties also
brought up the demand of a critical separation
between narration and information, and would lead
to, just as Godard denounced, the increasing formal
contagion between television and cinema. On the
other hand, video-art led to the gradual admission of
the moving image in galleries and museums by
means of the presence of screens or the creation
space sites designed for the projection of images,
until the traditional avant-garde cinema was able to
find room at the museum.
But it was in the last ten years when the moving
image expanded into the museum to the point of
transmuting the experience of the spectator into a
sort of images montage across the darkness of the
rooms, deconstructing the classical narrative shapes
into a lot of screens, or reproducing the sequences
extracted from the audiovisual culture in all kind of
installations. The convention list of the filmic or documental image interlaces at the museum in a sort of
interdisciplinarity outside the dogmatism of its predecessors generation. A sort of secondary mimesis in
which the same media filters existing between us and
the world like an interposed reality are taken on. It is
what Nicols Bourriaud has successfully defined with
the term post-production so as to refer to those
practices in which the artist uses materials or images
already elaborated.
Those are some of the images deviations Oliver An
is interested in exploring. So we can find the echoes
of the found cinema in an interesting piece such as
Una pelcula colectiva made up of several video fan
pieces transferred to the artist in which different
degrees of fiction and real kind are fluently used. Or
something that could act as a perfect illustration of
Bourriauds thesis, the sequence of images of this
double page: the artist appropriates a series of
unconscious length from the shot dead interludes of
a TV producer. The inactivity of the scene and the
lonely presence of the cameras in front of the
supreme void of the chroma key, seems to reveal
how reality is now programmed and recorded in
images, before being directly consumed.
Con la colaboracin de:
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_LA MIRADA DE...

MUCHO AMOR Y POCA DESENVOLTURA
Mucho amor y poca desenvoltura. Aunque a lo mejor no
tanto. Ni tanto amor ni tan poca desenvoltura. Un poco
menos romntico que todo eso, que es cervantino, y con
la prosa ceida a las cartelas de los cuadros, de las
esculturas o de las mangueras de Eduardo Arroyo.
Bastantes cuadros, muy pocas esculturas y los cortinones y las mangueras enredados con algn texto intil
(Ay, Joseph Kosuth, qu larga escuela y qu malos
alumnos!).
Entramos en ARCO, que de eso intentbamos hablar, sin
prejuicios porque no hay que tenerlos para ir a una feria.
O se tiene dinero (propio o ajeno) o se tiene inters o se
tienen intereses. Llevbamos dos de esas cosas en la
mochila pero nos olvidamos de una en el desk de
Prensa, junto a un sndwich de salmn y pepino a medio
morder de una seora suiza y una carpeta rotulada con
un Vote du crne que todava no s a qu crneo se
poda referir y ni siquiera a qu cavidad. Tras el mostrador una azafata monolinge gesticulaba masticando un
voluminoso chicle rosa. Ante el escritorio la seora
suiza, elegantsima, arqueaba las cejas en un ingls continental, mordisqueaba distradamente su sndwich de
pepino y lleg a rozarme con una de las mangas de su
chaqueta de tweed. Aquello quera decir algo. No le
acababa de gustar el sndwich? No hablaba castellano
manchego? Se haba equivocado de feria?
No preguntamos nada, erguimos levemente la cabeza y
entramos, no sin cierta dificultad, por una puerta rotulada en ingls que guardaba una aguerrida guardia de
seguridad de Tembleque, provincia de Toledo, con los
brazos en jarras y la antipata en ristre. Sin hacer caso
de los orculos, sin atender a los cronistas de lo efmero (un ARCO abrumador, irreverente y divertido), de
los que cuentan en millones de euros como si tal cosa,
como si eso fuera lo nico posible, de las declaraciones
apresuradas de la seora Fernndez que nos seguan
sonando aejas (durante el fin de semana las ventas
sern espectaculares), avanzamos por el pasillo equivocado pero acertamos de pleno. Demasiado abrigados,
pero con una cautela casi felina, entramos en Anthony
Reynolds donde nos sorprendieron una acuarela preciosa, amarilla y gris, y dos objetos de Luca Nogueira, en
un rincn, como asustados. Al lado Guy Brtschi colgaba una foto intervenida estupenda de Carmen Calvo, a
la que seguimos adorando, y de la que siempre ensean
lo mejor los de fuera y Joan Prats se sigue empeando
en ensear lo peor. Junto a Carmen dos fotos magnficas, barrocas y oscuras, de Nan Goldin y una escalera
con puales en los peldaos, que nos pareci fantstica,
de Marina Abramovic, de 1995 (Double edge) y que
estaba vendida.
Nos postramos, es un decir, en el mismo pasillo, ante la
mejor escultura de pared de la feria, de Jos Pedro
Croft, que nos sigue pareciendo grande, muy grande, y
que colgaba en el stand de Filomena Soares. Thaddaeus
Ropac enseaba un cuadro de Alex Katz enorme pero
nada teatral que parece que no le gustaba a nadie, dos
Baselitz, uno raro pero bonito, ocre, gris y azul, y otro
peor. Y entonces Lelong, en todo su esplendor rue de
Thran, nos abruma con un sean scully gris y bastante
grande, precioso, pura historia de la pintura, si eso se
puede decir. No teora ni siquiera prctica, historia. Y el
que no lo reconozca es que es bobo. En otra pared un
collage magnfico de Nancy Spero de la serie Codex
Arataud: Le temps, cest lattente, o il ny a pas dattente il ny a pas de temps (El tiempo es la espera,
donde no hay espera no hay tiempo). Entonces s que
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nos paramos de repente, dejamos la mochila en el suelo,

nos quitamos el abrigo, tomamos un caf y pensamos
que Antonin Arataud no nos iba a dejar tranquilos en
todo el da.
Y as fue. Recorrimos ese pasillo hasta el final. Y anotamos, grfica o mentalmente, lo que nos gustaba, lo que
nos iba gustando, y nos dimos cuenta, felizmente, de
que haba cuadros y dibujos y objetos pero que no haba
galeristas. Los stands estaban solos. Hermosamente
solos, ms espaciosos, menos domsticos, menos feriales. Respiraba Imi Knoebel, que no es difcil, un art &
language color salmn, bonito, un bronce pequeo de
Louise Bourgeois con la flor en el culo, los kounellis del
senyor Tach y hasta los nios, estupendos, de Cristina
Garca Rodero, que me hubiera llevado a casa.
Respiraba el tono general, una especie de serenidad que
todava no acabo de entender. Porque la moqueta segua
siendo gris, en las esquinas estaba hecha jirones, los
carteles indicadores continuaban sin indicar bien y el
paso de un pabelln al otro era fcil pero laberntico. Ah
estaba el error. En la sensacin de laberinto del pabelln
12, en el intil arrinconamiento de 1900-2000, la uruguaya Sur, Guillermo de Osma, Orangerie-Reinz,
Leandro Navarro y afines, condenadas al olor a frito de
la cafetera, a ese especie de salon noir donde florecan
los andr masson, los louise leiris, los chillidas y los feitos con un cierto aire de manceba, en ese espritu de
boudoir que tanto nos gusta pero que siempre est a un
paso, a un pasito, de quedarse rancio. Que Yves Tanguy
y Kurt Schwitters me perdonen, pero estar ah, as, es
un error. Ese aire anticuario ya no es ni elegante.
Y no perdimos el tiempo, que tanto es de perder, no
deambulamos ni un solo minuto, pensando siempre en
Artaud y en que el Arte es una obligacin pero no es una
asignatura. Durante aos hemos intentado aprender a
andar por los pasillos, desde pequeos nos han enseado a observar con una cierta distancia, a no molestar, a
no elevar el tono de voz, a no sealar con el dedo, a no
tropezarnos con las arrugas de la moqueta gris y a ignorar el olor a churrasco. Pero nos cost mucho, Dios
mo!, subir hasta Catorce Punto Uno (14.1) por una
escalera mecnica estropeada en el primer tramo para
aparecer, exhaustos, en la planta Batiburrillo, donde
Brasil, las revistas, los 40, las Instituciones, los performers y el spanglish ferial en pleno se reduca (se
ampliaba!) a una broma sobre Artaud, el tiempo y la
espera. A una broma feroz aunque espero que naf sobre
la Historia del Arte, y ahora s, sobre la teora y la prctica de ese arte que respira a la entrada, se engrandece, casi-casi se musealiza; luego se oscurece por los rincones, sin cautela y, hasta con una cierta mala idea,
pero que al final se constrie, se confunde, se distrae y
deja de tener sentido en la buhardilla. Decisiones
domsticas, de cocina casera y de difcil digestin. Tan
indigestas, y mira que me da pena!, como el churrasco
o la fideuada con sepia y alioli.
Manolo Allu
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MUCH LOVE AND LITTLE CONFIDENCE

Much love and little confidence. Maybe not so much. Not
so much love or so little confidence. Less romantic than
all these things, in Cervantine style, and with the prose
surrounding the slips of paper of the pictures, sculptures
or Eduardo Arroyos mangueras. Quite a lot of pictures,
very few sculptures and the curtains and hosepipes tangled up in a useless text (oh! Joseph Kosuth, what a
good school and what incompetent pupils!).
We came into ARCO, thats what we were trying to say,
without any prejudices since we should not have them
when going to a fair. Either you have money (your own
or other peoples), or you are interested, or you have
interests. We carried two of these things in the rucksacks but we had forgotten one of them at the press
desk, close to a salmon and cucumber sandwich half-bitten by a Swiss lady and a folder labelled with a Vote du
crane, I still do not know which crane or which cavity it
might refer to. Behind the desk a monolingual hostess
gesticulated chewing a voluminous pink chewing-gum.
In front of the desk the Swiss lady, very elegant, arched
her eyebrows in a continental English style, absentmindedly nibbled at her cucumber sandwich and she
brushed me with one of the sleeves of her tweed jacket.
That meant something. Does she really like the sandwich? Doesnt she speak Spanish from La Mancha? Was
she at the wrong fair?
We did not ask anything, held our heads up and came
into, with certain difficulty, through a door labelled in
English guarded by a veteran security officer from
Tembleque, in the province of Toledo, with the arms
akimbo and unfriendliness at the ready. Without paying
special attention to the oracles or fulfilling the reporters
of the ephemeral (an overwhelming, irreverent and
amusing ARCO), of those that count in millions of euros
as if was something usual, as if this was the only thing
possible, of the hasty statements of Mrs Fernndez that
still sounded as something stale (the sales will be spectacular at the weekend), we walked along the wrong
corridor but we made the right choice. Too much
wrapped, but with feline caution, we entered at Anthony
Reynolds, where got surprised by a beautiful yellow and
grey watercolour and two objects of Luca Nogueira, in a
corner, rather frightened. Close to Guy Brtschi there
was a manipulated photograph of Carmen Calvo, who
we still adore, and her best pieces are always shown by
the foreign galleries and Joan Prats still insists on showing the worst of her. Next to Carmen two wonderful,
baroque and dark photographs of Nan Goldin and a fantastic ladder with daggers in the rungs from 1995 of
Marina Abramovic which was already sold.
We prostrated, just for the sake of argument, ourselves
in the same corridor in front of the best wall sculpture in
the fair, of Jos Pedro Croft, which we still think it is big,
very big and was shown at the stand of Filomena
Soares. Thaddaeus Ropac showed a picture of Alex
Katz, huge but not theatrical that nobody seemed to
like; two Baselitzs pictures, one of them odd but beautiful, ochre, grey and blue, and the other was worse.
And then Lelong, with the splendorous rue de Thran,
astonishes us with a grey and quite big sean scully, very
beautiful, pure history of painting, if we are allowed to
say it. Not theory or even practice, but history. And the
one who does not recognise it is a stupid. In other wall
a brilliant collage of Nancy Spero belonging to the series
Codex Arataud: Le temps, cest lattente, o il ny a pas
dattente il ny a pas de temps (Time is wait, where
there is no wait there is no time). Then we suddenly
stopped, left the rucksack on the floor, took the coats

off, had a coffee and thought that Anthony Arataud was
not going to leave us alone.
And it was true. We went along this corridor to the end.
We noted down, graphically and mentally, the things we
liked, the things we got to like, and we realized that
there were drawings and pictures and objects but there
were not gallery owners. The stands were left alone.
Beautifully alone, more spacious, less domestic, less
fairground. Imi Knoebel exuded a beautiful, salmon art
& language, a small bronze of Louise Bourgeois with a
flower in the ass, the Kounellis pieces of Mr Tach and
even the children of Cristina Garca Rodero I would have
taken home.
The general tone exuded a sort of peacefulness I cant
understand yet. Since the fitted carpet was still grey,
and it was in shreds in the corners, the road signs did
not indicate right and the passage from one pavilion to
another was easy but labyrinthine. There was the mistake. In the labyrinthine sensation of pavilion 12, in the
useless alienation of 1900-2000, the South Uruguayan
Guillermo de Osma, Orangerie-Reinz, Leandro Navarro
and related, sentenced to the fried smell of the cafeteria, this kind of salon noir where the Andr Massons,
Louise Leiriss, Chillidas and Feitos flourished in a certain brothel style, with this boudoir spirit we like so
much but it is always about to remain too ancient. May
Yves Tanguy and Kurt Schwitters forgive me, but being
placed there is a mistake. This antiquarian style is not
even elegant.
And we did not waste more time, we did not wander
around one more minute, always thinking about Artaud
and the fact that Art is a duty but not a subject. We have
been learning to walk along corridors for many years, we
have been taught to observe from certain distance and
not to disturb, not to speak loudly, not to point out with
the finger, not to bump into the lines of the fitted carpet
and to ignore the barbecue smell. But it was very hard,
my God!, to go up to Catorce Punto Uno (14.1) up a
escalator that was broken down in the first flight, so
finally we, exhausted, got to the HotchPotch floor, where
Brazil, the magazines, the 40, Institutions, the performers and the Spanglish of the fair came down (was expanded) to a joke on Artaud, time and the wait. A cruel
although naf joke, I hope, on Art History, and now on the
theory and practice of this art we can exude at the
entrance that gets magnified and is almost museums art;
then it gets dark in the corners, without caution, and even
nastily, but at the end it is restricted, gets confused, is
distracted and it has no sense in the loft. Domestic decisions like home cooking and hard to digest. So much indigestible, and it is really a shame!, like barbecue meat or
the fideuada with cuttlefish and alioli.
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brussels
26th CONTEMPORARY ART FAIR
18 - 21 april artbrussels.be
Aeroplastics Brussels I Aidan Moscow I Albion London I Aliceday Brussels I Andersen_S Copenhagen I Asbaek Projects
Copenhagen I Aschenbach & Hofland Amsterdam I Baronian-Francey Brussels I Brtschi Geneva I Bernier/Eliades Athens
I Bitforms New York I Bjerggaard Copenhagen I Blancpain Geneve I Bodhi Art New Delhi I Box Brussels I Brolly Paris I
Brown London I Buchmann Berlin - Lugano I Bugdahn und Kaimer Dsseldorf I Carreras Mugica Bilbao I Cerami Couillet
I Chinese Contemporary New York I Conrads Dsseldorf - Berlin I Crown Brussels I Cueto Project New York I D&A Lab
Brussels I De Brock Knokke I De Villepoix Paris I de Voldre New York I Deweer Otegem I Diaz Madrid I Espai2nou2
Barcelona I Faurschou Copenhagen I Fiat Paris I Fournier Paris I Galerie 1900-2000 Paris I Galleri K Oslo I Geukens &
De Vil Knokke I Giroux Paris I Godin Paris I Grimm Amsterdam I Grusenmeyer Deurle I Gutharc Paris I Hcey Brussels
I Hoet Bekaert Gent I Hufkens Brussels I Hussenot Paris I In Situ Aalst I Insam Vienna I Invernizzi Milano I Jamar
Antwerpen I Janssen Brussels I JGM Paris I Karpio San Jos De Costa Rica I Kleindienst Leipzig I Koraalberg Antwerpen
I Krinzinger Vienna I Kudlek Van der Grinten Kln I La Citta Verona I Le Borgne Paris I Lee London I Leo Koenig New
York I Les Filles du Calvaire Paris - Brussels I Lia Rumma Napoli - Milano I Loevenbruck Paris I Lorcan O'Neill Roma I
Maes & Matthys Antwerpen I Maruani & Noirhomme Knokke I Mauroner Vienna I Max Estrella Madrid I Meert Brussels I
Mennour Paris I Minini Brescia I Moser Geneve I Mulier Mulier Knokke I Nelson - Freeman Paris I Nicolai Wallner
Copenhagen I Nosbaum & Reding Luxembourg I Obadia Paris I Papillon Paris I Paviot Paris I Photo & Contemporary
Torino I Pieters Knokke I Polaris Paris I Praz-Delavallade Paris I Rech Brussels - Paris I Regina Moscow I Rein Paris I
Rolt Amsterdam I Ronmandos Amsterdam I Rubenstein New York I Rubicon Dublin I Rumpff Haarlem I Ruzicska Salzburg
I Schmidt Maczollek Cologne I Sels Dsseldorf I Senda Barcelona I Andr Simoens Knokke I Stephane Simoens Knokke
I Soskine Madrid-New York I Sparta Chagny I Stolper London I Svestka Prague I Szwajcer Antwerpen I Tache-Levy
Brussels I Tanit Mnchen I Tarasieve Paris I Taylor London I Templon Paris I Thoman Innsbruck I Transit Mechelen I
Triangle Bleu Stavelot I Tucci Russo Torino I Upstairs Berlin I Vallois Paris I Van Laere Antwerpen I Vanhoegaerden Knokke
I Vidal Paris I Vilenne Lige I Nicolai Wallner Copenhagen I XL Moscow I Zander Kln I Zrcher Paris I Zwarte Panter
Antwerpen
YOUNG TALENT: 1/9 Unosunove Roma I AD Galerie Athens I Adamski Aachen I ADN Galeria Barcelona I Alice Brussels I
Amaro Lisboa I Apartment Athens I Arquebuse Geneva I Art Agents Hamburg I Bischoff/Weiss London I Cortes Lisboa I
Cortex Athletico Bordeaux I De Bruijne Amsterdam I De March Milano I Dependance Brussels I Desimpel Brussels I F A
Projects London I Figge Von Rosen Cologne I Gazon Rouge Athens I Gold London I Grimm Mnchen I Groeflin Maag
Zrich I Hauff Stuttgart I Hustinx Lige I Klemm's Berlin I Levy Brussels I Low Gstaad I Lynch New York I Mertens Berlin
I Metis_NL Amsterdam I Milliken Stockholm I Mitterrand + Sanz Zrich I Mogadishni Valby I Motive Amsterdam I Nyborg
Valby I Parker's Box Brooklyn I Salon 94 New York I Scharmann Cologne I Skuc Ljubljana I Sutton Lane London I The
Agency London I Wentrup Berlin I Zwart Huis Knokke
FIRST CALL: Cosmic Paris I Duvekleemann Berlin I Fruit and Flower Deli New York I Ibid Projects London I Jozsa Brussels
I Luxe New York I Adreiana Mihail Bucarest I Office Baroque Antwerpen I Pollazzon London I Rotwand Zrich I Shugoarts
Tokyo I Upstream Amsterdam I Van Zomeren Amsterdam I Klara Wallner Berlin (January 2007)
Preview & Vernissage I 17 April (invitation only)

Opening hours I 18, 19, 20 April I 11am 7pm
Finissage I 21 April I 11am 10pm
Place I Brussels Expo I Halls 1 & 3
Preferential tariffs with Thalys travelling from
Paris, Aachen and Cologne to Brussels.
Check www.artbrussels.be for details!
Info I www.artbrussels.be
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_exposiciones nacionales
JUDITH BARRY
DA2. Domus Artium 02. Salamanca. Desde el 4 de abril hasta el 25 de mayo
Judith Barry. The Work of the Forest

(1992)
Judith Barry. Model for Stage and

Screen (1987)
Por primera vez en Europa se presenta una retrospectiva

de la artista norteamericana Judith Barry, una de las pioneras en el desarrollo de las videoinstalaciones. Desde la
dcada de los setenta Judith Barry comenz a interesarse por aquellos trabajos de caracter intermedial e hibrido
entre la escultura, las artes de accin, las proyecciones y
la arquitectura. Desde sus primeras performances, a finales de esa misma dcada, la artista fue incorporando proyecciones de vdeo y cine a sus trabajos.
La exposicin, que ocupa la segunda planta del DA2,
rene desde obras de la dcada de los ochenta hasta
obra realizada en estos ltimos aos, centrndose en las
aportaciones, tanto espaciales como conceptuales, de
esta artista en el mbito de la videoinstalacin. De este
modo se pueden ver piezas como: First and Third
(1987), Model for Stage and Screen (1987),
Imagination, dead imagine (1991), The Work of the
Forest (1992), The terror and possibility in the Things
not seen (1997) o The Study for the mirror and Garden
(2003 2005).
Judith Barry (Columbus, 1954) recibi en 2000 el Kiesler
Prize for Arquitecture and the Arts, y un ao despus
con su obra Voice off, el premio Best Pavilion y Audience
Award en la 8 Bienal del Cairo. Ha expuesto en la Bienal
de Berln (2003), Bienal de Venecia de Arte/Arquitectura
(1988, 2000, 2001), Bienal de So Paulo (1994), Bienal
de Nagoya (1993) o en Bienal de Whitney. Asimismo
tambin ha realizado exposciones en Galerie Hubert
Winter de Viena, Galerie Karin Sachs de Mnich,
Whitechapel Gallery, Santa Monica Museum of Art o el
New Museum (Nueva York).
The retrospective of the North American artist Judy

Barry, one of the pioneer artists in the development of
the video-installations, has been shown for the first
time in Europe. In the seventies Judith Barry started to
be interested in those intermediate and hybrid pieces
among sculpture, actions arts, projections and architecture. Since her first performances at the end of the
same decade, the artist has incorporated video and
film projections into her work
The exhibition, which has been sited at the seconf floor
of the DA2, assembles from pieces from the eighties to
recent pieces, focusing on both space and coceptual
contributions of this artist to the field of video-installation. So we can see pieces such as: First and Third
(1987), Model for Stage and Screen (1987),
Imagination, dead imagine (1991), The Work of the
Forest (1992), The terror and possibility in the Things
not seen (1997) or The Study for the mirror and
Garden (2003 2005).
Judith Barry (Columbus, 1954) was awarded with the
Kiesler Prize for Arquitecture and the Arts in 2000, and
the following year with the piece Voice off, got the
prize Best Pavilion and Audience Award at the 8th
Biennial of El Cairo. She has exhibited at the Berlin
Biennial (2003), the Venice Biennial of Art
/Architecture (1988, 2000, 2001), the Biennial of Sao
Paulo (1994), the Biennial of Nagoya (1993) or the
Biennial of Whitney. She has also exhibitited at the
Galerie Hubert Winter in Vienna, the Galerie Karin
Sachs in Munich, the Whitechapel Gallery, the Santa
Monica Museum of Art or the New Museum (New York).
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[AN] EXPOSICIONES NACIONALES
JASON MARTIN. NOMAD
CHELO MATESANZ
CAC Mlaga. Hasta el 6 de abril
Galera adhoc. Vigo. Hasta el 3 de mayo
El CAC Mlaga propone la primera exposicin individual

en Espaa del artista britnico Jason Martin bajo el ttulo
Nomad; un total de siete obras de gran formato realizadas en 2007 en leo sobre aluminio: Root, Vertigo,
Parsifal, Lebanon, Spring, Pantheist y Province.
La pintura de Jason Martin se enmarca dentro de la tradicin de la pintura monocroma, desde el expresionismo
abstracto al minimalismo. Influenciado por otros pintores
como James Hyde, Alan Charlton o Jackson Pollock, ha
evolucionado su obra situando sus trabajos en un espacio
hbrido de pintura y escultura. Le interesa jugar con la
percepcin visual y sensorial del espectador; de este
modo aplica el pigmento sobre soportes metlicos (acero
o aluminio). Jason Martin (Jersey, 1970) actualmente vive
y trabaja en Londres. Se introdujo en la escena artstica
internacional con la exposicin Sensation (Londres,
1997). Estudi en la Escuela de Chelsea de Londres y se
licenci en BB AA en el Goldsmiths College de Londres. Su
obra ha sido expuesta en la Lisson Gallery de Londres, la
Kohji Ogura Gallery de Nagoya, la Robert Miller Gallery de
Nueva York, la Galleria Claudia Gian Ferrari de Miln, la
Galerie Thaddaeus Ropac de Pars, la Patrick de Brock
Gallery de Blgica, Mario Sequeira en Braga, entre otras.
The CAC Mlaga shows the first individual exhibition of
the British artist Jason Martin in Spain with thwe title
Nomad; seven big-size pieces in oil painting on aluminium produced in 2007: Root, Vertigo, Parsifal, Lebanon,
Spring, Pantheist y Province.
Jason Martins painting forms part of the tradition of
monochrome painting, from the abstract expressionism
to minimalism. Influenced by other painters, for
instance Alan Charlton o Jackson Pollock, his work has
developed to the point of placing his pieces at a hybrid
space between painting and sculpture. He is interested
in playing with the visual and sensory perception of the
spectator, so he applies the pigment over metal supports
(steel or aluminium).
Jason Martin (Jersey, 1970) lives and works in London
nowadays. He got into the international artistic scene
with the exhibition Sensation (London, 1997). He studied at the Chelsea School in London and graduated in
Fine Arts at the Goldsmiths College in London. His work
has been exhibited at the Lisson Gallery in London, the
Kohji Ogura Gallery in Nagoya, the Robert Miller Gallery
in New York, the Galleria Claudia Gian Ferrari in Milan,
the Galerie Thaddaeus Ropac in Paris, the Patrick de
Brock Gallery in Belgium, Mario Sequeira in Braga,
among others.
Jason Martin. Vertigo
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Chelo Matesanz. Los gallos slo saben volar sobre la nieve (2007)
Los gallos slo saben volar sobre la nieve, es un verso del

Federico Garca Lorca perteneciente a Un poema infinito,
uno de los poemas de su etapa neoyoquina que da ttulo la
exposicin de Chelo Matesanz. La muestra rene dos
grandes piezas, una que da nombre a la exposicin, y
Peliqueiros que se pudo ver en el stand de esta galera la
pasada edicin de ARCO, adems de pequeos retratos
realizados sobre paos de cocina (Con cresta, pero sin alas,
2007) y otras telas, dibujos y un pequea escultura titulada
Un gallo sin plumas (2008). Resulta relevante la presencia
en estas piezas de personajes relativos al carnaval zamorano y gallego; la presencia de estos seres intocables, hombres vestidos de mujeres que rompen reglas de poder consensuadas. Partiendo de imgenes fotogrficas o dibujos
reelabora esas escenas con ayuda de la costura y el bordado: las telas y la aguja sustituye el pigmento y el pincel,
crea campos de color con mltiples retales, juega con intensidades, tonos y brillos de telas recicladas. Chelo Matesanz
(Reinosa, 1964) estudi BB AA en la Universidad del Pas
Vasco. Actualmente es profesora titular de pintura de la
Facultad de BB AA de Pontevedra.
Los gallos solo saben volar sobre la nieve, is a verse line of
Federico Garca Lorca belonging to the poem Un poema
infinito, one of the poems of his period in New York and is
also the title of Chelo Matesanzs exhibition. The show
assembles two big pieces, one has the same title as the
exhibition, and Peliqueiros we could see at the stand of this
gallery in ARCOs last edition, as well as some small portraits
created on dishclothes (Con cresta, pero sin alas, 2007) and
other fabrics, some drawings and a small sculpture titled Un
gallo sin plumas (2008). We can stand out the presence of
some characters relating to the Carnaval in Zamora and
Galicia in these pieces; the presence of these untouchable
beings, men dressed like women breaking the agreed power
rules. Starting from photographical images or drawings she
recreated these scenes with the help of the sewing and the
embroidery: the pigment and the paintbrush are substituted by the fabrics and the needle, creating colour backgrounds with numerous remnants, playing with the intensities, tones and shine of recycled fabrics. Chelo Matesanz
(Reinosa, 1964) studied Fine Arts at the University of the
Basque Country. Nowadays she works as a teacher of painting at the Faculty of Fine Arts in Pontevedra.
ARTNOTES20_21-96proba
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MARCEL VAN EEDEN. EL ARQUELOGO

CAB. Burgos. Hasta el 13 de abril
Los dibujos de Van Eeden parten de imgenes y fotos

extradas de viejos libros y revistas; imgenes que son
examinadas y copiadas siempre iniciando este proceso
desde la esquina superior izquierda y terminando en la
esquina inferior derecha. En estas piezas un uso dramtico y expresivo de la luz potencia la creacin del suspense. El protagonista de esta muestra es Oswald
Sollmann El Arquelogo, un personaje que visita aquellos lugares en los ha estado antes el propio artista. Su
nombre est inspirado en dos personajes histricos: el
asesino de Kennedy Lee Harvey Oswald (1939-1963 y
un catedrtico de farmacologa americano Torald
Hermann Sollmann (1874-1965) que el artista vio citado en un ejemplar de la revista Time de 1934. La obra
de Marcel van Eeden presenta una sucesin de acontecimientos cotidianos de personas annimas: sus imgenes funcionan como narrativas, en la que cada una de
las piezas se articula entre la ficcin y la realidad. Van
Eeden reconstruye la memoria de los tiempos que preceden al ao su nacimiento 1965. Cuando uno dibuja
una foto de este tipo, est como si dijramos dentro
de ella, pudiendo moverse por su interior () Al necesitar hacer el esfuerzo de observar el dibujo de cerca para
poder dibujarlo, nos aproximamos al momento en que
se tom la fotografa. Prcticamente podemos oir a las
personas que aparecen en la foto hablando entre s,
pero no con nosotros, que seguimos siendo unos extraos comenta el artista. The archaeologist se interesa
poe el inventario y la clasificacin y ordenacin de materiales histricos. Este arquelogo se traslada a Berln,
donde le ha concedido una plaza en el Pergamon
Museum. Van Eeden le precedi, ya que en 2006 se
mud a esta ciudad. Al igual que su creador, Sollmann
ha visitado diferentes lugares como la India, Somalia,
Marruecos, Turqua, Suiza o Irlanda. Incluso llegan a
coincidir en la misma ciudad, cuando Van Eeden visita la
feria estadounidense Art Basel Miami Beach, Sollman
tambin se encuentra all. Para Roel Arkesteijn la serie
The death of Matheus Boryna rodea de misterio las
misiones de Sollmann. Tras la muerte de un conocido
suyo el ficticio pintor Matheus Boryna en circunstancias desconocidas, el campo de investigacin de
Sollmann parece no limitarse ya al mbito de la arqueologa. Al no quedar clara cul es su relacin con el asesinato si en tanto que investigador o como autor del
mismo sus expediciones tan pronto adquieren el carcter de una investigacin como el de una huida. Van
Eeden siente una clara debilidad por personajes raros y
excntricos con un amplio abanico de habilidades, como
Sollman. Semejantes personajes le permiten visitar
escondrijos inaccesibles de la historia.
Van Eedens drawings lead off from images and photographs taken from old books and magazines; these
images are examined and copied always starting this
process from the top left corner ending in the lower
right corner. In these pieces a dramatic and expressive use of light favours the creation of the suspense.
The main protagonist of this exhibition is Oswald
Sollmann El Arquelogo,a character that visits those
places where the artist has been before. His name is
inspired in two historical characters: the killer of
Kennedy Lee Harvey Oswald (1939-1963) and the
American pharmacology professor Torald Hermann
Sollmann (1874-1965) the artist has seen in an issue
of the magazine Time in 1934. Marcel van Eedens
work presents a series of quotidian events of anonymous people: the images act as the narrations, and
each piece is articulated between fiction and reality.
Van Eeden reconstructs the memory of the years preceding the year when he was born, 1965. When I
draw an image of this kind, I am lets say- inside it,
being able to move inside it () Since we need to
make an effort in order to observe the drawing closely to be able to draw it, we come closer to the time
when the photograph was taken. We can almost hear
the people in the photographs talking to each other,
but not with us, who are still strange for them, says
the artist. The archaeologist is interested in the
inventory, classification and arrangement of historical
materials. The archaeologist moves to Berlin, where
he has been given a site at the Pergamon Museum.
Van Eeden preceded him, since he moved to this city
in 2006. The same as his creator, Sollmann has visited different places such as India, Somalia, Morocco,
Turkey, Switzerland or Ireland. They even get to happen to meet in the same city, when Van Eeden visits
the North American fair Art Basel Miami Beach,
Sollman is also there. According to Roel Arkesteijn
the series The death of Matheus Boryna surrounds
with mystery Sollmanns missions. After the death of
somebody he knows the fictitious painter Matheus
Boryna under circumstances that are not known,
Sollmanns investigation field does not seem to be
limited to the field of archaeology any more. Since it
is not clear his relation with the murder either as an
investigator or the person directly responsible for the
crime his missions sometimes seem to be investigations, and sometimes a runaway. Van Eeden has certain weakness for odd and eccentric characters with a
wide range of skills, such as Sollmann. Similar characters allow him to visit inaccessible hiding places of
history.
Marcel van Eeden. De la serie El Arquelogo, los viajes de
Oswald Solman, una serie de dibujos (2006/7)
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CENTRO DE ARTE PRODUCE MUSICA POP

CASM. Barcelona. Hasta el 31 de mayo
En el texto de introduccin uno de los proyectos que

se inauguraron el 22 de febrero en el Centro de Arte
Santa Mnica, el productor cultural scar Abril Ascaso
plantea estas cuestiones: Si el CASM me propona
producir y exponer una instalacin y una videocreacin, por qu no poda producir el primer lbum de mi
grupo? Por qu Santa Mnica no poda producir un
lbum de msica pop? Es decir, por qu un centro de
arte no puede producir un lbum de msica pop?.
Aqu se encuentra el ncleo de la propuesta de Abril
Ascaso que lleva por ttulo Centro de Arte produce
msica pop. A partir de estas reflexiones, se trata de
un replanteamiento de los objetivos de un centro de
arte, en un momento de reformulacin de la industria
musical, en el que se propone una alternativa de cultura libre frente al modelo de derechos de autor. Sin
duda, un proyecto que adquiere un tono crtico, de
superacin formal y conceptual de ciertas estructuras
y que pone en juego los lmites ya por s difusos entre
produccin, creacin, exhibicin y difusin del arte
contemporneo.
Por ese motivo scar Abril Ascaso solicit al Centro de
Arte Santa Mnica la produccin, durante un ao, de
tres EPs (formato de cuatro canciones) del grupo de
msica pop que lleva su propio nombre scar Abril
Ascaso + Sedcontra Avec Les Autres. El fruto de esta
colaboracin no se comercializar, sino que podr
descargarse gratuitamente desde internet con el
objetivo de devolver al dominio pblico una produccin cultural que se ha realizado mediante recursos
pblicos. La descarga ser posible a travs de la
pgina web dpop.es, un portal dedicado a la distribucin gratuita de msica bajo licencias libres, de esta
forma el proyecto apoya esta iniciativa independiente de clara vocacin social que postula, al igual que
este proyecto, por una reformulacin del sector musical. Para ello, anuncios en la prensa invitarn a realizar la descarga de esta msica en un gesto inslito
en este pas.
scar Abril Ascaso + Sedcontra Avec Les Autres es
una banda atpica y polidrica, segn su propia definicin. Un grupo de msica pop barcelons influenciado por la filosofa francesa de mediados del siglo XX.
Si las melodas remiten a la cancin ligera, la chanson
o algunas reminiscencias del jazz, las letras se apropian literalmente de textos de la filosofa francesa.
Una propuesta que pone en jaque tanto a los puristas
del pop como a los de la filosofa. En el ao 2007 lanzan sus primeras grabaciones desde internet fieles a
su compromiso ideolgico con la escena del copyleft y
la cultura libre, paralelamente el grupo tiene un documental que narra su nacimiento y en 2008 vern
publicadas sus letras en un libro.
Slvia Muoz dImbert
Institut Ftima. Foto: Tiziana Monti
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In the introductory text of one of the projects inaugurated at the Santa Mnica Art Centre on February 22, the
cultural producer scar Abril Ascaso suggests these
questions: If the CASM suggested me to produce and
exhibit an installation and a video-creation, why not the
first album of my band? Why cant Santa Mnica produce a pop album? That is, Why cant an art centre produce a pop album? Here is the essence of Abril Ascasos
proposal titled Centro de Arte produce msica pop.
Starting with these ideas, it is a reconsideration of the
objectives of an art centre, in a moment of reformulation of the musical industry, in which an alternative of
free culture against the model of copyright is suggested.
Without any doubt, it is a project that has a critical tone,
a formal and conceptual improvement of certain structures and places the vague limits among production,
creation, exhibition and disseminate contemporary art
at risk.
For that reason scar Abril Ascaso asked the Santa
Mnica Art Centre for the production of three EPs (four
songs format) of the pop band with his name scar Abril
Ascaso+Sedcontra Avec Les Autres for a year. The result
of this collaboration will not be marketed but everybody
can free download it in the Internet so as to return a
cultural production created through public resources to
the common knowledge. You can download it at the
web page dpop.es, a site dedicated to the free distribution of music with free licences, and thus this project
gives support to this independent initiative with social
vocation demanding a reformulation of the musical sector, the same as the project. For that, some ads in the
papers will encourage people to download this album as
an unusual gesture in this country.
scar Abril Ascaso + Sedcontra Avec Les Autres is an
unusual and polyhedric band, according to his own definition. A pop band from Barcelona influenced by mid20th century French philosophy. If the songs refer to the
light pop, the chanson or some reminiscences of jazz,
the lyrics are literally taken from some French philosophy texts. A proposal that bothers both pop and philosophy purists. In 2007 they show their first recordings in the
Internet being faithful to their ideological commitment to
the copyleft and the free culture; the ban also includes a
documentary narrating their story from their appearance,
and their lyrics will be published in a book in 2008.
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ROJO APARTE
Fundacin Joan Mir. Hasta el 25 de mayo
Rojo aparte, Arte chino contemporneo de la coleccin

Sigg es el ttulo de la muestra que rene parte de la
coleccin del diplomtico y empresario suizo Uli Sigg.
Rene ms de 80 obras de 51 artistas chinos, entre pinturas, esculturas, instalaciones, fotografas y vdeos realizadas entre 1986 y 2007; un perodo de tiempo importante, de cambios econmicos y sociales para el arte
contemporneo chino.
En los ltimos aos el arte chino est presente con fuerza en el mercado artstico, existiendo un inters contundente por este mbito.
La muestra se distribuye en seis secciones: Mao como
trasfondo, apartado en el que se incluyen obras que aluden al maosmo (Yin Zhaoynang, Ai Weiwei, Gao Qiang,
Gao Zhen, Song Doug, Xu Yihui y Yu Youhan);
Transformacin: la nueva China, seccin centrada en las
mutaciones urbanitas y paisajistas consecuencia de la
reforma econmica iniciada en 1979 (Luo Brothers,
Hong Hao, Wang Guangyi, Shi Guorui y Weng Fen);
Historias personales: los nuevos chinos en la que se
ofrece la respuesta de los artistas a todos estos cambios
(Chang Xugong, Suan Yuan, Bai Yiluo y Zhang
Xiaogang); Nuevas visiones de antiguas tradiciones
artsticas, el apartado ms extenso con subsecciones
dedicadas a la caligrafa y a la mirada femenina (Huan
Yang, Wu Gaozhong, Chen Zaiyan, Lu Hao, Lu Qing, Tia
Wei, Zhan Wang, Geng Xue y Chen Xiaoyun, entre
otros); Una especial irona, quizs consecuencia de la
tensin entre los ideales socialistas y el consumismo
(Xiang Living, Yue Min Jun y Liu Ye) y El arte occidental
visto desde China en la que se expone cmo algunos
artistas chinos trabajan con algunos de los iconos del
arte occidental como Delacroix, David o Duchamp
(Wang Xingwei, Shi Xinning, Wang Nigde y Zhang
Huan).
Paralelamente a la muestra Rojo aparte se ha organizado una serie de conferencias en las que participan Inma
Gonzlez Puy, actual directora del Instituto Cervantes de
Beijing, especialista en arte chino, Isabel Cervera, profesora de arte oriental en la Universidad Autnoma de
Madrid, que entrevistar pblicamente a Uli Sigg; as
como tres jvenes artistas, Hu Xiaoyuan, Geng Xue y
Liang Yuanwei, que hablarn de sus experiencias en
tanto que mujeres en un mbito profesional eminentemente masculino.
Yue Min Jun
Rojo aparte, Arte chino contemporneo de la coleccin

Sigg is the title of the exhibition that assembles part
of the collection of the Swiss diplomat and businessman Uli Sigg. It is made up of more than 80 pieces of
51 Chinese artists, showing paintings, sculptures,
installations, photographs and videos produced
between 1986 and 2007; a very important period,
with social and economic changes for Chinese contemporary art.
Chinese art has been present strongly in the artistic
market recently, with a forceful interest in this field.
The show is divided into six sections: Mao as the
undertone, section in which some pieces alluding to
Maoism are included (Yin Zhaoynang, Ai Weiwei, Gao
Qiang, Gao Zhen, Song Doug, Xu Yihui y Yu Youhan);
Transformation: new China, a section focused on the
city dweller and scenic mutations as a consequence of
the economic reform beginning in 1979 (Luo Brothers,
Hong Hao, Wang Guangyi, Shi Guorui y Weng Fen);
Personal stories: new Chinese people, in which the
artist responds to these changes (Chang Xugong,
Suan Yuan, Bai Yiluo y Zhang Xiaogang); New views of
old artistic traditions, the most extensive section with
some subsections related to calligraphy and the feminine view (Huan Yang, Wu Gaozhong, Chen Zaiyan, Lu
Hao, Lu Qing, Tia Wei, Zhan Wang, Geng Xue and
Chen Xiaoyun, among others); Special irony, maybe a
consequence of the tension between the socialist
ideals and consumerism (Xiang Living, Yue Min Jun y
Liu Ye) and Western Art from the Chinese point of
view, in which we can see the way some Chinese
artists work with some of the western art icons such
as Delacroix, David or Duchamp (Wang Xingwei, Shi
Xinning, Wang Nigde and Zhang Huan).
In parallel with the exhibition Rojo aparte, there have
been a series of conferences with the participation of
Inma Gonzlez Puy, the current director of the
Instituto Cervantes in Beijing and a specialist in
Chinese art; Isabel Cervera, a teacher of Oriental art
in the Universidad Autnoma in Madrid, who will interview Uli Sigg in public; as well as three young artists,
Hu Xiaoyuan, Geng Xue and Liang Yuanwei, who will
talk about their experiences as women in a specially
masculine professional field.
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_miradas
ANACRONISMO ROMNTICO
LAS PINTURAS MURALES DE JESS MATEO
Ensayando un gesto enftico al ms puro estilo renacentista en medio de una postmodernidad ya trasnochada,
Jess Mateo ha dedicado alrededor de diez aos de su
corta vida a estampar los muros vacos, enormes y arrogantemente flicos del interior de la Iglesia de San Juan
Bautista de Alarcn, en la Ciudad de Cuenca. Pinturas
suyas, inspiradas en el legado pictrico universal, abrazan
los muros segn una especie de neo-palimpsesto muralista contemporneo en el que se advierten infinitas huellas
y el eco ensordecedor de la paleta de los grandes maestros. ste es, sin duda, uno de los anacronismos romnticos ms evidentes de los que en el contexto cultural
espaol hacen sitio. Frente al modelo esquizofrnico de
cultura en el que todos estamos abocados a la velocidad
demencial y al exceso de produccin de discursos y de
objetos, Jess Mateo se permite el lujo de la calma reposada para aportar una obra que ha conseguido granjearse del reconocimiento de Inters Artstico Mundial decretado por la UNESCO.
El resultado de este esfuerzo altruista y, por tanto, de
mucha estimacin para el medio cultural espaol, se recoge en un estupendo estuche editorial a cargo de La
Fbrica, compuesto por dos volmenes diseados por
Alberto Corazn y con fotografas de Jos Latova. Sus
pginas, articuladas con celo extremo, advierten de un
cuerpo escritural de carcter ensaystico de altsimo nivel,
en el que figuran textos de Jos Saramago, Ernesto
Sbato, Federico Mayor Zaragoza, Gustavo Bueno,
Fernando Arrabal, Jos Antonio Marina y Antonio Lpez.
Todos ellos testigos directos de un proceso de creacin
cuyo sello de identidad se cifra en el respeto por la tradicin artstica occidental y los modos paradigmticos de
entender y concebir el hecho esttico.
El propio Saramago, en su afn por comprender desde la
escritura la dimensin de un acontecimiento que se traviste en una especie de nota al pie dentro de la agenda
cultural contempornea por su propia rareza y singularidad, lleg a plantear que: No s si la Iglesia de San Juan
Bautista acabar siendo considerada como la Capilla
Sixtina de nuestro tiempo, pero s que Jess Mateo naci
del mismo rbol genealgico que el Bosco o Brueguel el
Viejo. Y es que en efecto, y ms all de toda definicin
de este gesto casi demencial (en la acepcin amable del
trmino), resulta un homenaje no slo a aquellos autores
que de igual modo defendieron el universo fatigoso y placentero de la pintura, sino que tambin es un acto de
culto, de puro tributo, a la Historia misma del Arte, justo
ahora cuando las defunciones acerca de su sentido y de
uso cobran cada vez mayor fuerza. Esta razn obliga a
pensar que el inters mayor de esta obra no radica all
donde la resolucin formal de la misma, entre enrevesadas referencias y epifanas celebratorias al legado precedente, no alcanza a advertir siquiera un estilo propio de
sobrada autonoma, sino en el valor cultural del gesto
mismo, en su naturaleza anacrnica que hace pensar en
una nocin heterotpica de la historia y del tiempo de la
creacin. El valor entonces no ha de buscarse en la originalidad y solvencia estilstica de la paleta, no. En su lugar
interesa focalizar la mirada sobre la trascendencia de un
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incidente esttico que, teniendo por escenario un contexto un tanto perifrico dentro de la geografa espaola, ha
conseguido la estimacin de importantes voces crticas y
el esfuerzo editorial de un sello al que se le reconoce
como una marca de calidad sobre todo tipo de sospecha.
Los murales de Alarcn, como ahora se le conoce a este
ensayo de figuraciones delirantes y encuadres nerviosos,
resulta entonces un gran lienzo en bruto en el que se
advierte de la crisis de todo modelo esencialista respecto
al arte y las llamadas prcticas artsticas contemporneas. Esta instalacin de una obra no religiosa en el contexto desacralizado ahora de una iglesia, genera un sin fin de
relatos sobre la cultura misma. La anarqua temtica, la
no sujecin a una norma o canon y la desproporcin
misma del gesto romntico en momentos en los que se
disiente del amor y se habla de la muerte del sujeto y de
la utopa, no hacen sino pensar a muchos que toda esa
discusin retrica no es ms que el esfuerzo encabritado
de unos pocos por convencer al mundo sobre la pertinencia del escepticismo por sobre las energas utpicas.
Un joven pintor, en la ms sorda soledad, se aparta del
mundo, del bullicio exterior de lo cotidiano con el nimo
de fraguar una obra que necesitar del tiempo, del juicio
de la historia para su plena consagracin.
Andrs Isaac Santana
Foto: Alfredo Valds
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Foto: Alfredo Valds
Practising an emphatic gesture in a Renaissances style in

the middle of an already outmoded post-modernity,
Jess Mateo has devoted about ten years of his short life
to print the empty walls, huge and arrogantly phallic
inside the Church of San Juan Bautista de Alarcn in
Cuenca. His own paintings, inspired in the universal pictorial legacy, embrace the walls according to a sort of
contemporary muralist neo-palimpsest in which we can
see the infinite traces and the deafening echo of the grand
masters palette. This is, without any doubt one of the
most evident romantic anachronisms of the Spanish cultural context. In contrast to the schizophrenic model of
culture in which all of us are heading for the mad speed
and the excess production of discourses and objects,
Jess Mateo is able to afford the quiet calm so as to create a work that has been able to earn the recognition of
Worldwide Artistic Interest awarded by the UNESCO.
The result of this altruist effort, highly estimated by the
Spanish cultural field, is gathered in a marvellous editorial case by La Fabrica, with two volumes designed by
Alberto Corazn with photographs of Jos Latova. The
pages, articulated zealously, warn of a essayist writing
body of a high level, in which there are texts of Jos
Saramago, Ernesto Sbato, Federico Mayor Zaragoza,
Gustavo Bueno, Fernando Arrabal, Jos Antonio Marina
and Antonio Lpez. All of them can witness a creation
process whose hallmark is based on the respect for the
western artistic production and the paradigmatic ways of
understanding and conceiving the aesthetic action.
Even Saramago, trying to understand the dimension of
an event that becomes a sort of footnote within the contemporary cultural agenda for its oddness and singularity, suggested: I do not know whether the Church of San
Juan Bautista will be considered as the Sistine Chapel of
our time, but I know Jess Mateo was born from the
same genealogical tree as the Bosco or Brueguel the
Elder. And in fact, and beyond the definition of this
almost mad gesture (in the kindest sense of the word),

it is a tribute not only to those authors who defended the
exhausting and pleasant universe of painting in the same
way, but it is also a cult action, of pure tribute, to Art
History, just now when the deceases about its meaning
and use become stronger. This reason make us think that
the greatest importance of this piece does not lie there
where its formal resolution, between difficult references
and celebrating epiphanies of the precedent legacy, does
not get to notice a self-style of excessive autonomy, but
in the cultural value of the gesture, in the anachronistic
nature that make us think about a heterotopical notion of
history and time of creation. So the value must not be
searched in the originality and the artistic reliability of
the palette. Instead there is an interest in paying attention to the importance of an aesthetic incident that, with
a peripheral context within Spanish geography, has been
estimated by the critics and the editorial effort of a hallmark recognised as a quality mark of all kind of suspicion.
Los murales de Alarcn, title of this essay of crazy figurations and nervous settings, is a great gross canvas in
which the crisis of every essentialist model regarding art
and the so-called contemporary artistic practices is
shown. The installation of a non-religious piece in the
demystified context of a church, generates a lot of stories about culture. The thematic anarchy, that is the
absence of rules or canons and the disproportion of the
romantic gesture in moments in which there is a disagreement about love and people talk about the death of
the subject and utopia, make many people think that this
rhetorical debate is just the riled insistence of some people to persuade the world of the pertinence of scepticism
on utopian energies.
A young painter, in solitude, drifts apart from the world,
from the outside din of the quotidian trying to hatch a
piece that will take some time, from history judgement
for full consecration.
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ELLEN KOOI
Espacio Lquido. Gijn. Hasta el 15 de abril
Ellen Kooi (Leeuwarden, Holanda, 1962) utiliza en sus

fotografas el paisaje holands como maqueta sobre la
que construir su ficcin, una ficcin generada con minuciosidad cinematogrfica partiendo de un storyboard
que desarrolla sobre el lugar. Un bosque, el mar, los
canales, la nieve o las hojas de otoo forman parte de
esa naturaleza sobre la que sita personas en actitudes
misteriosas e inquietantes. Utiliza los cdigos habituales
del paisajismo, con una marcada horizontalidad y fuerte
presencia cromtica.
La galera Espacio Lquido, un ao despus de exponer
la obra de Kooi junto a la del holands Eelco Brand
(artista que habitualmente trabaja junto a ella para
Torch Gallery), contina su apuesta por esta fotgrafa
organizando su primera exposicin individual en Espaa
tras colectivas como Trial Balloons (2006) en el MUSAC
(Len).
Ellen Kooi actualmente vive y trabaja en Haalem
(Holanda) y es docente en la Minerva Art Academy de
Groningen, escuela en la que se form. Curs estudios
de postgrado en la Rijksacademy de msterdam, y ha
participado en ferias como PULSE Miami Art Fair, FIAC de
Pars, Paris Photo, Art Cologne 2004, Art Brussels, Art
Basel Miami Beach, The Armory Show en Nueva York o
Art Rtterdam, entre otras.
In her photographs Ellen Kooi (Leeuwarden, Holland,

1962) uses the Dutch landscape as the scale model on
which she creates her fiction, a fiction created with cinematographic minute detail starting with a storyboard she
develops in situ. A forest, the sea, channels, snow or
autumn leaves are part of this nature on which she places
some people with mysterious and disturbing attitudes.
She uses the usual codes of landscape painting, with a
marked horizontal position and a strong chromatic
presence.The gallery Espacio Lquido, a year after
exhibiting Koois work together with the Dutch Eelco
Brands (an artist that usually works with her for Torch
Gallery), still believes in this photographer organizing
her first individual exhibition in Spain after some collective ones such as Trial Balloons (2006) at the MUSAC
(Len).
Nowadays Ellen Kooi lives and works in Haarlem (Holland)
working as a teacher at the Minerva Art Academy in
Gronigen, where she studied. She attended and a postgraduate course at the Rijksacademy in Amsterdam; she
has taken part in some fairs such as PULSE Miami Art Fair,
FIAC in Paris, Paris Photo, Art Cologne 2004, Art Brussels,
Art Basel Miami Beach, The Armory Show in New York or
Art Rotterdam, among others.
Ellen Kooi. Running
Ellen Kooi. Hazerswoude-Tsjechov
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GUILLAUME LEBLON
CGAC. Santiago de Compostela. Desde el 10 de abril hasta el 29 de junio
Comisariada por el director del CGAC Manuel Olveira

y Eva Gonzlez-Sancho, directora del FRAC de
Bourgougne, esta muestra del artista francs
Guillaume Leblon (Lille, 1971) incluye algunas piezas
ya producidas con anterioridad, junto a nuevas obras
producidas especialmente para dialogar con las caractersticas espaciales propias de este edificio realizado
por lvaro Siza, como con las continuas relaciones
entre el espacio interior y el exterior, logrando una
sensacin de tensin espacial, interrumpiendo el
trnsito o la movilidad espacial, incluyendo una serie
de estructuras de ladrillos que se extendern desde la
propia entrada del centro hasta el fin de la muestra.
En la muestra organizada desde el CGAC el artista
interviene los espacios generando nuevos lugares,
nuevas arquitecturas, revisando el uso de materiales
y los juegos semnticos propios de la semntica, interesndose por la historia, la filosofa, los mitos, y la
memoria. En la exposicin se incluye Structures
(2006-07) pieza perteneciente a la coleccin de dicho
centro, Notes (2007), una nueva pieza titulada La
trappe, y la obra Larbre (2005). Guillaume Leblon
describe as esta pieza es un tronco natural tratado,
pintado en gris oscuro, el follaje artificial del ginkgo
es verde en su origen, l tambin est cubierto de
pintura que va del gris-negro al blanco. En el ensamblaje de las ramas al tronco no hay intencin de imitar un rbol real, reconocible, sino darle un aspecto
de rbol. () La eleccin del follaje del ginkgo fue
motivado por su historia bastante singular. El ginkgo
est considerado como un fsil viviente, es decir que
desde hace 250 millones de aos, nunca ha mutado.
Es tambin el nico vegetal que volvi a rebrotar despus de la bomba atmica en Hiroshima. Incluso, en
la actualidad, se estn realizando investigaciones
para extraer una sustancia de las hojas que podra
prevenir el Alzheimer. Es est ida y vuelta de la
memoria que me ha interesado, por un lado un testimonio histrico y por otro un regenerador de la
memoria.
Guillaume Leblon realiz en 2005 su primera exposicin en Espaa en la galera Projectesd titulada Only
pictures are colourfoul, donde ya estaba presente ese
rigor formal minimalista presente en esta muestra.
Guillaume Leblon (Lille, 1971) estudi BB AA en la
Beaux Arts School de Lyons, y continu sus estudios
en la Rijksakademie de msterdam. Entre otras exposiciones
podemos
destacar
Ruptures
des
Correspondances en la Galerie Wolf (Pars), Aprs la
pluie en el Muse de Rochechouart (Francia), The personal effects of Suryavarman VII en Galerie Kamm
(Berln), Kunstverein fr die Rheinlande und
Westfalen de Dsseldorf o Le paradoxe du bord,
Irmavep Lab en el Chtillon-sur-Marne, en Francia.
Guillaume Leblon. Structures (2006-07)
Curated by Manuel Olveira, the director of the CGAC, and

Eva Gonzlez-Sancho, the director of FRAC in
Bourgougne, this exhibition of the French artist Guillaume
Leblon (Lille, 1971) includes some pieces previously produced together with some new pieces produced specially
to fit the space characteristics of this building created by
lvaro Siza, for example the constant relation between the
inside and outside space, getting a feeling of space tension, interrupting the passage and space mobility, including some brick structures from the centre entrance to the
end of the exhibition. In the exhibition the artist manipulates the spaces generating new places, new architectures, reviewing the use of materials and semantic games
typical of the semantics, showing special interest in history, philosophy, myths, and memory. The exhibition
includes Structures (2006-07), a piece belonging to the
collection of the centre, Notes (2007) and a new piece
titled La trappe, and finally the piece Larbre (2005);
Guillaume Leblon describes this last piece as follows it is
a treated natural trunk, painted in dark grey, the artificial
leaves of the ginkgo are originally green, it is also covered
in painting ranging from black-grey to white. In the joint
of the branches to the trunk there is no intention to imitate a recognizable real tree, but to make it look a tree.
The election of the ginkgos leaves was due to its quite
singular story. The ginkgo has been considered as a living
fossil, that is it has not mutated for 250 years. It is also
the only plant that sprouted again after the atomic bomb
in Hiroshima. Even nowadays there are some investigations so as to extract a substance from the leaves that
could prevent the Alzheimer. It is these comings and
goings of memory what has interested me, on the one
hand a historical evidence, and on the other a memory
regenerator. Guillaume Leblons first individual exhibition
was in Spain at the Projectesd gallery titled Only pictures
are colourful, where there was already present this minimalist formal rigour shown in this exhibition.
Guillaume Leblon (Lille, 1971) studied Fine Arts at the
Beaux Arts School in Lyons, and continued his studies at
the Rijsakademie in Amsterdam. Among other exhibitions
we can emphasize the following: Ruptures des
Correspondances at the Galerie Wolf (Paris), Aprs la pluie
at the Muse de Rochechouart (France), The personal
effects of Suryavarman VII at the Galerie Kamm (Berlin),
Kunstverein fr die Rheinlande und Westfalen de
Dsseldorf or Le paradoxe du bord, Irmavep Lab at the
Chtillon-sur-Marne, in France.
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MANU MUNIATEGIANDIKOETXEA. BEHAR GORRIA PRIMAVERA AZUL

Koldo Mitxelena Kulturunea. Vitoria-Gasteiz. Hasta el 10 de mayo
Behar gorria. Primavera azul es el ttulo de un proyecto

especfico para el Koldo Mitxelena de Manu
Muniategiandikoetxea (Bergara, 1966). Behar gorria
podra traducirse como necesidad apremiante, una
urgencia anmica que potencia la segunda parte del ttulo
Primavera azul.
Desde sus primeras exposiciones este artista destac por
la fuerza y la expresividad de su lenguaje. Su obra indaga en la expresividad de la imagen. Para la crtica de arte
Maya Aguiriano su obra se alimenta de muchas formas
tiles que el hombre ha ideado, del diseo del mobiliario
a la arquitectura o a la disposicin de espacios interiores
l ha encontrado una geometra cotidiana, no tan normativa, que le ordena el plano sin impedirle ejercitar la pintura con total libertad.
En la exposicin celebrada el pasado ao en el CAB de
Burgos la propia estructura del edificio conduce al artista
a pensar en el nmero tres como eje de la exposicin,
bajo el ttulo, Baga Biga Higa, tomado de una cancin
infantil tradicional vasca basada en un juego de nmeros
y palabras, y mostrando tres piezas centrales que aparecen como si del mobiliario de una escena se tratase.
En esta ocasin, la muestra del Koldo Mitxelena acenta
cmo la relacin entre obra y lugar es un binomio inseparable. Se presentan 8 piezas, coincidiendo con el nmero
de salas expositivas: Ozuren basoa (2008), Baga biga
higa (2008) readaptacin de la exposicin del CAB; Orain
berriz Gulliver (2008) readaptacin de la instalacin en la
feria Art Basel Miami Beach de 2004; Recreaciones
(2008) reinterpretaciones de piezas de Alexander
Rodchenko; Instrucciones para nufragos (2007), 89
dibujos erticos serigrafiados que conforman el libro del
mismo ttulo; Casa roja (2008) readaptacin de las piezas
expuestas en la exposicin Planes futuros. Arte espaol
de los 2000 en el Baluarte en Pamplona en 2007;
Bostgarren zubia (2008) proyecto de intervencin artstica para la construccin del quinto puente en Donostia.
Con motivo de la muestra se edita un catlogo con textos
de Peio Aguirre, Harkaitz Cano y Javier Daz Guardiola en
euskera, castellano e ingls. Manu Muniategiandikoetxea,
estudi Bellas Artes en Bilbao, y durante la dcada de los
90, obtuvo premios como el del Certamen de Artistas
Noveles de Guipzcoa en 1991, el Primer Premio
Generacin 2000 de Caja Madrid y el Gure Artea 2000 del
Gobierno Vasco.
Manu Muniategiandikoetxea. s/t
28
Behar gorria. Primavera azul is the title of a specific project produced by Manu Muniategiandikoetxea (Bergara,
1966) for the Koldo Mitxelena. Behar gorria could be
translated as urgent need, a mental urgency acting as
the power of the second title Primavera azul.
From his first exhibition this artist stands out because of
the strength and expressiveness of his language. His
work inquires into the expressiveness of the image.
According to the art critic Maya Aguiriano his work feeds
on many useful shapes the man has invented, from furniture design to architecture or the distribution of interiors he has found a quotidian geometry, not so standard,
which arranges the plan without preventing him from
painting freely. In the exhibition held at the CAB in
Burgos last year, the structure of the building makes the
artist think of number three as the central point of the
exhibition, under the title Baga Biga Higa, taken from a
traditional Basque nursery rhyme based on a play on
words and numbers, and showing three central pieces
that look like the furniture of a stage.
In this occasion the show at the Koldo Mitxelena emphasizes how the relation between art piece and place is an
inseparable binomial. There are eight pieces exhibited,
like the number of expositive rooms: Ozuren basoa
(2008), Baga biga higa (2008) readjustment of the exhibition at the CAB; Orain berriz Gulliver (2008) readjustment of the installation at the fair Art Basel Miami
Beach in 2004; Recreaciones (2008) reinterpretations of
Alexander Rodchenkos pieces; Instrucciones para nufragos (2007), 89 screen-printing erotic drawings
making up a book with the same title; Casa roja (2008)
readjustment of the pieces showed at the exhibition
Planes futuros. Arte espaol de los 2000 at the Baluarte
in Pamplona in 2007; Bostgarren zubia (2008) an artistically manipulated project for the construction of the
fifth bridge in Donostia; and Puente de hierro, a proposal of artistic manipulation on the iron bridge in
Donostia.
On the occasion of the show a catalogue with texts of
Peio Aguirre, Harkaitz Cano and Javier Daz Guardiola is
edited in Basque, Spanish and English.
Manu Muniategiandikoetxea studied Fine Arts in Bilbao,
and in the nineties he was awarded with prizes such as
the Certamen de Artistas Noveles de Guipzcoa in 1991,
the First Prize Generacin 2000 of Caja Madrid and the
Gure Artea 2000 of the Basque Government.
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LOTHAR BAUMGARTEN
MACBA. Barcelona. Hasta el 15 de junio
El Museu dArt Contemporani de Barcelona (MACBA)

presenta la primera exposicin retrospectiva del artista
alemn (Rheinsberg, 1944) en Espaa. Lothar
Baumgarten, quien vive y trabaja entre Berln y Nueva
York, es uno de los artistas que desde finales de los
sesenta encaj al panorama artstico la representacin
de las culturas minoritarias y su ausencia dentro de la
inmensidad de la representacin cultural de Occidente.
La muestra rene fotografas con imgenes individuales
y secuencias, instalaciones escultricas, proyecciones,
dibujos morales, ediciones en papel y una pelcula.
La unin entre todos sus trabajos es el especial inters
del artista por la nocin de el otro y su vehiculacin en
la historia. Sus obras invitan a reflexionar sobre los cambios que se producen al paisaje con el paso del tiempo.
Baumgarten da la bienvenida al espectador con la instalacin Imago Mundi (1988), transformando la fachada acristalada del MACBA en un prisma y estableciendo una metfora entre la universalizacin de la carta de colores de la
fotografa y el espritu de las colonizaciones del siglo XX.
La exposicin enfatiza el trabajo fotogrfico del artista, a
travs de series como Carbon (1989) o Montaigne (1985)
que se transforman en autnticos poemas visuales.
El espectador puede gozar de esta segunda serie entera
por primera vez: fotografas en blanco y negro que testimonian el inters de Baumgarten por la iconografa naturalista y su nocin de artista-antroplogo.
La Capella dels ngels se suma como espacio expositivo
mostrando la obra Ecce Homo de 2002, que combina elementos cromticos y geomtricos con imgenes proyectadas en los muros. La pieza reflexiona sobre los Passagen
Werk de Walter Benjamin: la investigacin fotogrfica tuvo
lugar en las ciudades medievales toscanas y el paisaje de
Creta.
La obra de Baumgarten, sin duda alguna, precede el inters suscitado por las culturas indgenas y la alteridad.
Marina Ramoneda
Lothar Baumgarten
The Museu dArt Contemporani in Barcelona (MACBA)

shows the first retrospective exhibition of the German
artist (Rheinsberg, 1944) in Spain. Lothar Baumgarten,
who loves and works between Berlin and New York, is
one of the artists that has fit the representation of
minority cultures and their absence within the immensity of the western cultural representation in the artistic
panorama since late sixties.
The exhibition includes photographs with individual
images and sequence, sculptural installations, projections, moral drawings, paper editions and a film.
The joining of all his pieces is very important for the
artist because of the notion of the Other and his
transportation in history. His pieces invite the spectator to reflect on the changes of landscape with the passage of time.
Baumgarten welcomes the spectator with the installation Imago Mundi (1988) turning the glass faade of the
MACBA into a prism creating a metaphor between the
universal character of the colour card of the photograph
and the spirit of the 20th century colonizations.
The exhibition emphasizes the photographic work of the
artist by means of series such as Carbon (1989) or
Montaigne (1985) which turn into real visual poems.
The spectator can enjoy this second series completely
for the first time: black and white photographs showing
Baumgartens interest in the naturalist iconography and
his notion of artist-anthropologist.
La Capella dels ngels joins as an expositive space
showing the piece Ecce Homo from 2002, which combines chromatic and geometrical elements with images
projected in the walls. The piece reflects on the
Passagen Werk of Walter Benjamin: the photographic
investigation took place in the Tuscan mediaeval cities
and Cretas scenery.
Baumgartens work, without any doubt, precedes the
interest caused by native cultures and the otherness.
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RUBN SANTIAGO
RAGHU RAI. PASAJES DE LA INDIA
DF Arte Contemporneo. Santiago. Hasta el 14 de abril
Casa Asia. Barcelona/Madrid. Hasta el 27 de abril
La propuesta de Rubn Santiago, iniciada el pasado ao

en Nueva York, consiste principalmente en la apropiacin
de una de las estrategias significativas del sistema econmico: el acuamiento de moneda. Desde 1909 cuando se
inici el acuamiento oficial del centavo de dlar, stos se
fabricaban en cobre o con otras aleaciones, que resolvan
esa misma apariencia. Estas variaciones en las materias
primas empleadas permiten hacer una lectura de la historia econmica. En la actualidad, tanto el precio del cobre
como la naturaleza del sistema monetario han propiciado
una interesante paradoja: el valor de este metal contenido en una moneda cntimo es mayor al de la propia
moneda de curso legal. Ante esta situacin, en 2006, el
gobierno estadounidense aprob leyes que penan la fundicin de los centavos de dlar y limit la cantidad de centavos que se pueden sacar del pas.
Rubn Santiago realiza rplicas de estas monedas usando como materia prima monedas de un centavo de dlar
acuadas entre 1952 y 2007. A travs de un molde de
una de estas monedas, funde con un proceso escultrico
las monedas y utiliza el metal resultante para la elaboracin de rplicas exactas. Rubn Santiago (Sarria, Lugo,
1974) profundiza en la lnea de investigacin que ha venido realizando en los ltimos aos, cuestionando los consensos que articulan la sociedad contempornea y la percepcin de los mismos. Ha expuesto individualmente en
el CASM (Centre dArt Santa Mnica) de Barcelona, y ha
participado en muestras colectivas como Emporios
Invisibles en la Fundacin Granell (Santiago de
Compostela), Laberinto de museos en el Instituto
Cervantes de Beijing o Diferentes-Junge Spanische Kunst
in Asbach en el Museo Kloster Asbach en Alemania.
En 2003 Casa Asia ya haba expuesto algunas imgenes de

este fotgrafo indio, con la exposicin India-Mxico.
Vientos paralelos junto a Sebastio Salgado, Raghu Rai y
Graciela Iturbide. En esta ocasin se trata de una exposicin antolgica del fotgrafo indio Raghu Rai que se reparte entre las sedes de Casa Asia en Madrid y Barcelona. Un
total de 112 obras que coinciden con una completa exposicin de este fotgrafo en la National Gallery de Nueva
Delhi. Esta muestra inaugura el ao que Casa Asia dedica
a la India. Estas fotografas son documentos histricos que
muestran la complejidad de este pas, realizadas desde el
fotoperiodismo, y con un inters artstico y documental,
abarcan desde 1964 a 2007, un perodo importante de la
historia de este pas. De este modo, las imgenes visibilizan la tragedia qumica de Bhopal de 1984, retratan a personajes claves como la ex primera ministra Indira Gandhi o
la Madre Teresa de Calcuta. Raghu Rai, (1942, Jhhang, hoy
Pakistn) comenz su carrera como fotgrafo en 1965 y
trabaj para The Statesman una publicacin de Nueva
Delhi, y fue ganador en tres ocasiones el World Press Photo.
Rubn Santiagos proposal, started in New York last year,

mainly consists of the appropriation of one of significant
strategies of the economic system: the minting of the coin.
Since 1909 when the official minting of the dollar cent
started, those have been made of copper or with other
alloys that had the same appearance. These variations of
the used raw materials let us come up with an interpretation of the economical history. Nowadays the price of copper and the nature of the monetary system have given rise
to an interesting paradox: the value of this metal contained
within a cent coin is higher than the value of the currency
itself. In view of this situation, in 2006 the North American
government passed laws that punish the melting of the dollar cents and limit the number of coins that can be taken
out of the country.
Rubn Santiago produces copies of these coins by using
coins of a dollar cent minted between 1952 and 2007 as the
raw material. He melts the coins by using a mould of one
of them with a sculptural process and uses the resultant
material to create exact replicas.
Rubn Santiago (Sarria, Lugo, 1974) gets deeply into the
investigation line he has been developing in the last few
years, questioning the consensus that articulate contemporary society and their perception. He has exhibited individually at the CASM (Centre dArt Santa Mnica) in Barcelona,
and has taken part in collective exhibitions such as
Emporios Invisibles at the Granell Foundation (Santiago de
Compostela), Laberinto de museos at the Cervantes
Institute in Beijing or Diferentes-Junge Spanische Kunst in
Asbach at the Kloster Asbach Museum in Germany.
30
In 2003 Casa Asia had already exhibited some images of

this Indian photographer with the exhibition IndiaMexico. Vientos paralelos together with Sebastio
Salgado, Raghu Rai and Graciela Iturbide. In this occasion it is an anthological exhibition of the Indian photographer Raghu Rai shared up between the head offices in
Madrid and Barcelona. About 112 pieces coinciding with
a complete exhibition of this photographer at the
National Gallery in New Delhi. This show was opened in
the same year Casa Asia dedicates to the India.
The photographs are historical documents that show the
complexity of this country; produced from the photojournalism, with artistic and documental interest, covering
from 1964 to 2007, a very important period in the history
of this country. So the images let us see the chemical
tragedy of Bhopal in 1984, depict key characters such as
the Prime Minister Indira Gandhi or Mother Teresa. Raghu
Rai (1942, Jhhang, Pakistan nowadays) started his career
as a photographer in 1965 and worked for The Statesman,
a publication from New Delhi. He was awarded with the
World Press Photo in three occasions.
Raghu Rai
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ALBERTO REGUERA
Con el nombre Acciones Pictricas ha bautizado Alberto

Reguera su ltima exposicin-intervencin en la sala
Rivadavia de Cdiz. Los trabajos recientes de este madrileo con creciente presencia fuera de Espaa mantienen el
carcter inconfundible de un lenguaje pictrico fraguado a
lo largo de dos dcadas de intensa y exitosa trayectoria
plstica. Sin embargo, las innovaciones actuales conllevan
cambios sin precedentes en su obra. Distribuidas en dos
grandes espacios expositivos, se muestran en total 14 piezas fechadas entre 1996 y 2008. En una de las salas cuelgan dos grandes acrlicos pertenecientes al Reguera ms
clsico, cuyo hondo cromatismo enlaza con la potica abstracta de un paisaje nocturno; son cuadros cargados de
materia, en azules de Prusia, cobres oscuros, platas, verdes creando bellsimas texturas de terciopelo; en este
mismo espacio, varias piezas realizadas in situ configuran
una suerte de gran performance-instalacin y contrastan
en su virulencia con el silente reposo de las anteriores; la
segunda sala acoge varios lienzos cbicos de 34x34 de
reciente creacin, a travs de los cuales el artista reflexiona en torno a la profundidad de la propia pintura. Se trata
de autnticos cuadros-objeto de cantos muy pronunciados
en los que el pigmento de colores brillantes sale literalmente de la tela para flotar en plena libertad por las paredes
blancas de la galera.
A travs de todas estas obras el propio Reguera ha querido hacer balance de lo acontecido en su pintura durante los ltimos aos, momento de expansin plstica y
personal a lo largo del cual el pintor ha traspasado fronteras tanto geogrficas cuanto pictricas. Y en esa indagacin constante donde la pintura invade literalmente el
espacio extrapictrico para conquistar en su necesidad
comunicativa nuevos territorios fsicos y psicolgicos ms
all de lo bidimensional, el gesto impulsivo pero al mismo
tiempo dirigido por el pintor, constituye el motor fundamental de unos trabajos en los que el proceso de creacin
se convierte tambin en la propia obra. Un action painting
que Reguera reconduce en su drip painting, lanzando sin
reparos la materia hacia los siete lienzos vrgenes dispuestos previamente sobre el suelo, en un atrevido mancillar la gravedad simblica de este pequeo bosque de
telas inmaculadas, contaminadas de golpe por la energa de la pintura en estado puro. El juego de espacios,
volmenes y movimiento transforma momentneamente
el lugar de ubicacin fundindose en un microcosmos que
aflora desde el suelo hacia los cubos magnticos detrs
del cual hallamos, una vez ms, el sello potico de un
Alberto Reguera que, como afirma Marn-Medina en el
catlogo, conduce la pintura a nuevos espacios de actuacin, en los que el tiempo y la nocin de transformacin
tienen tanta relevancia. Y en ese estadio entre lo efmero y lo perdurable, hallamos tambin la razn de un espritu vinculado a la naturaleza, al paisaje apropiado o
mejor, ligado a esa realidad csmica que es sensacin instantnea y al mismo tiempo abstraccin dinmica de luz
y color. En definitiva, encontramos a un Alberto Reguera
fluyendo entre la accin y la expansin de la pintura.
Amalia Garca Rub
Exposicin celebrada el pasado mes de marzo en la Sala Rivadavia (Cdiz)
Acciones pictricas is the title of Alberto Regueras last exhibition-intervention at the Rivadavia gallery in Cdiz. The
recent pieces of this internationally known artist from Madrid
keep the unmistakable character of a pictorial language
hatched in two decades of intense and successful plastic trajectory. However, present innovations involve unprecedented
changes in his work. 15 pieces dated from 1996 to 2008 are
shown here divided into two big expositive spaces. Two big
acrylics belonging to a classical Reguera, whose deep chromatics connects with the abstract poetics of a night landscape, are shown at one of the rooms; pictures full of matter, in Prussian blue, dark copper, silver, greens creating
beautiful velvet textures; at the same space several pieces
produced in situ configure a sort of great performance-installation and contrast in their virulence with the silent rest of the
previous ones; the second room contains several recently
created cubic canvas (34x34) by means of which the artist
meditates around the depth of painting. They are real objectpictures with marked edges in which the pigment of bright
colours literally gats out of the canvas so as to float free on
the white walls of the gallery. Through all these pieces
Reguera has tried to evaluate the changes of his painting in
the last few years, a moment of plastic and personal expansiveness all through which the painter has gone beyond both
geographical and pictorial limits. And this constant exploration where the painting literally invades the extra-pictorial
space so as to conquer new physical and psychological territories beyond the two-dimensional in his communicative
necessity, the impulsive but at the same time guided gesture
of the painter, is the main engine of some pieces in which the
creative process also becomes the piece itself. An action
painting Reguera takes back in his drip painting, issuing the
matter to the seven virgin canvas previously placed on the
floor, in a daring staining of the symbolic gravity of this small
forest of immaculate canvas, suddenly polluted by the energy of pure painting. The play of space, volumes, and movement momentarily transforms the location merging into a
microcosm emerging from the floor towards the magnetic
cubes, and behind it we can see, once more, the poetic hallmark of Alberto Reguera that, as Marn-Medina writes in the
catalogue, leads the painting to new working space, in
which time and the notion of transformation have so much
relevance And in this state between the ephemeral and the
everlasting, we can also see the reason of an spirit connected with nature, with the appropriate space or rather linked
to this cosmic reality that is an instantaneous sensation and
at the same time a dynamic abstraction of light and colour.
In short, we can see Alberto Reguera flowing between the
action and the expansion of painting.
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DILOGOS CON EL ARTE. YVES SAINT LAURENT

Fundacin Caixa Galicia. A Corua. Hasta el 29 de abril
Yves Saint Laurent
Yves Saint Laurent. Vestidos del tiempo perdido

Sin la moda no se podra entender el siglo XX y sin el
arte no podra existir Yves Saint Laurent, el couturier
ms influyente de la historia del vestido. A las relaciones
de los artistas plsticos con el diseo de vestidos por el
genio atemporal de Yves Saint Laurent dedica la
Fundacin Caixa Galicia una monumental exposicin en
A Corua.
El origen del sistema de la moda tal y como lo entendemos hoy en da se fecha en la poca de Napolen III y
Eugenia de Montijo. Antes haba existido el lujo y el
arquetipo de lujo en la vestimenta era eminentemente
masculino, los trajes eran de militares y de protocolos
mayestticos. El estilo se defina por el nombre del
monarca que lo impona.
A partir de mediados del siglo XIX con el II Imperio en
Francia se crea el germen social para la moda con referencia esttica en la mujer y dilogo entre el couturier,
la musa, la clientela y el gran pblico. El primero de los
grandes modistos fue Worth, a partir de l el estilo en la
ropa se definira por el talento del creador y no por el
nombre del monarca gobernante. A partir de Worth
otros modistos como Poiret, Chanel, Schiaparelli o Dior
marcan el espritu de los tiempos en la forma de vestir.
32
Pero sin duda el ms influyente de los creadores en la

segunda mitad del siglo es Saint Laurent.
Inici su carrera con un premio del sindicato de la lana
a finales de los aos cincuenta y su talento fue apreciado por Dior, quien lo contrat como asistente. A la sbita muerte del maestro del new look, un jovencsimo
Yves Saint Laurent tom la direccin creativa de la firma
de la avenida Montaigne. Dej su puesto por ser llamado a filas y a la vuelta se vio sustituido en la casa Dior
por Marc Bohan, quien haca una creacin ms ladylike.
En el ao 1962 Yves Saint Laurent con su socio por
siempre Pierre Berg, inaugur la casa de costura bajo
las siglas eptome del color contrastado, los esmoquins
femeninos y el lujo eterno, YSL.
Desde el inicio los xitos se sucedieron e Yves Saint
Laurent, un hombre de su tiempo, dialogaba con todas
las artes para idear sus vestidos. Cre vestidos inspirados en Picasso con grandes planos de colores cubistas.
Recre vestidos pintados por Matisse en un alarde de
pasin por el arte. Cit a la vieja Rusia, record la moda
de su madre, estilo aos cuarenta, con una coleccin
referida a esa poca. Hizo colaboraciones con artistas
como la escultora Claude Lalanne, quien apoy los vestidos de Saint Laurent con unos corpios escultura de
metales dorados.
Amante de sus contemporneos, hizo conjuntos inspirados en el Pop Art en los aos sesenta y pequeos vestidos que citaban los cuadrados de viales urbanos de los
cuadros de Mondrian.
Adems su espritu de amor al celuloide le llev a citar
a Marlene Dietrich, Marilyn Monroe o Silvana Mangano
en algunas de sus creaciones. E incluso el gran escritor
Marcel Proust fue sujeto de uno de los dilogos de Saint
Laurent con el arte.
Cuando Saint Laurent crea una chaqueta de fiesta cuajada de bordados de la casa Lesage que reproduce un
cuadro de lirios o girasoles de Van Gogh, no solamente
se inspira en el cuadro, sino que la calidad y cualidad de
la obra textil es de tal singularidad que se crea un objeto de artes aplicadas con belleza originaria e importancia cultural tan grandes como las de la obra pictrica en
la que se inspira. Yves Saint Laurent no emplea el bagaje cultural y pictrico para hacer estampados con las
obras de otros geniales artistas. Antes bien la suya, es
una sensibilidad tal que alcanza crear un novum citando
intelectualmente el trabajo de otro artista plstico, de un
msico, de una dama de la escena o de un literato.
El estilo Yves Saint Laurent es inconfundible y chic. Sus
combinaciones de colores son nicas y su apertura del
armario femenino con el sastre, la sahariana, el esmoquin y los vestidos tnicos no tiene parangn.
Si a Tchaikovsky le debemos habernos dejado las ms
bellas pginas de la msica para ballet, a Yves Saint
Laurent le debemos habernos dejado las ms bellas
sublimaciones del arte del vestido desde que la moda
existe. Es un tiempo perdido, pues la alta costura de
Yves Saint Laurent ya no existe, pero se puede revisitar
en muestras como la que trae a Galicia la genial herencia del ms grande couturier de la historia.
Romn Padn Otero
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20th century could not be understood without fashion

and art could not really exist without Yves Saint Laurent,
the most influential couturier in the history of fashion.
The Foundation Caixa Galicia dedicates a monumental
exhibition to the relations of plastic artists with Yves
Saint Laurent fashion design in A Corua.
The origin of the fashion system just as we understand
it nowadays is dated back to the time of Napoleon III
and Eugenia de Montijo. In the past there was luxury,
and the archetype of fashion luxury was mainly masculine, there were military suits of majestic protocol. The
style was defined by the monarch who imposed it.
From the middle of the 19th century with the II Empire,
in France the social source for fashion emerges with the
aesthetic reference in women, and the dialogue between
the couturier, the muse, the clients and the great public.
The first one of the great couturiers was Worth, beginning with him fashion style would be defined by the talent of the creator and not by the name of the governing
monarch. After Worth, other fashion designers such as
Poiret, Chanel, Schiaparelli or Dior the spirit of times is
marked by the dressing style. But, without any doubt,
the most influential of the creators in the second half of
the century was Saint Laurent.
He started his career with a prize by the Wool Trade
Union in late fifties has his talent was valued by Dior
who recruited him as his assistant. When the master of
the new look died unexpectedly, the young Yves Saint
Laurent took over the running of the company in
Montaigne Avenue. He had to leave his job because he
was called up, and when he returned he realized that he
had been replaced by Marc Bohan, who had a more ladylike style.
In 1962 Yves Saint Laurent with his forever partner
Pierre Berg, inaugurated the haute couture company
with the symbols YSL, epitome of the contrasted colour,
the feminine dinner jackets and the eternal luxury.
From the beginning it was a complete success, and Yves
Saint Laurent, a man of his time, bordered all the arts to
create his dresses. He designed several dresses inspired
in Picasso, with great shots of cubist colours. He recre-
Yves Saint Laurent
ated some dresses painted by Matisse in a display of

passion for art. He quoted old Russia, remembered his
mother fashion style of the forties with a collection of
that time fashion. He collaborated with some artists
such as the sculptor Claude Lalanne who supported
Saint Laurents dresses with some sculptural bodices
with golden metals.
Faithful fond of his contemporary, he created some
ensembles inspired in the pop art of the sixties and
some small dresses quoting Mondrians pictures of urban
roads.
His love for the cinema lead him to quote Marlene
Dietrich, Marilyn Monroes or Silvana Mangano in some of
his creations. And even the great writer Marcel Proust
was the subject of one of his dialogues with art.
When Saint Laurent creates a party jacket filled with
Lesage embroidery reproducing a Van Goghs picture of
iris or sunflowers, he does not only finds inspiration in
the picture, but the quality and talent of the textile work
is so singular that he creates an object of applied arts so
originally beautiful and culturally important as the pictorial piece inspiring it. Yves Saint Laurent does not use
the cultural and pictorial background to create printed
dresses with the pieces of other brilliant artists. But he
is so sensitive that he creates a novum quoting the work
of another plastic artist, a musician, a theatre lady or a
writer.
Yves Saint Laurents style is unmistakable and chic. His
combinations of colours are unique and his novelties in
the feminine wardrobe with the tailor-made suit, the
safari jacket, the dinner jacket, and ethnic dresses is
incomparable.
If we owed the writing of the most beautiful music pages
fro ballet to Tchaikovsky, the we owed the most beautiful sublimations of fashion art from the origins of haute
couture to Yves Saint Laurent. It is a waste of time since
Yves Saint Laurents haute couture does not exist any
longer, but it can be revisited in the exhibitions such as
the one in Galicia showing the most brilliant legacy of
the most important couturier in history.
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ARTNOTES20proba
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MIKI LEAL. VIENTO DE CARA

Galera Rafael Ortiz. Sevilla. Hasta el 17 de abril
Miki Leal ha tenido, desde hace aos una trayectoria que

a todos ha llamado la atencin y nos ha hecho estar pendientes de su trabajo. Desde la Richard Channing
Foundation su labor ha sido una apuesta eficaz por la pintura y el dibujo, destacndose su facilidad para abordar
los grandes formatos y su maestra para trazar lneas
maestras para situar la figura en el plano y ocupar el
espacio necesario, desocupando otros que l no cree
necesarios. Ahora tambin utiliza el grabado, est claro su
inters por los medios tradicionales a los que sabe sacar
el mximo partido.
Ha mostrado su obra en diferentes espacios y ha sido premiado. Ahora ha recalado en la galera sevillana de Rafael
Ortiz, sin duda uno de los espacios de referencia en
Andaluca, por no decir casi el nico. Felicito al galerista y
al creador por esta sabia eleccin.
El trabajo de Miki Leal, analizado a fondo, se nutre de una
rica iconografa que bucea en distintos aspectos de la vida
cotidiana, realizando as una compleja pero eficaz lectura
del mundo que le rodea -que nos rodea- a travs de elementos que en una primera visin pudieran parecernos
tal vez anecdticos, pero que en absoluto lo son. Leal a
veces puede incluso dar una visin algo naf, que en el
fondo no lo es, pero utiliza estos recursos, tanto plsticos
como conceptuales, para captar nuestra atencin y llevarnos a su mundo; un mundo de rica y compleja iconografa, llena de referencias a la literatura, msica y cine,
como un esfuerzo mas por hacer una lectura, como deca
antes, de lo actual. En muchas de sus obras no aparece
la figura humana, son ms bien paisajes y visiones del
campo, donde las formas y el colorido nos recuerdan en
algo al naf al que me refera, pero que como digo, no es
esa su intencin, aunque s lo sea llevarnos hacia algo
parecido a un juego familiar, cercano.
Viento de cara es el ttulo de esta coleccin, tal vez ms
que un ttulo sea la actitud del autor frente a la obra, una
actitud de riesgo que se le agradece. Si es as, seguro que
es la actitud correcta.
Juan-Ramn Barbancho
Miki Leal. El estudio del pintor (2007)
Miki Leal has had a career that has specially drawn our
attention and made us keep an eye on his work for some
years. Since Richard Channing Foundation his work has
been focused on painting and drawing, emphasizing his
skill for tackling big formats and his mastery to draw
master lines to place the figure into the plan and occupy the required space, clearing others that are not necessary for him. Nowadays he also uses the engraving, so
it is evident his interest in the traditional media which
he makes the most of.
He has exhibited his work in different spaces and he has
been awarded. Now he has ended up at the Rafael Ortiz
gallery in Seville, without any doubt one of the most
important space in Andalusia, or almost the only one. I
would like to congratulate the gallery owner and the creator for this good election.
Miki Leals work, thoroughly analyzed, feeds on a rich
iconography exploring different aspects of quotidian life,
thus making a complex but useful reading of the world
surrounding him surrounding us- by jeans of some elements that may look like anecdotal from a first view, but
that are not at all. Leal can sometimes gives us such a
naif vision, which is not real, but he uses such resources
so as to draw our attention and take us to his world; a
world of rich and complex iconography, full of references to literature, music and cinema, like another
effort to create a new vision, as I said before, of present-time. There is no human presence in many of his
pieces, but landscapes and countryside views, where
shapes and colours remind us something of the naf I
referred to previously, but as I said, that is not his intention, but taking us to something similar to a family
game, something close.
Viento de cara is the title of this collection, or maybe the
authors attitude in front of the piece rather than the
title, a risky attitude always welcome. If I am right, I am
sure it is the right attitude.
Miki Leal. Las negras (2007)
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ERNESTO NETO
Un desayuno el 15 de febrero abri la exposicin de

Ernesto Neto (Rio de Janeiro, 1964) en la galera madrilea Elba Benitez. En el patio un biombo perforado deja
entrever las presencias al otro lado.
Esta semifrontera podemos relacionarla con la piel que
nos separa y nos une, esa delgadsima continuidad de
arquitectura corporal. Neto es el autor de membranas
translcidas y permeables, formas labiales, flicas, vaginales, llenas de especias picantes que despiertan el
deseo en estancias placenteras y perfumadas. Como un
explorador en el interior de un cuerpo, un animal, una
persona amada, trabaja en el laberinto mudo de las sensaciones. De las medias de lycra al organismo lleno de
huecos, linda entre cobijo y vaco de protuberancias y
orificios. Su ltima instalacin cncava y sensual como
un ombligo, plida, ocre, rosada, invita a introducirse.
Oler, tocar, sentir el acercamiento entre los cuerpos, abierta insinuacin de cpulas en el aire. Volmenes-refugio
donde la escultura destapa epidermis y carnosidad.
El espacio inclusivo, manifiesto en la antropofagia
(Oswaldo de Andrade, 1928), asimila influencias forneas, se deja contaminar. Aspectos psicolgicos y sociales
del Neoconcretismo que, en los aos 50 y 60, tuvo en
Helio Oiticica y Lygia Clark sus mximos exponentes,
recaen en la posibilidad afectiva, cultural, de mantener
mediante experimentos fsicos situaciones de un equilibrio inestable. Frente al sujeto actual, desmembrado,
desenfundado, el artista apuesta por in-corporar, en
una cultura, la nuestra, a la que quiz nada le queda
ms espiritual que un cuerpo.
Como quedamos hoy o Sorpresa entre los cuerpos, titulan algunas obras que pueblan este recorrido. Procesos
de transformacin, materia que se contrae y se dilata,
tejidos en crecimiento, remiten a la dimensin emocional del ser que siente. Sin renunciar al juego de tensiones y resistencias, Neto presenta en esta serie nueva el
paso de lo blando a lo duro. De la porosidad al acoplamiento. Articulaciones que se corresponden, combinacin de materiales slidos. Piezas blancas y negras que
encajan unas en otras, que igualmente se abren y se
cierran, se succionan, se penetran. Estructuras ligeras
que bailan, se yerguen, descansan, se estiran, se retuercen, se sobrecogen. Cuerpos que tiran y aflojan, cohesionan, despliegan. Sensorialidad y erotismo de esculturas en posturas variables, como lo que existe entre dos
que se completan, entre la corporeidad y el espacio.
Nexos, interconexiones, vnculos que alimentan una
indagacin material del universo del deseo.
February 15 breakfast inaugurated the exhibition of

Ernesto Neto (Rio de Janeiro, 1964) at the Elba Bentez
gallery in Madrid. In the yard a holed folding screen
hints at the presences on the other side in the yard.
This semi-frontier could be related to the skin that joins
and separates ourselves, this thin continuity of body
architecture. Neto is the author of permeable and transparent membranes, labial, phallic and vaginal shapes,
full of hot spices arousing the desire in pleasant and perfumed rooms. Like an explorer inside a body, an animal,
a loved person, he works in the mute labyrinth of sensations. From the lycra tights to the organism full of
holes, bordering the shelter and the void of protuberances and holes. His last installation, concave and sensual like a navel, pale, ochre, pinkish, urges us to get
into. Smelling, touching, feeling the approaching of the
bodies, open insinuation of copulations in the air.
Volumes-refugee where the sculpture reveals epidermis
and fleshiness.
The inclusive space, shown in the antropofagia (Oswaldo
de Andrade, 1928), assimilates the foreign influences, is
to be contaminated. Psychological and social aspects of
the Neoconcretism in the fifties and sixties, whose most
important exponents were Helio Oitica and Lygia Clark,
lie in the affective, cultural possibility of keeping some
situations of instable balance by means of physical
experiments. Against the current subject, dismembered
and drawn, the artists opts for in-corporating to our
culture in which nothing is more spiritual than a body.
Como quedamos hoy or Sorpresa entre los cuerpos are
the titles of two of these pieces. Transformation processes, a matter that is contracted and expanded, growing
materials that refer to the emotional dimension of the
being that fells. Without dispensing with the tensions
and resistances games, Neto shows that passage from
the tender to the hard in this new series. From porousness to coupling. Articulations that match, combination
of solid materials. Black and white pieces that fit one
another, and also are opened and closed, sucked, penetrated. Sensuality and eroticism of some sculptures in
varied position, as the things that exist between two
completing each other, between the corporeal nature
and space. Nexus, interconnections, links feeding a
material exploration of the universe of desire.
Vanesa Daz
Exposicin celebrada el pasado mes de febrero en la galera Elba Bentez

(Madrid)
Ernesto Neto. La concentracin del cuerpo (2007). Foto: Juan Adrio
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PARAISOS INDMITOS
MARCO. Vigo. Hasta el 18 de mayo
Parasos Indmitos o aquellos que dejan de serlo

El arte nunca se ha reportado ajeno a los conflictos
socio-culturales y polticos de su entorno ms inmediato, ni siquiera lo hizo la abstraccin a la que tanto se le
acus de arte degenerado y exento de compromiso
social. De ah que muchas problemticas que ocupan
sitio en las agendas internacionales, muchas veces
hayan sido objeto y pretexto, usados por los artistas,
para articular discursos estticos en aras de solventar la
desmesura misma de tales acontecimientos. En este
sentido Parasos Indmitos no es en modo alguno una
excepcin, sus artistas, como muchos, estn reforzando
una mirada perspicaz sobre aquellas zonas, parcelas o
reas culturales de la existencia que se revelan como
presuntas fuerzas utpicas o reductos casi arqueolgicos
frente a un cada vez ms creciente deterioro y puesta en
riesgo de la vida misma y de sus contextos naturales de
actuacin.
Venidos de diversos contextos culturales cuyas dinmicas internas acusan diferencias notables en el trato con
los recursos ambientales y con la perspectiva y consideracin del paisaje y de la relacin (muchas veces esquizofrnica) entre el par Cultura/Naturaleza, estos artistas
proponen un ensayo de aproximacin-exploracin que
pone de manifiesto las relaciones generalmente complejas que se establecen entre el individuo y su medio.
Segn la comisaria de la muestra, Virginia Torrente,
estos artistas exploran su relacin con la tierra que
habitan, operando desde diferentes puntos de vista:
desde la visin sentimental y romntica, pasando por lo
puramente documental, hasta llegar a la activista.
Las fotografas de Thomas Cooper, resultan as un
homenaje, en clave hedonista, a la belleza potencial de
mbitos naturales que l observa y selecciona con extremo cuidado. El homenaje al famoso pintor y paisajista
William Turner del brasileo Thiago Rocha Pitta es una
de las piezas ms hermosas de la muestra a pesar de su
aparente nobleza en lo concerniente al manejo conceptual. Usando el vdeo en tanto lenguaje de moda, rueda
en una playa de Ro de Janeiro, una escena que retoma
una imagen del acuarelista ingls. Distante a esta perspectiva pero coincidiendo en la misma preocupacin en
torno al medio y el registro de cambios climatolgicos en
un lapso temporal alarmante, destaca el trabajo de la
catalana Mireya Mas. Su registro fotogrfico de exquisita factura muestra las alteraciones del medio como
consecuencia de la accin del hombre.
En un mismo paisaje glacial se ubica la pieza espectacular del artista performer Guido van der Werve. Se trata
de un vdeo que roza el absurdo ms demencial e imposible en tanto aparece el artista caminando y abriendo
paso frente a un enorme y poderosamente flico rompehielos. La escena es tan desconcertante como la propia
postura de arremetimiento contra la madre naturaleza.
La obra del artista israel Nir Evron, es una de las piezas
ms sugestivas de la muestra y que incluso trasciende
su propio enunciado. Consiste en un vdeo que recrea un
diario de viaje rodado en un lugar casi abstracto que
pertenece al patrimonio ecolgico de Israel, al que se le
adicionan narraciones de mltiples viajeros, entre cientficos, escritores, militares y peregrinos, que describen
el mismo lugar cuando pareciera que todos hablan de un
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sitio distinto. Aqu la fabulacin y la falacia de la historia

y de la memoria en tanto relato y construccin, son
objeto de juicio crtico.
El colombiano Alberto Baraya en un acto de recuperacin y de arqueologa, emprende una expedicin botnica tomando aquellas muestras de vegetacin artificial,
puros simulacros de la realidad daada, para decorar
locales y espacios domsticos del planeta.
La propuesta de la francesa Marine Hugonnier, es de
hecho una de las que mayor inters reviste dentro del
corrido de esta exposicin. El vdeo relata el fracaso de
un proyecto que se gest bajo la dictadura militar en los
aos setenta en Brasil: la Transamaznica. Se trata de
una carretera que pretenda comunicar el pas en su
extensin Este-Oeste, proyecto que, como muchos en
Latinoamrica, fue abandonado pasado diez aos de su
construccin generando, como no poda ser de otro
modo, todo tipo de conflictos.
La visin de Eva Koch, es de un romanticismo sobrecogedor, al retener en una imagen de vdeo panormica de
360 grados el ideal del territorio idlico. Son las islas
Feroe, espacio natural donde la artista vivi los mejores
aos de su infancia en medio de un paisaje que pareciera extrado de un relato infantil.
Por su parte, y con una irona refinada, el valenciano
Sergio Belinchn muestra un vdeo bajo el ttulo Paraso,
en el que cuestiona la falacia del fenmeno turstico. El
resto de las piezas que conforman esta muestra, a cargo
de los artistas Guillen Bayo, Roberto Bellini, Andr
Cepeda, Peter Coffin, Cyprien Gaillard, Rodney Graham,
Heather & Ivan Morison, Marjetica Potrc, Gonzalo Puch,
Caio Reisewitz y Eric Rosoman, resultan todas autnticas reflexiones, a ratos ms complacientes, otras veces
ms duras y frontales, sobre los aspectos que en torno
al medio y al paisaje suponen hoy el centro de todo un
debate a escala internacional. A ellos, y a esta muestra,
debiera mirarse si no queremos que los espacios indmitos, los parasos vrgenes, dejen de serlo a favor de
los parques temticos que, a fuerza de repeticin, parecen definir la nueva fisonoma del paisaje y la cultura
contempornea.
Andres Isaac Santana
Marine Hugonnier. Travelling Amazonia (2006). Fotograma de

vdeo. Cortesa Galera Nogueras Blanchard, Barcelona / Max
Wigram Gallery, Londres. 2008 Marine Hugonnier
.
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Sergio Belinchn. Paraso (2006). Fotograma de vdeo. Cortesa

Galera Toms March, Valencia 2008 Sergio Belinchn
Nir Evron. In Virgin Land (2006). Fotograma de vdeo. Cortesa

del artista. 2008 Nir Evron
Art has never been outside the socio-cultural and political conflicts of the nearby background, even regarding
abstraction that was considered as degenerated art and
devoid of social commitment. Thats why many questions holding positions in the international agendas,
have been object and pretext, used by the artists, to
articulate the aesthetic discourses so as to solve the disproportion of such events. In this sense, Parasos
Indmitos is not an exception at all, and the artists, like
many others, are reinforcing a keen look at those areas,
parts or cultural areas of existence that turn out to be
presumed utopian forces or almost archaeological
strongholds in view of a more and more deterioration
and risk of life itself and its natural action contexts.
Coming from different cultural contexts whose internal
dynamics have important differences in the relations
with environmental resources, and with the view and
understanding of the landscape and the (sometimes
schizophrenic) relation between Culture/Nature, those
artists suggest an essay of approaching-exploration that
reveals the generally complex relations between the
individual and the environment. According to the curator
of the exhibition, Virginia Torrente, those artists explore
their relation to the place where they live, working from
different points of view: from the sentimental and
romantic view, the purely documental view and finally
from an activist view.
Thomas Coopers photographs are like a tribute, in
hedonistic code, to the potential beauty of the natural
environments he observes and selects carefully. The
Brazilian artist Thiago Rocha Pittas tribute to the famous
painter and landscape painter William Turner, is one of
the most beautiful pieces in the exhibition despite its
apparent nobility regarding the conceptual command.
By using the video as a fashion medium, he shoots an
scene taking up again an image of the English watercolourist in a beach in Rio de Janeiro. Faraway from this
perspective but coinciding in the same concern for the
environment and the register of climatic changes in an
alarming temporary lapse, we can stand out the work of
the Catalan artist Mireya Mas. Her photographical
pieces of exquisite execution show the changes of the
environment as a consequence of the mans action.
The spectacular piece of the performer Guido van der
Werve is located in a glacier landscape. It is a video that
is bordering the most demented and impossible absurdity since we can see the artist walking and making his
way in front of a huge and powerfully phallic icebreaker.
The scene is so disconcerting as our own position

towards mother Nature.
The work of the Israeli artist Nir Evron is one of the most
suggestive pieces of the exhibition, and it even goes
beyond its own title. It consists of a video that recreates
a journey diary shot in an almost abstract place belonging to the ecological heritage of Israel and is added up a
series of narrations of numerous travellers, scientists,
writers, soldiers, and pilgrims that describe the same
place although it seems that each one talks about a different place. Here the invention and fallacy of history
and memory as a story and a construction are the target of critical judgement.
The Colombian Alberto Baraya in an action of recovery
and archaeology, sets out for a botanical expedition
taking those samples of artificial vegetation, pure semblances of damaged reality, to decorate places and
domestic spaces in the planet.
The proposal of the French Marine Hugonnier is one of
the most interesting pieces of the exhibition. The video
shows the failure of a project conceived under the
Brazilian military dictatorship in the seventies: The
Transamazonica Road. It is a road that intended to communicate all the country from East to West, a project
that, like many in Latin America, was abandoned after
ten years generating all kind of conflicts.
Eva Kochs view is extremely romantic, capturing the
ideal of the idyllic territory in a video panoramic image
of 360 degrees. It is in the Feroe islands, a natural space
where the artist spent her childhood, surrounded by a
landscape that seems to be taken from a childrens tale.
With refined irony the artist Sergio Belinchn from
Valencia shows a video, with the title Paraso, in which
he questions the fallacy of the tourist phenomenon. The
rest of the pieces making up these exhibition include the
following artists: Guillen Bayo, Roberto Bellini, Andr
Cepeda, Peter Coffin, Cyprien Gaillard, Rodney Graham,
Heather & Ivan Morison, Marjetica Potrc, Gonzalo Puch,
Caio Reisewitz and Eric Rosoman; all of them are real
reflections, sometimes more helpful and other times
more fierce and severe, on the aspects around the environment and the landscape that are a real international
debate nowadays. And we should pay attention to them
and to this exhibition if we do not want the indomitable
space, virgin paradises to disappear in favour of the
theme parks that, by repetition, seem to define the new
appearance of contemporary landscape and culture.
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NANDO LESTN. SEGUNDA PEL
JUAN GIL
Casa da Parra. Santiago. Hasta el 18 de mayo
Fundacin Artecovi. Madrid. Hasta el 30 de abril
Esculturas con brazos abiertos en direccin cenital que

un da se encaminaron a la luz del Sol. Partieron de la
tierra, y daban vida, con ellas, a otras vidas. Hoy son el
recuerdo de lo que fueron, pero Nando Lestn (Carnota,
1966) les ha dado una nueva oportunidad en la Casa da
Parra.
Tras los incendios que en el verano de 2005 ennegrecieron los bosques de Carnota, este artista ha querido dar
vida de nuevo al legado de las llamas. Lestn se hizo
con los troncos de esos rboles, los limpi y comenz a
hacer pequeas maquetas con trozos de ramas, les dio
color y les puso voz. Ms tarde lo aplic a los troncos
de ms de cuatro metros, y hoy conforman un bosque
expositivo en el espacio compostelano. Colores intensos
acicalan las esculturas-rbol de forma meditada, otorgndoles una nueva dimensin. Ha vivificado los esqueletos de los pinos, convirtindolos en aves, en meldicos instrumentos, en amenazantes reptiles o en un
sufridor Cristo en la cruz. Estas evocadoras transformaciones intentan, como explica su autor, hacer frente a
aquella destruccin como mtodo de venganza y a la
vez de resarcimiento. Sacar o Demo do corpo (Quitar
el demonio del cuerpo) que se dice en gallego.
Rememora as la catstrofe de los incendios que cada
verano azota los bosques gallegos, y la convierte en una
propuesta artstica fcilmente discernible. Una pared de
la exposicin versa as: La naturaleza agoniada berrea
en un ltimo homenaje maldito ms all de la estrecha
lnea en la que confluyen la vida y el arte.
Paula Nieto
El espacio expositivo de la Fundacin Artecovi rene la

reciente produccin de Juan Gil (vila, 1964); una pintura vinculada a conceptos relativos a la representacin,
donde el artista se interesa por los elementos cotidianos, y por la bsqueda de verosimilitud y realismo en el
soporte pictrico. Su atencin se centra en la revisin de
un gnero de la tradicin pictrica: la naturaleza muerta, la vanitas.
Rescatar lo bello de lo cotidiano, o mejor an, de lo
olvidado, de aquello de pertenece elocuentemente a un
tiempo pretrito, es la labor en la que est embarcado
Juan Gil comenta Carlos Delgado.
Juan Gil se form en la Escuela de Artes y Oficios de
vila, y entre otras galeras ha expuesto en la galeras
Espacio 36 (Zamora), Durn (Madrid) Victoria Hidalgo
(Madrid), Gaud (Madrid), Bernesga (Len), Silos
(Tarifa-Cdiz), Annia (Salamanca) o San Vicente
(Valencia). Se le ha otorgado el primer premio en certmenes como: Lpez Villaseor (Ciudad Real, 2005), Villa
de Agreda (Soria, 2004), Fermn Santos de Sigenza
(Guadalajara, 2003), Ciudad de Manzanares (Ciudad
Real, 2002) o Ciudad de Avila (2000).
Sculptures with arms opened in zenithal direction which

headed for the light of the Sun one day. They set out
from the earth, and they gave birth, with them, to
other lives. Nowadays they are just the memory of
what they were, but Nando Lestn (Carnota, 1966) has
given them a new opportunity at the Casa da Parra.
After the fires that blackened the forests of Carnota in
2005, this artist has livened up the legacy of flames
again. Lestn managed to get hold of those trees
trunks, cleaned them and started to produce small
scale models with pieces of branches, coloured them
and personified them. Later he did the same with the
trunks of more than four metres long which nowadays
make up an expositive forest in this site in Santiago de
Compostela. Intense colours decorate the tree-sculptures with a meditated shape, giving them a new
dimension. He has enlivened the pine skeletons turning
them into birds, into melodic instruments, into threatening reptiles or a Christ suffering on the Cross. These
evocating transformations try, as the artist explains, to
face that destruction as a revenge and compensation
method. Sacar o Demo do corpo (Take the devil out
of the body) as it is said in Galician.
So he recalls the catastrophe of the fires every summer
affects Galician forests, and turns it into an easily distinguished artistic proposal. One of the exhibition walls
reads as follows: Dying nature bellows in a final
damned tribute beyond the narrow line in which life
and art come together.
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The expositive space of the Artecovi Foundation assembles the recent production of the artist Juan Gil (vila,
1964); paintings connected with some concepts related
to representation, in which the artist is interested in
quotidian elements and the search for the likelihood and
the realism in the pictorial medium. His attention focuses on the review of a genre in the pictorial tradition: still
life paintings, the vanitas.
Rescuing the beauty from the quotidian, or rather from
the forgotten, from that that eloquently belongs to a
past time, is the work Juan Gil is getting involved in,
says Carlos Delgado.
Juan Gil studied at the School of Arts and Crafts in vila,
and he has exhibited at the galleries Espacio 36
(Zamora), Durn (Madrid) Victoria Hidalgo (Madrid),
Gaud (Madrid), Bernesga (Len), Silos (Tarifa-Cdiz),
Annia (Salamanca) or San Vicente (Valencia), among
others. He was awarded with the first prize in some
competitions such as: Lpez Villaseor (Ciudad Real,
2005), Villa de Agreda (Soria, 2004), Fermn Santos de
Sigenza (Guadalajara, 2003), Ciudad de Manzanares
(Ciudad Real, 2002) or Ciudad de vila.
Juan Gil
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LUZ NGELA LIZARAZO. ELDORADO

Galera Magda Bellotti. Madrid. Hasta el 19 de abril
La muestra Eldorado, refleja para la artista diferentes

aspectos de la inmigracin. Cmo nos ven y cmo los
vemos. Invisibles es el ttulo de una serie de fotografas
y dibujos de las personas que trabajan como personajes
de Disney (Minnie, Mickey, Winnie the Pooh o Piglet) los
fines de semana en parques y plazas madrileas, camuflados bajo estos disfraces que les permiten pasar desapercibidos, ser annimos y poder as permanecer en el
lugar y buscar diariamente el ansiado Eldorado. En la
serie Xenogamia, utiliza cajas de luz, en las que aparece un elemento icnico de lo espaol la peineta, un
objeto vinculado a signos identitarios. La peineta es
intervenida con elementos propios de otras culturas. En
Top Manta se renen retratos de hombres africanos que
actualmente viven en Madrid acompaados de una pgina de un peridico con una noticia sobre la llegada de
inmigrantes a las costas espaolas junto a una publicidad de una agencia de viajes con la mxima La playa te
espera. Glosario castellano de la mala lengua recoge
aquellas palabras referidas a los inmigrantes, como
patera o bus patera, denominando as a autobuses
matinales que circulan por la ciudad llenos de trabajadores inmigrantes, piso patera, o sin papeles. Luz ngela Lizarazo (Bogot, 1966) desde 1999 vive y trabaja en
Madrid. Entre otras de sus muestras individuales destaca De Tripas Corazn en la galera Santa F de Bogot,
en la galera brasilea Leme de So Paulo, Vasos
Comunicantes en la galera Rafael Ortiz de Sevilla, La
Bella Durmiente en la Alianza Francesa de Bogot,
Colombia. Sus obras forman parte de las colecciones del
MAMBO (Museo de Arte Moderno de Bogot), la
Fundacin Museo de Bellas Artes de Caracas o el Museo
de Arte Moderno La Tertulia de Cali.
Luz ngela Lizarazo. s/t (2008)
According to the artist the exhibition El Dorado reflects

different aspects of immigration. How they see us and
how we see them. Invisibles is the title of a series of
photographs and drawings of the people working as
Disney characters (Minnie, Mickey, Winnie the Pooh or
Piglet) in parks and squares in Madrid at the weekends,
camouflaged under those costumes that allow them to
go unnoticed, to be anonymous and to be able to stay in
the place and look for the longed-for Eldorado. In the
series Xenogamia the artist uses light boxes, in which
there is a Spanish iconic element, the back comb, an
element linked to identity signs. The back comb is
manipulated with elements typical of other cultures.
In Top Manta we can find portraits of African men living
in Madrid nowadays with a paper page with a news on
the arrival of immigrants in the Spanish coast together
with the ad of a travel agency with the slogan The
beach is waiting for you. Glosario castellano de la mala
lengua includes those terms alluding to immigrants,
such as patera or bus patera, referring to the morning
buses travelling around the city full of immigrant workers, piso patera, or sin papeles. Luz ngela Lizarado
(Bogot, 1966) has lived and worked in Madrid since
1999. We can highlight her individual exhibitions, for
example De Tripas Corazn at Santa F gallery in
Bogot, at the Brazilian gallery Leme in Sao Paulo,
Vasos Comunicantes at Rafael Ortiz gallery in Sevilla, La
Bella Durmiente at the Alianza Francesa in Bogot,
Colombia. Her pieces are part of certain collections, such
as MAMBO (Museum of Modern Art in Bogot), the
Foundation Museum of Fine Arts in Caracas or the
Museum of Modern Art La Tertulia de Cali.
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XOS RAMN MORQUECHO

Fundacin Feima. Madrid. Hasta el 10 de junio
Sus creaciones son el resultado de una observacin y

convivencia con la naturaleza, desde la naturaleza. No
slo la observa y para el deleite, sino que la vive, y an
ms, se funde con ella, obteniendo sus pinturas como
resultado de esa inspiracin. Los colores intensos y contrastados definen la mirada que proyecta sobre el paisaje. No existen medias tintas en su transmisin: colores intensos que acrecientan las sensaciones ms all
de la preeminencia de una tonalidad ms o menos viva.
Es por ello que el contraste se hace inevitable en el lienzo, y se percibe ms, si cabe, los sonidos y la atmsfera en torno a ellos. Sus paisajes existen, y as los retrata este artista, dndoles vida con sus manos y antes,
con sus ojos. En su exposicin en la Fundacin Feima,
Morquecho muestra sus obras ms recientes, inspiradas, esta vez, en los escenarios helados del centro de
Europa, prximos a su lugar de residencia actual, en
Alemania. Se distancia de los paisajes dominados por el
verde, muy habituales en sus paisajes forestales, o de
los ocres combinados con negros y grisceos que marcaron otra de sus etapas. Su obra actual presenta tonalidades fras, sin cambiar entretanto la intensidad cromtica que caracteriza su obra. Tras una etapa ms
figurativa se decanta ahora por desdibujar los detalles
acercndose, como ya lo hizo en otras etapas, a la abstraccin. Xos Ramn Morquecho (Pontevedra, 1946)
es hijo de pintor y nieto de catedrtico de Dibujo, lo que
le acerc al mundo del arte desde pequeo. El paisaje
ha sido protagonista de sus lienzos desde los ochenta,
habiendo influido en ellos sus viajes a Francia e Italia,
y posteriormente a Nueva York, cuando comenz a elaborar lienzos de mayor dimensin y porosidad. Form
parte de grupo Nome, en el que se encontraban tambin Mara Xos Daz, Xan Pardias, Lamela, Bibin y
Quintana Martelo. Ha expuesto en numerosos espacios
de la geografa gallega y espaola. Su obra se encuentra en colecciones como la de la Fundacin Caixa
Galicia, el Museo Quiones de Len (Vigo), la
Diputacin de Cuenca o el Museo de la Fundacin
Francisco Gil (Salamanca).
Paula Nieto
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Xos Ramn Morquecho
His creations are the result of the observation and

cohabitation with nature, from nature. He does not only
observes it but he also lives it, and rather he merges
into it, creating his paintings as the result of such inspiration. The intense and contrasted colours define his
view on the landscape. There are no half-baked ideas in
his transmission: intense colours that increase the sensations beyond the pre-eminence of a more or less
bright colour scheme. For that reason the contrast is
inevitable in the canvas, and the sounds and atmosphere around them are more perceived. His landscapes
are real and so he depicts them, bringing them to life
with his hands, and previously with his eyes. In his exhibition at the Ifema Foundation, Morquecho shows his
most recent pieces finding the inspiration in the frozen
landscapes in the centre of Europe, next to his home in
Germany. He grows apart from the green landscapes,
very usual in his forest landscapes, or from the ochre
combined with blacks and greys marking other of his
periods. His present work shows cold colour schemes
without changing the chromatic intensity typical of his
work. After a more figurative period, now he moves
towards blurring the outlines of the details, approaching
abstraction, as he had already done in other periods.
Xos Ramn Morquecho (Pontevedra, 1946) is the son of
a painter and the grandson of a Drawing Professor, who
approached him to the art world since he was a child.
The landscape has been the protagonist of his canvas
since the eighties, with a great influence of his journeys
to France and Italy, and later to New York, when he
started to produce canvas with greater dimension and
porosity. He was part of the group Nome, together with
Mara Xos Daz, Xan Pardias, Lamela, Bibin and
Quintana Martelo. He has exhibited in numerous space
of the Galician and Spanish geography. His piece is present in some collections such Caixa Galicia Foundation,
the Quiones de Len Museum (Vigo), the Diputacin of
Cuenca or the Museum of Francisco Gil Foundation
(Salamanca).
ARTNOTES20proba
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CARLOS IRIJALBA. DEVICES
HANNAH COLLINS
La Nave. Valencia. Hasta el 10 de mayo
Laboral. Ciudad de la Cultura. Gijn. Hasta el 27 de abril
Devices, una de las series presentes en esta exposicin, da

ttulo a esta muestra de Carlos Irijalba (Pamplona, 1979).
Asimismo tambin se incluyen Environment, Switch off all
devices y Outside comes first; un total de 17 fotografas de
diferentes formatos que recorren el trabajo realizado en
estos ltimos aos. En Environment las imgenes remiten a
la elaboracin de un lenguaje de reconstruccin de la percepcin. Las edificaciones que aparecen en las imgenes
levitan, casi sin referencias. En Switch off all devices aparece un coche que ha sido modificado, de alguna manera contextualizado, como otros objetos que aparecen en la obra de
Carlos Irijalba. Outside comes first, realizada en los ltimos
meses entre Pamplona y Nueva York, muestra superficies de
cristal en entornos urbanos o en medio de la maleza que a
pesar de su transparencia son visibles.
Carlos Irijalba, licenciado en BB AA por la Universidad del
Pas Vasco finaliz sus estudios en la Universitt der Kunst
de Berln con el profesor Lothar Baumgarten en 2003.
Obtuvo una beca del Museo Guggenheim de Bilbao, el
Gobierno de Navarra, la Fundacin Bilbao Arte y de la
Fundacin Marcelino Botn. Ha sido Primer Premio Jvenes
Artistas de Navarra 2004, y Premio de Artes Plsticas
Colegio de Espaa y Cmara de Comercio de Pars 2006.
Devices is the title of one of the series shown at this exhibition
of Carlos Irijalba (Pamplona, 1979). Likewise it also includes
Environment, Switch off all devices and Outside comes first; 17
photographs of different sizes covering the work of the last few
years. In Environment images refer back to the creation of a
language of perception reconstruction. The buildings in the
images levitate, almost without references. In Switch off all
devices there is a car that has been changed, and somehow set
in a context, like the objects that appear in the work of Carlos
Irijalba. Outside comes first, produced in the last months
between Pamplona and New York, shows some glass surfaces
in urban environments or in the middle of the undergrowth that
are visible despite their transparency. Carlos Irijalba, graduated
in Fine Arts at the University of the Basque Country, ended his
studies at the Universitt der Kunst in Berlin with the teacher
Lothar Baumgarten in 2003. He was given a grant by the
Guggenheim Museum in Bilbao, the Goverment of Navarra, la
Foundation Bilbao Arte and the Foundation Marcelino Botn. He
has been awarded with the First Prize Jvenes Artistas de
Navarra 2004, and Prize of Plastic Arts Colegio de Espaa and
Cmara de Comercio in Pars 2006.
Outside comes first III (2007)
Hannah Collins. Parallel
En el Patio Corintio de Laboral, Ciudad de la Cultura, puede

verse esta muestra en la que Hannah Collins narra en el
proyecto Parallel, y a travs de fotografas de gran formato, tres historias cuyos protagonistas (Pamela, Dewa, y
Constantine) son inmigrantes africanos que cambian sus
vidas. Son aproximaciones a personas desarraigadas de
una cultura que no pueden mantener en su tierra de acogida. Hannah Collins reflexiona sobre ello a travs de este
acercamiento a esta tres personas: Pamela Anyoti, universitaria ugandesa que trabaja en Roma para la FAO, la
Organizacin para la Agricultura y la Alimentacin de las
Naciones Unidas; Dewa Abdousalaam ex jugador profesional de ftbol de Camern que vive en Madrid; y Constantine
Diomonde, originaria de Costa de Marfil, que reside en
Londres desde hace ocho aos. Todos ellos envan dinero a
su pas. Hannah Collins, artista, fotgrafa y cineasta, vive
actualmente entre Barcelona y Londres. Recientemente ha
hecho pelculas con miembros de la comunidad gitana en
Espaa y en una aldea rural de Rusia. Su obra se encuentra
en numerosas colecciones pblicas y privadas entre las que
se incluyen la Tate Modern (Londres), el Centre Georges
Pompidou (Paris), el MACBA (Barcelona), el Museo Centro
de Arte Reina Sofa (Madrid) o el Museum of Art (Dallas).
At the Patio Corintio of LABoral, in the Ciudad de la Cultura,
we can see the exhibition in which Ana Collins narrates the
project Parallel by using big-size photographs, three stories
whose protagonists (Pamela, Dewa and Constantine) are
African immigrants that change their lives. They are
approaches to people uprooted from their culture who cannot support themselves in the host country. Hannah Collins
meditates on this by means of this approach to these three
people: Pamela Anyoti, an Ungandan university student
working in Rome for the FAO, Food and Agriculture
Organization of the United Nations; Dewa Abdousalaam,
former proffesional football placer from Camern living in
Madrid; and Constantine Diomonde, from Ivory Coast, living
in London for eight years now. All of them send money to
their home country. Hannah Collins, an artist, photographer
and film maker, lives between Barcelona and London nowadays. She has recently produced films with the members of
the gipsy community in Spain and in a rural village in
Russia. Her work is part of numerous public and private collections, for instance the Tate Modern (London), the Centre
Georges Pompidou (Paris), the MACBA (Barcelona), the
Museo Centro de Arte Reina Sofa (Madrid) or the Museum
of Art (Dallas).
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_miradas
LO PBLICO, UN ESPACIO A CONSTRUIR
Santiago Cirugeda
Coincidiendo con la feria ARCO, un ao ms, se ha presentado en la capital el programa de Arte Pblico Madrid
Abierto, comisariado esta vez por el colectivo
Democracia. Un total de 13 intervenciones artsticas con
carcter temporal y efmero, que pretenden reflexionar
sobre el espacio urbano, un espacio que como afirma
Democracia, no debe contemplarse desde el consenso,
sino siempre desde el conflicto. Es desde esta postura,
la del conflicto, la nica aceptable y deseable, desde
donde se debe poner en prctica un arte pblico con
carcter crtico, pues de lo contrario, estar abocado, sin
ms remedio, a caer en lo espectacular, en el sentido
debordiano, y a no ser ms que simple animacin cultural. Recordemos la pasada Noche en Blanco en Madrid,
que a pesar de las buenas intenciones y de la categora
de los artistas seleccionados, ms que sacar el arte a la
calle, la ciudad se vio inundada de transentes desorientados que iban de un lugar a otro, en un continuo deambular. El Arte pblico, ms que acercar el arte a la gente,
que tambin, su tarea principal, a mi entender, debe ser
activar dicho espacio, reflexionar sobre sus mrgenes y
limitaciones, y poner en evidencia las contradicciones
que se dan en l, as como propiciar el debate y el dilogo, pues un espacio pblico no es otra cosa que un
espacio para la comunicacin de todos sus ciudadanos.
Las obras, todas situadas en el eje del Paseo de la
Castellana-Recoletos-Prado, obliga al espectador a convertirse en un flneur, a lo Baudelaire, y as, descubrir
paso a paso, los distintos proyectos.Alicia Framis +
Michael Lin, Andreas Templin, Annamarie Ho + Inmi Lee,
Dier + Noaz, Anno Dijkstra, Fernando Llanos, Guillaume
Sgur, Fernando Prats, Jota Castro, LaHostiaFineArts
(LHFA), Santiago Cirugeda, Todo por la Praxis y Santiago
Sierra son los participantes seleccionados para esta edicin. Dentro del discurso general destacan tres lneas de
actuacin, que son la organizacin de la ciudad (incidiendo en los problemas derivados de la especulacin
inmobiliaria, tema central para los habitantes de Madrid
en estos momentos), el papel del arte en el espacio
pblico como vehculo para la dar visibilidad a aquellos
discursos no usuales dentro de ste y las nuevas expresiones culturales asociadas a lo urbano. Santiago
Cirugeda participa con Construye tu casa en una azotea,
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Guillaume Sgur
proyecto en el que el artista crea una oficina para asesorar a los ciudadanos sobre autoconstruccin en la ciudad, aprovechando vacos legales y proponiendo nuevas
frmulas para la edificacin de viviendas en espacios
inutilizados como las azoteas. Destaca tambin
Explorando Usera, del colectivo de LaHostiaFineArts
(LHFA) en el que un autobs recorre el popular barrio de
Usera, donde abunda la poblacin inmigrante, ofreciendo un tour turstico diferente, alejado del centro de la
ciudad, y dando una perspectiva diferente de su entramado social. Por tu seguridad, de los artistas Dier y
Noaz, consiste en la falsa instalacin de un puesto de
control militar en una de las zonas comerciales y financieras de Madrid, creando alerta e inseguridad en los
ciudadanos, que proviene, no de la calle, sino de la
misma presencia del puesto de control. Por su parte,
Santiago Sierra propone, de cara a unas prximas elecciones, Bandera Negra de la Repblica Espaola, una
bandera de tela negra bordada en Alemania, reproducida en cientos de carteles pegados por las calles de
Madrid, invitando al ciudadano a reflexionar sobre su
sentido o sin sentido de la Espaa actual.
En 1994 Critical Art Emsemble, colectivo de artistas,
cientficos y activistas, declararon que las calles estaban
muertas, y que la accin (poltica y artstica) deba trasladarse all donde el poder estaba, es decir, en los flujos
de informacin, en la Red Internet. La gran cantidad de
manifestaciones y propuestas artsticas que tienen lugar
en el espacio urbano en nuestros das demuestran lo
contrario, que las calles estn vivas, pero tambin, que
deben ser activadas, creadas una y otra vez. En este
sentido, el arte juega un papel de vital importancia, en
cuanto se constituye como agente desestabilizador.
Pues es de eso precisamente de lo que se trata, de desestabilizar, de reflexionar sobre el espacio comn, en
definitiva, de construirlo entre todos, democrticamente, pues como afirm Habermas, el espacio pblico no es
algo definitivo, cerrado, sino que es algo que siempre
est por construir.
Rosa Naharro Diestro
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Coinciding with the fair ARCO again, Madrid Abierto ,

the project of public art has been shown in Madrid,
this time curated by the collective Democracia. 13
artistic interventions with ephemeral and temporary
character, trying to reflect on urban space, a space
that cannot be contemplated from the consensus but
from the conflict according to the collective
Democracia. It is the conflict the only acceptable and
desirable stance, and from which a critical public art
must be put into practice, since, on the contrary, it
will be heading for giving way to the spectacular in
the Bordieaun sense, and for simply being a cultural
animation.Lets remember the last Noche en blanco in
Madrid, which, despite the good intentions and the
quality of the selected artists, rather than taking art
out to the street, the city was flooded with disoriented passers-by going up and down. Public Art, rather
than bringing art to the people, which it also does,
from my point of view its main task should be to activate such space, reflect on its margins and limitations, and show its contradictions up, as well as to
encourage the debate and dialogue, since a public
space is nothing more than a space for peoples communication.
The pieces, all of them located in the Paseo de la
Castellana-Recoletos-Prado, makes the spectator
become a flneur, in the Baudelaires style, and find
out, step by step, the different projects. Alicia Framis
+ Michael Lin, Andreas Templin, Annamarie Ho + Inmi
Lee, Dier + Noaz, Anno Dijkstra, Fernando Llanos,
Guillaume Sgur, Fernando Prats, Jota Castro,
LaHostiaFineArts (LHFA), Santiago Cirugeda, Todo por
la Praxis and Santiago Sierra are the selected participants for this edition. Within the general discourse,
we can stand out three courses of action: the city
organization (emphasizing the problems derived from
the property speculation, the main topic for Madrids
inhabitants at the moment), the role of art in the public space as a vehicle for making visible those unusual discourses within it, and the new cultural expressions related to the urban. Santiago Cirugeda participates with Construye tu casa en una azotea, a project in which the artist creates an office to give the citizens legal advice about the city self-construction
making use of the gaps in the legislation and suggesting new ways of building houses in useless spaces
such as the terraces. It is also important Explorando
Usera, of the collective La Hostia Fine Arts (LHFA) in
which a bus travels around the popular neighbourhood of Usera, where there are a lot of immigrants,
showing a different tourist tour, far away from the city
centre, showing a different view of their social network. Por tu seguridad, of the artists Dier y Noaz,
consists of the false installation of a military checkpoint in one of the commercial and financial areas in
Madrid, generating alert and lack of safety in the citizens coming not from the street but from the presence of the checkpoint. Santiago Sierra suggests, in
view of the next elections, Bandera Negra de la
Repblica Espaola, a flag made of black fabric and
embroidered in Germany, reproduced in hundreds of
posters all over the city, inviting the citizen to reflect
on the sense or absurdity of Spain nowadays.
In 1994 Critical Art Emsemble, a collective of artists,
scientists and activists declared that the streets were
dead, and the action (political and artistic) should be
moved there where power was, that is, in the information flows, in the network Internet. The great
quantity of exhibitions and artistic proposals taking
place in the urban space nowadays give evidence of

the opposite, that the streets are alive but also that
they should be activated, created time and time
again. In this sense, art plays a very important role
since it becomes a destabilizing agent. Well, that is
the point, destabilizing, reflecting on the common
space, in short, building it among all of us, democratically, since, as Haberlas said, public space is not
something definitive or closed, but it is something to
be built.
Dier + Noaz
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LA MIRADA IRACUNDA
Montehermoso Kulturunea. Vitoria-Gasteiz. Hasta el 4 de mayo
Esta colectiva internacional comisariada por Maura

Reilly, responsable del Centro de Arte feminista
Elizabeth A. Sackler (New York) y el propio coordinador
general del Centro Cultural Montehermoso, Xabier
Arakistain, se integra dentro de un organigrama cultural
de mayor extensin y amplitud, que est fabricando
otras futuras producciones y exposiciones sobre arte y
pensamiento actual, bajo la problemtica arte, cultura,
sociedad, lo que permitir ahondar constante y metdicamente en cuestiones referentes a polticas de igualdad
entre los sexos en los territorios de la cultura y el arte
contemporneo.
Bajo este proyecto a largo plazo, se encuentra su alma
mter, Xabier Arakistain, que ya anteriormente haba
comisariado la reciente y excelente retrospectiva Kiss
Kiss Bang Bang en el Museo de Bellas Artes de Bilbao,
donde se agrupaban las obras de 44 artistas individuales y miembros de colectivos feministas de diferentes
pases que fueron sedimentando lo que se conoce como
arte feminista.
La mirada iracunda lanza una reflexin sobre el feminismo como base de un conocimiento prctico y vlido para
analizar nuestra realidad inmediata y adentrarnos en la
interpretacin de las distintas propuestas artsticas, que
en su gran mayora representan la desigualdad que
sufren las mujeres, y especialmente las artistas en estos
inicios del siglo XXI. Para este menester, se han seleccionado 20 creadoras, que proceden de diversos contextos culturales. Para reforzar esta orientacin ideolgica,
se ha organizado un congreso-curso, paralelo a la muestra, que abordar el pensamiento y las prcticas artsticas feministas, haciendo especial hincapi, por ejemplo,
en conceptos como el espejismo de la igualdad.
La seleccin de artistas se presenta como un colectivo
coordinado en torno a una ideologa concreta, que genera una serie de mensajes multivalentes, pero claramente enfocados hacia la denuncia social y especialmente
bajo la intencionalidad de rasgar el velo que cubre los
espejismos en los cuales se encuentran numerosas
mujeres en el mundo y, entre ellas, lgicamente las
artistas. Entre la dilatada lista de seleccionadas, resaltamos a Lida Abdul (Kabul), Alice Anderson (Londres),
Txaro Arrazola (Vitoria), Kathe Burkhart, Loulou
Cherinet (Gothenburg), Coco Fusco (Nueva York), Chitra
Ganesh (Nueva York), Caron Geary (Londres), Tracey
Moffatt (Nueva York), Yurie Nagashima (Tokio), Itziar
Okariz (Donostia) y Sophie Whettnall (Bruselas), entre
otras.
El ttulo de la colectiva procede de la reflexin lanzada
por la pensadora Amelia Valcrcel en su libro La poltica
de las mujeres, entendindose esta mirada iracunda
como una reaccin que tenan las mujeres, una vez
alcanzados los treinta aos, al descubrir la inexistencia
de tal igualdad, lo que les impeda ascender profesionalmente. Por este motivo, se observa una alusin constante al espejismo de la igualdad.
Entre las distintas propuestas seleccionadas, destacan
las piezas videogrficas de Pilar Albarracn, Alice
Anderson, Loulu Cherinet, Coco Fusco, Cristina Lucas,
Tracey Moffatt e Itziar Okariz; las propuestas realizadas
a base de tcnicas mixtas de Txaro Arrazola y Kathe
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Burkhart; las instalaciones de Lara Favaretto y A.L.

Steiner; y las fotografas de Caron Geary y Yurie
Nagashima, entre otras consideraciones creativas. Como
planteamiento generalizado, se observa que la mayora
de las obras siguen manteniendo los lenguajes ms radicales y rupturistas de la cadena experimental artstica,
por este motivo, la escritora norteamericana Jo Anna
Isaak afirma que si las mujeres artistas han estado trabajando en los mrgenes es porque ha sido el nico
lugar del que disponan. Desde los aos ochenta, ocurri
algo sumamente notable: los mrgenes se convirtieron
en nueva frontera. Igualmente, las teoras semiticas,
psicoanalticas y post-estructuralistas han abordado la
lgica de los sistemas y las relaciones que dotaban de
identidad a una frase, un signo, un individuo y una obra,
creciendo la conciencia de que las mujeres se jugaban
mucho con las nuevas ideas sobre las formas de generar y organizar significados en todas las reas de la
prctica cultural.
La prctica de una revisin de la historia y de la propia
actualidad desde un punto de vista feminista resulta
actualmente necesaria. De hecho, siguiendo este discurso, podramos decir que en la medida en que existe
una serie de problemas comunes para muchas mujeres, creadoras incluidas, observamos como los modos
de hacer, las reivindicaciones, las luchas y las respuestas se repiten en muchos casos, aunque existan notables diferencias debido a las situaciones histricas y
sociales concretas de cada pas.
Igualmente, en el Centro Cultural Montehermoso y junto
a esta misma colectiva, se paralela la muestra
Contraseas, comisariada por el colectivo ErreakzioReaccin, quienes analizan una visin polivalente de las
diferentes lneas de crtica, creacin artstica y feminista
en formato audiovisual, desde la dcada de los sesenta
hasta la actualidad. Otro proyecto que viene acompaado, al igual que el anterior, de una serie de ciclos tericos y emisin de resultados visuales.
Iigo Sarriugarte
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This international collective exhibition curated by

Maura Reilly, the responsible of the Elizabeth A. Sackler
Center for Feminist Art (New York) and the general
coordinator of the Centro Cultural Monterhermoso,
Xabier Arakistain, joined a more extensive and wide
cultural organization chart, which is creating future
productions and exhibitions about present art and
thought, under the topic art, culture, society, which
will allow to study thoroughly some questions
regarding politics of equality between sexes in the
fields of culture and contemporary art constantly
and methodically.
Under this long-term project, we can find its alma
mater, Xabier Arakistain, since he has previously
curated the recent and excellent retrospective Kiss Kiss
Bang Bang at the Museum of Fine Arts in Bilbao, where
there are the pieces of 44 individual artists and members of feminist collective groups from different countries that created what is known as feminist art.
La mirada iracunda launches a reflection on the feminism as the base of a practical and valid knowledge to
analyse our immediate reality and get us into the interpretation of the different artistic proposals, most of
which represent the inequality women undergo, specially the feminine artists at the beginning of the 21st
century. For that reason 20 feminine creators from different cultural contexts have been selected. In order to
reinforce this ideological orientation there is a congress-course in parallel with the exhibition which will
tackle the feminist thought and artistic practices paying special attention to some concepts such as the
mirage of equality.
The selection of artists are presented as a coordinated
collective around a concrete ideology generating some
many-sided messages clearly approached to social
denunciation specially under the intention of tearing
the veil that covers the mirages of numerous women
all over the world, and of course the artists among
them. In the selected list of artists we can highlight the
presence of a Lida Abdul (Kabul), Alice Anderson
(London), Txaro Arrazola (Vitoria), Kathe Burkhart,
Loulou Cherinet (Gothenburg), Coco Fusco (New York),
Chitra Ganesh (New York), Caron Geary (London),
Tracey Moffatt (New York), Yurie Nagashima (Tokyo),
Itziar Okariz (Donostia) and Sophie Whettnall
(Brussels), among others.
The title of the collective exhibition comes from the

reflection of the thinker Amelia Valcrcel in her book La
poltica de las mujeres, understanding this furious gaze
as the reaction of the women when they were thirty
and discovered that such equality did not exist and
they could not promote professionally. For that reason,
there is a constant reference to the mirage of equality.
Among the different selected proposals we can find the
videographic pieces of Pilar Albarracn, Alice Anderson,
Loulu Cherinet, Coco Fusco, Cristina Lucas, Tracey
Moffatt e Itziar Okariz; the mixed media of Txaro
Arrazola and Kathe Burkhart; the installations of Lara
Favaretto and A.L. Steiner; and the photographs of
Caron Geary and Yurie Nagashima, among other creative proposals.
As a widespread approach, we can see that most
pieces still keep up the most radical and breaking languages of the artistic experimental chain; for that reason the North American writer Jo Anna Isaak says that
if artist women have been working and remaining in
the sidelines is because it was the only place they had.
Since the eighties something noticeable has happened:
the sidelines became a new frontier. Likewise, psychoanalytic and post-structuralist semiotic theories have
tackled the logic of the systems and the relations that
identified a sentence, a sign, and individual and a piece,
raising the awareness that women stoke a lot on the new
ideas regarding the ways of generating and organizing
meanings in every area of the cultural practice.
The practice of a revision of history and present time from
a feminist point of view is necessary. In fact, following this
line, we could say that since there are some common
problems for many women, including artists, we can see
how the ways of acting, the demands, the fights and the
answers are repeated in many cases, although there are
important differences owing to the concrete historical and
social situation of each country. Likewise, at the
Montehermoso Cultural Centre there is a parallel exhibition, Contraseas, curated by the collective group
Erreakzio-Reaccin, who analyse a many-sided view of
the different lines of criticism, audiovisual artistic and
feminine creation, from the sixties to present time.
Another project that goes with some theoretical series
and the emission of visual results, like the previous one.
Tracey Moffatt
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JOSEPH BEUYS
El mundo natural de Joseph Beuys: encuentros

con lo animal y lo espiritual
La fascinacin de Joseph Beuys por las plantas, los animales, y la naturaleza existe desde los inicios de su
carrera. Los animales representan el puente entre las
reas terrenales y espirituales, l los imagin como figuras que pasan libremente desde un nivel de la existencia a otro.
El mismo artista se identific personalmente con varios
animales, ms notablemente la liebre: l siempre
llev el pie de un conejo o un penacho de pelaje
como talismn, y en broma se refiri indicando lo
puntiagudo de sus orejas como muestra de su cercana relacin con el animal.
Tambin tuvo una afinidad con el ciervo, un animal con
profundas relaciones hacia las leyendas alemanas y los
mitos del norte. El ciervo est presente en la simbologa
cristiana, cltica y germnica. Para los celtas, es el dios
Cernunos, de aspecto humano y cabeza astada, en sus
dos manos sostiene serpientes, los animales emblemticos de la inmortalidad y del conocimiento de la muerte. El ciervo se manifiesta as como animal psicopompo, gua de las almas hacia el ms all, el reino extrao allende la vida fsica. El ciervo es as tambin
mediador entre lo celeste y lo terrestre. Es el ser
capaz de palpitar en el mundo terrestre, emprico y
visible, y en lo invisible.
En los primeros dibujos de Beuys aparece el cisne.
Animal bello y delicado emparentado con las nieblas de
la mitologa germnica, con el caballero Lohengrin, el
caballero-cisne.
En el mltiple A Party for Animals, l simplemente declar ser un animal incluyndose con el alce, el lobo, el castor, el caballo, la cigea, y muchos otros en la lista de
los miembros activos de la fiesta.
La mente moderna est profundamente habituada a
degradar la dignidad animal, entendiendo su mundo
como un reino sin razn, sin voluntad ni libre albedro,
cuya nica justificacin intrnseca es acompaar o servir
al hombre. El valor tico o la inteligencia no pueden
hallarse en los animales. Ellos son el instinto ciego,
mecnico, el puro pathos de la supervivencia.
El destino animal es, as, la negacin de la conciencia y
espiritualidad humanas.
Pero Beuys tiene otra concepcin: el animal es energa
espiritual, intensa vitalidad psquica, es realidad sobrehumana, por encima de la persona, ms cercana a lo
sagrado y a lo divino.
Probablemente Beuys sea el artista conceptual que con
ms insistencia haya intentado insertar su trabajo dentro de un todo orgnico regido por la libertad creativa y
la coherencia esttica.
En sus ediciones est presente ese discurso globalizador
en el cual el artista multiplica sus modos de ser y pensar convirtindose en ciudadano poltico, en mstico, en
cientfico racional, en poeta y por supuesto en animal.
Antonella Montinaro
Exposicin celebrada el pasado mes de marzo en la Sala Municipal de

Exposiciones de la Iglesia de las Francesas de Valladolid.
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The natural world of Joseph Beuys: encounters with

the animal and the spiritual
Joseph Beuyss fascination for plants, animals and nature
has existed from the beginning of his career. The animals
represent the bridge between worldly and spiritual areas;
he imagined them like the figures that can go from one
level of existence to the other.
The artist identified himself with several animals, above all
with the hare: he used to take a rabbit paw or a fur tuft as
a talisman, and, joking, he mentioned his sharp-pointed
ears to show his close relation with the animal.
He has also has certain affinity with the deer, an animal
deeply related to German legends and northern myths. The
deer is present in Christian, Celtic and Germanic symbols.
For the Celtics it is the god Cernunos, with human appearance and a horned head, keeping snakes in its hands, the
animal that represents immortality and death knowledge.
The deer is shown as a psychopomp animal, the guide that
leads the souls to the great beyond, the strange kingdom
beyond the physical life. So the seer is also the mediator
between the heavenly and the worldly. It is the being able
to palpitate in the empirical and visible earth, and also in
the invisible world.
We can also see the swan in Beuyss first drawings. A beautiful and delicate animal closely related to the fog in the
Germanic mythology, with the knight named Lohengrin, the
swan-knight.
In the multiple A Party for Animals, he declared that he was
also an animal together with the elk, the wolf, the beaver,
the horse, the store and many others in the list of the
active members of the party.
Modern minds are used to degrading animal dignity, considering their world like a foolish kingdom, without free will,
and aimed at accompanying or serving the man. The ethical value or the intelligence cannot be found in animals.
They are the blind instinct, mechanical, the pure pathos of
survival.
So, animals destiny seems to be the negation of human
consciousness and spirituality.
But Beuys has a different conception: the animal is the
spiritual energy, intense psychic vitality, superhuman reality, above people, more closely related to the sacred and
the divine.
Beuys is probable the conceptual artist that has tried to
insert his work within a organic whole ruled by the creative
freedom and aesthetic coherence more insistently.
This globalizing discourse is included in his editions in which
the artist multiplies his ways of acting and thinking becoming a political citizen, a mystic, a rational scientist, a poet
and, of course, an animal.
Vista de la exposicin
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TOBIAS REHBERGER
En la madrilea galera Heinrich Ehrhardt se presentaron el pasado marzo las recientes esculturas de
Tobias Rehberger. Este genial artista con obra en la
coleccin RAC de Pontevedra, en el MUSAC y una gran
monogrfica el ao pasado en el madrileo Palacio de
Cristal plantea un nuevo discurso.
Dentro de la lnea de intervencin del espacio, de dilogo con los colores planos, de reinvencin de usos de
materiales cotidianos, T. Rehberger propone ahora
unas maravillosas celosas como grandes planos de
un laberinto.
El artista disea mdulos unitarios en diversos materiales y los repite en organicista esttica hasta hacer
muros que permiten lanzar la mirada hasta otras
esculturas mimticas. El evocador recuerdo de las
arquitecturas expresionistas de los aos sesenta en
las que unas celosas ingrvidas como las reinventadas ahora por el artista se superponan a los muros
formalistas de las edificaciones est presente en la
exposicin.
En el caso espaol la escuela de Madrid con edificios
como el Torres Blancas de Francisco Javier Saenz de
Oiza es un prefacio a estas formas de repeticin a la
manera de Escher que ahora nos propone T.
Rehberger. En el mbito internacional por ejemplo las
arquitecturas voltiles de scar Niemeyer en Brasilia
pueden ser referidas como antecedente de estas nuevas propuestas escultricas. Resulta alentador ver
como la tan recurrente intervencin de espacios por
parte de artistas contemporneos a medio camino
entre la arquitectura, el diseo industrial y las artes
aplicadas consigue en esta propuesta de T. Rehberger
alcanzar un cnit infrecuente en este tipo de obras.
En ocasiones suelen ser trabajos banales y retricos,
en el caso de Rehberger es un conjunto escultrico
que parece la nica manera de avanzar en el concepto hipermoderno de escultura liberada de pedestal y
envolvente como un decor o como el vientre de la
madre o el corazn hogareo. Crea adems una
coleccin de lmparas de formas abyectas que son el
extremo plstico opuesto de las rigurosas celosas.
Una propuesta de esttica futura.
The gallery Heinrich Ehrhardt showed the recent

sculptures of Tobias Rehberger last March. This
great artist with pieces included in the collection
RAC in Pontevedra, at the MUSAC and a great monographic exhibition at the Palacio de Cristal in Madrid
last year, suggests a new discourse.
Within the line of the space manipulation, of dialogue with flat colours, of reinvention in the use of
quotidian materials, T. Rehberger shows some wonderful lattices acting as the plans of a labyrinth.
The artist designs the modules with different materials and repeats them in an organicist aesthetic to
the point of creating walls that allow us to glance at
other mimetic sculptures.
The evocating memory of the expressionist architectures of the sixties in which some lattices, like the
ones invented by the artist now, were superimposed
on the formalist walls of the buildings is present in
the exhibition. In the Spanish case the school of
Madrid, with some buildings such as the Torres
Blancas by Francisco Javier Sez de Oiza is a preface of these repetition shapes in the Eschers style
which Rehberger suggests now.
At an international context, we can find the volatile
architectures of scar Niemeyer from Brazilia as the
antecedents of these new sculptural proposals.
It is encouraging to see how the recurrent manipulation of space by contemporary artists half-way
among architecture, industrial design and art crafts
gets to achieve an unusual zenith for these kind of
pieces in Rehbergers proposal. They used to be
banal and rhetoric in some occasions, but in the case
of Rehberger it is a sculptural assemble that looks
like the only way to move forwards in the hypo-modern concept of sculpture freed from the pedestal and
evolving like a dcor, a mothers womb or the homeloving heart. He has also created a collection of
lamps with wretched shapes that are the opposed
plastic extreme of the rigorous lattices. A proposal
of future aesthetic.
Romn Padn Otero
Exposicin celebrada durante el mes de marzo en la galera Heinrich

Ehrhardt (Madrid)
Tobias Rehberger. Cortesa galera Heinrich Ehrhardt
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EL MUNDO DESCRITO
ALFONSO BREZMES
Fundacin ICO. Madrid. Hasta el 4 de mayo
Cmara Oscura. Madrid. Hasta el 12 de abril
lbum de 1886, n22. Vibracin de una verga elstica, 1886.

Ettienne-Jules Marey Collge de France. Archives
El Mundo Descrito comisariado por Pablo Llorca plantea

la relacin entre ciencia y fotografa. Ms de 300 imgenes conforman un repertorio iconogrfico con diferentes
objetivos: documental, narrativo y esttico. La exposicin debate sobre estas imgenes fotogrficas, sobre su
valor documental y/o artstico, coexistiendo imgenes
histricas, documentos jurdicos o policiales, etc. Se
pueden contemplar desde los experimentos sobre la
imagen en movimiento de Muybridge, imgenes que
visualizaban el resultado de experimentos cientficos,
hasta una ecografa.
El Mundo Descrito intenta mostrar la pertinencia cultural
y esttica de unos documentos visuales que en general
no son considerados artsticos: imgenes cientficas o
periodsticas con una consideracin esttica en s. Para
el comisario la mayora son imgenes procedentes de
aplicaciones cientficas sin que los autores percibieran su
dimensin artstica () En algunos casos, se trata de
obras realizadas por artistas profesionales que ayudan a
la comprensin del mundo y plantean la cuestin sobre
su correcta lectura: Imagen de autor, imagen descriptiva o una mezcla de ambas?. La muestra se distribuye
en siete apartados que caminan por el cosmos, la naturaleza, el ser humano, su entorno social o la tecnologa.
El Mundo Descrito, curated by Pablo Llorca suggests the
relation between science and photography. More than
300 images make up an iconographic repertoire with different aims: documental, narrative and aesthetic. The
exhibition tackles these photographical images, their
documental and/or artistic value, coexisting historical
images, legal or police documents, etc. We can see from
the experiments on the moving image of Muybridge,
images visualizing the result of scientific experiments, to
an ultrasound scan.
El Mundo Descrito tries to show the cultural and aesthetic belonging of some visual documents that are not generally considered as artistic: scientific or journalistic
images with an aesthetic consideration in them.
According to the curator most images come from scientific applications without being perceived their artistic
dimension by the authors () In some cases they are
pieces produced by professional artists that help in the
understanding of the world and suggest the question on
their right reading: Author image, descriptive image or
a mixture of both?. The exhibition is divided into seven
sections dealing with the cosmos, nature, the human
beings, their social environment or technology.
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La fotografa de Alfonso Brezmes (Madrid, 1966) se sita

prxima a un territorio de ficcin; mediante el empleo
del montaje manual, consigue la construccin de nuevos
lugares. La imagen surge primero de la construccin
manual de una maqueta, que despus fotografa, y posteriormente realiza el montaje visual. Las imgenes que
se presentan en esta muestra forman parte de la serie
Pequeas pasiones; series anteriores como La Vida
Secreta de las Cosas (2001) o Fragmentos Urbanos
(2006) ya demuestraban un inters por lo ficcional y por
la poesa visual.
Pequeas pasiones contina la exploracin sobre los
hbitos cotidianos, rutinas y placeres que modifican su
escala desplegando un sugerente universo diminuto,
enfrentan al espectador a asumir una mirada consciente sobre la realidad que le rodea.
The photography of Alfonso Bezmes (Madrid, 1966) can

be set close to a fiction territory; through the use of the
manual setting up he creates of new places. First of all
the image emerges from the manual setting up of a
scale model, which he captures with the camera, and
later makes the visual setting up. The images of this
exhibition are part of the series Pequeas pasiones; previous series such as La vida secreta de las cosas (2001)
or Fragmentos Urbanos (2006) already showed an interest in the fictional and visual poetry.
Pequeas pasiones continues the exploration on the
quotidian habits, routines and pleasures that modify the
scale, deploying a suggestive tiny universe, making the
spectators assume a conscious look at the reality surrounding them.
Alfonso Brezmes. Los das felices
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ANTN LAMAZARES
Galera Fernando Magdalena. Vigo. Desde el 9 de mayo hasta el 30 de junio
Antn Lamazares. Naranja pensativa XIV (2004)
La muestra presentada en esta sala viguesa rene una

decena de obras de Antn Lamazares, entre las que destacan Mateo (1987-1992), Titania e brao (1998), Sueo
de la casa de las vacas (2000) o Naranja Pensativa XII
(2004). Su pintura, de clara vocacin minimal e influenciada por el Art brut y el informalismo, se caracteriza por
unas composiciones con trazos de gran simplicidad
potenciados por la expresividad y la sencillez de la lnea
y de las manchas de color donde la presencia del lugar
y del paisaje es importante. Para Jure Mikuz todos los
intrpretes de la obra pictrica de Lamazares resaltan su
genius loci explcito, dado que en las representaciones
elementales reconocen los reflejos interiores y memorativos del paisaje de la juventud del autor () Aunque
genius loci sea una de las propiedades ms sobresalientes de la obra de Lamazares, que podemos rastrear
hasta los inicios creativos del artista, la misma presencia y la evidencia de este elemento obligan a ser prudentes. Estamos sin duda ante las obras de un pintor cuya
fuerza creadora se intensifica precisamente por la conexin telrica, similar a la de Anteo. Por lo cual, la referencia que hace el autor a su paisaje natal no puede
corresponder slo a la exigencia popular que en un
momento dado estaba de moda, sino que se trata de
una obligacin esttica explcitamente personal, propuesta fatalmente en el sentido de la tica modernista.
Podemos entenderla como la llamada de un lugar que
eligi a su poeta: como ste supo escucharlo, el lugar le
revela paulatinamente sus secretos. En sus obras utiliza gran variedad de soportes (cajas de madera, cartn,
materiales de desecho) y elementos ya caractersticos
de su obra como lacas y barnices.
Antn Lamazares (Maceira, Pontevedra, 1954) reside
desde hace unos aos en Berln. Su formacin se realiza fuera de las enseanzas regladas, disfrutando de
becas, entre los aos 1976 y 1978, de la Diputacin de
Pontevedra, del Ayuntamiento de Laln y del Ministerio
de Cultura. En la dcada de los ochenta particip junto
a otros pintores como Menchu Lamas en el grupo
Atlntica, tendencia principalmente figurativa y expresionista de la plstica gallega cuyo objetivo era revitalizar de la produccin artstica.
Su obra figura en la coleccin permanente del Museo
Nacional Centro de Arte Reina Sofa, as como en numerosos museos y colecciones particulares.
The exhibition shown at this gallery in Vigo assembles

twelve pieces of Antn Lamazares, among which we
can stand out Mateo (1987-1992), Titania e brao
(1998), Sueo de la casa de las vacas (2000) or
Naranja Pensativa XII (2004). His painting, with clear
minimal vocation and influenced by the Art brut and
the informalism, is characterized by the strokes of
great simplicity strenghtened by the expressiveness
and simplicity in the line and the colour stains in
which the presence of place and landscape is very
important. According to Jure Mikuz All interpreters of
Lamazaress art keep pointing out his distinct genius
loci, recognising, in his elementary paintings, intrinsic, reminiscent landscape reflections from the artists
youth () Despite the fact that genius loci is one of
the most prominent characteristics of Lamazaress
work, which can be traced back to the artists initial
creative endeavours, its persistent presence and
obviousness should be considered with care. These
are undoubtedly works of an author whose creative
force is bolstered by an antean telluric bond. The
affinity with his homeland cannot be a mere consequence of some fashionable and broadly popular
demand; it is a deeply personal aesthetic commitment, fatally bound to the spirit of modernist ethics.
One can interpret it as a call of a landscape that has
chosen its bard. The bard was willing to lend it an ear,
and the landscape began unveiling its mysteries. In
his pieces he uses a great variety of supports (wooden boxes, cardboard, waste materials) and some
elements typical of his work such as lacquers and varnishes.
Antn Lamazares (Maceira, Pontevedra, 1954) has
lived in Berlin for some years. He has not regulated
training regarding art, receiving some grants between
1976 and 1978, of the Diputacin de Pontevedra,
Lalns Council and, the Culture Ministry. In the eighties he took part, together with other painters such as
Menchu Lamas, in the group Atlntica, a mainly figurative and expressionist trend of the Galician plastic
art whose aim was to revitalize the artistic production.
His work is part of the permanent collection of the
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofa, as well as
of numerous museums and private collections.
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PAPERLESS MARKS
ADN Galera. Barcelona. Hasta el 3 de mayo
Abdelkader Benchamm. Les premiers jours
Marc Quintana. You Lose (2008)
Paperless Marks es la segunda muestra que desde

esta galera se realiza en torno al dibujo; la primera
fue Drawing & Dreaming con Judas Arrieta, Virginie
Barr, Abdelkader Benchamma, Petra Mrzyk & JeanFranois Moriceau y Pierre La Police. En esta ocasin
la exposicin se centra en el soporte fsico, las obras
expuestas pertenecen a la disciplina del dibujo pero no
utilizan el soporte papel y coinciden en un inters
sobre las nociones de paisaje y escenificacin. Son
cinco artistas y un colectivo artstico los seleccionados
para desarrollar esta reflexin sobre la nocin del dibujo expandido: Abdelkader Benchamma, Jess Galdn,
Fleur Noguera, Frank Plant, Marc Quintana y Qubo Gas.
Los personajes de las obras del francs Abdelkader
Benchamma (1975) se sitan entre realidad y ficcin.
El barcelons Jess Galdn presenta tres dibujos realizados con luz sobre papel fotosensible y presentado
como tondos fotogrficos. De origen francs, Fleur
Noguera, experimenta el efecto ptico, jugando con
las distancias y la perspectiva, trabajando con el vaco
y la ausencia. Frank Plant, escultor americano residente en Barcelona desde 1999, investiga sobre nuevas
formas de comunicacin en la recepcin.
Desde hace ocho aos tres artistas franceses Jef
Ablzot, Morgan Dimnet y Laura Henno trabajan juntos bajo el nombre Qubo Gas sobre los dilogos e
interdependencias entre el dibujo y las herramientas
informticas. Completa la muestra Marc Quintana,
joven artista interesado sobre la iconografa urbana y
sobre la hibridacin de soportes y medios. Para esta
muestra ha realizado una intervencin mural sobre los
efectos perniciosos de la cultura del videojuego: en
Japn los denominados hikikomori, adolescentes aislados en sus habitaciones viviendo realidades virtuales.
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Paperless Marks is the second exhibition on drawing

organized at this gallery; the first one was Drawing &
Dreaming with Judas Arrieta, Virginie Barr,
Abdelkader Benchamma, Petra Mrzyk & Jean-Franois
Moriceau and Pierre La Police. In this occasion the
exhibition focuses on the physical medium, the exhibited pieces belong to the field of drawing but they do
not use the paper and coincide in an interest in the
notions of landscape and staging. Five artists and a
collective are the selected team to reflect on this
notion of the expanded drawing: Abdelkader
Benchamma, Jess Galdn, Fleur Noguera, Frank
Plant, Marc Quintana and Qubo Gas.
The characters in the pieces of the French Abdelkader
Benchamma (1975) are placed between reality and
fiction. Jess Galdn from Barcelona, shows three
drawings produced with light on photosensible paper
and shown as photographic tondos. The French Fleur
Noguera experiments with the optical effect, playing
with distances and the perspective, working with the
void and the absence. Frank Plant, North American
sculptor living in Barcelona since 1999, investigates
on new ways of communication in the reception.
The three French artists Jef Ablzot, Morgan Dimnet
and Laura Henno have been working together for
eight years, with the name Qubo Gas, on the dialogues and interdependences between drawing and
computer tools. The young artist Marc Quintana,
interested in urban iconography and the hybridation
of media and supports, completes the exhibition. For
this exhibition he has produced a wall intervention on
the harmful effects of videogame culture: in Japan
the so-called hikikomori, teenagers isolated in their
bedrooms living virtual realities.
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RAFAEL CIDONCHA
Galera Mara Prego. Vigo. Desde el 24 de abril hasta el 6 de junio
Un trampantojo en el jardn
Una exposicin de Rafael Cidoncha en Vigo es un acontecimiento doble. Es un artista que no se prodiga en
exceso y al presentar en Vigo algunos de sus cuadros y
dibujos revisita su villa natal. As con esta exposicin
asistimos a un singular evento artstico que adems se
celebra en una de las tierras, la primera, de este cosmopolita artista.
En los cuadros de Rafael Cidoncha no slo destaca su
factura bellsima de corte realista y tonos fotogrficos,
sino tambin el universo cromtico de lujo, calma y
voluptuosidad que perciben los ojos del artista sirve de
escenario en donde se ordenan los bellos objetos de sus
bodegones y en los que crecen ascticas flores, palmeras y libros.
La vista en lontananza de sus paisajes ofrece al observador curioso, serpenteantes caminos por los que avanzar en la bsqueda de alguna naturaleza ignota. Como
en la literatura de Bruce Chatwin el paseo se convierte
en un arte al caminar por los senderos de montaas
europeas y jardines africanos propuestos por Rafael
Cidoncha. En unos parece que vamos a encontrar a
algn viajero ingls en Grand Tour, en otros quiz aparezca Yves Saint Laurent eligiendo flores con las que elaborar fragancias y en todos ellos salta la emocin por la
belleza de la pintura y da ganas de exclamar Bonjour
monsieur Cidoncha.
La vista a corta distancia de las composiciones propuestas por este artista nos sitan ante contrapuntsticas
construcciones de libros, jarros o estatuaria que evocan
los gabinetes de coleccionista dieciochescos en los que
las artes, las ciencias y los recuerdos biogrficos se
mezclaban en un todo absoluto. Adems era frecuente
ver, en esas cmaras de las maravillas, representaciones
pictricas que jugaban al fingido verdadero tal y como
hace Rafael Cidoncha en sus elaboradas torres de objetos encontrados.
En fin, los retratos de personajes o los retratos de plantas tienen tambin peculiares rasgos genuinos.
Los personajes en retrato frontal, en retrato psicolgico
sin ayuda de dcor tienen un eco de la escuela de
Londres. Y son sobre todo un apasionado poemario de la
belleza de la carne trmula. Un acento ciertamente asimilable al barroco espaol sevillano.
En los retratos de plantas se deja lucir el botnico escondido detrs del pincel y si personalidad tienen los rasgos
de los individuos retratados por Rafael Cidoncha, no
menos singularidad tienen las plantas detalladamente
retratadas por el trazo lento del pintor.
La aficin por el universo de sublime franqueza de Rafael
Cidoncha nos acerca a la verdad del arte, nos aleja de los
fantasmas de la vacuidad contempornea y nos sita en
la pool position de gentes de gusto indiscutible como el
Barn de Rd o el Barn Guy de Rothschild.
Alguien quiere caminar entre las fuentes de un jardn
marroqu con el carnet de voyage de Rafael Cidoncha?
Un trampantojo en el jardn
An exhibition of Rafael Cidoncha in Vigo is a double event.
He is an artist that does not show himself excessively, and
by exhibiting some of his pictures and drawings in Vigo
revisits his native town. So we can attend a singular artistic
event that is held in one of this artists homes, the first one.
In Rafael Cichondas pictures his beautiful execution of realist style and photographical tones is emphasized. The chromatic universe of luxury, calmness and voluptuousness the
artists eyes can perceive, act as a setting in which the beautiful objects of his still lives are ordered and in which ascetic flowers, palm trees and books grow. The faraway view of
his landscapes shows the curious observer winding paths to
mover forwards in the search for some unknown nature.
Just as in Bruce Chatwins literature, the walk becomes an
art of walking through the paths of the European mountains
and African landscapes suggested by Rafael Cidoncha. It
seems that we are going to find an English traveller in Grand
Tour in some of them, or maybe in others Yves Saint Laurent
might appear choosing flowers to elaborate fragrances, and
in all of them there is some kind of excitement for the beauty of painting, and it makes you want to exclaim: Bonjour
Monsieur Cichonda. The close view of the compositions
suggested by this artist puts us before the contrapuntal constructions of books, jugs or statuary evoking the 18th century cabinets of wonders in which arts, sciences and the
biographical memories mixed up in an absolute whole. It
was also common to see pictorial representations playing
with the false reality in these cabinets of wonders just as
Rafael Cidoncha does in his towers of found objects. In
short, the portraits of characters or plants also have some
peculiar genuine features. The characters, in front portraits,
in psychological portraits without the help of dcor have an
echo of the school of London. And they are, above all, a passionate book of poems of the beauty of the flickering flesh.
An accent resembled to Spanish baroque from Seville. In
the depiction of plants we can see the botanical hidden
behind the paint brush; and if the features of the individuals depicted by Rafael Cidoncha have personality, the plants
carefully depicted by the slow stroke of the painter have no
less singularity. Rafael Cidonchas fondness for the universe
of sublime frankness approaches us to the truth of art,
moves us away from the ghosts of contemporary vacuity
and places us at the pool position of good taste people such
as the Baron of Rd or the Baron Guy de Rothschild. Would
anybody like to walk among the fountains of a Moroccan
garden with Rafael Cidonchas carnet de voyage?
Romn Padn Otero
Rafael Cidoncha
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_miradas
YO TAMBIN TE QUIERO
Sobre el mostrador del CGAC, junto a los folletos de

las exposiciones de Lodeiro y Susan Phillipsz, destacan, en brillante rojo una especie de folletos y unas
pegatinas en forma de corazn; en ambas, serigrafiada en blanco reza la frase I love you.
Se trata de un ciclo de vdeo proyectado en el centro
de arte compostelano y una exposicin con el mismo
ttulo presentada en el Centro Torrente Ballester de
la ciudad departamental.
La puerta de cristal del antiguo Hospital de Caridad
de Ferrol aparece sorprendentemente cubierta de
rojos corazones y un Cupido en posicin de ataque,
esto es, lanzando flechas de amor, acompaa a los
nombres de los nueve artistas que conforman esta
muestra. I love you articula un conjunto de propuestas audiovisuales de creadores nacionales e internacionales de primera lnea. Susana Cendn, comisaria
de la muestra, concibe bajo un tema aparentemente
banal, el del amor en formato kitch, el del ms
comercial San Valentn, el de regalos absurdos, promesas de amor impuestas y declaraciones forzadas,
una exposicin con un mensaje claro, el amor vivido,
sufrido, ansiado, el amor entre personas y el amor
entre mquinas u objetos.
Desde el desnudo claustro del hospital, una meloda
conocida, I never dreamed that Id meet somebody
like you (...) No, I dont wanna fall in love, llama
insistentemente al espectador, se trata de Im a victim of this song (Soy vctima de esta cancin), de la
artista suiza Pipilotti Rist, en el que canta una versin distorsionada de Wicked game, escrita por Chris
Isaak. Rist nos habla en sus trabajos de gnero, de
sexualidad, cuestionando las normas impuestas por
el medio fotogrfico y en este caso utiliza una banda
sonora (Corazn salvaje, David Lynch, 1990) por
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todos conocida que nos permite identificarnos con el

lenguaje de la artista. Nagi Noda (Tokio, 1970) nos
sorprende con una deliciosa historia de amor entre
dos tazas de desayuno, A small love store about Alex
& Juliet. Un pasillo oscuro nos conduce hacia una
gran pantalla sobre la que se proyecta (en el espacio
otrora usado de cafetera) Celebremos que San
Valentn es slo una vez al ao, de la agencia
madrilea de publicidad Red Remo, nos adentra con
cido toque de irona en el mundo de las teletiendas
con un spot publicitario en el que se trata de vender
un objeto imposible para regalar a la persona amada
el 14 de febrero. Dos guitarras elctricas son protagonistas de una nueva historia de amor de la mano de
Xon Anleo (Marn, Pontevedra, 1960); la msica que
acompaa a esta animacin ha sido compuesta por el
propio artista, Redes de sospeita (prembulo). Las
propuestas de A Ama de Casa Pervertida (Cris
Carvalho y Pablo Huertas) con Acorazonada trata de
todas esas cosas que les han contado sobre el amor
y nunca han experimentado. Para completar la
muestra podemos ver los trabajos de Chris
Cunninghan, All is full of love, donde dos robots
femeninas se aman en un entorno de ciencia ficcin;
Stephan Ghukfvin que presenta una especie de casting en el que una mujer bella y madura rechaza a
varios hombres mientras fuma sin parar; Julia
Montilla con Feed the need en el que trata el tema de
las telenovelas adaptando una pelcula de 1963,
Cleopatra. Por fin David M. Young nos sorprende con
Hitchcocked en un encuentro sexual y peligroso con
final feliz.
Emma Gonzlez Rey
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At the CGAC, on the entrance desk close to the Loreiro

and Susan Philipszs exhibitions leaflets, there are other
sort of bright red leaflets and some heart-shaped stickers in which we can read the sentence I love you
screen-printed in white.
It is a video season projected at the art centre in
Santiago de Compostela and an exhibition with the same
title in the Centre Torrente Ballester in Ferrol.
The glass door of the old Hospital de la Caridad in Ferrol
appears covered in red hearts and a Cupid in attack
position, that is, firing love arrows, accompanies the
names of the nine artists taking part at this exhibition. I
love you articulates a group of audiovisual proposals of
some excellent national and international creators.
Susana Cendn, the curator of the exhibition, tackles
under an apparently banal topic, love in kitch format,
the commercial Valentines Day of ridiculous gifts,
obliged love promises and forced declarations of love; an
exhibition with a clear message, the experienced, suffered, longed-for love among people and love among
machines or objects.
From the bare hospital cloister, a well-known song I
never dreamed that Id meet somebody like you (...)
No, I dont wanna fall in love , calls for the spectator
insistently, it is Im a victim of this song, of the Swiss
artist Pipilotti Rist, in which she sings a distorted version
of de Wicked game, written by Chris Isaak. Rist talks us
about her genre work, about sexuality, questioning the
ruled enforced by the photographical medium and, in
this case, using a well-known soundtrack (Corazn sal-
vaje, David Lynch, 1990) that makes us feel identified

with the artists language. Nagi Noda (Tokyo, 1970)
astonished us with a delightful love story between two
breakfast cups, A small love store about Alex & Juliet. A
dark corridor leads us to a big screen on which
Celebremos que San Valentn es slo una vez al ao is
projected (in the space that was the caf in old times),
by the Madrilenian advertising agency Red Remo, which
gets us deep into the world of home shopping ironically
with an advertising spot that tries to sell an object that
seems impossible to give to the loved person as a gift on
February 14. Two electrical guitars are the main characters of the new love story of Xon Anleo (Marn,
Pontevedra, 1960); the music accompanying the animation was also composed by the artist, Redes de sospeita
(prembulo).
The proposals of A Ama de Casa Pervertida (Cris
Carvalho y Pablo Huertas) with Acorazonada is about all
these things they have been told about love and they
have never experienced. We can also see the pieces of
Chris Cunninghan, All is full of love, in which two feminine robots love each other in a science fiction environment; Stephan Ghukfvin shows a sort of casting in which
a middle-aged beautiful woman pushes some men away
while she is constantly smoking; Julia Montilla shows
Feed the need tackling the topic of soap operas by
adapting a film from 1963, Cleopatra. And finally David
M. Young surprises us with Hitchcocked , a dangerous
sexual with a happy ending.
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COSAS DEL SURREALISMO

Museo Guggenheim-Bilbao. Hasta el 7 de septiembre
La exposicin comisariada por Ghislaine Wood supone

una autntica oportunidad de poder comprobar in situ la
influencia del surrealismo en el mbito del diseo, dos
campos creativos, que conexionados bajo las premisas
de la experimentacin han generado numerosas interconexiones formales y cromticas, que han enriquecido las
distintas facetas productivas de ambos territorios. Los
artistas surrealistas se adentraron en el mundo del
diseo para dar salida a sus onricas y recalcitrantes
propuestas, a la vez que el mundo del diseo, siempre
sediento de nuevas fuentes de inspiracin, comenz a
bucear en los parmetros de la experimentacin
surrealista.
La muestra presentada por el Museo GuggenheimBilbao, en colaboracin con el Victoria and Albert
Museum, expone unas 250 piezas, que abordan numerosos territorios creativos, como la pintura, el teatro, el
cine, la arquitectura y lgicamente el interiorismo, el
mobiliario, la moda y la publicidad. Para ello, el elenco
elegido resulta de una calidad indudable, siendo representado por nombres tan reconocidos como Salvador
Dal, Max Ernst, Ren Magritte, Joan Mir, Jean Michel
Frank, Giorgio de Chirico, Elsa Schiaparelli y Frederick
Kiesler, entre otros.
Las piezas proceden como es de costumbre de colecciones pblicas y privadas de todo el mundo, siendo algunas de stas expuestas por primera vez. Este importante nmero de obras de arte viene engalanado por una
escenografa inspirada en los propios surrealistas, pero
que esta vez ha sido elaborada por el equipo de arquitectos londinense Metaphor.
La muestra queda anclada mediante cinco secciones
temticas: El ballet, donde gracias al impulso artstico
de Sergei Diaghilev sobre los Ballets Rusos, se requiri
la colaboracin de numerosos creadores para las escenografas, decorados y los diseos de vestuario, entre
los que se encontraban Giorgio de Chirico y Andr
Masson, destacando especialmente los decorados y
diseos de vestuario de Joan Mir para la produccin
Juegos de nios de 1932.
En la seccin El Surrealismo y el objeto, podemos comprobar como estos artistas se adentraron en la creacin
de fantasiosas combinaciones y yuxtaposiciones objetuales, lo que permiti recrear nuevos valores semnticos, que habitualmente se entroncaban con el mundo de
los sueos y los deseos, tal y como ocurre con Busto de
mujer retrospectivo (1933) de Dal y La carretilla (1937)
de scar Domnguez.
En La naturaleza se vuelve extraa, nos adentramos en
una de las principales fuentes de inspiracin surrealista:
la naturaleza, pero analizada como algo extraordinario
y en conexin con el subconsciente, tal y como lo plantean Jean Arp, Alexander Calder, Joan Mir, Isamu
Noguchi y Carlo Mollino. En este caso, debemos resaltar
los pendientes para Peggy Guggenheim realizados en
1938 por Yves Tanguy, as como el Sof en forma de
nube (1948) de Isamu Noguchi.
El apartado La exposicin del cuerpo procede de una
serie de preocupaciones psicolgicas, sociolgicas y de
inters sexual, donde el cuerpo es tratado bajo todo tipo
de manipulaciones, que descoyuntan su visin original.
Especialmente, destaca el campo de la moda como uno
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de los ms preocupados por este mbito. Debemos distinguir las fotografas de Claude Cahun, Hans Bellver, los
vestidos Desgarro y Esqueleto (ambos de 1938) de Elsa
Schiaparelli y la Venus de Milo con cajones (1964) de
Salvador Dal.
Dentro de la seccin El interior ilusorio, se observa la
devocin por el interior domstico, al adquirir connotaciones ms misteriosas e incluso relacionadas con motivos sexuales, temas que atraan enormemente a creadores como Leonor Fini, Leonora Carrington, Toyen
(Marie Cerminova) o Dorothea Tanning. Este apartado
viene acompaado por una serie de interesantes pinturas de Salvador Dal, Ren Magritte, Dorothea Tanning,
Leonora Carrington; as como los objetos de los hermanos Giacometti y el Telfono afrodisaco blanco (1938)
de Salvador Dal.
Junto a los anteriores agentes de expansin surrealista,
tambin encontramos nombres de mecenas, que con
sus encargos, permitieron expandir esta corriente vanguardista. Este es el caso del millonario britnico Edward
James, mecenas de Magritte y de Dal, que transform
su vivienda, la Casa Monkton, en un autntico sueo
surrealista y particip en la configuracin de algunos
grandes legados del Surrealismo, como el Sof en forma
de los labios de Mae West y los telfonos langosta de Dal.
Otro de los pilares fundamentales de la colectiva muestra la evolucin de este movimiento vanguardista, desde
su aparicin hasta convertirse en un fenmeno cultural
de corte internacional, que obviamente influy en el
mundo del diseo, el cine, la moda, el diseo de joyas y
las artes decorativas, tal y como hoy en da sigue ocurriendo, al mantenerse como una fuente de inspiracin
en numerosos proyectos y diseos de toda ndole. Este
ltimo apartado, a modo de complemento didctico,
recrea un espacio particular mediante textos e imgenes
educativas. En definitiva, una exposicin indispensable
para el estudio del surrealismo y sus visibles influencias
en otros campos de la creacin.
Iigo Sarriugarte
Salvador Dal. Telfono afrodisaco blanco (1936)
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Giorgio de Chirico. 4 trajes para Le Bal (1929)
The exhibition curated by Ghislaine Wood is a real

opportunity to verify in situ the influence of the surrealism in the field of design, two creative fields that, connected under the premises of experimentation, have
generated numerous formal and chromatic interconnections enriching the different productive facets of both
territories. Surrealist artists got inside the design world
so as to find an outlet for their oneiric and recalcitrant
proposals, and at the same time the design world,
always thirsty for new sources of inspiration, started to
explore the different parameters of the surrealist experimentation.
The show exhibited by the Museum Guggenheim-Bilbao,
in collaboration with the Victoria and Albert Museum,
shows about 250 pieces, tackling the different creative
fields such as painting, theatre, cinema, architecture
and of course interior design, furniture, fashion and
advertising. The selected team for this exhibition has
unquestionable importance, being represented by
famous names such as Salvador Dal, Max Ernst, Ren
Magritte, Joan Mir, Jean Michel Frank, Giorgio de
Chirico, Elsa Schiaparelli and Frederick Kiesler, among
others.
The pieces come from public and private collections from
all over the world as usual, being some of them exhibited for the first time. These important art pieces are
adorned with a scenography inspired by the surrealists
but created this time by the London architect team
Metaphor.
The exhibition is anchored to five thematic sections: The
ballet, in which the collaboration of numerous creators
for the scenographies, sceneries and clothes design was
required, for instance Giorgio de Chirico and Andr
Masson, specially emphasizing the scenes and clothes
design of Joan Mir for the production Juegos de nios
in 1932.
In the section Surrealism and the object we can verify
how those artists went into the creation of dreamy combinations and object juxtapositions, which allowed to
recreate new semantic values usually related to the
world of dreams and desires, just as in Busto de mujer
retrospectivo (1933) by Dal and La carretilla (1937) by
scar Domnguez.
In Nature becomes odd, we get inside one of the main
surrealist sources of inspiration: nature, but analysed as
something extraordinary and in connection with the
subconscious, just as Jean Arp, Alexander Calder, Joan
Mir, Isamu Noguchi and Carlo Mollino suggest. In this
case, we should emphasize the earrings specially made

for Peggy Guggenheim in 1938 by Yves Tanguy, as well
as the Sof en forma de nube (1948) by Isamu Noguchi.
The section The exhibition of the body comes from a
series of psychological, sociologic and sexual concerns in
which the body is manipulated varying the original
vision. The fashion world is specially emphasized
because of being specially concerned for this field. We
should stand out the photographs of Claude Cahun,
Hans Bellver, the dresses Desgarro y Esqueleto (both in
1938) of Elsa Schiaparelli and the Venus de Milo con
cajones (1964) of Salvador Dal.
Within the section The illusory interior, we can see the
devotion to the house interior when acquiring more
mysterious and sexual connotations, some topic that
specially attracted some creators such as Leonor Fini,
Leonora Carrington, Toyen (Marie Cerminova) or
Dorothea Tanning. This section also includes some interesting paintings of Salvador Dal, Ren Magritte,
Dorothea Tanning, Leonora Carrington; as well as the
objects of Giacometti brothers and the Telfono
afrodisaco blanco (1938) of Salvador Dal.
Together with the previous agents of surrealist expansion, we can also find the names of some patrons that
made this avant-garde movement expand with their
orders. For instance, the British millionaire Edward
James, a patron of Magritte and Dal, who turned his
house, the Monkton House, into a real surrealist dream
and took part into the configuration of some of the most
important surrealist legacies such as Sof en forma de
los labios by Mae West and the lobster-telephones of
Dal.
Other of the mainstays of the collective exhibition shows
the evolution of this avant-garde movement, from its
appearance till it became an international cultural phenomenon, which of course influenced the world of
design, cinema, fashion, jewellery design and decorative
arts, just as it still happens nowadays since it is still an
important source of inspiration for numerous projects
and designs of all kind. This last section recreates a particular space through educative images and texts. To
sum up, it is an essential exhibition for the study of surrealism and the most important influences in other fields
of creation.
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ENRIQUE MARTY
MANUEL SEZ. DIBUJOS

Sala Parpall. Valencia. Hasta el 15 de junio
Este artista a quien recientemente le ha dedicado una

espectacular monogrfica el MUSAC de Len en la que
reuna elementos cohesionados de su universo de irnica
hiperrealidad e insomnio, aparece ahora nuevamente en
una sala institucional con una parte de su discurso. En la
presencia de E. Marty dentro del circuito del arte destacan dos cuestiones. El fondo slido de su discurso y la elaborada plasticidad en la factura de su obra. Como si de una
temtica de los Desastres de Goya sobre la Espaa ms
carnal se tratara, el mundo de E. Marty toma las postrimeras de lo bello y lo aterrador de la vida. Como si de un relato de los Esperpentos de Valle-Incln se tratara, las narraciones pictogrficas de Marty cuentan rimas y sonatas trufadas de sombras donde la risa es sarcasmo y la violencia
se aguanta con estoicismo. Las notas techno de Daft Punk
o la lastimosa meloda del Duelo en el Eugene Onegin de
Tchaikovsky ponen sonido entre carcajadas aguardentosas a su universo de aterradores cargadores de pistola
que giran hasta vaciarse exanges. Y de la forma, no cabe
si no decir que la expresin de su pincel es salvaje y medida. El dominio cromtico le permite jugar a esas sombras
que pueblan sus cuadros y cuando retrata lo hace con psicologa. Lo mismo que si hace un bodegn lo retrata con
conocimiento formal de cmo pintar las maderas de una
barraca de feria para el tiro al pichn. Con Enrique Marty
se recupera la tradicin patria del Don Juan Tenorio aderezado no con notas de Mozart, ni cuadros de Dal sino
con el genial expresionismo punk, cartelstico y de empalizada propio de las obras en eterna evolucin de este castellano universal.
Romn Padn Otero
Exposicin comisariada por Itxaso Mendiluce en el Centro Cultural Bestero
de Andoain el pasado mes de marzo
This artist, whose work has recently been shown in a

monographic exhibition at the MUSAC in Len in which
there were united elements of his universe of ironic hyperreality and insomnia, appears again with a part of his work
at an institutional space. Regarding the presence of Enrique
Marty within the art circuit there are two important points.
The solid base of his creativeness and the elaborated plasticity in the execution of his work. As if it was a topic of
Goyas Desastres related to the most carnal Spain, E.
Martys world takes the final stages of the beautiful and the
terrifying things of life. As if it was a story of Valle Inclns
esperpentos Martys pictographical narrations telling
rhymes and sonatas full of shades where laugh is sarcasm
and violence is endured stoically. Daft Punks techno notes,
or the pitiful Tchaicovsky song Duelo at the Eugene Onegin
are the soundtrack of his universe of terrifying gun magazines constantly spinning until they get empty bloodlessly.
And regarding the style, we should say that the expression
of his paintbrush is wild and balanced. The chromatic control allows him to play with these shades that fill their pictures and when he paints he does it psychologically. And if
he paints a still life he paints it with formal knowledge of
how to paint the pieces of wood of a fairground stall for the
clay pigeon shooting. Enrique Marty recovers the native
land tradition of Don Juan Tenorio, not embellished with
Mozarts notes or Dals pictures, but with the brilliant punk
poster and fence expressionism typical of the pieces eternally developing of this universal Spanish artist.
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El proyecto de Manuel Sez (Castell, 1961), comisariado

por Ana de Miguel, est compuesto por un polptico de 50
obras entre dibujos de objetos, paisajes y dibujos erticos,
y una seleccin de 15 acuarelas y 15 dibujos alrededor de
la telefona. Esta muestra, en la que el artista lleva trabajando aos, es la primera desde su retrospectiva en el IVAM
Centre del Carme en Valencia en 2000. En el gran polptico
de objetos cotidianos aparecen un gato, un taburete, un
paisaje, un cuerpo femenino, una brocha de afeitar, un elefante de plstico o una raz. En la segunda parte de la
muestra las acuarelas y los dibujos retratan hitos histricos
para la telefona: desde el aparato que inaugur la lnea
Madrid-La Habana hasta un mvil de nueva generacin.
Para este artista castellonense el dibujo es la forma ms
sutil de pintar y la ms compleja, permite la recreacin y la
lentitud. Entre las exposiciones ms relevantes que ha realizado desde 1985 se encuentran las realizadas en la
Fundaci La Caixa (Valencia, 1991), el Crculo de Bellas
Artes (Madrid, 1996), el Museo de Arte Contemporneo de
El Pas (Montevideo, 1999) o el Museo Rufino Tamayo
(Mxico DF, 2000).
The Project of Manuel Sez (Castell, 1961), curated by
Ana de Miguel, is made up of a polyptich of 50 pieces,
including drawings of objects, drawings of landscapes and
erotic drawings, and a selection of 15 watercolours and 15
drawings around telephony. This exhibition, in which the
artist has been working for several years, is the first one
after his retrospective at the IVAM Centre del Carme in
Valencia in 2000. In the great polyptich there are a lot of
quotidian objects: a cat, a stool, a landscape, a feminine
body, a shaving brush, a plastic elephant or a root.
In the second part of the exhibition the watercolours and
drawings represent the historical landmarks of telephony:
from the phone that inaugurated the line Madrid-La Habana
to a modern mobile phone. According to this artist from
Castell, drawing is the subtlest and the most complex way
of painting, allowing recreation and slowness. Among his
most important exhibitions since 1985 we can stand out the
exhibitions at the Foundation La Caixa (Valencia, 1991), the
Crculo de Bellas Artes (Madrid, 1996), the Museo de Arte
Contemporneo de El Pas (Montevideo, 1999) or the Museo
Rufino Tamayo (Mxico DF, 2000).
Manuel Saenz
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SANZSOTO. EL RUIDO DEL COLOR

Galera Fernando Magdalena. Vigo
Hasta el 14 de abril
La galera Fernando Magdalena rene la nueva serie

titulada El ruido del color de la pintora catalana
Sanzsoto. Se trata de una sugerente muestra compuesta por 10 piezas en las que la artista contina trabajando, al igual que en serie anteriores como Esencias, en un
caracterstico tratamiento del color y de la composicin,
donde lo razn, la emocin y la intuicin se enlazan
generando contrastes equilibrados. El ttulo, El ruido del
color, potencia la relacin existente entre lo musical y lo
pictrico, entre lo potico y lo cromtico. Estas obras
estn habitadas de silencios y contrapuntos, medidos,
compensados pero siempre libres, como si se tratase de
una jazz sesin.
Sanzsoto pintora catalana formada en la Escuela
Superior de Bellas Artes de San Jorge de Barcelona,
desde 1971 ha expuesto individualmente en numerosas
galeras como Art&fer pur Crations (Pars), Consell 242
(Barcelona) o Marziart Internationale Galerie und
Malschule (Hamburgo), entre otros.
Fernando Magdalena Gallery assembles the new series

of the Catalan artist Sanzsoto titled El ruido del color. It
is a suggestive exhibition made up of 10 pieces in which
the artist goes on working, like in previous series, on a
special treatment of colour and composition where the
reason, emotion and intuition get connected creating
balanced contrasts. The title, El ruido del color,
strengthens the relation between the musical and the
pictorial, between the poetic and the chromatic. These
pieces contain silences and counterpoints, measured,
compensated but always free as if it was a jazz show.
Sanzsoto, a Catalan painter trained at the Fine Arts
School San Jorge in Barcelona, has exhibited individually at numerous galleries such as Art&fer pur Crations
(Paris), Consell 242 (Barcelona) or Marziart
Internationale Galerie und Malschule (Hamburg), among
others since 1971.
Sanzsoto
YO, BLYTHE. VIDAS DE PLSTICO

MACUF. A Corua. Hasta el 13 de julio
Rosario Lpez
Yo, Blythe. Vidas de Plstico propone un itinerario por la historia y la esttica de esta mueca, Blythe. Nacida en EE UU
en 1972 en la compaa de juguetes Kenner, y diseada por
Allison Katzman en Marvin Glass & Associates naci inspirada en la pintura de la norteamericana Margaret Keane, referente del Big-Eyed Art. Blythe, poseedora de una desproporcionada cabeza (entendida como primaca de la inteligencia sobre la apariencia fsica) competa con la famosa
Barbie. Su principal rasgo son sus ojos, enormes y redondos, que gracias a una cuerda cambian de color y posicin.
Esta caracterstica produca ms temor que fascinacin en
los nios, y su salida al mercado supuso un fracaso que
llev la compaa a la ruina. Casi treinta aos despus la
fotgrafa norteamericana Gina Garan public a partir de sus
viajes con Blythe el libro de fotografas This is Blythe. Blythe
comienza a ser fabricada en Japn para un pblico adulto y
coleccionista. La actual exposicin, comisariada por Clara
Rodrguez, reune 100 Blythes, entre ellas ms de 60 custom OOAK (modelos nicos) de diseadoras espaolas
como Picara, Keera (Nerea Pozo), Nanuka, Killer Blythes,
Gobolino, Spy, Nin_A o Asil entre otras.
Yo, Blythe. Vidas de Plstico suggests an itinerary around
history and the aesthetic of this doll, Blythe. Born in the
USA in 1972 in the toys company Kenner, and designed by
Allison Katzman in Marvin Glass & Associates, the doll was
inspired on the painting of the North American Margaret
Keane, a referent of the Big-Eyed Art. Blythe, with a disproportionate head (understood as the supremacy of intelligence over the physical appearance) competed with the
famous Barbie. Her main feature are her eyes, huge and
round, which change colour and position with a rope. This
characteristic produced more fear and less fascination in
children and the launch to the market was such a failure
that ruined the company. About thirty years later the North
American photographer Gina Garan published the books of
photographs This is Blythe starting from her journeys with
Blythe. Blythe starts to be produced in Japan for adults and
collectors. The current exhibition shows 100 Blythes, among
them more than 60 custom OOAK (unique models) of
Spanish designers Duch as Picara, Keera (Nerea Pozo),
Nanuka, Killer Blythes, Gobolino, Spy, Nin_A or Asil among
others.
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HUGO FONTENLA. AN AMERICAN VISION

Centro Cultural Casa de Vacas. Madrid. Hasta el 27 de abril
En 2005, y en este mismo espacio, el asturiano Hugo

Fontenla (Grado, 1986) expuso en el XX Premio BMW de
Pintura. En esta ocasin muestra una treintena de piezas de gran formato donde estn presentes algunos de
los elementos fabriles e industriales de la ciudad de
Nueva York. Bajo el ttulo An American Vision, se renen
piezas realizadas durante los tres ltimos aos en esa
ciudad. Para Adolfo Wilson la aproximacin al paisaje de
Hugo Fontela posee una vena en cierto modo romntica, que adquiere la ms de veces, siempre de una
manera personal, una dimensin nostlgica, cuando no
dramtica. Esta voluntad existencialista se expresa temprano de un modo acentuado en una obra como
Construccin-Destruccin (2006), donde una pila de
escombros y basura que ocupa la casi totalidad del plano
pictrico se yergue ante el espectador, cobrando un viso
monumental. Esta actitud romntica aparece tambin
en pinturas como Court (2006), Yard I (2006) y Yard II
(2006), Old garden (2006) o Old Pier (2006). Wilson
escribe en el catlogo que en su afn por expresar la
esencia misma del paisaje, el artista realiza una amplia
serie de obras donde recurre al estudio y recreacin de
algunos principios estticos del arte pretrito japons,
cuya sutileza y refinamiento en el trazo y cuyo poder de
sntesis ya haban fascinado e influenciado a muchos
artistas europeos de la segunda mitad del siglo XIX. As,
pone en prctica en ella una prodigiosa voluntad sinttica, en virtud de la cual el espacio se transforma en un
plano abstracto animado slo por algunos trazos y manchas gestuales que, dotados de un carcter caligrfico,
apenas designan la presencia de un fragmento de tierra,
de un arbusto o del horizonte. Desde 2005 Hugo Fontela
estudia en The Art Students League de Nueva York (ciudad en la que actualmente vive); ese mismo ao recibi
el Premio de Pintura BMW. En la pasada edicin de la
feria Estampa recibi el premio al mejor artista de la
feria ESTAMPA 07, concedido por la asociacin.
In 2005, at this space, the Asturian artist Hugo Fontela

(Grado, 1986) exhibited his work at the XX BMW
Painting Prizes. Now he is exhibiting about 30 big-size
pieces in which some manufacturing and industrial elements of New York are present. Under the title An
American Vision, he includes the pieces he produced in
this city in the last three years.
According to Adolfo Wilson Hugo Fontelas approach to the
landscape has a certain romantic streak that often
adopts, in a personal style, a nostalgic or even dramatic
dimension. This existentialist will is early expressed in a
stressful way in a piece such as Construccin-Destruccin
(2006), where a pile of rubbish, occupying almost all the
pictorial plan, is raised in front of the spectator, acquiring
a monumental dimension.
This romantic attitude is also present in some paintings
such as Court (2006), Yard I (2006) y Yard II (2006), Old
garden (2006) or Old Pier (2006). Wilson writes in the
catalogue that in his eagerness to express the essence of
the landscape, the artist produces a wide series of pieces
in which he resorts to the study and recreation of some
aesthetic principles of the past Japanese art, whose delicacy and refinement in the stroke and the power of synthesis had already fascinated and influenced many
European artists in the second half of the 19th century.
Thus, he puts a prodigious synthetic will into practice, by
reason of which space is transformed into an abstract plan
only animated by some strokes and gesture stains that,
with a calligraphic character, hardly designate the presence of a piece of land, a bush or the horizon. Since
2005 Hugo Fontela has studied at the Art Students
League in Nueva York, the city where he lives nowadays,
and this year he also got the Prize of Painting BMW. In
the last edition of the fair Estampa he got the prize of
the best artist of the fair ESTAMPA 07, awarded by the
association.
Hugo Fontenla. Big Pier. NYC (2007)
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ACCIONISMO VIENS (1960-1970)

CAAC. Sevilla. Hasta el 25 de mayo
El Centro Andaluz de Arte Contemporneo (CAAC), ubicado en la centenaria Cartuja de la ciudad de Sevilla,
expone en estos momentos un amplio conjunto de pinturas, fotografas, filmes y documentos representativos
del Accionismo Viens de la coleccin Hummel. Este arte
performativo viens de finales de los aos 50, buscaba
romper, desde un posicionamiento crtico y revolucionario
a travs de la purgacin de los sentidos, con la hegemona de la pintura abstracta norteamericana de la Escuela
de Nueva York, con el informalismo europeo y los cnones
morales ms retrgrados de la Europa de postguerra.
La muestra es una de las exposiciones ms importantes
que se hayan realizado en Europa con el nimo de ofrecer
una visin panormica sobre este hecho esttico. Rene a
los artistas claves del accionismo (Hermann Nitsch, Otto
Muehl, Gnter Brus y Rudolf Schwarzkogler), los que
desde una teatralidad paroxstica procuraban emular,
desde una ideologa otra, las escenas y signos de los tradicionales rituales paganos o cristianos, de las fiestas
populares y carnavalescas y de los instantes ms ntimos
de las relaciones sexuales. Por medio de una mezcla de
escrituras, dibujos, collages, pinturas abstractas, objetos
encantados, esculturas y msicas, nos llega toda la violencia expresiva de unas prcticas artsticas corporales
expresionistas, provocativas, transgresoras y fetichistas
que solo buscaban, bajo una tentativa onanista o masoquista, convertir lo prohibido en arte, convencidos de que
el ejercicio de lo artstico conlleva las creencias y prcticas de un nuevo concepto de existencia.
Alfredo Valds
The Centro Andaluz de Arte Contemporneo (CAAC),

at the centenarian Cartuja in Seville, is exhibiting a
wide group of paintings, photographs, film and representative documents of the Viennese Actionism of the
Hummel collection. This Viennese performance art
from late fifties tried to break, from a critical and revolutionary view through the purging of sense, with the
hegemony of North American abstract painting of the
school of New York, with the European informalism and
the most retrograde moral canons of post-war Europe.
The exhibition is one of the most important shows
ever organized in Europe trying to show a panoramic
view of this aesthetic fact. The show assembles the
key artists of Actionism (Hermann Nitsch, Otto Muehl,
Gnter Brus y Rudolf Schwarzkogler), who, from a
paroxystic theatricality or one or other idelology, tried
to emulate the scenes and signs of the traditional
pagan or Christian rituals, of the popular and carnival
feasts, and of the most private moments of the sexual relationships. By means of a mixture of writings,
drawings, collages, abstract paintings, enchanted
objects, sculptures and music we are shown all the
expressive violence of some artistic bodily expressionist, provocative, transgressing and fetishistic
practices which, under an onanistic or masochistic
attempt, tried to turn the prohibited into art, being
sure that the artistic exercise implies the belief and
practices of a new concept of existence.
Otto Muehl (1967) Foto: Alfredo Valds
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MODIGLIANI Y SU TIEMPO
Fundacin Caja Madrid y Museo Thyssen-Bornemisza. Madrid. Hasta el 18 de mayo
El Museo Thyssen-Bornemisza y la Fundacin Caja Madrid

han tenido la feliz idea de dedicar una exposicin a mostrar las claves de la obra del pintor y escultor italiano
Amedeo Modigliani (Livorno, 1884 - Pars, 1920). Dos
hallazgos fundamentales marcaron la carrera de Modi: en
primer lugar, aprendi de Czanne que era posible subirse
al carro de la vanguardia sin renunciar al legado clsico.
Por otra parte, descubri la majestuosidad primitiva del
arte africano. As, las claves de su estilo se cimentaron
sobre la sntesis entre primitivismo, vanguardia y clasicismo. Dado lo restringido de una produccin que se vio
seriamente condicionada por el prematuro fallecimiento
del artista, se ha apostado aqu por completar la muestra
con piezas realizadas por algunos de sus maestros y contemporneos: el mencionado Czanne, por supuesto, pero
tambin Chagall, Drain, Zadkine, Orloff, Lipchitz As,
Kiki de Montparnasse pintada por Kisling comparte espacio con un paisaje de Soutine, mientras Juan Gris aparece
en la doble dimensin de sujeto retratado (por Modigliani,
bien sr) y autor de una pieza (El fumador). Tampoco faltan a la cita autnticos iconos como El arlequn y Los segadores, de Picasso, o el sublime Muchacho del chaleco rojo,
de Czanne. Pero los dilogos ms estimulantes que pueden presenciarse en el marco de la exposicin son los
establecidos por el propio Modigliani con Brancusi y
Foujita. Brancusi y Modigliani compartan una evidente
fascinacin por el arte africano, que se tradujo en una obra
escultrica que aunaba un vigoroso primitivismo con una
extrema sofisticacin. La yuxtaposicin del trabajo de
ambos artistas ilustra las posibilidades que puede engendrar el encuentro entre lo vanguardista y lo ancestral.
Recordemos que, antes de renunciar a esta disciplina
artstica (el polvo que desprenda la piedra al ser trabajada estaba devastando sus bronquios enfermos), Modigliani
tuvo tiempo de esculpir varias obras maestras cuya fuerza
totmica remite a las consabidas mscaras africanas, pero
tambin al arte helnico y romano. En cuanto a Foujita,
sus nveos desnudos poseen un erotismo mucho ms oblicuo, ms perverso y etreo que los de Modigliani.
Enfrentar las pinturas de ambos es un modo inmejorable
de resaltar la cualidad rabiosamente carnal de los lienzos
del italiano. Ms all de los gruesos contornos, de los cuellos tubulares, los rostros ojivales y los ojos almendrados,
mucho ms all de todo lo que ha trascendido como sus
marcas de fbrica, se pone en evidencia que Modigliani era
ante todo un fervoroso creyente de la carne. Aplicaba a los
cuerpos de sus desnudos femeninos un tratamiento consistente en modelar volmenes a travs de sutiles gradaciones cromticas, dentro de una paleta anaranjada que
contrasta con los fondos terrosos o azulados. Es imposible
no rememorar cmo, muchas dcadas ms tarde, Vittorio
Storaro tomara el relevo al iluminar los fotogramas de
Bertolucci en, pongamos por caso, El ltimo tango en Pars
o El cielo protector. Segn el caso, la carne puede ser para
Modigliani incitante, desdeosa y an melanclica, pero
jams triste. Hay en este gozoso festn de piel y msculo
algo que nos recuerda que, finalmente, s existe un paraso. Modigliani lo saba perfectamente: podemos felicitarnos, ya que ese paraso nos espera, prdigo y palpitante,
en los secretos de la carne.
Ianko Lpez Ortiz de Artiano
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The Museum Thyssen Bornemisza and Caja Madrid

Foundation have decided to exhibit the keys in the work
of the Italian painter and sculptor Amedeo Modigliani
(Livorno, 1884 - Paris 1920). Two major discoveries
marked Modiglianis career: first of all, he learned of
Czanne that it was possible to jump on the bandwagon
of the avant-garde without renouncing the classical legacy. On the other hand, he found out the majesty of African
art. So his styles keys were strengthened on the synthesis among the primitivism, avant-garde and classicism. In
view of the limits of a production seriously conditioned by
the artists early death, the option has been to complete
the exhibition with piece of some of his masters and contemporaries: : the mentione Czanne, of course, but also
Chagall, Drain, Zadkine, Orloff, Lipchitz So, Kiki de
Montparnasse depicted by Kisling shares the space with a
landscape of Soutine, meanwhile Juan Gris appears in the
double facet of depicted subject (by Modigliani, bien sr)
and the author of a piece (El fumador). There are also real
icons such as Picassos El arlequn and Los segadores, or
the sublime Muchacho del chaleco rojo, of Czanne. But
the most stimulating dialogues of the exhibition are the
ones created by Modigliani himself with Brancusi and
Foujita. Brancusi and Modigliani shared an evident fascination for African art, which entailed a sculptural work
that joined a vigorous primitivism with an extreme
sophistication. The juxtaposition of both artists pieces
illustrates the possibilities of the meeting between the
avant-garde and the ancient. Lets remember that, befote
renouncing this artistic discipline (the dust that come off
from the stone when he was working with it was devastating his bad chest), Modigliani had some time to sculpt
several masterpieces whose totemic strength refers to the
well-known African masks, but also to Roman and Ancient
Greek art.
Regarding Foujita, his snow-white nudes have a much
more oblique eroticism, more perverse and ethereal than
Modiglianis. Confronting the paintings of both artists is an
excellent way of standing out the rabidly carnal quality of
this Italian artists canvas. Beyond the thick outlines, the
tubular necks, the pointed faces and almond-shaped
eyes, beyond all the things that have been known as his
legacy, the exhibition shows that Modigliani was a passionate flesh believer. He applied all his nudes a treatment
that consisted of modelling volumes by means of subtle
chromatic gradations, within an orange palette contrasting with the earthy or blue backgrounds. It is impossible
to forget how, many decades later, Vittorio Storaro World
take over when illuminating Bertoluccis still in, for
instance, Last Tango in Paris or Sheltering Sky.
Depending on the case, flesh can be provocative, scornful
or even melancholic, but never sad. In this flesh and muscle feast there is something that make us thing if there
the paradise really exists. Modigliani knows it perfectly:
we can congratulate ourselves, since this paradise is waiting for us, bountiful and palpitating, in the flesh secrets.
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c coleccin
PRXIMAS EXPOSICIONES
Jess Pastor
ngela Lergo
C coleccin Travesa da Universidade

Santiago de Compostela
Tel fax:

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ABEL BARROSO
ANDREA COSTAS
ANA DEMATOS
FLIX FERNNDEZ
SANTI JIMNEZ
NGELA LERGO
AIME GARCA
LUIS GMEZ
FRAN HERBELLO
YOLANDA HERRANZ
ENRIQUE LISTA
IBRAHIM MIRANDA
ANTA MOURE
JESS PASTOR
PABLO PREZ SAN MARTN
REN PEA
GRACIELA SACCO
SALUSTIANO
SANDRA RAMOS
LZARO SAAVEDRA
MANUEL SENDN
DAVID TRUJILLO
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_new york
ENANTIOMORPHIC CHAMBER
Las exposiciones colectivas temticas a menudo inducen a la paranoia; nuestras mentes se esfuerzan por
inventar conexiones coherentes entre los objetos
cuyas diferencias parecen tener mucho mayor peso
que sus similitudes. Los comisarios Kevin Regan y
Christopher Howard han llevado a cabo una exposicin en el Nurture Art que renuncia a esta problemtica a la perfeccin, dirigindola como si se tratase de
una idea puramente formal. Enantiomorphic Chamber
toma el ttulo de una escultura de espejo de Robert
Smithson de 1965. El propio trmino procede de las
matemticas y la fsica y hace referencia a un par de
estructuras asimtricas que son contraimgenes la
una de la otra. Todas las obras de la exposicin presentan este tipo de simetra Rorsharchesca, y la
muestra es como una especie de encuesta taxonmica de esta especie de forma.
Alguien podra sospechar que el enantiomorfismo se
trata de un principio formal bastante aleatorio a escoger para tal estudio, sin embargo la exposicin
demuestra lo contrario. La simetra bilateral parece
ser una parte profundamente arraigada de nuestras
conexiones neuronales (tal vez porque el reconocimiento superficial, una tarea fundamental del sistema
visual de nuestro cerebro, tiene mucho que ver con la
simetra). Cuando cualquier masa informe se duplica
en un enantiomorfo, de repente est repleta de una
estructura ultra-especfica. No podemos evitar imbuir
la imagen de contenido figurativo: un montn de pelo
enmaraado Facial Hair de Julie A. MacConnell), o una
vertiente rocosa (Black Dog de Grabriel Fowler) se
transforman en una cara, un cuerpo o una mariposa.
La dinmica perceptiva del enantiomorfo determina
su uso iconogrfico. La forma reflejada a menudo se
usa como una forma de examinar cmo los cuerpos se
iteran en cuerpos compuestos ms grandes a travs
de relaciones de oposicin, que los comisarios definen
usando la trinidad del sexo, la lucha y la danza. La
profunda contradiccin visual y conceptual entre la
completa similitud y desemejanza de las formas reflejadas (el antiguo misterio filosfico de la lateralidad
manual) hace del enantiomorfo el smbolo ideal para
cualquier forma de experiencia mstica o trascendental. Parece que este tropo prevalece en el arte actual
por razones que van ms all de la moda.
Adam Thompson
Exposicin celebrada el pasado mes de marzo en Nurture Art (New York)
Mark Stockton. Madonna (2007)
Themed group shows are often paranoia inducing; our

minds struggle to invent meaningful connections among
objects whose differences seem to far outweigh their
similarities. Curators Kevin Regan and Christopher
Howard have created a show at the Nurture Art that
eschews this problem beautifully, guided as it is by a
purely formal idea. Enantiomorphic Chamber takes its
title from a Robert Smithson mirror sculpture from 1965.
The term itself comes from mathematics and physics,
and refers to a pair of asymmetrical structures that are
mirror images of one another. Each work in the exhibition involves this kind of rorsharch-esque symmetry,
and the show is a kind of taxonomic survey of this
species of form.
If one were suspicious that enantiomorphism is rather
random formal principle to single out for such a study,
the show proves otherwise. Bilateral symmetry seems
to be a deeply ingrained part of our neural wiring (perhaps because face recognition, a major job of our brains
visual system, has so much to do with symmetry).
When doubled into an enantiomorph, any formless
mass is suddenly replete with ultra-specific structure.
We cant help but imbue the image with figurative content: a tangled pile of hair (Julie A. McConnells Facial
Hair) or a rock face (Gabriel Fowlers Black Dog)
becomes a face, a body, or a butterfly.
The perceptual dynamics of the enantiomorph determine its iconographic usage. Mirrored form is often used
as a means of exploring how bodies are iterated into
larger composite bodies through oppositional relationships, which the curators define using the trinity of sex,
fighting, and dance. The profound visual and conceptual contradiction between the complete similarity and
complete dissimilarity of mirrored forms (the old philosophical puzzle of handedness) makes the enantiomorph an ideal symbol for all manner of transcendental or mystical experience. It seems this trope is prevalent in current art for reasons that go deeper than mere
fashion.
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[AN] new york
AMPARO SARD. MISTAKE

BravinLee Gallery. New York. Hasta el 12 de abril
Mistake es la primera exposicin individual de Amparo

Sard (Mallorca, 1973) en EE UU. Sard utiliza una forma
excepcional de puntillismo para crear una compleja imagen/narracin pixelada. Perfora la hoja de papel con
miles de agujeros usando tcnicas adoptadas y modificadas del fresco, y el resultado se traduce en un blanco
maravilloso y sutil sobre una imagen blanca literalmente
desde dentro de y a travs de la hoja de papel. Con esta
serie Fly Woman, Amparo Sard comenz a reflexionar
sobre la duda y angustia producida por la indecisin. En
esta serie Sard trata la implicacin del error o Mistake.
Esta obra expresa la decisin errnea, la confusin entre
causa y consecuencia, tras el error, cuando la suerte est
echada y el protagonista no puede remediarlo.
Si en la ltima serie el agua era el elemento ms importante, en este nuevo trabajo el tema central no es el agua sino
un tablero de madera. Sard trabaja sobre el propio error,
diferenciando entre dos mundos, o dos opciones, el espacio vaco y el espacio lleno. El vestido blanco, el aire y la
mosca siguen presentes en esta serie para explicar el significado del lenguaje latente que contina apareciendo en
la serie Fly Woman.
Licenciada en BB AA en la Facultad de Barcelona, actualmente es profesora del Departamento de Pintura de esta
facultad. Continu su formacin en el Master of Art in Media
Studies, New School University de Nueva York y es tcnico
en Multimedia: BCT (Barcelona Centre de Tecnologies),
MECAD (Media Centre dArt i Diseny), ESDI (Escola
Superior de Diseny), CIFO.
Amparo Sard. Serie Fly woman
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Mistake is the first individual exhibition of Amparo Sard

(Mallorca, 1973) in the USA. Sard uses a very unique
form of physical pointillism to build an intricate pixilated
image/narrative. By perforating the sheet of paper with
thousands of pinholes using techniques borrowed and
modified from fresco, the result is a wonderful and subtle
white on white image - literally from within and through
the sheet of paper. With the on-going Fly Woman series,
Amparo Sard started a reflection on the doubt and
anguish produced by indecision. In this installment Sard
talks to the implication of the error or Mistake.
This work expresses the wrong decision, the confusion
between cause and consequence, after the mistake, when
the die is cast and the protagonist may not undo it.
If in the last series the water was the most important element, in this new work the line is not water, but is a wooden board. It represents the mistake itself, making a difference between two worlds, or two options, the empty space
and the filled space. The white dress, the air and the fly
are still presented in this installment to give the meaning
of the subliminal language that continues through the Fly
Woman series.
She is graduated in Fine Arts at the Faculty in Barcelona,
and nowadays she Works as a teacher in the Department
of Painting in this faculty. She continued her training at
the Master of Art in Media Studies, New School University
in New York, and she is also a Multimedia technician: BCT
(Barcelona Centre de Tecnologies), MECAD (Media Centre
dArt i Diseny), ESDI (Escola Superior de Diseny), CIFO.
Amparo Sard. Serie Fly woman
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_internacional
QUINTANA MARTELO. MEMORIA

Museo de Arte Moderno de la Repblica Dominicana. Hasta el 30 de abril
Quintana Martelo.
Pasin Figurativa y Abstraccin Real

La experimentacin profunda a travs de la contemplacin
y la inmersin en las tcnicas del arte figurativo y abstracto, abren los caminos de la libertad para la creacin total
a Manuel Quintana Martelo, artista espaol que hace una
constante revisin de la realidad y de sus vivencias personales utilizando smbolos basados esencialmente en el
cuerpo, tanto humano como objetual y en el uso de espacios definidos solamente por manchas de colores. En su
bsqueda creativa, Quintana persigue la magia que produce la relacin causal entre el artista y su entorno para
formar un engranaje compositivo que, inevitablemente,
atrapa al espectador de su obra. Sus composiciones reafirman las llamadas escenas de gnero, las cuales son
representaciones de la vida normal de la gente, as podemos apreciar en esta muestra sus dibujos del cuerpo
humano en diferentes facetas, la presencia de platos apilados, brochas, papeles doblados que se combinan con
sombrillas, flores, frutas y otros elementos, sobre fondos
centrados en rectngulos de color con suaves pinceladas
y aplicaciones con estilo dripping que flotan de manera
extendida de forma ms ligera; sobresale de manera particular, la representacin de su taller en el cual convive l
con su espritu, dialogando con sus recuerdos y vivencias
convirtiendo esta zona en una cmara de las maravillas,
almacn de entes y sustancias sorprendentes no por
menos habituales, sino por su omnipresencia.
Una de las caractersticas ms relevantes de la pintura de
este artista es el uso de fondos manchados que definen
sensaciones difciles de nombrar con palabras, pero si
expresadas con color: sus impulsos, la intensidad de sus

sentimientos y, en un nivel ms alto, el dinamismo de la
vida en estado bruto que lleva a la desintegracin del
mundo exterior, en este espacio de su pintura, para
complacerse en la vehemencia cromtica; poniendo en
contraposicin sus figuras bien definidas que exaltan la
audacia, la integridad, la sensualidad y la sinceridad con
una especie de discurso impulsado con frases escritas en
sus telas.
La obra de Quintana Martelo nos retrae a la cotidianeidad
de los das, sus desechos, su belleza recordndonos que
el paso del tiempo todo lo transforma, deshace la belleza
fsica en podredumbre y tiene como meta final a la muerte, la cual solamente puede ser burlada por la belleza
imperecedera, esa que se manifiesta desde lo ms profundo de cada individuo como energa vital que se queda
transitando entre el Absoluto y el Caos.
Se puede afirmar que Manuel Quintana Martelo ha hecho
suyo el pensamiento de Clyfford Still que reza Cada uno
debe aceptar la total responsabilidad de su intuicin y de
su valor para realizar su propia visin. Quintana Martelo
hace camino al andar por la va de la aceptacin de sus
circunstancias con el ideal de un hombre que va transitando por su memoria en la bsqueda constante de la belleza, de su fuerza y su voluntad, mostrndose a s mismo
que la lnea del horizonte coloca al hombre su aspiracin
de comprensin interior, de la verdad y de la eternidad y
esa lnea, ese lugar, siempre est lejos pero presente.
Felicia Margarita Grulln Perera
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[AN] INTERNACIONAL
Figurative Passion and Real Abstraction

Profound experimentation through the contemplation
and immersion into the techniques of figurative and
abstract art opens the paths to freedom in order to get
the total creation in the pieces of Manuel Quintana
Martelo, an Spanish artist that constantly reviews reality and his personal experience by using symbols essentially based on the body, both human and objectual and
on the use of spaces only defined by colour stains.
In his creative search, Quintana purgues the magic
producing the chance relation between the artist and
his environment so as to create a compositive mechanism that, inevitably, captures the spectator of his
work. His pieces reassert the so-called genre paintings
that are representations of peoples quotidian life, so in
this exhibition we can see his drawings of the human
body from different views, the presence of piled plates,
paintbrushes, folded papers combined with parasols,
flowers, fruits and other elements on backgrounds centred on colour rectangles with soft brushstrokes and
dripping applications floating lightly in an extended
way; it can be particularly stood out the representation
of his studio where he cohabits together with his soul,
having a conversation with his memories and experiences turning this site into a cabinet of wonders, a
warehouse of beings and surprising substances not for
being less usual but for their omnipresence.
One of the most important characteristic of his painting is the use of stained backgrounds defining sensa-
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tions that are difficult to explain with words, but

expressed with colour: his impulses, the intensity of
his feelings, and, at a higher level, the dynamism of life
leading to the disintegration of the outside world, in
this space of his painting to take pleasure in the chromatic vehemence; opposing his clearly defined figures
that intensify audacity, integrity, sensuality and sincerity with a discourse impelled by written sentences in
his canvas.
Quintana Martelos work brings us back to the daily
nature, its wastes, its beauty reminding us that the
passage of time transforms everything, turns the physical beauty into rottenness and it is aimed at death,
which can only be deceived by eternal beauty, the one
hidden deep inside every individual as the vital energy
wandering between the Absolute and the Chaos.
It can be said that Manuel Quintana Martelo has appropriated a Clyfford Stills quote that reads You must
accept the responsibility of his own intuition and your
value to have your own view. Quintana Martelo makes
his own way by accepting his circumstances with the
ideal of a man that goes around his memory constantly looking for beauty, his strength and will, showing
himself that the horizon line gives the man the aspiration of inner understanding, of truth and eternity and
this line, this place, is always distant but present.
Quintana Martelo. Marmelos (2007)
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[AN] INTERNACIONAL
INVENTARIO
La historia y el acumulamiento de objetos van casi siempre de la mano. Estos ltimos se convierten en testimonio del paso de individuos o comunidades por un lugar
determinado. En el caso de un museo, adems del conjunto de bienes artsticos que forman una coleccin, tambin se acumula correspondencia, invitaciones, catlogos,
mobiliario, directorios, vdeos, fotografas de registro,
entre muchas cosas ms. La exhibicin titulada Inventario
es una revisin y recuento de los distintos acervos,
recuerdos y acontecimientos que conforman ms de tres
dcadas de historia del Museo de Arte Carrillo Gil. De esta
manera, a lo largo de los tres niveles del recinto se pueden observar diferentes obras que conforman su heterognea coleccin: pinturas de Jos Clemente Orozco,
David Alfaro Siqueiros y Diego Rivera, estampas japonesas Ukiyo-e, carteles de Vasily Kandinsky y Paul Klee,
obras de Len Ferrari y Felipe Ehrenberg, entre otros
artistas. Durante el recorrido tambin podemos encontrar
diferentes ncleos temticos destinados a narrar la historia del museo con el apoyo de listados, correspondencia y
documentacin de las exposiciones temporales, los movimientos y prstamos de obra de la coleccin a otros recintos de Mxico y del mundo, de la historia del edificio, de
las personas que han laborado en el museo, y de las actividades acadmicas paralelas que se han llevado a cabo
desde 1974 hasta la fecha. Adems de estas memorias,
se invit a seis artistas a realizar interpretaciones o trabajos con los acervos. Algunos rehicieron acciones o lecturas de obras que presentaron aos antes en el museo,
como Eduardo Abaroa quien repiti la accin Pasado
Promisorio (1999) en la cual un grupo de personas se
dedican a despintar un trepadero infantil de 24 aros.
Otros recurrieron a trabajar con residuos que ha generado la institucin. Entre las obras ms notables de este
ltimo tipo se encuentran las realizadas por la artista
Mara Als, quien sac materiales que estaban embodegados desde hace aos para reactivarlos, entre ellos un
conjunto de marcos vacos con los que hizo una instalacin de tipo minimalista, y centenas de ejemplares de
publicaciones sobrantes que fueron donados a los visitantes con el requisito de llenar una encuesta y mostrar una
identificacin para documentar la accin. Estas dos obras
conjugan el sentido burocrtico que tiene toda la muestra, la cual surge en el inicio del periodo de una nueva
direccin, con la intencin de hacer una reflexin pblica del quehacer y del estado actual de uno de los museos de arte ms importantes de Mxico.
Claudia Arozqueta
Exposicin celebrada el pasado mes de marzo en el Museo de Arte Carrillo

Gil (Mxico DF).
Mara Als. Marcos (2007)
The history and the accumulation of objects almost

always walk hand-in-hand. These last ones become the
evidence of the passage of individuals and communities
through a certain place. In the case of a museum, as
well as the group of artistic goods making up a collection, there is also accumulation of mail, invitations, catalogues, furniture, directories, videos, register photographs among many other things. The exhibition titled
Inventario is a review and recount of the different heritage, memories and events making up more than three
decades of history at the Carrillo Gil Museum of Art.
This way, all along the three levels of the site, we can
see the different pieces making up the collection; the
paintings of Jos Clemente Orozco, David Alfaro
Siqueiros and Diego Rivera, the Japanese vignettes
Ukiyo-e, the posters of Vasily Kandinsky and Paul Klee,
the pieces of Len Ferrari and Felipe Ehrenberg, among
other artists. All along the itinerary we can also find different thematic sections dedicated to narrate the history of the museum with the support of some lists, mail
and documentation of the temporary exhibitions, the
movements and lending of some collection pieces to
other sites in Mexico and the rest of the world, the history of the building, the people that has worked for the
museum and the parallel academic activities held since
1974. As well as these memories, six artists were invited to interpret and work with the heritage. Some of
them recovered some actions or readings of pieces they
has shown some years before at the museum, such as
Eduardo Abaroa, who repeated the action Pasado
Promisorio (1999) in which a group of people take off
the paint of a childrens climbing iron with 24 rings.
Other ones decided to work with the waste generated by
the institution. Among the most important pieces of this
last kind, we can highlight the ones by the artist Mara
Als, who take out some materials that had been kept
for some years so as to reactivate them, among them
some frames of a minimalist installation, and hundreds
of spare publications that had been given to the visitors
requiring them to fill a survey so as to document the
action. These two pieces conjugate the bureaucratic
sense of all the exhibition, which appears at the beginning of a new direction, aimed at making a public reflection on the tasks and present situation of one of the
most important art museums in Mexico.
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[AN] INTERNACIONAL
LEE MILLER
Victoria & Albert Museum. Londres
Las vidas extraordinarias de Lee Miller

A Roland Penrose su primera mujer lo acusaba de ser
como un celeiro al que no es posible prenderle fuego. A
pesar de eso, Penrose fue el hombre elegido por Lee
Miller para pasar buena parte da su vida. Claro que hay
1biografas y biografas, y en la que figuraba tal afirmacin tal vez pase a la historia por su psimo gusto y por
reducir a Peggy Guggenheim, una de las personas que
ms hizo por el arte contemporneo, a una cabaretera
caprichosa y descerebrada.
Puede que no fuese muy ardiente en la cama, pero Sir
Roland Penrose personificaba el prototipo de gentleman
ingls, atractivo y de gustos refinados, heredero de una
gran fortuna, y sobre todo alguien que desde su faceta
como galerista, coleccionista y artista vocacional poda
conquistar a la mujer que se propusiera. Pero la mujer
en la que fij su inters Penrose obstinadamente no era
una mujer cualquiera. Se trataba de la divertida, inteligente y bellsima Lee Miller, la artista a la que el Victoria
& Albert Museum de Londres dedic una imprescindible
exposicin con la que conmemora el centenario de su
nacimiento.
Lee Miller naci en Poughkeepsie, una localidad del estado de Nueva York, en el ao 1907. Su padre, granjero
acaudalado y fotgrafo amateur, confi plenamente en
los mltiples talentos de su hija, a la que enva a estudiar teatro a Pars, en buena medida para compensarla
por un asunto escabroso que sucedi cuando Lee tena
solo siete aos. La pequea Miller fue brutalmente violada por un familiar prximo, causndole una serie de
trastornos fsicos y psicolgicos que forjarn la personalidad compleja y tumultuosa de la artista en la madurez.
A partir de entonces el absurdo entra a formar parte de
su existencia, anticipando la artista surrealista que est
por llegar. Antes de aterrizar en Pars, para emprender
la gran aventura del arte que la convertir en una de las
fotgrafas ms intensas y radicales de todos los tiempos, Lee, mujer de una belleza clsica espectacular, trabajar como modelo, protagonizando portadas para
Vogue Amrica y posando para los grandes talentos de
su tiempo.
La artista llega a Pars en el ao 1929 y all, con premeditacin y alevosa, har todo lo posible por conocer a
Man Ray, al que sin muchos circunloquios aborda para
confesarle su intencin de convertirse en su ayudante.
En poco tiempo es musa, pupila y amante de un Ray
absolutamente deslumbrado. Una relacin que la perjudic y benefici en partes iguales. Eran tiempos duros
en los que la presencia de mujeres en el sistema artstico era sobre todo una cuestin ornamental. Inspiraban
o embelesaban, pero no participaban activamente en las
revoluciones artsticas del momento. Un ejemplo emblemtico lo tenemos en Hanna Hch y su lucha por reafirmarse artsticamente a la sombra de los superegos
dadastas. La vanguardia supuso una transformacin
radical de la forma que, desgraciadamente, no se traslad al mundo de los sexos. Aun as Lee lo intent.
Aprendi rpido del maestro, experimentando juntos la
tcnica de la solarizacin, un proceso que Ray rentabiliz como propio, omitiendo perversamente en el futuro la
participacin de Miller. La solarizacin se produce cuando se expone un positivo a la luz mediante su revelado.
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El resultado son intensos y poticos contrastes producidos por la reversin de los tonos en las reas no expuestas en los negativos.
En un alto porcentaje de los reconocimientos de los que
2Man Ray fue objeto, la presencia de Lee Miller queda
reducida al papel de amante o musa, pocas veces aparece reseada coma una colaboradora con ideas propias,
osada e original. Y vaya si lo era. Veamos porqu.
Adems de crear alguna de las imgenes ms radicales
de la poca, ambiguos desnudos femeninos que sugieren formas flicas, retratos e dibujos satricos, enigmticas escenas de calle, o arriesgadas abstracciones que
ejemplificaban la belleza convulsa predicada por Breton,
Lee Miller fue una intrpida reportera de guerra. Ser
esta parte de su vida la que ms profundamente la marcara, y de la que saldran los resultados ms arriesgados y vibrantes.
Despus de un matrimonio breve con Aziz Eloui Bey,
miembro de una acaudalada familia de El Cairo, y de una
vida demasiado acomodada durante la que no prescindi de la cmara, recorriendo y 3fotografiando Egipto, la
artista se traslada a vivir a Londres en donde comienza
a trabajar como freelance para el Vogue britnico, alternando el periodismo documental, con retratos y fotografa de moda. En 1944 vuela a Francia acreditada como
corresponsal de guerra para Vogue. Esto supondra un
triunfo total de la artista, al entrometerse en un universo fundamentalmente masculino. Y de Vogue. En una
decisin sin precedentes, una publicacin de moda desciende de la pasarela a las trincheras para testimoniar
todo el horror de la guerra. Y Lee Miller ser su principal
interlocutor. Hospitales en Normanda, la lucha de los
aliados, la liberacin de Pars, la muerte en los campos
de concentracin de Dachau e Buchenwald... los ojos de
la artista captan, con una sensibilidad fuera de lo
comn, el sufrimiento de la gente corriente, los efectos
devastadores de la guerra en sociedad civil. La foto de
la hija de burgomaestre nazi agonizante tras el suicidio,
con la boca medio abierta, una de las imgenes ms
conmovedoras y bellas jams vistas, anticipando las
composiciones posmodernas de Andrs Serrano.
Quizs la imagen emblemtica es en la que aparece la
propia artista desnuda en la baera de Hitler. Una provocacin -o una performance- muy celebrada que no
result en absoluto gratuita. Como tampoco lo fueron el
resto de las terribles escenas que la artista eligi contemplar y fotografiar. Tanto horror le pasara factura, y
Lee difcilmente sobrellevara el sentimiento de culpa de
sobrevivir a aquella tragedia irracional y cruel. La bebida sera su refugio final. Pero antes disfrut cocinando
estupendos manjares para sus invitados y amigos.
Cuentan que el cordon bleu era una de sus especialidades. Y nosotros, desde aqu, no lo dudamos.
Susana Cendn
1 Anton Gill. Peggy Guggenheim. Confesiones de una adicta al arte. Plaza
& Janes Editores S.A. Barcelona, 2002. p. 266.
2 La Fundacin Caixa Galicia de A Corua le dedic una exposicin retrospectiva al artista titulada Man Ray. Despreocupado pero no indiferente.
3
La exposicin recupera originales de esta poca que son mostradas por
primera vez.
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[AN] INTERNACIONAL
Lee Millers extraordinary lives

Roland Penrose was accused of being like a straw loft
that is not possible to burn by his first wife. Despite this,
Penrose was the man Lee Miller chose to spend the rest
of her life with. Of course there are a lot of biographies1
and the one that mentioned such a thing, perhaps will go
down in history owing to its bad taste and because it
reduces Peggy Guggenheim , one of those people that
most helped contemporary art, into a capricious and
brainless showgirl.
Maybe he was not much passionate in bed, but Sir
Roland Penrose embodied the prototype of the English
gentleman, somebody attractive and refining taste, the
heir of a great fortune, and above all somebody who was
able to win the heart of the woman he wanted from his
facet as gallery owner, collector, and vocational artist.
But the woman Penrose was interested in obstinately was
not like any other woman. She was the funny, intelligent
and very beautiful Lee Miller, the artist to whom the
Victoria & Albert Museum in London dedicated a essential
exhibition to commemorate the centenary of its appearance.
Lee Miller was born in Poughkeepsie, a village in the state
of New York, in 1907. Her father, an affluent farmer and
an amateur photographer, completely trusted the great
talent of his daughter and sends her to study theatre in
Paris, to a great extent because he wanted to compensate her because of a difficult matter that had happened
when Lee was only seven years old. Little Miller was brutally raped by a close relative, causing a series of physical and psychological disorders that will build up her
complex and tumultuous personality in maturity. Since
then absurdity was part of her existence, anticipating the
surrealist artist that is about to come. Before landing in
Paris to start the great art adventure that will become
her one of the most intense and radical photographers of
all times, Lee, a very spectacular woman of classical
beauty, worked as a model, being the protagonist of
some front covers for Vogue America and posing for the
great talents of her time.
The artist arrives in Paris in 1929 and there, deliberately
and in a cold-blooded manner, she did everything possible to get to know Man Ray, who she accosted confessing him her intention to become his assistant. Not much
time later, she is the muse, the pupil and the lover of an
absolutely dazzled Ray. A relationship that harmed and

benefit her equally. Hard old days in which the presence
of women in the artistic system was mainly an ornamental issue. They inspired or enchanted but they did not
took part actively in the artistic revolutions of that time.
An emblematic example is Hanna Hch and her fight for
reaffirming herself artistically under the protection of the
dadaist superegos. The avant-garde was a radical transformation of the form that, unfortunately, did not affect
the sex world. Even so Lee tried. And she learnt quickly
from the master, experiencing together the solarization
technique , a process that Ray exploited to the full as if
it was his own, perversely leaving out Millers participation in the future. The solarization happens when a film
is exposed to light through the developing. The result are
intense and poetic contrasts produced by the reversion of
the tones in the not exposed areas in the negatives.
Most of Man Rays2 public appreciations, Millers presence was reduced to the role of lover or muse, he hardly ever appears as an original and daring collaborator
with her own ideas. And of course she was like that. Lets
see why. As well as creating one of the most radical
images of that time, ambiguous feminine nudes suggesting phallic shapes, portraits and satiric drawings, enigmatic street scenes, or risky abstractions illustrating the
convulsed beauty preached by Breton, Lee Miller was an
intrepid war photographer. This part of her life will mark
her more deeply and will make her show the riskiest and
most vibrant results.
After a brief marriage to Aziz Eloui Bey, the member of a
wealthy family in El Cairo, and a comfortable life in which
she did not do anything without her camera travelling
and photographing3 Egypt, the artist moved to London
where she started to work as a freelance for the British
Vogue, varying from the documental journalism with portraits and fashion photography. In 1944 she flied to
France as Vogues war correspondent. This would mean
a whole success for the artist since she was interfering an
essentially masculine universe. And Vogues success. An
unprecedented decision, a fashion publication that
descends from the catwalk to the trenches to show the
horror of war. And Lee Miller will be the their main speaker. Hospitals in Normandy, the allies fight, Paris liberation, death in the concentration camps of Dachau and
Buchenwald the artists eyes capture, with an extraordinary sensibility, the suffering of common people, the
devastating effects of war in the civil society. The photographs of Burgomestres daughter dying after the suicide
with the mouth half-open, and one of the most moving
and beautiful images ever seen, anticipating the postmodern compositions of Andrs Serrano.
Maybe the most emblematic image is the one in which
the artist herself appears naked inside Hitlers bath. A
celebrated provocation or a performance which was
not gratuitous. Just like the rest of the terrible scenes she
decided to contemplate and photograph. So much horror
will take a toll on her, and Lee would bear the feeling of
guilt of surviving that irrational and cruel tragedy with
difficulty. Hard-drinking would be her final refuge. But
before that she enjoyed cooking great delicacies for her
guests and friends. The Cordon Bleu was said to be one
of her specialities. And we, from here, are sure of that.
1 Anton Gill. Peggy Guggenheim. Confesiones de una adicta al arte. Plaza
& Janes Editores S. A. Barcelona, 2002 p.266
2 The Foundation Caixa Galicia in A Corua exhibited a retrospective of
him titled Man Ray. Despreocupado pero no indiferente
3 The exhibition recovers some original photographs of this time shown for
the first time
Lee Miller
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[AN] INTERNACIONAL
TRUE NORTH
Museo Guggenheim. Berln. Hasta el 13 de abril
El lenguaje severo del Polo Norte

En la era en la que investigadores atmosfricos y
gegrafos anuncian la desaparicin del hielo del Polo
Norte para 2040 y el cambio climtico es un tema de
actualidad por sus irreversibles consecuencias, por
el mundo del arte no pasa desapercibida la idea de
documentar este romntico y brutal proceso de destruccin. Hasta el 13 de abril, el Museo Guggenheim
de Berln ofrece un viaje al Polo Norte a travs de 7
artistas contemporneos. En este viaje se lleva al
espectador a travs de lagos polares, glaciares y
speros paisajes que inspiraron a poetas y pintores
y desafa a exploradores desde el sigo XVIII hasta
nuestros das. La serie de fotografas Glaciares de
Olafur Eliasson sugiere que tal vez no exista una
naturaleza verdadera sino que sta es el resultado
de la construccin que el espectador o l mismo
hacen de ella. Orit Raff en su vdeo Palindrome
muestra a una mujer que enrolla un material similar
al fieltro dentro de un igl. Se contraponen imgenes de exterior en las que un coyote se mueve a travs de un fro paisaje del Polo; escenas de interior y
exterior se contraponen creando una potica atmsfera de interioridad-exterioridad. Pero True Noth no
slo muestra el Polo Norte como espiritualidad o inspiracin romntica, tambin toca el Polo Norte como
una situacin de antagonismo poltico y represin
histrica. En el vdeo-instalacin Nu tka (1996) Stan
Douglas destapa el conflicto del estado salvaje de
Canad occidental. Empareja fragmentos de narraciones de la colonizacin en el siglo XVIII con dos
vdeos superpuestos de esta remota regin. De este
modo Douglas presenta el paisaje destrozado por las
disputas entre seres humanos. La aportacin del
artista italiano Armin Linke tambin nos ofrece una
escena de interior a travs de una fotografa titulada Ski dome Tokyo, Japan (Bveda de esqu) en la
que se ve un enorme espacio artificial donde la
gente puede esquiar como si estuviera realmente en
la naturaleza, slo que lo que se alza sobre sus figuras diminutas no es el cielo del Polo sino una bveda de estructuras metlicas. En la realidad de nuestra mente el Polo Norte no ocupa un lugar geogrfico especfico sino que ms bien simboliza un fro
lugar donde la gente encuentra la belleza y el horror
de las fuerzas de los elementos naturales que pueden ser confrontados o no con sus ideas preconcebidas, controlados o no por los expertos en medio
ambiente.
Rakel Ochoa
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Orit Raff. Palindrome (2001). Fotograma
The North Pole severe language

In this period in which the atmospheric investigators
and geographers announce the disappearance of the
North Pole ice in 2040, and the climatic change is a
current affair owing to the irreversible consequences, the idea of showing this romantic and
amazing process of destruction cannot go unnoticed
in the art world.
The Museum Guggenheim in Berlin is showing a
journey to the North Pole through 7 contemporary
artists until
f in his video Palindrome shows a woman that rolls a
material similar to felt into an igloo. Outside images
are set up creating a poetic atmosphere of inner
being-outward appearance.
But True North not only shows the North Pole as the
spirituality or romantic inspiration, but also tackles
the North Pole as a situation of political antagonism
and historical repression.
In the video-installation Nu tka (1996) Stan Douglas
uncovers the conflict of the wild condition of western
Canada. He matches narration pieces of the colonization of the 18 th century with two superimposed
videos of that faraway region. This way Douglas
shows the landscape destroyed by the controversies
among human beings.
The Italian artist Armin Linke shows us an inside
scene through a photographs titled Ski dome, Tokyo,
Japan in which we can see a huge artificial space
where people can ski as if they really were in nature,
but the thing raising over their heads is not the Pole
sky but a vault of metallic structures.
The North Pole does not occupy a specific geographical site in the reality of our minds, but rather symbolizes a cold place where people can find the beauty and horror of nature elements power that can be
confronted or not with their preconceived ideas,
either controlled or not by the experts in the environment.
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[AN] INTERNACIONAL
ADRIANA MOLDER. THE PASSENGER

Vera Corts. Lisboa. Hasta el 19 de abril
Adriana Molder. Hotel 1
Adriana Molder (Lisboa, 1975) se interesa, bajo la lnea

del dibujo, por el rostro, aunque tambin ha trabajado
con el vdeo y la fotografa. Entre las diferentes referencias que emergen en su obra, destacan la fotografa criminal del siglo XIX, imgenes de las pin-ups y personajes cinematogrficos. Para Jan-Philipp Fruehsorge en los
dibujos de Adriana Molder el drama se deja fuera, y las
consecuencias fatales son enterradas en su aparente
quietud () Todas las heronas ambiguas de Adriana
Molder oscilan entre la esfera de lo real y la nocin de
una identidad incierta y frgil. () Estas pinturas, sacadas de pelculas vistas en una pantalla y transformadas
en grandes dibujos en negro y blanco por Adriana
Molder, desafan los modos de percepcin del espectador
al insistir en la cuestin, muy simple pero, no obstante,
crucial: qu queda del enigma eterno y del poder
seductor del retrato humano, cuando nos enfrentamos
con la abundancia de produccin de imgenes digitales?.
De sus exposiciones individuales destacan: Copycat
(Museu de Arte Sacra do Funchal, Madeira, 2003), Cartola
(Galeria Presena, Porto, 2003), Galeria de Criminosos
(Politcnica 38, Lisboa, 2005), Mr. Sophistication
(Artecontempo, Lisboa, 2005), Encontro marcado (Museu
de Bellas Artes de Asturias, 2006), No place for a woman
(Arte Contempornea, Sines, 2006), Cmara de Gelo
(Sintra Museu de Arte Moderna - Coleco Berardo,
2002), Der Traumdeuter (Knstlerhaus Bethanien, Berln,
2007), y A madrugada de Wilhelm e Leopoldina
(Fundao Carmona e Costa, Lisboa, 2007), entre otras.
Para el crtico de arte Alexandre Melo las imgenes de
Adriana Molder comienzan a ser identificables a travs de
la especificidad del dispositivo tcnico que les da origen.
Las peculiares cambiantes texturas permitidas por la utilizacin, como soporte, del papel esquisso se alan a un
proceso poco usual de aplicacin de la tinta china como
recurso a formas de control de manchas aleatorias. Los
tipos de transparencias y la inesperada densidad resultante de estos procesos crean el espacio especial, indeterminado, en que los personajes parecen estar sumergidos.
En 2003 recibi el Prmio CELPA/Vieira da Silva Artes
Plsticas Revelao, un ao despus la bolsa Jovens creadores del Centro Nacional de Cultura en Portugal. Su
obra est presente en varias colecciones: BES, Caixa
Geral de Depsitos, C.A.V., Banque Prive Edmond de
Rothschild (Portugal), Coleco Berardo y Union FENOSA.
Adriana Molder. The passenger
Adriana Molder (Lisbon, 1975) is interested in the face

regarding drawing, although she has also worked with
video and photography. Among the different topics emerging from her pieces, we should emphasize the criminal
photography of the 19th century, the images of the pin-ups
and cinematographic characters. According to Jan-Philipp
Fruehsorge in Adriana Molders drawings drama is set
aside, and the fatal consequences are buried in their
apparent calmness() All the ambiguous heroines fluctuate between the sphere of the real and the notion of an
uncertain and fragile intensity. () These drawings, taken
from the films seen in a screen and turned into black and
white big drawings by Adriana Molder, challenge the ways
of perception by the spectator when insisting on the very
simple but crucial question: Is there something left of the
eternal enigma and the seductive power of the human portrait when we face up to the production of digital images?.
Her most important individual exhibitions are: Copycat
(Museu de Arte Sacra do Funchal, Madeira, 2003), Cartola
(Galeria Presena, Porto, 2003), Galeria de Criminosos
(Politcnica 38, Lisbon, 2005), Mr. Sophistication
(Artecontempo, Lisbon, 2005), Encontro marcado (Museu
de Bellas Artes de Asturias, 2006), No place for a woman
(Arte Contempornea, Sines, 2006), Cmara de Gelo
(Sintra Museu de Arte Moderna - Coleco Berardo, 2002),
Der Traumdeuter (Knstlerhaus Bethanien, Berlin, 2007),
and A madrugada de Wilhelm e Leopoldina (Fundao
Carmona e Costa, Lisbon, 2007), among others.
According to the art critic Alexandre Melo Adriana
Molders images begin to be identifiable by means of the
specificity of the technical device of their origin. The
unusual changing textures allowed by the use of the
esquisso paper side with a very unusual process applying
Chinese ink as the resort to control shapes of fortuitous
stains. The types of transparencies and the unexpected
density resulting from these processes create a special,
indeterminate space in which the characters seem to be
immersed.
In 2003 she was awarded with the Prize CELPA/Vieira da
Silva Artes Plsticas Revelao; a year later she received
the grant Jovens Creadores of the Centro Nacional de
Cultura in Portugal. Her work is present in numerous collections: BES, Caixa Geral de Depsitos, C.A.V., Banque
Prive Edmond de Rothschild (Portugal), Coleco Berardo
and Union FENOSA.
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[AN] INTERNACIONAL
PARIS 1900
Museo Giuseppe De Nittis. Barletta. Hasta el 20 de julio
Qu sera Pars sin el influjo de las grandes ciudades

italianas: Roma, Npoles, Florencia, Venecia y Miln? Y
la creatividad francesa sin el Renacimiento, el Clasicismo
y el Neoclasicismo o la Vanguardia italiana? Las interrogativas del alcalde de la capital francesa justifican las
numerosas manifestaciones culturales para celebrar el
cincuentenario del slido pacto amistoso entre Roma y
Pars.
Como la titulada Paris 1900, alojada en la esplndida
estructura barroca del Palacio della Marra en Apulia que,
en su quinta etapa despus de Bruselas, Ro de Janeiro,
Tokyo y Qubec, comisariada por Gilles Chazal, director
del museo parisino, concretiza su poltica de difusin,
Embajadas del Petit Palais.
Con innegable encanto, finura y crudeza, la resea
ahonda en el arte de la capital gala con obras de artistas cohevos del gran pintor barlettano Giuseppe De
Nittis, y exhibe la ms completa realidad que de aquella
ciudad lumire alegre, divertida y, al tiempo, triste y
miserable- rememoran la pintura, la escultura, objetos
de arte y decoracin, joyas, cermicas, estampas y fotografas entre finales del siglo XIX e inicios del XX.
El contenido constituye un ncleo fundamental del arte
francs en las colecciones del Petit Palais, inaugurado en
1902, tras la Exposicin Universal, convirtindose en el
Palais des Beaux-arts de la ciudad de Pars que ana
todas las expresiones artsticas francesas de los aos
1880-1914, de la pintura a la escultura y a las llamadas
artes menores.
De esos fondos, en esta cita se exhiben 130 trabajos,
muchos de ellos elevados a obras maestras, variando
desde los retratos inspirados en la Parisienne, con el de
Sarah Bernhardt de Georges Clarin, imagen-smbolo de
la manifestacin; a las muecas de la pobreza retratada sin piedad en los excelentes lienzos de Fernand Pelez,
autor inseparable de la Pars ms popular; pasando por
las vivas figuras de obreros modeladas por Aim Jules
Dalou; los aguafuertes costumbristas de Edgar Chahine
hasta la afirmacin del Naturalismo de Lhon Lhermitte
y otros... dando el merecido relieve a las artes decorativas que enfoca el adorno parisino con la exquisita joyera de Pierre Georges Deraisme y Charles Jacqueau, con
las porcelanas de Svres, los floreros de Gall as como
la modernidad de los interiores de Georges Rmon con
las ms variadas piezas de mobiliario.
El Museo Giuseppe De Nittis, consagrado a la obra de su
hijo ms ilustre, acoge el gusto del Pars vivido y amado
por el artista, cuando el intercambio cultural italiano y
francs era de lo ms intenso y fecundo.
Una ocasin extraordinaria para una doble cita: la muestra parisina de vasto inters internacional instalada en
estrecho contacto con la permanente del gran maestro
De Nittis, expuesta en la planta superior del palacio.
Carmen del Vando Blanco
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Fernand Pelez. Grimaces et misre: Les Saltimbanques (1888)

Petit Palais / Roger-Viollet
What would Paris be without the influence of the big Italian

cities: Rome, Naples, Florence, Venice and Milan? And what
about French creativity without Renaissance, Classicism,
Neoclassicism or Italian Avant-Garde? Paris mayors questions can justify the numerous cultural shows to celebrate
the 50th anniversary of the solidly made amicable settlement between Rome and Paris.
For instance, the show titled Paris 1900, located in the
splendid baroque structure at the Palacio della Marra in
Abulia, which, in the fifth stage after Brussels, Rio de
Janeiro, Tokyo and Quebec, curated by Gilles Chazal, the
director of the Paris Museum, specifies its spreading policy,
Embajadas del Petit Palais.
With undeniable charm, excellence and crudeness, the
review explores art in the French capital, with pieces of
some artists coeval of the painter Giuseppe De Nittis, and
exhibits the most complex reality of that lumire city
happy, funny and at the same time sad and miserablerecalling the painting, sculpture, art and decoration objects,
jewels, ceramic, pictures and photographs from the end of
the 19th century and the beginning of the 20th.
The content is the essence of French art in the collections
of the Petit Palais, inaugurated in 1902, after the Universal
Exhibition, transformed into the Palais des Beaux-arts in
Paris and joining all the French artistic expressions from
1880-1914, from painting to sculpture and to the so-called
minor arts.
From this collections, there are 130 pieces exhibited, most
of them raised to the level of master pieces, and ranging
from portraits inspired on the Parisienne, including that of
Sarah Bernhardt by Georges Clarin, a symbol-image of the
show; to the faces of poverty depicted in the excellent canvas of Fernand Pelez, an artist inseparable from the most
popular Paris; going through the live figures of workers
sculpted by Aim Jules Dalou; the etchings of local customs
and manners of de Edgar Chahine to the assessment of the
Naturalism of Lhon Lhermitte y other ones... emphasizing
the decorative arts focusing the Paris decoration with the
exquisite jewellery of Pierre Georges Deraisme and Charles
Jacqueau, with Svress porcelains, Galls flower paintings
as well as the modernity in Georges Rmons interiors with
the most varied pieces of furniture.
The Giuseppe De Nittis Museum, dedicated to the work of
the son of the city, reflects the Paris lived and loved by the
artist, when the cultural barter agreement between France
and Italy was the most intense and fruitful thing.
A good occasion for a double event: the Paris exhibition
of great international interest settled in close connection
with the permanent show of the great master De Nittis,
exhibited at the top floor of the palace.
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[AN] INTERNACIONAL
EDOUARD LEV
La exposicin de Edouard Lev que se pudo ver en Les

Abattoirs de Toulouse se compona de quince obras en
las que aparecen hombres annimos, los mismos en
todas las piezas, aunque en algunas aprece el grupo
entero y en otras slo dos. Siempre aparecen vestidos
con ropas normales, ropas de calle, lo que los hace ms
annimos. Vistos as, eliminado todo aquello que nos
pueda recordar al deporte de lo que nos informa la
publicidad de la exposicin-, casi podramos pensar que
se trata de escenas de violencia y/o exaltacin, algo que
de hecho son, de alguna manera, si lo consideramos
desde el punto de vista del deporte. De hecho, lo que
Lev trata de representar en estas obras son instantneas del mundo del rugby, un deporte en el que se pueden dar tanto escenas que vistas desde fuera puede ser
de violencia, como escenas de exaltacin del triunfo.
Todas las ideas para las fotografas fueron sacadas por
el autor de la prensa diaria, que le sirvi de inspiracin,
con lo que se vuelven aun ms documento de la vida y
para la vida de los ciudadanos de a pi. As vista, la fotografa contempornea se vuelve ms documental, es
decir, retoma en algo sus orgenes y acta ms como
reflejo de la vida cotidiana que como constructo esttico, o solamente esttico, aunque creo que la fotografa
nunca ha perdido esta vinculacin con el documento.
Pero en el caso del trabajo de Lev, incluso cuando quiere reproducir, de una manera u otra, algo aparecido en
la prensa, hay una fuerte intencin esttica. Las obras
estn creadas en el estudio del autor, analizando cada
postura, cada movimiento de los personajes, la relacin
de cada uno entre s y con el grupo. Al final resulta un
esplndido trabajo de estudio de carcteres, de posiciones y escorzos, de luces y de sombras. Como digo, si
nos olvidamos del asunto del rugby, o no tenemos noticia de ello al visitar la exposicin, no pensaramos en el
deporte, sino en el trabajo de un extraordinario fotgrafo. La forma de trabajar de Lev, a nivel esttico nos
recuerda bastante al planteamiento de la imagen de las
obras de Bill Viola o Pierre Gonnord. Las escenas de
grupo tambin nos pueden recordar, aunque en un formato menor, a algunas de Mira Bernabeu. Sobre todo en
el caso de los dos primeros, tambin por situar la escena frente a un fondo neutro, que resalta mucho ms los
personajes y no distrae la atencin de espectador. La
muestra de Les Abattoirs, adems, tiene otra connotacin. La muerte de Edouard Lev, el 15 de octubre de
2007, mientras que estaba abierta la exposicin, la convierte en un homenaje del museo al artista. Durante la
exposicin se han celebrado varios actos en su memoria. La exposicin se pudo ver en una de las salas de la
planta primera del edificio, y as quedaba recogida e intima, frente a la majestuosidad y amplitud de los espacios, que en esos das estaban ocupados en pleno por
una presencia casi total del arte espaol, desde Jordi
Colomer, estupenda instalacin por cierto, hasta Saura,
Miguel ngel Campano, Daniel Canogar o Picasso.
Juan-Ramn Barbancho
Exposicin celebrada el pasado mes de noviembre en Les
Abattoirs en Toulouse (Francia)
Eduard Lev. Serie Rugby
Edouard Levs exhibition at Les Abattoirs in Toulouse is

made up of fifteen pieces with anonymous men, the
same ones in every piece, although in some of them we
can see the entire group and in others just two men.
They always wear usual clothes, street clothes, making
them be more anonymous. Seen like that, and getting
rid of the things related to sport the ad of the exhibition reports about- we can think that they are scenes of
violence and/or exaltation, and they really are if we consider it from the sport point of view. In fact, what Lev
is trying to represent are rugby snapshots, a sport
whose scenes may seem violent from the outside, or
scenes of triumph exaltation. All the ideas for the photographs were taken from the daily papers by the
author, using it as a source of inspiration, and for that
reason they are life documents for the life of common
people. From that point of view contemporary photography looks like a documentary, that is, takes up its origins again and acts more as a reflection of quotidian life
rather than an aesthetic construct or only aesthetic,
although I think that photography has never lost this
connection with the document. But in the case of Levs
work, even when he, somehow, wants to reproduce
something similar in the papers, there is a strong aesthetic intention. The pieces have been created at the
authors studio, analysing every position, every movement of the characters, the relation of one another and
with the entire group. The final result is a splendid work
of character studio, of positions and foreshortening, of
lights and shades. A I said, if we forget or do not notice
about rugby when visiting the exhibition, we will not
think of sport, but in the work of a brilliant photographer. Levs work style at an aesthetic level reminds us
of Bill Violas or Pierre Gonnords image approach. Group
scenes may also remind us of some Mira Bernabeus
photographs, although in a smaller size. Above all in the
case of the first two photographs, since the scene is set
in front of a neutral background, making the characters
stand out much more and the spectator does not get
distracted. The exhibition at Les Abattoirs has another
connotation. Edouard Levs death in October 15 2007,
while the exhibition was still opened, becomes a tribute
to the artist by the museum. There have been several
functions in his honour. The exhibition can be seen in
one of the rooms of the first floor so that it is like an intimate exhibition, against the majesty and wideness of
the other spaces occupied by Spanish art these days, for
instance Jordi Colomer, by the way with a brilliant installation, Saura, Miguel ngel Campano, Daniel Canogar or
Picasso.
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[AN] INTERNACIONAL
HOME CINEMA
Lugares que significan

Maribel Lpez fiel a su espritu emprendedor y a su
carcter inconformista ha dado inicio a la andadura de
un proyecto que tiene como escenario la ciudad de
Berln. Esta galerista catalana, junto a su socio
Guillermo Navarro, inaugur el pasado mes de diciembre una galera de arte que lleva su propio nombre,
Maribel Lpez Gallery en la capital alemana. Su objetivo
es contribuir a difundir el arte contemporneo internacional en una ciudad que se ha mostrado permeable a
las contribuciones de los artistas y que ha visto crecer
su nombre como capital del arte junto a otras metrpolis como Nueva York, Londres y Pars. El proyecto de
Maribel Lpez Gallery quiere poner especial nfasis en
los artistas espaoles emergentes, proyectarlos en el
mbito internacional y, a la vez, crear puentes y vnculos con artistas de otras nacionalidades.
El pasado de mes de marzo se pud ver la exposicin
colectiva comisariada por Mart Manen y que lleva por
ttulo Home cinema, en la que se encuentran obras de
Mats Adelman, David Bestu y Marc Vives, Markus
Degerman, Sofia Hultn, Zilla Leutenegger y Santiago
Vich. Sobre el proyecto Home cinema Manen escribe:
Mulholland drive, el motel de Norman Bates, la mansin
de Kane, la habitacin de Alicia, la cabaa del to Tom,
el hotel de Jack Torrance... podramos hacer listas y listas de lugares que el cine o la literatura nos han mostrado como generadores de significado. El lugar lleva
hacia una narracin concreta, una narracin que puede
seguir las coordenadas de lo real o huir hacia otras posibilidades. Cuando el lugar es el protagonista, cuando
genera significados, cuando se adscribe a lo real o huye
hacia el terreno de la fantasa, cuando simboliza un
espacio acogedor o se convierte en el punto de una
huda. Los dibujos de Mats Adelman inspirados en pelculas de terror, el espacio domstico como origen de la
obra, no slo como escenario sino como incitador de las
performances de Bestu y Vives en Acciones en casa, el
simbolismo y la esttica de los materiales de construccin de Markus Degerman, los significados narrativos de
los objetos y los espacios como epicentros de destruccin o de lucha de Sofia Hultn, el lirismo de los dibujosinstalaciones de Zilla Leutenegger que conforman su
mundo imaginario de luces y lneas o las grabaciones
domsticas revisitadas por Santiago Vich. Home cinema
permite la lectura del espacio como creador de significados.
Some meaningful places

Maribel Lpez, remaining faithful to her go-ahead spirit
and non-conformist character, has started the progress
of a project whose scene is Berlin. This Catalan gallery
owner, together with her associate Guillermo Navarro,
inaugurated an art gallery with her name in the German
capital city last December. Their aim is to help to disseminate international contemporary art in a city that
has been permeable to the artists contributions and has
seen how its name as a capital of art has grown together with other metropolis such as New York, London and
Paris. The project of Maribel Lpez Gallery would like to
emphasize the emergent Spanish artists, to project
them internationally, and at the same time, create
bridges and links with artists from other places.
Everybody could visit the exhibition Home Cinema,
curated by Mart Manen, with pieces of Mats Adelman,
David Bestu y Marc Vives, Markus Degerman, Sofia
Hultn, Zilla Leutenegger and Santiago Vich. Manen
writes about the project Home Cinema: Mulholland
drive, Norman Batess motel, Kanes mansion, Alicias
room, uncle Toms cabin, Jack Torrances hotel we
could enumerate a lot of places cinema or literature
have shown us as meaning generators. The place lead
us towards a concrete narration which can follow the
coordinates of the real or run away towards other possibilities. When the place is the main protagonist, when it
means something, when it is attached to the real or runs
away towards a fantasy territory, when it symbolizes a
cosy place or becomes the starting point of a runaway.
Mats Adelmans drawings, inspired in terror films, the
home space as the origin of the piece, not only as the
stage but also as the encourager of Bestus and Vivess
performances in Acciones en casa, the symbols and aesthetics of the building materials of Markus Degerman,
the narrative meanings of the objects and the spaces as
the destruction or fight epicentres of Sofia Hultn, the
lyricism of the drawings-installations of Zilla
Leutenegger making up a imaginary world of lights and
lines or the home recordings revisited by Santiago Vich.
Home cinema makes possible the understanding of the
space as a creator of meanings.
Slvia Muoz dImbert
Video space. David Bestu+Marc Vives, Sofia Hulten, Santiago Vich
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[AN] INTERNACIONAL
COME, COME COME INTO MY WORLD

Ellipse Foundation. Cascais. Hasta el 31 de agosto
Estrao mundo nuevo

Qu tiene que ver uno de los nombres de la msica pop
con el arte contemporneo? Kylie Minogue es como el
tofu, no sabe a nada pero absorbe todo. La provocadora
explicacin es de Andrew Renton, comisario de la
exposicin, Come, come, come into my world presente en
la Ellipse Foundation, Contemporary Art Collection, en los
alredores de Cascais. En total, son 26 artistas, cuyas piezas
proceden del acervo de la coleccin, ganando una nueva
interaccin, por las opciones expositivas. Nombres como
Douglas Gordon, Joo Onofre, Muntean & Rosenblum, John
Bock, Olafur Eliasson, Mike Kelley, Gabriel Orozco, John
Stezaker, Aleksandra Mir, Raymond Pettibon, Dash Snow,
Joo Pedro Vale, Jack Pierson o Erwin Wurm se reorganizan
en un nuevo corpus, encontrando en conjunto un discurso
recproco. Ya a la entrada, una sala grande, de suelo
ajedrezado y techo con espejo en aluminio. En esta
propuesta de Olafur Eliasson el visitante pasa a integrar la
propia pieza, aumentando la expectativa.
Ms adelante, encontramos el conjunto de collages de John
Stezaker. Partiendo de imagenes icnicas de la poca
dorada de Hollywood, despedaza rostros, expresiones y
escenarios, concediendo dureza y desmigajando la calma
de las imagenes. As, sobre la utilizacin de la figura
humana, se refiere la presencia del histrico Raymond
Pettibon, en un registro que evoca los cmics
norteamericanos y su imaginario serie B. Por oposicin,
Erwin Wurm deconstruye la forma de un abrigo,
despojandolo de toda la carga antropomrfica, utilizando
fotografa y vdeo.
Douglas Gordon nos desafa a entrar literalmente en la
mirada de diversos rostros, figuras de ojos rasgados,
rellenados por un gris metlico, sobrecogedor y
embriagador. Si los ojos son el espejo del alma, estas
criaturas fueron vaciadas, en un Fausto postmoderno.
Destacan adems las piezas de Aleksandra Mir, huevos de
avestruz pintados con rotulador. En cuanto al soporte, dos
cabezas de guila cruzadas, remite al imaginario fundador
y patriota de una Amrica desacralizada, los huevos, en s,
no pueden dejar de recordar una de las ms famosas
creaciones del alma rusa, los trabajos de Faberg para la
familia real.
Por ltimo, referencia obligada a los dos nicos
portugueses presentes, Joo Pedro Vale y Joo Onofre. El
primero, arriesga un extrao y escenificado eccehomo, que
resulta del encuentro fortuito entre espuma de poliuretano,
cola trmica, un yelmo de vikingo de plstico, una peluca
afro, un plumero de plumas de gallo, pendientes de
imitacin de tortuga, chinchetas y una punta de paraguas.
En cuanto a Joo Onofre, se dedica a experimentar con
elementos grficos, como un degrad de carcteres
tipogrficos impresos, una reproduccin del Plan Director
Municipal de Lisboa o un flyer de un concierto de Heavy
Metal. El ttulo de una de las obras, Macguffin, no esconde
sus intenciones de disimulacin. No es todo lo que parece.
Strange new world

What is the relationship between one of the artists of pop
music and contemporary art? Kylie Minogue is like the
tofu, it has no taste but absorbs everything. Andrew
Renton, the curator of the exhibition Come, come come
into my world at the Ellipse Foundation Contemporary Art
Collection in Cascais, is the author of the provocative explanation. 26 artists whose pieces come from the collection,
gaining a new interaction because of the expositive options.
Some names such as Douglas Gordon, Joo Onofre,
Muntean & Rosenblum, John Bock, Olafur Eliasson, Mike
Kelley, Gabriel Orozco, John Stezaker, Aleksandra Mir,
Raymond Pettibon, Dash Snow, Joo Pedro Vale, Jack
Pierson or Erwin Wurm are reorganized into a new corpus,
discovering a new reciprocal discourse.
At the entrance, at a big room with a chequered floor and
an aluminium ceiling mirror. In this Olafur Eliassons proposal the visitor becomes part of the pieces, increasing the
expectation. Further forward we can see John Stezakers
collages. Starting from iconic images from Hollywood golden age the artist tears faces, expressions and stages, giving special cruelty and crumbling the calmness of images.
So regarding the use of the human figure we can see the
presence of the historical Raymond Pettibon, evoking North
American comics and his imagery series B. In constrast to
him, Erwin Wurm deconstructs the shape of a coat, and
strips it of any anthropomorphic charge by using photography and video.
Douglas Gordon dares us to literally get into the eyes of
several faces, some figures with almond-shaped eyes, filled
with a metal, frightening and intoxicating grey. If eyes are
the windows of the soul, these creatures were emptied in a
post-modern Faust.
We can stand out the pieces of Aleksandra Mir, ostrich eggs
painted with a felt pen. Regarding the support, two crossed
eagle heads refer back to the founding and patriot imagery
of a demystified America; the eggs, per se cannot avoid
refer to one of Russian most famous creations, Fabergs
pieces for the royal family. Finally an obliged reference to
the two Portuguese artists present at the exhibition: Joo
Pedro Vale and Joo Onofre. The first one ventures with an
strange and reproduced Ecce Homo, the result of the
chance combination of polyurethane rubber, thermic gum,
a plastic Vikin helmet, an Afro wig, a feather duster made
of cock feathers, imitation tortoiseshell earrings, drawing
pins and the point of an umbrella.
Joo Onofre experiments with graphic elements such as a
degrad of printed typographical script, a reproduction of
the Lisbon Municipal Urban Planning or a flyer of a concert
of Heavy Metal. The title of one of the pieces, Macguffin,
does not hide the dissimulation intention. Or nothing is
really as it looks like.
Teresa Pearce de Azevedo
Joo Pedro Vale. Ecce Homo
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[AN] INTERNACIONAL
FRANCES STARK. THE FALL OF FRANCES STARK

Culturgest. Lisboa. Hasta el 11 de mayo
Frances Stark
La exposicin de la artista estadounidense Frances Stark

comisariada por Philip Van den Bossche es el resultado
de la colaboracin entre el Van Abbemuseum
(Eindhoven), el FRAC Bourgogne (Dijon) y Culturgest.
Una seleccin de cerca de 50 obras (collages, dibujos,
pinturas y vdeos) realizadas entre 1993 y 2007. La
muestra tiene como punto de partida una publicacin
monogrfica sobre su produccin artstica editada por el
Van Abbemuseum de Eindhoven. En el ensayo escrito
por Stark titulado The Architect and the Housewife
(Book Works, 1999). Stark afirma un concepto definitivo
de configuracin del proceso de producin vinculado a
un lugar concreto. Partiendo de su espacio de atelier, de
su casa, se nombra duea de casa como la persona
responsable de la gestin de sta, no siendo la casa un
lugar de acumulacin de produccin, pero s un lugar
para una serie de producciones simultneas que no
presentan seales de produtividad. En la obra de
Frances
Stark
aparece
con
frecuencia
la
intertextualidade y la continua referencia a textos como
los enlaces para sus obras visuales.
Frances Stark (Newport Beach, California, 1967)
actualmente vive y trabaja en Los ngeles, y combina la
produccin en el mbito de las artes visuales con su
labor como escritora. Ha expuesto individualmente en
Paule Anglim Gallery de San Francisco, Kunstverein
Galerie de Munich o la galera Daniel Buchholz de
Colonia. Sus obras se han includo en exposiciones
colectivas en instituciones como San Francisco Museum
of Modern Art, Los Angeles County Museum of Art,
Museum of Contemporary Art (Los ngeles), entre otros
lugares.
The exhibition of the North American artist Frances

Stark, curated by Philip Van den Bossche, is the result
of the collaboration between the Van Abbemuseum
(Eindhoven), the FRAC Bourgogne (Dijon) and
Culturgest. A selection of about 50 pieces (collages,
drawings, paintings and videos) produced between
1993 and 2007. The starting point of the exhibition is
a monographic publication on her artistic production
edited by the Van Abbemuseum in Eindhoven. In the
essay written by Stark and titled The Architect &
Housewife (Book Works, 1999). Stark talks about a
definitive concept of configuration in the production
process related to a concrete place. Starting from her
work place, her house, the housewife is referred to as
the person in charge of the house management, without considering the house as a place of production
accumulation, but rather a place with a series of simultaneous productions that do not show productivity
signs. Intertextuality and the continuous reference to
texts constantly appear in Frances Starks work as the
links for her visual pieces.
Frances Stark (Newport Beach, California, 1967) lives
and work in Los Angeles nowadays, and combines the
production in the field of visual arts with her work as a
writer. She has exhibited individually at the Paule
Anglim Gallery in San Francisco, the Kunstverein
Galerie in Munich or the gallery Daniel Buchholz in
Cologne. Her pieces have been included in some collective exhibitions of some institutions such as the San
Francisco Museum of Modern Art, Los Angeles County
Museum of Art, Museum of Contemporary Art (Los
Angeles), among other places.
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[AN] INTERNACIONAL
MONOCROMTICOS - VERTENTES NA ARTE CONTEMPORNEA BRASILEIRA
Regina Silveira. Vista de la instalacin
En la pasada edicin de ARCO gran parte de la producion

artstica actual de Brasil estuvo presente. Mono#cromticos
(celebrada el pasado mes marzo), comisariada por Paulo
Reis, insiste en esta visibilidad brasilea reuniendo obra de
una veintena de artistas. Todo un esfuerzo para una galera,
ya que se presenta como proyecto casi institucional. La
exposicin ocupaba la sede de la galera Mario Sequeira,
situada en una hermosa quinta en los alrededores de la
ciudad portuguesa de Braga.
Mono#cromticos. Vertentes na arte contempornea
brasileira ofreca una mirada que potenciaba dos lneas
conceptualmente antitticas. Una primera tendencia
concreta, minimalista y cartesiana, seguidora de unas
propensiones apolneas, de una limpieza de lneas y un
inters por la transparencia. Ligados a esta lnea
encontramos la pintura de Paula Pasta, o de Paulo
Climachauska, las esculturas de ngelo Venosa, Artur
Lescher, Edgar de Souza, Iran do Esprito Santo, Laura
Vinci, Waltercio Caldas, las fotografias de Caio Reisewitz
y Mauro Restiffe, y las instalacines de Regina Silveira
La segunda tendencia es ms colorista y hedonista,
dionisaca. En esta corriente pop se sitan elementos
referenciales populares europeos (portugueses) y de otros
latitudes (africanos e ndios); siguiendo esta lnea estara
la pintura de Mariana Palma, Vik Muniz, Cao Guimares,
Felipe Barbosa, Jarbas Lopes, Marepe e Rochele Costi,
Cabelo e Janaina Tschpe, Beatriz Milhazes, Eder Santos,
Miguel Rio Branco o Tiago Carneiro da Cunha.
Fue a finales de la dcada de los aos 50 del pasado
siglo, cuando comenzaron a dibujarse en Brasil estas
dos lneas, los primeros vinculados a un arte abstracto,
constructivista, monocromtico, que contemplaban las
vanguardias del orden europeas de entreguerras
(suprematismo, cubismo u orfismo); y los otros, que
seguan un arte figurativo, colorista que mezclaban la
tradicin con la innovacin, defensores de la curva y de
la afirmacin de lo popular.
In the last edition of ARCO we could see a great part

of the Brazilian artistic production. Mono#cromticos
(exhibition held last March) curated by Paulo Reis
insists on this Brazilian visibility by assembling the
pieces of about twenty artists. A great effort and work
for a gallery, in the way it is shown like an institutional
exhibition. The show occupies the central office of the
Mario Sequeira gallery, located at a beautiful farm on
the neighbourhood of Braga in Portugal.
Mono#cromticos. Vertentes na arte contempornea
brasileira showed a view that developed two
conceptually antithetical lines. One first concrete,
minimalist trend and cartesian following some
Apollonian tendencies, with clear lines and interest in
the transparency. Connected to this line we can find
the painting of Paula Pasta, or Paulo Climachauska,
the sculptures of ngelo Venosa, Artur Lescher, Edgar
de Souza, Iran do Esprito Santo, Laura Vinci, Waltercio
Caldas, the photographs of Caio Reisewitz and Mauro
Restiffe, and the installations of Regina Silveira
The second one is more colouristic and hedonistic,
Dyonisian. In this pop trend we can find European
popular referential elements (Portuguese) and from
other countries (African and Indian); and following
this line we can find the painting of Mariana Palma, Vik
Muniz, Cao Guimares, Felipe Barbosa, Jarbas Lopes,
Marepe e Rochele Costi, Cabelo e Janaina Tschpe,
Beatriz Milhazes, Eder Santos, Miguel Rio Branco and
Tiago Carneiro da Cunha.
It was at the end of the fifties when these two trends
appeared in Brazil, the first ones connected with
abstract, constructivist, monochromatic art that
observed the European avant-gardes in the period
between the wars (suprematism, cubism or orphism);
and others that followed figurative colouristic art,
mixing tradition and innovation, defended the curve
and affirmed the popular.
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_cultura
JODOROWSKY Y SU SANTA LOCURA FLMICA
La comprimida carrera cinematogrfica del chileno

Alejandro Jodorowsky (Tocopilla, 1929) ha resultado
corta pero incendiaria, ya que con slo cuatro pelculas
a su haber1 este creador ha zamarreado a cinfilos y crtica, los cuales le han otorgado el insigne traje de director de culto.
Multiescnico artista (desde nio se ha friccionado con el
teatro, el cmic, la literatura y el cine, adems de dar
vida a la Psicomagia) intriga tanto en el contenido de sus
pelculas, como en la naturaleza del financiamiento de
las mismas.
Su cine desatrofia la somnolencia de cualquier espectador por medio de argumentos con poca-nula linealidad,
escenas carentes de dilogos y narraciones cargadas de
simbolismos hasta la saciedad.
Siguiendo la no lgica de produccin de toda obra rupturista, Jodorowsky siempre asumi la realizacin de sus
pelculas como un juego grupal del que se serva para
expresar sus visiones espirituales y conjeturas metafsicas. Al ser obras concebidas sin principios comerciales,
la distribucin, exhibicin y localizacin de las mismas
ha sido escassima. En su momento, algunas de sus cintas solo fueron proyectadas en un puado de salas, para
luego verse rotas por la censura y hasta hoy en da
cuesta encontrar copias en el mercado, por lo que el
propio Jodorowsky ha arengado a sus seguidores a
piratear su trabajo, con la intencin de darle una
mayor distribucin.
Nacido en Tocopilla, ciudad minera empotrada en el
desierto chileno, emigr tempranamente a Francia, en
donde convivi con sucesos teatrales como Marcel
Marceau y Fernando Arrabal. Junto a Arrabal y Roland
Topor en 1962 dieron cuerpo al Movimiento Pnico,
para luego desplazarse a Mxico, trinchera con suficiente plvora surreal en el aire como para permitirle filmar
sus obras.
Su primera produccin Fando y Lis (1967) est basada
en la obra teatral homnima de Arrabal y sita a una
particular pareja formada por un impotente y una paraltica, en su bsqueda por encontrar Tar, la ciudad en
donde reside el xtasis espiritual.
La pieza debutante de Jodorowsky, pronto levant polvo
y crtica, ya que su desestructurante argumento y la
inclusin de una escena en donde un anciano toma la
supuesta sangre real del brazo de la protagonista, canjearon su estreno por la pronta censura. Sin embargo, el
torbellino elev a la luz el nombre del chileno con lo que
consigui financiamiento para realizar en 1970 su
siguiente obra, El Topo. Protagonizada por l mismo,
puede intentar definirse como un Western Zen, en
donde su personaje principal transita por una serie de
eventos que lo llevan a enfrentar enemigos en un pistolero desierto, a indagar en si mismo y a resucitar para
luego ser el conductor de un grupo de marginados
sociales. Las inspiraciones bblicas del guin son claras
y los mitos en torno a la pelcula curiosos, como que
una de sus protagonistas era una misteriosa desconocida adicta al LSD que desapareci luego de la filmacin o
que John Lennon era un ferviente fan del film y que
haba llegado incluso a ofrecer soporte econmico para
la prxima pelcula de Jodorowsky. Con o sin el patronazgo del Beatle, lo cierto es que en 1973 fue estrena-
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da La Montaa Sagrada, llegando incluso a presentarse

en el festival de Cannes, donde no obtuvo xito.
En esta odisea csmica, su protagonista (Jodorowsky
nuevamente) es un alquimista que congrega a un grupo
de personas simbolizando los planetas del sistema solar.
Su cometido es llegar hasta la cima de La Montaa
Sagrada en donde reemplazarn a los dioses actuales
estableciendo un nuevo orden universal.
La esttica documenta abiertamente el contexto social
de los setenta, con aventuradas escenas filmadas por
Ciudad de Mxico en las que desfilan transentes comunes, estrafalarios y la infaltable fuerza policial mexicana,
y a su vez presenta un calidoscopio psicodlico, un espacio en el que se reflectan smbolos, geometras, colores
y seres zodiacales que dan forma a un archirocambolesco mosaico esotrico.
Prestndole por un rato el protagonismo a su hijo Axel,
en 1989 Jodorowsky estrena Santa Sangre, pelcula con
la que ha gozado de un mayor reconocimiento masivo.
El argumento se desarrolla en torno a Fnix, un niomago circense, cuya madre lidera una secta de fanticas
religiosas y cuyo padre es el bizarro lanzador de cuchillos del circo. La accin circula por los traumas de un
Fnix ya adulto, siendo el film una oda a los demonios
trenzados en familia, un exorcismo a las heridas labradas por los padres y un grito investido de pelcula, con
el que se pretende liberar los opresivos legados ancestrales.
Segn l mismo, la inquietud por sanar haciendo, es la
combustin que pone en marcha a Jodorowsky. En los
ltimos aos, ha dejado de pujar historias en el cine
para enfocarse principalmente en la aplicacin de la
Psicomagia, espacio en el cual despliega sus dones de
actor, guionista, nio-mago y psicochamn, medio por el
cual ahora se vale para seguir contando historias y con
el que cautiva las miradas masivas que sus pelculas de
avanzada no conquistaron.
Natalie Sve
1 Alejandro Jodorowsky ha dirigido ms de cuatro pelculas, sin embargo

las que se mencionan en este artculo, son las que segn sus propias palabras considera como obras suyas.
Santa Sangre (1989)
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[AN] CULTURA
La Montaa Sagrada (1973)
The compressed cinematographic career of the Chilean

Alejandro Jodorowsky (Tocopilla, 1929) has been short
but inflammatory since, only with four films1, this creator
has shaken film fans and critics, who have conferred on
him the distinguished title of cult director.
This multi-stage artist (he has been related to theatre ,
comic, literature and cinema since he was a child and he
also created the Psychomagic) intrigues both in the content of his films and their financing nature.
His films dis-atrophy the sleepiness of the spectators
through arguments with little-null linearity, scenes devoid
of dialogues and narrations full of symbols.
Following the illogical production of any rupturist work,
Jodorowsky always assumed the production of his films
like a group game he used to express his spiritual visions
and metaphysical conjectures. As they are works produced without taking into account commercial principles,
their distribution, exhibition and finding has been very
scarce. In that moment, some of his films were only projected at a few cinemas so as to later been broken down
by the censure, and even nowadays it is very difficult to
find them in the market, and for that reason Jodorowsky
himself has encouraged his fans to pirate his work so
that it can be more distributed.
He was born in Tocopilla, a mining town in the middle of
the Chilean desert, and early emigrated to France, where
he met theatre masters such as Marcel Marceau and
Fernando Arrabal. Together with Arrabal and Roland
Topor, they created the Panic Movement in 1962, and
later he moved to Mexico, a fence with enough surreal
gunpowder so as to let them shoot his films.
His first production Fando y Lis (1967) is based on
Arrabals homonym theatre play and tell the story of a
particular couple made up of an impotent and a paralytic
that are trying to find Tar, the city where one can find the
spiritual ecstasy. Jodorowskys first film was soon criticised since the badly structuring plot and the inclusion of
a scene in which an old man takes the supposed real
blood from the protagonists arm was soon censured.
Nevertheless, the whirlwind elevated the name of the
Chilean to the light and he got the money to produce his
second film El Topo in 1970. Played by himself, he can
defined himself as a Western Zen, in which his main character passes along a series of events that lead him to
bring two enemies face to face in the desert, to find out
about himself and to raise from the dead to later turn into
the leader of a group of social underprivileged. The script
Bible inspirations are very clear and the myths around the
film are very curious, since one of his protagonists was a
mysterious unknown person addicted to the LSD who disappeared after the shot, or the fact that John Lennon was
a fervent fan of the film and had offered money for
Jodorowskys following film. With or without the money of
the Beatle, the fact is that La Montaa Sagrada was
released in 1973, and even entered the Cannes Festival
without success.
In this cosmic odyssey, the protagonist (Jodorowsky
again) is an Alchemist that congregates a group of people
symbolizing the planets of the Solar System. His mission
is to get to the top of the Holy Mountain where current
gods will be replaced establishing a new universal order.
The aesthetic part, openly documents the social context
of the seventies, with risky scenes shot in Mexico DF in
which common and eccentric passers-by walked through
and the Mexican police power not to be missed, and
shows a psychedelic kaleidoscope, a space in which symbols, geometries, colours and zodiac beings shaping a
archimbolesco esoteric mosaic are reflected.
Paying a special attention to his son Axel for a moment,
Jodorwsky released Santa Sangre in 1989, the film with
which he has been more successful en masse. The plot,
around Fnix, a magician-child of the circus, whose mother leads a sect of religious fanatics and whose father is the
brave knife thrower in the circus. The action deals with the
traumas of an adult Fnix, becoming the film an ode to the
familiar spirits , an exotericism to the damages caused by
the parents and a conferred scream of the film, with which
the oppressive ancestral legacies are liberated.
According to himself, the concern for healing is his own
combustion. In the last few years he has stopped producing films to mainly focus on the application of the Psychomagic, a space in which he shows his qualities as an actor,
script writer, magician-child and psycho-sorcerer he uses
to go on telling stories and capturing the mass attention
his films did not get to.
Alejandro Jodorowsky has directed more than tour films, although the
ones mentioned in this article are the ones he considers as his own films
according to his own words.
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[AN] CULTURA
RICHARD FARNSWORTH. THE STRAIGHT STORY

Un viejo lobo en el universo de David Lynch
Un viejo lobo en el universo de David Lynch

Si bien John Houston, Alan Pakula, Sydney Pollack, Barry
Levinson y Rob Reiner lo eligieron primero, David Lynch
lleg despus y no slo lo elev de categora, si cabe, sino
que al darle el rol de Alvin Straigh lo confin para siempre
a la torre de los mitos outsiders ms admirados. Richard
Farnsworth es un viejo y verdadero actor de los que apenas quedan... quizs como su personaje Alvin: un viejo y
verdadero cowboy tambin en extincin. Testarudos entraables e inquietos old men de una Amrica poco frecuentada por el juego de Hollywood. Farnsworth y Lynch consiguen conmover profundamente sin pretensin de que pase
nada ms grandilocuente que un montn de dilogos poticos y trascendentes en su aparente simpleza: unos secundarios sembrados de magia y credibilidad (Sissy Spacek,
Harry Dean Stanton, Donald Wiegert, Everett McGill,
Joseph A. Carpenter) y la fotografa bellsima de Freddie
Francis que enmarca el recorrido que este personaje realiza desde Iowa hasta Wisconsin metfora de introspeccin
y reflexin del ocaso de la vida- con la nica compaa de
una banda sonora inmejorable, serena y envolvente, obra
de Angelo Badalamenti. Con un hbil juego de palabras en
el ttulo original -el apellido del protagonista juega con la
rectitud moral y fsica de su trayectoria- y una traduccin
literal que no puede entenderse ms que como una historia verdadera, sencilla, recta, rotunda o clara, encontramos una pequea gran pelcula, apuntalada sobre un
potente y ajustado guin de John Roach y Mary Sweeney
con no ms aspiracin aparente que rendir homenaje a la
entereza, la testarudez y la curiosa naturaleza del ser
humano en un escenario simple, que no simplista, y brindarnos 111 minutos de pura interpretacin genuina,
hacindole toda la justicia de la que el buen cine es capaz
a un curioso hecho real ocurrido en 1994 en Laurens, Iowa.
Mr. Straight es un viudo de 73 aos con dificultades en la
vista y una cadera malavenida que vive en Iowa en compaa de su hija Rose, una mujer con cierta lentitud de pensamiento y de palabra, que se desvive por cuidar de su
padre y de su casa. Un buen da reciben la noticia de que
Lyle, hermano de Alvin, ha sufrido un ataque cardaco y
podra quedarle poco tiempo de vida. Ambos hermanos lle-
Richard Farnsworth. The Straight Story. David Lynch
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van diez aos sin hablarse. Alvin decide ir al encuentro de

Lyle. Una empresa por la que pocos apuestan pero an as
apoyan y bendicen. Lyle vive en Wisconsin, a ms de 500
kilmetros y Alvin no tiene ni dinero, ni carnet de conducir,
pero posee un pequeo tesoro, un cortacsped con el que
emprender el lento viaje hacia el reencuentro de su hermano para hacer las paces, sentarme junto a l y mirar a
las estrellas como solamos hacer hace tanto tiempo.
Lynch es sin duda un gran hacedor de atmsferas nicas
plagadas de personajes irrepetibles; un director inclasificable cuya mirada se construye desde planos psicolgicos
insospechados sin apenas referentes a los que remitirnos...
Y desde su universo nico slo puede contar historias verdaderas; verdaderas en el sentido ms primario de la palabra: honestas por crudas, brutales, sin maquillaje que
cubra sus imperfecciones porque justamente las historias
de este singular director estn hechas desde la ms absoluta imperfeccin: Twin Peaks, Mulholland Drive, Blue
Velvet, Wild at Heart o la ms reciente Inland Empire lo
demuestran. Elegir el casting de un film supone tomar las
decisiones ms comprometidas de un rodaje, en l se juega
prcticamente todo el peso fundamental del proyecto; y en
el universo de Lynch podemos suponer que puede ser una
tarea doblemente compleja por lo poco convencional de
todos sus elencos y los roles que les asigna. Haber encontrado a Richard Farnsworth supuso sin lugar a duda la
mejor decisin para esta pelcula. Un viejo lobo en el universo de David Lynch, un actor dotado de una sobriedad
soberbia, rotundamente entero y quebrado a la vez, sin
aspavientos, y sabiamente sutil en su interpretacin.
Quizs ha hecho lo mismo durante toda su carrera, marcarse un paso, un ritmo no ms lento ni ms rpido que el del
cine de su tiempo, pero s un paso diferente y nunca repetido, quizs Al igual que Alvin Straight y que Richard
Farnsworth, David Lynch tiene una mirada propia y testaruda, un paso marcado, una medida distinta del tiempo, de
las cosas, nica entre sus contemporneos. The Straight
Story, es una historia llena de buenas intenciones plasmadas en autnticos logros, todo verdad y todo imperfecto...
un viaje lento y particular a la inconfundible medida de
David Lynch.
Perla Carnota Gugliotti
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[AN] CULTURA
If John Houston, Alan Pakula, Sydney Pollack, Barry Levinson

and Rob Reiner chose him firstly, David Lynch arrived later
and not only he raised him to a higher level, if thats possible,
but when giving him the role of Alvin Straight he exiled him
to the tower of the most admired outsider myths. Richard
Farnsworth is an old and real actor and there are few like
him maybe like his character Alvin, an old and real cowboy
in danger of extinction.
Charming stubborn and restless old men of an America not
very frequented by Hollywoods game; Farnsworth and Lynch
get to deeply move us without hoping nothing more grandiloquent than many poetic and transcendent seemingly simple
dialogues, some secondary ones full of magic and credibility
(Sissy Spacek, Harry Dean Stanton, Donald Wiegert, Everett
McGill, Joseph A. Carpenter) and Freddie Franciss lovely photography that sets the route Iowa-Wisconsin of this character
a metaphor of introspection and reflection of the twilight of
life with an excellent, calm and all-enveloping soundtrack,
a piece of Angelo Badalamenti. With a skilful pun in the original title the surname of the main character plays with the
moral and physical honesty of his trajectory- and a literary
translation that can only be understood as a true, simple,
honest, convincing or clear story, we can find a little great
film, supported by powerful and accurate script by John Roach
and Mary Sweeney only aiming to pay tribute to the integrity, stubbornness and curious nature of the human being at a
simple but not simplistic scene, and show us 111 minutes of
pure genuine interpretation, doing all the justice good cinema
is able to a real fact that took place in Laurens, Iowa in 1994.
Mr Straight is a 73-year-old widower, with something wrong
in his eyes and a damaged hip, living in Iowa with his daughter Rose, a woman with a certain slowness for thinking and
speaking that longs for taking care of her father and her
house. One day they get the news that Lyle, Alvins brother,
has had a heart attack and could be about to die. Both brothers have been angry for ten years. Alvin decides to meet Lyle,
a fact very few trust on but nevertheless they support. Lyle
lives in Wisconsin, 500 km far away, and Alvin has not got
money or driving licence, but he owns a small treasure, a
lawnmower with which he will start a slow journey to meet his
brother again in order to patch things up, sit by him and look
at the stars as we used to do long time ago. Lynch is without any doubt a great maker of atmospheres full of unrepeatable images; an unclassifiable director whose view is constructed from unsuspected psychological shots almost without referents And he can also tell real stories from his
unique universe; real in the most basic sense of the word:
honest for being cruel, brutal, without make-up to cover the
imperfections because the stories of this singular director are
created from the most absolute imperfection: Twin Peaks,
Mulholland Drive, Blue Velvet, Wild at Heart or recent Inland
Empire can prove it. Chosing the casting of a film implies making the most awkward decisions in a shooting, the main weight
depends on it; and we can guess that it is a doubly complex
task at Lynchs universe since his casts and the roles he allocates are not conventional. Finding Richard Farnsworth was,
without any doubt, the best decision for this film. An ace in
Lynchs universe, a restrained actor, emphatically upright and
weakened at the same time, without an exaggerated display of
feelings, and expertly sharp in his interpretation. Maybe he has
done the same all his life, mark himself the rhythm, not slower or fastener than the cinema of his time, but a different never
repeated rhythm, maybe... Just as Alvin Straight and Richard
Farnsworth, David Lynch has his own and stubborn view, a
marked rhythm, a different measure of time, of things, something unique among his contemporaries. The Straight Story, is
a store full of good intentions reflected in great achievements,
everything is real and imperfect... a slow and particular journey
according to David Lynchs own style.
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[AN] CULTURA
SOS 4.8
Murcia. 2/3 de mayo
SOS 4.8, es el Festival de accin artstica sostenible de

Murcia enmarcada bajo un concepto de sostenible vinculado a lo medioambiental y econmico presentado por
Gro Harlem Brundtland ante la ONU hace veinte aos.
Alrededor de este concepto se han generado una serie
de inquietudes existenciales y se ha reinterpretado ms
all del concepto original abarcando una corriente de
sostenibilidad en el mbito social, urbanstico, nutricional, emocional e incluso artstico.
SOS 4.8. El ttulo, SOS, se entiende como abreviatura de
sostenibilidad pero con un planteamiento en busca de
nuevas formas de evaluar y repensar el turismo, la inmigracin o el urbanismo. 4.8 muestra la duracin del festival: 48 horas de creacin en directo (artes visuales,
performance, net art, msica, visual jockey) y de participacin ciudadana. Son tres los comisarios de responsables de la parte artstica: Christiane Paul, Rirkrit
Tiravanija y Paco Barragn. Los artistas invitados son los
holandeses Marc Bijl y Micha Klein y el suizo Yan
Duyvendak. Asimismo estn presentes el grupo de
accin Bacil, Jess Segura, Eugenio Merino, Jonah
Brucker-Cohen y Katherine Moriwaki.
Dentro de la programacin musical participa el cantautor
Rufus Wainwright, The Pinker Tones, ngel Molina, Jeff
Mills, Fangoria, Las Nancys Rubias, Digitalism, The
Chemical Brothers, James, Kaiser Chiefs, The Cabriolets
(Bimba Bos, David Unison y Diego Postigo), y
Fischerspooner (Warren Fischer and Jon Kane). Se han
organizado workshops y conferencias de pensadores
como Gilles Lipovetsky y Slavoj Zizek.
SOS 4.8, is the Festival of sustainable artistic action in

Murcia, a perfect setting under a sustainable concept
related to the environment and economy shown by Gro
Harlem Brundtland before the UN twenty years ago.
There have been some existential concerns around this
concept and it has been interpreted beyond the original
concept including a sustainability trend in the social,
urban, nutritional, emotional and even artistic field.
SOS 4.8. In the title, SOS, is understood as an abbreviation of sustainability but with an approach looking for
new ways of evaluating and rethinking tourism, immigration or urban planning. 4.8 shows the length of the
festival: 48 hours of live creation (visual arts, performance, net art, music, visual jockey) and public involvement. There are three curators in the artistic section:
Christiane Paul, Rirkrit Tiravanija and Paco Barragn.
The guest artists are the Dutch Marc Bijl y Micha Klein
and the Swiss Yan Duyvendak.
We can also see the action group Bacil, Jess Segura,
Eugenio Merino, Jonah Brucker-Cohen and Katherine
Moriwaki.
In the musical programme we can find the singer-songwriter Rufus Wainwright, The Pinker Tones, ngel Molina,
Jeff Mills, Fangoria, Las Nancys Rubias, Digitalism, The
Chemical Brothers, James, Kaiser Chiefs, The Cabriolets
(Bimba Bos, David Unison and Diego Postigo), and
Fischerspooner (Warren Fischer and Jon Kane). There
have been some workshops and conferences of thinkers
such as Gilles Lipovetsky and Slavoj Zizek.
Yan Duyvendak
Jess Segura
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_NOTAS DE ARTE
No de Mora. Alberto (2007)

V PREMIO AUDITORIO DE GALICIA
UN VIAJE CON ALBERTO. NO DE MORA
El Premio Auditorio de Galicia para novos artistas celebr su quinta edicin el pasado mes de enero con una interesante exposicin
que afianza este certamen como imprescindible para atender las
diversas tentativas del arte actual en Galicia. Un jurado compuesto por el director del MARCO, Iaki Martnez Antelo, la artista y
docente Almudena Fernndez, el crtico y comisario independiente
Pablo Fanego y Javier Blanco, representando a la Fundacin FEIMA,
se encargaron de elegir los trabajos premiados, en los que se insisti en las posibilidades fotogrficas y electrnicas como plataforma
creativa. La lista de los artistas galardonados la encabez el santiagus Manuel Eirs, un incuestionable primer premio para
Desocultamento, un proyecto videogrfico que tiene como protagonista la accin del propio artista sobre muro hecho lienzo; un
ejercicio meticuloso de limpieza, de descubrimiento, en el que rescata los posos del pasado, las primeras capas, las primeras huellas
para mostrar un proceso pictrico subvertido. En el apartado de
accsits, la obra de David Ferrando Giraut, Cry Wolf (Making of)
nos acerca a la fragilidad de los mrgenes entre espacio y sociedad, entre memoria y lugar; Sara Fuentes Cid ofrece en la serie
fotogrfica I, II, III, IV, V (exposiciones secretas, MARCO) la posibilidad subjetiva de la variacin, de lo que media, lo ntimo de lo
expuesto; Jorge Perianes continua interrogando al espacio fabulado en Sen ttulo, una suerte de lugar codificado entre el artista y
el espectador, y finalmente Amaya Gonzlez present el sugerente
y divertido trabajo Pretensin (sobre como facer unha obra bonita
a partir dun rolo de papel higinico branco). Siguiendo su habitual
recorrido espacial, las diferentes salas de la planta baja del edificio
de Cano Lasso combinaron los lenguajes, actuaron como recipientes que posibilitaron los dilogos y minimizaron las interferencias.
Avanzando, las numerosas piezas evidenciaban prescindir de la
espectacularidad, de lo grandilocuente para mirar a lo cotidiano, a
lo comn, a travs de la mirada inteligente de las fotografas vitales de Andrea Costas, Anta Moure y Maribel Castro; de la eficaz
potica de los dispositivos de Jos Mourio y el Grupo Nu, de la
ldica reflexin de Enrique Lista y Elena Gmez Dahlgren o
mediante la provocacin del dibujo de Mauro Trastoy, Suso
Fandio y Santi Jimnez; incluso la interaccin con el espectador
en Rita Rodrguez o Antn Cabaleiro, mientras, para completar la
visita, pudimos votar el premio del pblico. La cuestin estuvo
reida.
Chus Martnez Domnguez
Actualmente en el Centro Municipal de las Artes de Alcorcn (y

el prximo mes de junio en las Salas de la Diputacin Provincial
de Cuenca) puede verse la muestra de No de Mora que recoge
el viaje que realiz junto a Alberto Garca-Alix entre junio y julio
de 2007. El recorrido, en dos motos Harley, irrepetible para No
de Mora, parti de Madrid, pas Barcelona y lleg a Arles
(Francia) donde Garca-Alix estaba invitado a unos encuentros,
para exponer sus fotografas en una iglesia romnica. La vuelta
a Madrid se realiz por la costa de Cadaqus y Castell (Grao).
Un total de 21 das de viaje y experiencias que de alguna manera se recogen en estas imgenes. Fernando Castro Flrez
comenta en el catlogo de la muestra que sin duda, No de
Mora es uno de esos aventureros que se sirve del arte fotogrfico para dar cuenta de sus ms hondas obsesiones y tambin
de los placeres conseguidos en el viaje. La aventura mortal
tambin puede proyectarse como una aventura esttica. Hay
una vinculacin profunda entre el aventurero, el viajero y el
artista, en su actividad de mezclar azar y fragmento, por la tendencia a situarse de un modo particular ante la vida () La
ambigedad del viaje hace que sea al mismo tiempo el aventurero alguien proyectado en el futuro, radicalmente ahistrico y,
por ello, una criatura del presente. Tambin desde el punto de
vista esttico la aventura y el viaje son algo contemplado a posteriori, algo que se ofrece para ser narrado.
LES RENCONTRES INTERNATIONALES
Entre el 5 y el 14 de mayo el festival Les Rencontres
Internationales celebra su segunda edicin dedicada al nuevo
cine y al arte contemporneo. Cuenta con el patrocinio del
Ministerio de Cultura, de la Comunidad de Madrid a travs de la
Consejera de Cultura y Turismo, y del Instituto Cervantes.
Se desarrollar el Complejo El guila de la Comunidad de
Madrid, en el Auditorio del Ministerio de Cultura, en la sede del
Instituto Cervantes, en el Museo Nacional Centro de Arte Reina
Sofa, y en la Filmoteca Espaola. El Festival contina con su
deseo de crear un espacio de dilogo y reflexin entre el nuevo
cine y el arte contemporneo. En l participar 150 artistas y
realizadores de todo el mundo. Les Rencontres Internationales
lleva funcionando desde hace 10 aos en Pars y Berln; Madrid
es su tercera ciudad de presentacin desde el 2007. Para ms
informacin: www.art-action.org
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_convocatorias
PREMIOS
PREMIOS INJUVE PARA LA CREACIN JOVEN
HASTA EL 15 DE ABRIL
Podrn participar los espaoles y residentes en Espaa que no
superen los 30 aos el 31/12/2008. Los Premios Injuve para la
Creacin Joven, para el ao 2008, se convocan en las siguientes
manifestaciones artsticas: Muestra de Artes Visuales; Cmic e
Ilustracin; Diseo; Composicin de Msica Contempornea;
Textos Teatrales Marqus de Bradomn; Propuestas Escnicas;
Narrativa y Poesa. En el BOE del 14 de enero de 2008, cuyo enlace incluimos, se detallan las bases de cada convocatoria, valor de
los premios y documentacin que acompaar los trabajos. Los
primeros premios oscilarn entre los 6000 y los 3000 segn la
modalidad.
Instituto de la Juventud
Jos Ortega y Gasset, 71 (28006 Madrid)
Tel. + 34 913 637 867 - culturainjuve@mtas.es
www.injuve.mtas.es/injuve
VII PREMIO DE FOTOGRAFA EL CULTURAL
Podrn participar aquellos jvenes de hasta 35 aos que no hayan
expuesto individualmente en ninguna galera comercial. El tema y
tcnica sern libres. Deber enviarse, por correo o mensajera, un
dossier con reproducciones en papel de 10 obras fotogrficas distintas, en papel, sin enmarcar, cuyo tamao no exceda los 30 x 30
cm. Los trabajos se presentarn identificados en el dorso con el
nombre del artista, ttulo y fecha de realizacin; un currculum (en
el que consten su formacin y su trayectoria profesional, nombre
completo, direccin, telfono y fotocopia del DNI) y una breve
explicacin del proyecto que incluya precisiones sobre el tamao,
la tcnica y el soporte en que se querra exponer las obras en caso
de ser ganador/a. Premio: 5.000 euros para la produccin de una
exposicin individual en la galera Espacio Distrito Cu4tro de
Madrid (calle Conde de Xiquena, 9. Bajo dcha.) que se inaugurar el 12 de junio dentro del Festival Off de PHotoEspaa.
El Cultural. Concurso de Fotografa
Avenida de San Luis, 25-27 (28003 Madrid)
Tel. + 34 914 132 706 / www.elcultural.es/html-web/artes/
PREMIOS TORROELLA DE MONTGR DE FOTOGRAFA
La participacin es libre. Las fotografas se han de acoger al tema:
visiones del cuerpo humano. Mximo de tres fotografas inditas
o una serie fotogrfica de tres, en B/N y color, realizadas con
cmara analgica o digital. Los participantes debern presentar
inicialmente, entre los das 1 y 20 de abril de 2008 un CD adjuntando las fotografas, con un mximo de tres obras por autor, y la
ficha de inscripcin segn especifican las bases oficiales, o bien
llenar el formulario de datos y enviarlo adjuntando las fotografas
al correo electrnico de la Fundaci (palausolterra@fundacionvilacasas.org). De las fotografas recibidas, el comit de organizacin
y el jurado seleccionarn las obras finalistas con opcin a ser premiadas, que los autores enviarn (Ver formatos y condiciones en
las bases oficiales) y que se expondrn en las salas temporales del
Palau Solterra entre el 14 de junio y el 14 de septiembre de 2008,
junto a la edicin de un catlogo. El primer premio estar dotado
con 6000 y una exposicin individual.
Palau Solterra
de lEsglsia 10 (17257 Torroella de Montgr) Girona
Tel. + 34 972 761 976 / www.fundacionvilacasas.com
XI PREMIO DE PINTURA TERRAS DE IRIA 2008 (ANTES
PREMIO COMARCA DO SAR)
La participacin ser libre. Cada autor podr concursar con una
sola obra de pintura, original e indita. Tanto el tema como la tcnica a utilizar sern de libre eleccin. Las dimensiones de las obras
no sern inferiores a 100 x 81cm, ni superiores a 195 x 195cm,
en caso de enmarcado con listn que no supere los 3cm visto de
frente. Para tramitar la solicitud de participacin inicialmente se
enviar una imagen de la obra en formato jpg o tiff y el Boletn de
Inscripcin, segn se detalla en las bases oficiales. Dicha documentacin se remitir por correo postal o por correo electrnico.
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Si se envan por correo postal, en el sobre se incluir CD con los

archivos anteriormente citados o CD con la imagen de la obra y
boletn de inscripcin en papel. Los premios sern de 8000 y
exposicin individual, 3000 y comarcal de 1000.
Premio de Pintura Terras de Iria. Convento do Carme
Costanilla do Carmen. (15900 Padrn) A Corua
Tel. + 34 981 142 674 / + 34 687 139 139
info@premioterrasdeiria.com
www.premioterrasdeiria.com
X PREMIO CCM DE PINTURA Y ESCULTURA 2008. CONCURSO DE ADQUISICIONES
La participacin se limitar a los residentes en Espaa. Cada autor
podr enviar una sola obra siendo el tema y la tcnica de libre
eleccin. Pintura: Tendr unas dimensiones mnimas de 80cm y
mximas de 200cm y no podrn estar protegidas por cristal.
Escultura: Se presentar en su materia definitiva, no pudiendo
exceder los 150 cm. Se adjuntar el Boletn de Inscripcin y resguardo de participacin, Fotocopia del DNI o Tarjeta de Residencia
y Currculo artstico del autor. Presentacin de obras del 14 al 26
de Abril de 2008. Con las obras que conformen el premio y las
adquisiciones tendr lugar una exposicin itinerante. El primer
premio estar dotado con 20.000 en cada modalidad/
Adquisicin por valor de 80.000.
Caja Castilla La Mancha. Obra social y Cultural
Centro Residencial Virgen de la Blanca. Ctra Madrid - Ciudad
Real, Km 79 de Toledo - Burguillos - Toledo
Tel. + 34 925 225 796
www.portal.ccm.es/social/concursos/pintura2008/bases.shtml
2008 INTERNATIONAL PHOTOGRAPHY AWARDS
Participacin de mbito internacional. Suelen presentarse ms de
15.000 obras de autores de unos 30 pases. Es necesario pagar
una cuota de inscripcin que vara entre los 15 y los 60 euros
segn categoras. Interesante la exposicin de obras premiadas
en ediciones anteriores, que tambin se publican en un libro. Se
diferencia una categora de profesionales y otra de amateurs, as
como 54 categoras que se especifican en las bases oficiales.
Aceptan obras en papel, diapositivas y archivos digitales. Cada
foto ir acompaada de su correspondiente Formulario de
Inscripcin. Bases (en ingls y resumen en castellano) y obras
premiadas en www.photoawards.com. El primer premio est dotado con 10.000 dlares.
IPA Headquarters
844 S. Robertson Blvd. Los Angeles. CA 90035 USA
Tel. 310.659.0122 (USA)
info@photoawards.com
XVI PREMIO DE ARTES PLSTICAS VILLA DE ROTA 2008
La participacin ser podr ser de mbito internacional. Dos categoras: pintura y escultura. Pintura: Mximo de dos obras de un
formato mnimo de 80x60cm. Escultura: mximo de dos obras
con libertad de expresin plstica, as como dimensiones, material y tcnica, siempre que se presenten sobre soporte slido que
asegure su estabilidad. Al dorso de cada trabajo, deber de llevar
adherido un sobre conteniendo los datos siguientes: Ficha
Tcnica: Ttulo de la obra. Valoracin de la obra. Nombre y apellidos del autor. Domicilio, telfono, Web, y correo electrnico.
Currculo artstico. Tcnica empleada. Soporte utilizado.
Dimensiones. Entrega de obras del 1 al 30 de abril. Los premios
consistirn en adquisicin de obre por valor de 20.000.
Fundacin Alcalde Zoilo Ruiz Mateos
C/ Charco, 5 - 2 planta (11520 Rota) Cdiz
Tel. + 34 956 810 411 - 956 841 251 /
museoruizmateos@gmail.com
www.fundacionalcaldezoilo.org
PREMIOS VIRGEN DEL CARMEN. PREMIO ARMADA DE PINTURA
Slo podrn participar los residentes en Espaa. Cada autor podr
presentar tan sola una obra, original e indita cuya temtica est
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referida a la actividad naval en cualquiera de sus aspectos. Podrn

ser presentadas sobre cualquier soporte y tcnica, con un tamao no inferior a 81x65 ni superior a 162x114 centmetros, enmarcadas con listoncillo que no supere los 2cm. Las obras no deben
estar firmadas y se identificarn con un lema o con el ttulo de la
obra escrito en su parte posterior. Este lema o ttulo figurar asimismo en un sobre cerrado y lacrado que se presentar unido a
la obra y en cuyo interior figurarn los datos personales del autor:
nombre y apellidos; direccin postal; cdigo postal; telfono;
valoracin de la obra y breve CV. Bases completas en
www.ijcarm.. El primer premio estar dotado con 5000 euros .
Instituto de Historia y Cultura Naval. Registro General del
Cuartel Gral de la Armada
C/ Juan de Mena, 1 - 1 planta (28071 Madrid)
Tel. + 34 913 795 000
I PREMIO PHOTOESPAA OJO DE PEZ VOLKSWAGEN DE
VALORES HUMANOS
HASTA EL 1 DE MAYO
En el Premio OjodePez PHotoEspaa podrn participar autores de
todo el mundo que realicen un trabajo de fotografa documental
en el que destaquen valores humanos. Los participantes deben
presentar 20 imgenes, ni una ms ni una menos. Las fotografas
no pueden haber sido publicadas ni premiadas en algn otro premio. En la web del certamen se habilitar un sistema de envo por
FTP para que todos los participantes presenten su trabajo va
Internet. Slo se aceptarn entradas mediante este sistema. Una
vez completado el formulario on line y realizado el envo de las 20
imgenes los concursantes recibirn la conrmacin electrnica
con un nmero de registro. El primer premio est dotado con
6000 y una exposicin individual en PhotoEspaa 2009.
los mismos que no hayan obtenido premio o accsit en convocatorias precedentes. El tema para concurrir a este premio ser libre
y podr utilizarse cualquier tcnica pictrica. Cada pintor presentar una sola obra que ser original y fechada en el ao 2007
2008. Las dimensiones de la misma sern como mximo de
200x200cm y como mnimo de 73x60cm. El primer premio estar dotado con 24.000.
Focus Abengoa
Plaza de los Venerables, 8 (41004 Sevilla)
Tel. + 34 95 456 26 96 Fax. +34 95 456 45 95
focus@abengoa.com / www.focus.abengoa.com
PREMIO UNIA DE PINTURA
HASTA EL 13 DE MAYO
La participacin est limitada a estudiantes y miembros de la
comunidad universitaria espaola (tambin los que han finalizado
desde el curso 2000/2001). Cada concursante podr presentar
una sola obra, y tendr completa libertad de tema y tendencias
estticas. Las obras que no podrn haber sido presentadas o premiadas en otros concursos o certmenes. Inicialmente el participante podr optar por enviar la obra original o en soporte digital
o un dossier de la misma. El tamao de la obra no podr exceder
de 200cmx200cm ni ser menor de 25cmx25cm. Las obras se
entregarn firmadas al dorso donde figurar claramente nombre
y apellidos del artista, ttulo de la obra y telfono. Ver detalles
para el envo de las obras en las bases oficiales. El plazo de recepcin de las obras comenzar el 2 de mayo y concluir el 13 de
mayo. El primer premio est dotado con 6.000.
Premio PHotoEspaa OjodePez Volkswagen de Valores Humanos

isaac@ojodepez.org / www.ojodepez.org
Cualquiera de las cuatro sedes deUNIA (Universidad

Internacional de Andaluca)
Tel. + 34 954 462 299 (Sevilla) / + 34 959 350 452 (Huelva)
+ 34 953 742 775 (Jaen) / +34 952 028 411 (Mlaga)
www.unia.es
PREMIO DE PINTURA JESS BRCENAS

HASTA EL 2 DE MAYO
PREMIO DE GRABADO LUIS GARCA OCHOA

HASTA EL 30 DE MAYO
La participacin ser libre. Convocado por la empresa elctrica de

Valdepeas Jess Barcenas, cada autor podr presentar hasta dos
obras originales, de un formato mnimo de 100x81cm y mximo
de 250cm en cualquiera de sus lados, sin enmarcar, con un listn
que no supere los 3cm visto de frente, realizadas con libertad de
tcnica y que no hayan sido premiadas en otro certamen, extremo que ser acreditado mediante declaracin jurada. Cada autor
deber haber firmado sus obras y llevar reseado al dorso su
nombre, direccin, ttulo, dimensiones, fecha de ejecucin, procedimiento y materia empleada. As mismo se deber adjuntar un
archivo digital con la imagen de la obra, CV y copia del DNI, segn
detallan las bases oficiales. El primer premio estar dotado con
18.000. Bases completas en www.dec..jbarcenas-pint.jpg.
Jess Barcenas
La participacin est limitada a los residentes en Espaa mayores

de edad. Slo se podr presentar una obra por autor en cada
modalidad y que no haya sido premiada en otros certmenes.
Sern originales y ejecutadas necesariamente con las tcnicas
propias del arte grfico. La temtica ser libre y el formato mximo del papel de 76x112cm, y el mnimo de la mancha de
35x35cm. Se presentarn enmarcadas con marco metlico o de
madera no superior a 25cm y protegida con metacrilato u otro
material irrompible (No Cristal). Al dorso de cada obra figurar
claramente el nombre y apellidos del artista y la modalidad a la
que se presenta. Adems cada obra se presentar firmada, numerada y fechada y acompaada de un sobre que contenga: ttulo de
la obra, tcnica, medidas, datos del autor, currculum y una diapositiva de la obra o fotografa en soporte informtico. El plazo de
presentacin ser del 15 de abril al 30 de mayo. Premios: Primer
premio a la mejor obra indita de 5.000 euros / premio a la mejor
estampa de 2.000 euros / dos de 500 euros.
Avda. del Vino, 54 (13300 Valdepeas) Ciudad Real

Tel. + 34 926 322 690 / electricidad@jesusbarcenas.com
XVI PREMIO DE PINTURA CIUDAD DE TUDELA
HASTA EL 7 DE MAYO
Podrn participar artistas de mbito internacional. Una obra original y no premiada en ningn otro certamen. El tema y la tcnica
sern de libre eleccin, con unas medidas no inferiores a 100cm
ni superiores a 200cm en ninguno de sus lados. La obra, firmada
por su autor/a deber presentarse enmarcada con un listn de
madera cuya anchura no supere los 2 cm. Junto a la obra se
acompaar la Fotocopia del DNI o pasaporte, Breve curriculum
artstico, Cuerpos 1 y 2 del Boletn de inscripcin y una Diapositiva
o fotografa en formato digital. El primer premio estar dotado con
12.000.
Centro Cultural Castel Ruiz
Plaza Mercadal, 7 (31500 Tudela) Navarra
Tel. + 34 948 825 868 - 948 825 867
cristina.diaz@tudela.es
PREMIO DE PINTURA FOCUS-ABENGOA
HASTA EL 10 DE MAYO
Podrn optar al premio todos los artistas cualesquiera de los
Estados miembros de la Unin Europea, Amrica o residentes en
Centro Cultural Infanta Cristina

C/ Cadena s/n (28320 Pinto) Madrid
Tel. + 34 912 483 801 - 912 483 814 / cultura@ayto-pinto.es
PREMIOS CIUDAD DE PALENCIA. PREMIO VICTORIO
MACHO DE ESCULTURA
HASTA EL 30 DE MAYO
La participacin es libre. Cada autor podr presentar un mximo
de dos obras, inditas y no premiadas. Las esculturas habrn de
estar realizadas en material consistente (piedra, metal, etc...) y
definitivo. Las medidas no sern inferiores a 30cm, ni superiores
a 150cm en cualquiera de sus dimensiones. Para la seleccin previa y antes de remitir las obras se enviar una fotografa en color
(modalidad pintura) y dos en blanco y negro (escultura), formato
20x15cm. Al dorso figurar el ttulo de la obra, dimensiones reales y tcnicas o materiales en los que ha sido realizada. Las obras
seleccionadas, se remitirn antes del 20 de junio, acompaadas
del Boletn de Inscripcin que deberis solicitar. El primer premio
est dotado con 6000.
Ayuntamiento de Palencia. Departamento de Cultura
C/ Mayor, 7 (34001 Palencia)
Tel. + 34 979 718 187
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_convocatorias
CONCURSOS
CONCURSO NACIONAL DE ESCULTURA PROMOAN SL
HASTA EL 15 DE MAYO
Destinado a los residentes en Espaa. Convocado por la Empresa
de promociones inmobiliarias de Lucena PROMOAN S.L. la obra ir
destinada al Centro Comercial de futura construccin Iris Center
y el artista deber tener en cuenta el contexto vanguardista del
edificio. Presupuesto mximo de 30.000 euros y medidas mnimas
de 3 metros de altura. Cada autor podr presentar un mximo de
dos proyectos de escultura a concurso, original e indita. Los
Bocetos para la futura escultura ganadora debern presentarse
correctamente embalados, no siendo superiores a 50cm ni tampoco inferiores a 20cm en sus dimensiones. Cada proyecto ir acompaado de dos sobres. En el primero se incluirn todos los datos
personales del autor, breve currculum, y fotocopia del DNI. En el
segundo se incluir una fotografa de la obra, ttulo si lo tuviese, y
cualquier aspecto tcnico que el autor estime oportuno. La fecha
de entrega de los proyectos ser a lo largo de la primera quincena
del mes de mayo de 2008. El primer premio est dotado con
6000.
PROMOAN S.L GRANCOLUC
Ronda del Valle n 28 (14900 Lucena) Crdoba
Tel. + 34 957 591 244 / www.promoan.com/blog
III CONCURSO DE PINTURA Y ESCULTURA FIGURATIVAS
2008 DE LA FUNDACIN DE LAS ARTES Y LOS ARTISTAS
HASTA EL 31 DE MAYO
Participacin internacional. Una sola obra, original e indita. Tema
y tcnica libres, en la modalidad de arte figurativo. Dimensiones
mnimas de 60x60cm y mximas de 300x200cm en pintura. Se
presentarn sin enmarcar o con un simple listn. Al dorso de las
obras figurar el ttulo o lema y el nombre y apellidos del autor.
En escultura las dimensiones mximas sern de 200cm en su eje
ms largo (sin contar plinto o soporte) y las mnimas de 50cm, sin
lmite de peso. En materia definitiva. La inscripcin se realizar del
1 de enero al 31 de mayo a travs de la Web del concurso. Una
vez tramitada la inscripcin cada concursante recibir un e-mail
de confirmacin con informacin detallada. Centros de recogida
de obras en Madrid y Barcelona. En la web oficial tambin las
obras premiadas en la primera edicin. Paralelamente se convoca
la Beca Arauco para menores de 30 aos. Premios: Primer premio
pintura de 36.000 euros / Primer premio escultura de 44.000
euros/120.000 euros para adquisicin de obras / Beca Arauco.
Fundacio de les Arts i els Artists
Angl, 69 (08017 Barcelona)
Tel. + 34 627 979 148 / info@fundaciondelasartes.org
www.fundaciondelasartes.org
CERTMENES Y BIENALES
XLV CERTAMEN INTERNACIONAL DE ARTES PLSTICAS
DE POLLENA 2008
Podrn participar en el Certamen Internacional de Artes Plsticas
todos los artistas interesados cualquiera que sea su nacionalidad o
residencia. Se considerarn libres los temas de las obras y las tcnicas que se utilicen y se entender que la forma en la que se presente la obra es la que el artist a considera adecuada para su exposicin. El Ayuntamiento de Pollena crear un fondo de 12.020
para comprar una o varias de las obras expuestas que pasarn a
formar parte de la coleccin del Museo de Pollena. Las adquisiciones se llevarn a cabo siguiendo la recomendacin del jurado por
una cantidad mnima de 3.606 .
Centro Cultural Guillem Cifre de Colonya
c/ de Guillem Cifre de Colonya, n. 33 (07460 Pollena Mallorca)
FESTIVAL DE CINE DE LOS PUEBLOS DEL SUR 2008
La participacin es internacional (ver pases en bases oficiales). El
festival tendr como sede la ciudad de Coro, estado Falcn, en la
Repblica Bolivariana de Venezuela del 13 al 17 de junio de 2008.
El Festival de Cine de los Pueblos del Sur 2008 acepta trabajos,
documental y ficcin, que posean una duracin mayor a 60 minu-
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tos para los largometrajes, menor de 30 minutos para los cortometrajes y para los mediometrajes entre 30 y 60 minutos. Se
aceptarn producciones cuya fecha de produccin sea posterior a
enero 2006. La exhibicin se realizar en 35mm, Mini-DV o DVCam. Se enviar a la organizacin del festival la ficha de inscripcin debidamente cumplimentada y copia en video para la seleccin, en formato DVD preferentemente, junto con el resto de la
documentacin que detallan las bases oficiales. El primer premio
est dotado con 20.0000 dlares.
Fundacin Distribuidora de Cine Amazonia Films. Festival de Cine
de los Pueblos del Sur
Urb. Campo Claro, Av. 1-A entre Av. D y Av. 1-B, Quinta, 1-19,
Los Dos Caminos, Caracas - Venezuela
festivales@amazoniafilms.gob.ve / www.amazoniafilms.gob
XV CERTAMEN DE ARTES PLSTICAS NGEL ANDRADE
La participacin ser libre. En esta convocatoria interesan reflexiones y propuestas creativas que a partir de su dimensin simblica, potica, cultural, vital, social, ecolgica, de futuro... generen o
intensifiquen conciencia del agua. Se participar con una sola obra
acorde con la propuesta de la convocatoria, concebida desde cualquier planteamiento creativo, tipologa, tcnica... que en su
dimensin mayor no supere los 200 centmetros. Si la obra es
digital, el archivo en alta resolucin se acompaar de una impresin para exposicin. Si es imagen mvil, en DVD para su proyeccin. Con la obra, se entregar un sobre con el Ttulo y nmero de
NIF del autor y que contenga, preferiblemente en un CD los datos
que se detallan en las bases oficiales. El primer premio consistir
en un fondo de adquisicin por valor de 15.000.
15 Certamen de Arte Plsticas ngel Andrade. Centro de
Exposiciones. Diputacin de Ciudad Real
Ronda de Granada, 4 - (13004 Ciudad Real)
Tel. + 34 926 251 936 / + 34 926 231 865
LX SALN DE ARTE CIUDAD DE PUERTOLLANO
La participacin ser internacional. Pintura, escultura, acuarela,
dibujo y fotografa. La tcnica y la temtica sern de libre eleccin. Mximo de dos obras originales inditas y no premiadas. El
tamao de las obras ser libre para escultura, un mnimo de 1 m2
para pintura, acuarela y dibujo y un tamao libre para fotografa.
Para su presentacin, las pinturas, estarn enmarcadas o protegidas, como mnimo, con un listn, las fotografa debern llevar
como mnimo un passepartout. Para la presentacin de las obras
la comisin facilitar un boletn de inscripcin, que debidamente
cumplimentado, se entregar con aquellas, hacindose constar
expresamente en el mismo el valor de las obras.
Bases completas en www.dec..puertollano-salon. Premios: Primer
premio de 6.000 euros / provincial de 4.800 euros / premio escultura de 3.000 euros / premio acuarela de 1.800 euros / premio
fotografa de 1.200 euros / Bolsa de adquisicin de 9.000 euros.
Auditorio Municipal de Puertollano
Plaza de Mariana Pineda, s/n (Puertollano) Ciudad Real
Tel. + 34 926 413 571 / museo@puertollano.es
IX FESTIVAL INTERNACIONAL DE CORTOS FIB
La participacin es de mbito internacional. Se realizar una
seleccin de veinticinco cortometrajes, rodados en cualquier sistema pero que puedan ser presentados al Festival en formato de 35
o 16mm, y que hayan completado su rodaje antes del 31 de
marzo de 2008. Se aceptar todo tipo de gnero. Duracin mxima de 30 minutos. Para la seleccin es necesaria la entrega de
una copia en VHS o DVD del cortometraje. Se acompaarn 3
fotos promocionales del corto, foto promocional del director del
mismo y copia del dilogo (con una traduccin al ingls en caso
de no estar rodado en ese idioma o en castellano). Los participantes sern informados de los resultados antes del 10 de junio de
2008. Certamen del 16 al 20 de julio de 2008. El primer premio
est dotado con 6000.
Festival Internacional de Benicssim. At. Manuel Lechn
Apdo. de Correos 18240 (28080 Madrid)
www.fiberfib.com/cortos/info/bases
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_convocatorias
XXXI FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE INDEPENDIENTE DE ELCHE

Festival de participacin internacional. Mximo de dos producciones, que no hayan sido presentadas previamente en este certamen
y que hayan sido realizadas con posterioridad al 1 de enero de
2007. Los dos formatos permitidos para la presentacin de cortometrajes son: 35mm y vdeo. Duracin mxima de 25 minutos
(Documental hasta 35 minutos). Secciones Competitivas: a) Ficcin
(Cine y Vdeo), b) Animacin, c) Documentales. Para la inscripcin
deber enviarse una copia en DVD del cortometraje presentado a
concurso y el resto de la documentacin que detallan las bases oficiales. El Festival tendr lugar del viernes 18 de julio al viernes 25
de julio de 2008. El primer premio est dotado con 10.000.
Festival Internacional de Cine Independiente de Elche. Aula de
Cultura CAM
C/ Kursaal, 1 (03203 Elche) Alicante
Tel. + 34 902 365 735 / festivalelche@cam.es wwww.obrasocial.cam.es/cas/culturas/elche/
Tel. + 34 942 226 072 / fmabotin@fundacionmbotin.org /

www.fundacionmbotin.org
AYUDAS Y SUBVENCIONES DEL MINISTERIO DE CULTURA
AYUDAS PARA LA PRODUCCIN DE CORTOMETRAJES
HASTA EL 10 DE JUNIO
Podrn beneficiarse de las ayudas las empresas productoras espaolas. Se reserva para la concesin de estas ayudas la cantidad
de 2.000.000 de euros de los cuales se destinarn 800.000 euros
a proyectos y 1.200.000 euros para ayudas a cortometrajes realizados. La solicitud se formalizar mediante instancia segn
modelo oficial, acompaando 8 ejemplares de toda la documentacin que se detalla en las bases oficiales (historial, sinopsis,
memoria del proyecto, datos personales...). Se conceder una
cuanta mxima de 30.000 euros por cada proyecto y de un 75%
de la inversin para cortometrajes realizados.
Registro de las Dependencias del Ministerio de Cultura
Plaza del Rey, s/n (28004 - Madrid)
www.mcu.es/ayudasSubvenciones/cine/index.html
BECAS
SEMINARIOS/CURSOS/TALLERES
BECAS DE LA FUNDACIN CAJA DE ARQUITECTOS PARA

LA REALIZACIN DE PRCTICAS EN ESTUDIOS EUROPEOS
TOUCH: INTERFACES TANGIBLES

DESDE EL 21 HASTA EL 25 DE ABRIL
Podrn optar a las becas los estudiantes de Arquitectura espaoles y recin titulados. Se concedern 20 becas para la realizacin
de prcticas en Estudios de Arquitectura Europeos, que se otorgarn o bien por expediente acadmico, o bien por medio de un concurso cuyas bases se detallan en la web, titulado 150% (Reducir
el consumo de suelo, el consumo de nuevos territorios, sin disminuir el crecimiento de poblacin). El valor de las becas variar
entre los 7.000 y los 9.000 euros, dependiendo del pas en el que
se desarrollen las prcticas.
Fundacin Caja de Arquitectos
C/ Arcs, 1 (08002 Barcelona)
Tel. + 34 934 826 800 / becas@arquia.es
/ www.arquia.es/becas/
BECA INCUBADORA 2008 PNRM (PANORAMA DE LA
CREACIN ARTSTICA CONTEMPORNEA) OLOT
HASTA EL 5 DE MAYO
La participacin ser libre. Esta beca se otorgar al mejor proyecto de creacin indito. Podrn optar a esta beca los creadores a
ttulo individual o colectivo que presenten una propuesta de
acuerdo con las bases oficiales. Tanto si es a ttulo individual como
colectivo, slo podr presentarse una nica solicitud, y ser necesario garantizar que se trata de un proyecto original e indito. Los
proyectos deben ser susceptibles de ser tutelados desde Olot y de
desarrollar en esta ciudad la parte final del proceso o de realizar
en esta ciudad la presentacin del resultado. Presentar datos personales, CV, proyecto tcnico (objetivos, planteamiento terico,
calendario, costes...) y toda la documentacin adicional que se
considere. La beca estar dotada con 12.000.
Institut de Cultura de la Ciudad dOlot
Teatre Principal dOlot, Passeig den Blay n 5 (17800 OLOT)
info@pnrm.net / www.pnrm.net
XVI CONVOCATORIA DE BECAS DE ARTES PLSTICAS
2008-2009. FUNDACIN MARCELINO BOTN
HASTA EL 9 DE MAYO
La participacin podr ser de mbito internacional, entre 23 y 40
aos para becas de formacin, sin lmite de edad para investigacin. La Fundacin Marcelino Botn destina 220.200 euros a Becas
de Artes Plsticas para formacin, investigacin y realizacin de
proyectos personales en el mbito de la creacin artstica (no trabajos tericos), para artistas de cualquier nacionalidad. Para solicitar la beca se deber presentar: Ficha de solicitud debidamente
cumplimentada, fotocopia del DNI o documento acreditativo, fotografa tamao carnet, direccin de origen y destino, CV, Memoria
completa del proyecto, documentacin grfica (entre 10/15 fotografas color, de obra reciente.
Fundacin Marcelino Botn
Pedrueca 1 (39003 Santander)
Dirigido por Martin Kaltenbrunner y Alex Posada en l los participantes (artistas y creadores, mayores de 18 aos, seleccionados
mediante CV y carta de motivacin) aprendern cmo construir y
programar estas y otras interficies fsicas: mesas basadas en
Reactivision, mesas multitouch FTIR, sensores disponibles va
Arduino o cmaras y pantallas tctiles. Martin Kaltenbrunner es
investigador en el Music Techonology Group de la Universitat
Pompeu Fabra de Barcelona. Su investigacin se centra en sistemas
de audio interactivo. Co-autor de reacTable - un interfaz para msicos - y del software reacTIVision. Alex Posada es artista, msico y
desarrollador de hardware para proyectos artsticos, licenciado en
ingeniera tcnica de telecomunicaciones en el a Universidad de
Cantabria. Actualmente es responsable del Laboratorio de
Interaccin de Hangar adems de trabajar en sus propios proyectos comerciales y personales. Lmite de participacin: 15 participantes. Matrcula: 30 . Rellenar formulario en la pgina web
www.laboralcentrodearte.org/talleres/profesionales/.
LABoral Centro de Arte y Creacin Industrial
Los Prados, 121 (33394 - Gijn)
Tel. + 34 985 185 577
www.laboralcentrodearte.org
TALLER RECUPERAR LA LUZ. LA FOTOGRAFA COMO
TERAPIA
DESDE EL 18 ABRIL HASTA EL 4 DE MAYO
El CAC Mlaga, Centro de Arte Contemporneo de Mlaga, presenta el taller Recuperar la luz. La fotografa como terapia, dirigido por Carlos Canal. Mdico y artista visual, utiliza la fotografa
como herramienta teraputica con sus pacientes y alumnos, ayudndoles mediante la creacin de imgenes a expresar sentimientos y emociones. Al utilizar la fotografa como herramienta de
conocimiento y como medio para la experimentacin creativa,
asociada a tcnicas de introspeccin, este taller nos permitir
explorar la simbiosis entre cuerpo, mente, emociones y espritu.
Durante el taller viajaremos a travs de la luz como manifestacin
de la energa y conoceremos el cuerpo fsico para descubrir la
relacin con los otros cuerpos y su capacidad de sentir. Dirigido a
estudiantes, profesionales y/o personas interesadas en arte contemporneo, bellas artes, ciencias de la salud, arteterapia, ciencias de la informacin, psicologa y filosofa. Las personas interesadas debern cumplimentar el impreso, que podrn recoger en
la recepcin del centro, y acompaarlo de la copia del ingreso
bancario de 30 en concepto de matrcula. Debern entregar
ambos documentos en la recepcin del CAC Mlaga o enviarlos
por fax o correo electrnico.
CAC Mlaga. Centro de Arte Contemporneo de Mlaga
Alemania s/n (29001 - Mlaga)
Tel: + 34 952 12 00 55 / Fax: + 34 952 21 01 77
cacmalaga@cacmalaga.org
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_AGENDA
A CORUA
Fundacin Caixa Galicia
Dilogos con el arte. Yves
Saint Laurent
Fundacin Luis Seoane
Ch! Revolucin y mercado
Hasta el 18 de mayo
Fundacin Pedro Barri de
la Maza
Laxeiro. A lxica do irracional
Hasta el 1 de junio
MACUF
Yo, Blythe. Vidas de
Plstico
Desde el 9 de mayo hasta
el 13 de julio
Ana Vilaseco
Antonio Alcaraz
Hasta el 3 de mayo
Ramn Massats
el 21 de junio
Pardo Bazn
Loureiro
Soledad Penalta
Desde el 15 de mayo
AGONCILLO (LA RIOJA)
Museo Wrth
Figura Humana y
Abstraccin
ALBACETE
Centro Cultural La Asuncin
Con T de Tpies
Abril
ALZUZA (NAVARRA)
Museo Oteiza
Una capilla en el camino de
Santiago
Hasta el 6 de abril
BARCELONA
Casa Asia
Raghu Rai
Pasajes de la India
CASM
Oscar Abril Ascaso
Centro de Arte produce
msica pop
Peter Liversidge
Jordi Ribes
Poster #7+Hall: Cuando el
destino nos alcance
Jeffrey Swartz con Pep
Dardany
Elvira Dyangani Ose
Tentativa de agotar un
lugar africano
Hasta el 31 de mayo
CCCB
Vidas minadas. 10 aos
despus
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Post-it. Ciudades ocasionales

Hasta el 25 de mayo
Mgnum. 10 secuencias
Desde el 22 de abril hasta
el 7 de septiembre
Fundaci Foto Colectania
Las partes y el todo.
Coleccin H+F
Fundaci Joan Mir
Arte contemporneo chino
en la coleccin Sigg
Hasta el 25 de mayo
Tomoko Sawada
Hasta el 18 de mayo
MACBA
Lothar Baumgarten
Autofocus retina
Hasta el 15 de junio
Asier Mendizbal
Hasta el 18 de mayo
Nomeda & Gediminas
Urbonas
MNAC
Cinc segles de numismtica
catalana
Hasta junio
3 Punts
Jos Hernndez
Desde el 3 de abril hasta el
24 de mayo
adn
Paperless Marks
Federico Solmi
Evil Empire
Hasta el 3 de mayo
5 is only a number
el 31 de julio
ngles Barcelona
Esther Ferrer
Autorretrato en el tiempo
Hasta el 3 de mayo
Antonio de Barnola
Florentino Daz
Art Window
Joseph Maria Subirachs
Cater In Art
Javier Mariscal
Letters & Lletres
Hasta finales de abril
H2O
Csar Ordez
Ashimoto
Hasta el 5 de abril
Fidel Balaguer
Oriol Sbat
Proyecto Libro+Film
Jess Galdn
el 31 de mayo
Joan Prats
Alejandro Vidal
Joan Gaspar
Andr Masson
Obra 1943-19
Carreras Mgica
Colectiva
Hasta el 31 de mayo
BURGOS
La Cmara Lcida
Charis Mundy
One Way Only
Lluci Homs
Lukas Maximilian Hller
7 deadly sins
Marlborough
Francisco Leiro
50m2
Paula Rego
O Vinho
Hasta el 30 de mayo
Nogueras Blanchard
Annelise Coste
Save Picasso
Hasta el 5 de abril
CAB
Hiraki Saura
Marcel van Eeden
El Arquelogo. Los Viajes
de Oswald Sollmann
Fran Mohino
Who loves you dear?
CASTELL
EACC
Reactvate!!
Hasta el 31 de agosto
Canem
Claudio Zulian
CUENCA
Oriol
Martn Chirino
Esculturas y Dibujos
el 6 de junio
ProjectesD
Guillaume Leblon
Hasta el 17 de mayo
Toni Tpies
Susy Gmez
el 23 de mayo
Museo de Arte Abstracto

Espaol
Joan Hernndez Pijuan
La distancia del dibujo
Hasta el 4 de mayo
FIGUERES (GIRONA)
Museu de lEmpord
Patricia Dauder
Les Maliens
GIJN
Trcul
Merc Capdevila
Trama
Anna Miquel
Movimiento en el paso
cebra
Regina Gimnez
el 19 de mayo
LABoral
Emergentes
Hasta el 12 de mayo
Espacio Lquido
Ellen Kooi
Mediadvanced
Javier Bejarano
Hasta el 31 de marzo
BETANZOS
GRANADA
Artra
Luis Rapela
Obra sobre papel
Sandunga
Alejandro Gorafe
Juegos de Artificio
BILBAO
LEN
Guggenheim
Art in the USA: 300 aos
de innovacin
Cosas del Surrealismo
Hasta el 7 de septiembre
MUSAC
Cerith Wyn Evans
Dave Muller
Blanca Li
HBOX Project
Hasta el 4 de mayo
Ana Laura Alez
Carmela Garca
Dominique Gonzlez-Foerster
Hedi Slimane
el 7 de septiembre
Sala Rekalde
Lara Almarcegui
Hasta el 21 de mayo
CALYPSO. Procesos de
aprendizaje artstico
Windsor Kulturgintza
Jos Ramn Amondarain
Punto Ciego
LAS PALMAS DE GRAN

CANARIA
Manuel Ojeda
Peter Zimmermann
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_AGENDA
LLEIDA
Centre dArt La Panera
Beautiful People
Marina Nez
LUGO
Museo Provincial
Proxecto Abertal
Hasta el 4 de marzo de 2009
MADRID
Centro Casa Asia-Madrid
Raghu Rai
Pasajes de la India
Antonio Machn
Gerardo Aparicio
Dolores de Sierra
Luis Moro
Ansorena
Guillermo Oygez
Aislado
Hasta el 2 de mayo
Cristina Duclos
el 7 de junio
Elba Bentez
Sabbatique
el 17 de mayo
ngel Romero
Ignacio Goitia
Escenas Cotidianas
Centro Cultural Casa de

Vacas
Hugo Fontenla
An American Vision
lvaro Alczar
Nacho Criado
Destiempos
Hasta el da 12 de abril
Anthony Caro
The barbarians
junio
Fundacin Artecovi
Juan Gil
Arns y Rpke
Michael Morgner
Hasta el 27 de mayo
Fundacin Caja Madrid

Modigliani y su tiempo
Hasta el 18 de mayo
Benveniste Contemporary
Call of the Wild
Hasta el 31 de mayo
Fundacin Feima
Xos Ramn Morquecho
Barbarn
Moreno Cardenal
Pinturas: dipticos y pequeos formatos
Javier Pulido
Lumpen lunar y otros
el 6 de junio
Fundacin ICO
El mundo descrito
Hasta el 4 de mayo
La Casa Encendida
Ellen Kooi
Dentro por fuera
Jesper Just
Todo terminar en lgrimas
el 15 de junio
Medialab Prado
Inclusiva-Net: Redes
Digitales y Espacio Fsico
MNCARS
Leandro Erlich
Picasso La Coleccin del
Museo Nacional Picasso de
Pars
Hasta el 5 de mayo
Jos Damasceno
Coordenadas y apariciones
Hasta el 19 de mayo
Museo Thyssen-Bornemisza
Modigliani y su tiempo
Hasta el 18 de mayo
Museo del Traje
Ouka Leele
Indita
Entramados. Pintura y traje
Museo Nacional de Artes
Decorativas
Rietveld: Utopa y
Pragmatismo
Hasta el 7 de mayo
Cmara Oscura
Alfonso Brezmes
Pequeas Pasiones
Miss Aniela
Self-gazing
Desde el 17 de abrl hasta
el 31 de mayo
Carmen de la Calle
Sabine Finkenauer
Playground
Catarsis
Paz Vicente
Grafas del alma
Hasta el 9 de abril
Federico Ergua
Carlos Urbina
Desde el 7 hasta el 28 de
mayo
Endika Basaguren
el 18 de junio
Edurne
Salvador Victoria
Relieves Poticos (1965/66)
Espacio Kubiko
Fernando Bayona
Milkabouts
Espacio Mnimo
Rosala Banet
Carnicera Love
Espacio Kubiko
Fernando Bayona
Estampa
Escenas de pelcula
Isabel Baquedano
el 7 de junio
Evelyn Botella
Jess Max
Zeitgeist
Marzo-abril
Pablo Mrquez
Abril-Marzo
Fernando Latorre
Pablo Milicua
Paisajes imaginarios
Hasta el 4 de mayo
Fcares
Paolo Grassino
Graham Gillmore & Jaume
Pitarch
el 24 de mayo
Aitor Saraiba
Guillermo de Osma
Nicols de Lekuona
Heinrich Ehrhardt
Gnther Frg
Rayas y Estrellas
el 24 de mayo
Thomas Zipp
el 19 de julio
Juan Gris
Alicia Marsans
Hasta el 5 de abril
Millares Momp y Sempere
17 de mayo
Kreisler
Vicente Chumilla
Fernndez Pinedo
mayo
La Fbrica
Juan Lpez
Marijke van Warmerdam
el 17 de mayo
Magda Bellotti
Luz ngela Lizarazu
Eldorado
Marita Segovia
Romulo Royo & Daniel
Sueiras
el 7 de junio
Marlborough
Francisco Leiro
Espejismos
Michael Anderson
Robert Weingarten
Palette Series
Carlos Franco
el 17 de mayo
Max Estrella
Javier de Juan
Pedro Calapez
Desde el 24 de abril
Metta
Curro Ulzurrun
Todo es aire
finales de mayo
Michel Soskine Inc.
Maryan
El Perodo Americano:
Pinturas y Obra sobre Papel
My names Lolita Art
Illn Argello
Alfa
finales de mayo
Oliva Arauna
Rosa Brun
17 de mayo
Jorge Molder
el 19 de julio
Soledad Lorenzo
Jon Mikel Euba
Robert Longo
el 7 de junio
Travesa Cuatro
Vicky Usl
Walking Berry
Hasta el 17 de mayo
Trama
Aziz+Cucher
Rafael Canales
Mayo
Zambucho
Juan Manuel Daz Burgos
Antonio Camba
Intro
el 31 de mayo
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_AGENDA
MLAGA
CAC Mlaga
Jason Martin
Nomad
Hasta el 6 de abril
Bill Viola
Javier Calleja
Play Room
Daniel Richter
el 13 de julio
Rodney Graham
A Glass of Beer
el 15 de junio
Alfredo Vias
Pedro Mora Frutos
Virtus
Hasta el 7 de abril
Alfredo Alcain
Abril
Jess Zurita
Mayo
JM
Isaac Cordal
OLOT (GIRONA)
Institut de Cultura de Olot
On the Road. Jack Kerovac
i la Generaci Beat
Hasta el 4 de mayo
OURENSE
C.C. Diputacin de Ourense
Alexandro
Comarea
Hasta el 4 de junio
Alterarte
Furallefalle
Hasta el 5 de mayo
Marisa Marimn
Salvador Cidrs
Uno contra cuatro
Visol
Yoshiro Tachibana
OVIEDO
Vrtice
Carlos Surez
Francisco Surez
PALMA DE MALLORCA
Museu dArt Espaol
Contemporani
Andreas Feininger
Hasta el 3 de mayo
Addaya Centre dArt
Contemporani
Sa Bossa d'en Brossa
Kewenig
Christian Boltanski
Les ombres
Hasta el 3 de mayo
94
Ferrn Cano
Nono Bandera
Abril
Jos Cobo
Mayo
REUS
Antoni Pinyol
Mart Rom
Del cercle mgic al cercle
vicis
Dalmau-Grriz
el 4 de junio
SALAMANCA
DA2
Alfredo Omaa
Under my skin
Judith Barry
25 de mayo
Adora Calvo
Dora Stefanova
Ximo Amig
el 28 de mayo
Benito Esteban
Alfredo Omaa
SAN SEBASTIN-DONOSTIA
Koldo Mitxelena Kulturenea
Manu Muniategiandikoetxea
Behar gorria
Hasta el 10 de mayo
CC Okendo
Gesto de la naturaleza
Desde abril hasta junio
Arteko
Nori Ushijima
Entelequia
17 de mayo
Kur
Isabel Muoz
el 13 de junio
SANTANDER
Cervantes
El Paisaje
Abril
Domingo Sarrey
Ana lvarez
Mayo
Juan Sili
Rafa Corteza
Cuca Nelles
Hasta el 31 de mayo
Nuble
Antonio Daz Grande
Siboney
Jos Gallego
mayo
Jos Luis Mazario
el 8 de junio
SANTIAGO DE COMPOSTELA
CGAC
Ficcins Analxicas
Guillaume Lebln
el 29 de junio
Jorge Macchi
el 13 de julio
Fundacin Caixa Galicia
Jannis Kounellis
Hasta el 4 de abril
Fundacin Granell
Xurxo Oro Claro
Maldita Europa
Hasta el 12 de mayo
Insitu
Lili (Ana)
A propsito de...
Hasta el 19 de mayo
Casa da Parra
Nando Lestn
Segunda Piel
Hasta el 18 de mayo
Espacio de Arte Correo Gallego
Rosa beda
Qu linda claridad
Hasta mediados de mayo
Espacio 48
Vera Goulart
Filhotes de Crocodilos
Vicente Prego
el 22 de mayo
DF Arte Contemporneo
Rubn Santiago
Antonio Ballester+Rockbotz
el 31 de mayo
Metro
Jorge Cabezas
Xurxo Alonso
el 10 de junio
scq
Fernando Sinaga
el 10 de mayo
lvaro Negro
el 19 de junio
Trinta
Curro Ulzurrum
Abril
Miquel Mont
Lapsus
Bosco Caride
Mayo
SEGOVIA
Museo Esteban Vicente
El circo en el arte espaol
Hasta el 18 de mayo
Montn de Trigo Montn de
Paja
Ral Bravo
El rastro del muro
SEVILLA
CAAC
Prada Poole
Ant Farm
Hasta el 8 de junio
Accionismo Viens
Instinto y Moral. Goya, Dal
y Picasso
Hasta el 25 de mayo
Birimbao
Qu grande es ser joven!
el 13 de mayo
Juan Carlos Lzaro
el 17 de junio
Isabel Ignacio
Fernando Verdugo
Visiones Nmadas
Nuevo Arte
M de la O Jimnez
Pablo Casado
el 21 de mayo
Rafael Ortiz
Miki Leal
Viento de cara
Aurelia Medina
Slo diseo
abril
Betsabe Romero
La levedad y la urdimbre
el 17 de junio
Concha Pedrosa
Jos Manuel Prez Tapias
VALENCIA
IVAM
Eduardo Arroyo
Hasta el 4 de mayo
Ingestum Fluidos
The real thing: contemporary art from China
Darryl Pottorf
Hasta el 18 de mayo
Mltiples de Joseph Beuys
Hasta el 25 de mayo
Jean Tinguely
Hasta el 8 de junio
Marn
Fotografas 1908-1940
el 29 de junio
Fernando Botero
el 6 de julio
ARTNOTES20proba
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_AGENDA
Sala Parpall
Manuel Sez
Dibujos
el 15 de junio
La Nave
Carlos Irijalba
Devices
Hasta el 10 de mayo
Luis Adelantado
Against Nature
Miguel Rael
finales de junio
Rosala Sender
Juan Vida
Ciudades
Tomas March
Antonio Girbs
Forbidden City
Jos Antonio Orts
Sensibles
Abril y mayo
VALLADOLID
Museo Patio Herreriano
Parangol
Sala La Pasin
Tpies
Mayo y junio
VIGO
Fundacin Pedro Barri de
la Maza
Laxeiro. A lxica do irracional
Hasta el 1 de junio
MARCO
Carme Nogueira
Prspera
Hasta el 11 de mayo
Parasos indmitos
Hasta el 18 de mayo
Geopolticas de Animacin
Hasta el 1 de junio
adhoc
Chelo Matesanz
Los gallos slo saben volar
sobre la nieve
Juan Varela
Permanencia
Hasta el 3 de mayo
Miki Leal
Desde el 8 de mayo al 28
de junio
Bacelos
Catarina Campino
Chroma
Guillermo Pedrosa
el 10 de mayo
Fernando Magdalena
Sanzsoto
El rudo del color
Lamazares
el 30 de junio
Mara Prego
Paula Mario
Rafael Cidoncha
el 6 de mayo
PM8
Anne Heyvaert
Desdoblados y desencajados
Hasta el 16 de mayo
VILLAFRANCE DEL
PENEDS (BARCELONA)
Sicart
Bjargey lafsdttir
Marcela Valero Narvez
Hasta el 3 de mayo
Muu Blanco
el 5 de julio
VITORIA-GASTEIZ
ARTIUM
Miradas al lmite
Agitar antes de usar
Hasta el 8 de junio
Adquisiciones recientes
Hasta el 5 de octubre
Montehermoso Kulturenea
La mirada iracunda
Hasta el 4 de mayo
Contraseas 3: La feminidad problematizada
Hasta el 18 de mayo
Next: presentaciones/aurkezpenak
Hasta el 11 de mayo
Trayecto
Juan Carlos Romn
La desvergenza de los
intrusos
ZARAGOZA
Centro de Historia
Takashi Murakami
Superflat
Desde abril hasta julio
PORTUGAL
FERIAS
CASCAIS
LOOP 2008
Barcelona
8 - 10 de mayo
www.loop-barcelona.es
Ellypse Foundation
Come, come, come...
Hasta el 31 de agosto
COIMBRA
Sete
The tea of Hospitality
LISBOA
Culturgest
Ricardo Jacinto
Earworm
Frances Stark
Hasta el 11 de mayo
Fundaao Calouste
Gulbenkian
Come and go: Fiction and
reality
Hasta el 1 de junio
Caroline Pags
Dalila Gonalves
Tempus Fugit
Fernando Santos
Ray Smith
Joo Tengarrinha
el 14 de junio
Pedro Cera
Nuno Cera
A Room with a View
VOLTAshow
Basilea
2 - 7 de junio
www.voltashow.com
Blelatina 2008
Basilea
3 - 8 de junio
www.balelatina.com
LISTE 08
Basilea
3 - 8 de junio
www.liste.ch
Art 39 Basel
Basilea
4 - 8 de junio
www.artbasel.com
Art msterdam 2008
msterdam
6 - 12 de mayo
www.2x2p.com
Art Brussels 2008
Bruselas
18 - 21 de abril
www.artexis.com/artbrussels/home.htm
The Photography Show New
York 2008
Nueva York
10 - 13 de abril
www.aipad.com
PORTO
NEXT 08
Chicago
24 - 28 de abril
www.nextartfair.com
Culturgest
Ricardo Jacinto
Les Voisins
Art Chicago 2008

Chicago
25 - 28 de abril
www.artchicago.com
Museu Serralves
Julio Pomar
Alvess
Violncia potica e institucional
el 13 de julio
CIRCA Puerto Rico08

Bayamn, Puerto Rico
11 - 14 de abril
www.circapr.com
Fernando Santos
Jorge Martins
Jos Loureiro
el 9 de junio
Espao 531
Vera Mota
[kri :s]
Andr Gomes
el 9 de junio
SP Arte 2008
So Paulo
24 - 27 de abril
www.sp-arte.com
Trindade
Susana Lopes
Paula Ruella
Dirio de uma Estrangeira
Hasta el 23 de mayo
Art Melbourne 08
Melbourne
18 - 20 de abril
www.affordableartshow.com.au
FEMACO 2008
Mxico City
23 - 27 de abril
www.femaco.com
Art Fair Tokio 2008

4 - 6 de abril
www.artfairtokyo.com
CIGE 2008
Beijing
25 - 28 de abril
www.cige-bj.com
Art Brisbane 08
Brisbane, Australia
20 - 1 de junio
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Lannima Imperial. Variacions. Al-leluia

Cloud Gate Dance Theatre of Taiwan

Tuesday to Saturday 1 p.m. to 9 p.m.

Burgweg 15, CH-4058 Basel

Grafic: Ute Drewes, Basel Photo: Hans-Jrg Walter, Zrich

Monday, June 2, 5 p.m. to 10 p.m.

Cristina Garcs es responsable de INICIARTE,

Ayudas ampliamos el perfil de nuestros destinatarios,

[AN] CRISTINA GARCES

andaluces relacionados con nuestra convocatoria.

petencia de otra Consejera, tiene INICIARTE

[AN] CRISTINA GARCES

Foto: Vctor Gracia

scheme. For that reason we have an open scheme and

The project also awards to the Andalusian creators

INICIARTE is also a change, since it is not only a

From our point of view, I mean those who work in

[AN] CRISTINA GARCES

I think our applicants do not know; and the second one

Desvos de la imagen tcnica

Deviations of the technical image

Una de las discusiones ms cansinas en la evolucin del

Con la colaboracin de:

_LA MIRADA DE...

nos paramos de repente, dejamos la mochila en el suelo,

MUCH LOVE AND LITTLE CONFIDENCE

stopped, left the rucksack on the floor, took the coats

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Practising an emphatic gesture in a Renaissances style in

almost mad gesture (in the kindest sense of the word),

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In her photographs Ellen Kooi (Leeuwarden, Holland,

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