Curso de Pintura de Figuras

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Este “curso” de pintura está en principio encaminado a la pintura de figuras de metal en la

escala de 54 mm. Únicamente de la habilidad de las manos del modelista depende el poder
trasladarlo a escalas diferentes.

CONSIDERACIONES GENERALES.

9 Debe darse una capa de imprimación a la figura antes de comenzar el posterior

proceso de pintura. Preferiblemente esta capa no debe ser blanca ya que la figura
sería muy luminosa bajo la luz de trabajo y cansaría la vista. El color Marrón
Cubierta (Vallejo 986) es un color muy adecuado para dar la capa de imprimación.
Deben darse las capas de imprimación diluida necesarias para cumplir por completo
la figura. Hay que tener cuidado con la disolución de la pintura, una capa
demasiado espesa haría que la figura perdiera detalle, y probablemente quedarían
marcas erróneas en la figura por el trazo del pincel. Es mucho mejor dar 3 manos
finas que una gruesa, exactamente igual que con el resto de la pintura posterior.
Esta imprimación desvelará además posibles errores en la figura, tales como
rebabas del molde o uniones incorrectas. En tal caso corregiremos dichos
problemas para volver a dar imprimación y seguir con el proceso de pintura.
9 Antes de empezar a pintar, la figura debe fijarse en una peana, taco de madera o
similar, mediante pernos y masilla A+B preferiblemente, lo cual nos permitirá
manipularla y sujetarla sin tocar la figura directamente. De esta forma el trabajo será
más cómodo y a la vez mantendremos la figura limpia de huellas dactilares y de la
grasa característica de nuestras manos, que da a la pintura un aspecto satinado muy
lejano del acabado mate que se busca en la mayoría de las ocasiones. Es
recomendable unir la figura a la peana en la que quedará instalada finalmente.
Usaremos los pernos para dejar los pies de la figura un poco separados de la peana,
y pondremos un poco de masilla A+B para unir. Gracias a esto solo tendremos que
añadir más masilla alrededor en la base de la peana para conformar el terreno.
9 Para pintar, la postura más cómoda y recomendable es hacer que ambas manos
descansen sobre el filo de la mesa, cercanas la una a la otra. De esta forma
reducimos al mínimo el efecto de nuestro más que probable mal pulso.
9 En todo momento mientras se está pintando es recomendable tener a mano un
folio de papel. Tras coger pintura con el pincel, pasar el mismo sobre el papel a la
vez que lo giramos con los dedos es una maniobra simple que nos ofrece muchas
ventajas: descargamos el exceso de pintura del pincel, comprobamos la disolución
de la pintura, comprobamos el ancho del trazo y “afilamos” la punta del pincel,
dejándolo en óptimas condiciones para empezar a pintar.
9 El tamaño del pincel debe ir en consonancia con la superficie que va a pintar.
Asimismo hay que intentar cubrir las diferentes zonas o paños con trazos de
tamaño aproximadamente igual a la superficie, de forma que vayamos cubriendo
uniformemente. Debe evitarse lo contrario, pasar el pincel por la misma zona
repetidas veces por ejemplo. Esto solo nos servirá para emplastar la pintura
mientras empieza a secar y dejar marcas y surcos con el pincel.
9 Para aclarar / oscurecer un color no es recomendable usar blanco / negro, ya que
más que al mismo color aclarado / oscurecido el color resultante tenderá cada vez
más al gris.
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1. Los Ojos.
Es recomendable empezar por los ojos de la figura; luego pintaremos la cara recortando los
“sobrantes” con el color base de la piel. De esta forma los ojos se quedarán pintados y no
tendremos que preocuparnos de estropear el trabajo de pintura de la piel al pintar los ojos.

El blanco de los ojos no es tal. Es decir, no es recomendable usar blanco puro, ya que ni
siquiera en la realidad es así. El color hueso o el mismo color de la imprimación un poco
aclarado con hueso son más adecuados para el fondo de los ojos.

La pupila puede pintarse del color que se desee: marrón, negro, azul… Siempre será mejor
utilizar un tono oscuro del color que se desee, ya que salvo en algunas zonas geográficas es
muy raro encontrar ojos de color realmente claro.

Basta con fijarse en nuestros propios ojos en el espejo para hacernos una idea de cómo hay
que pintarlos. No llegan a ser siquiera una circunferencia centrada, mas bien se parecen al
siguiente dibujo:

Una vez completada la tarea de pintar la pupila del ojo que más cómodo nos resulta (el
izquierdo de la figura para los diestros y el derecho para los zurdos), debemos completar la
tarea pintando el otro. Es muy importante que esté en consonancia con el primero, ya que
estamos definiendo la mirada de la figura. Para que nos resulte relativamente mas fácil
puede establecerse un punto e ir expandiendo el ojo a partir de el.
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Pueden aplicarse dos puntitos de blanco (usando la pintura muy diluida) para imitar la
vidriosidad de los ojos. Al igual que la posición de las pupilas, ambos puntos deben ir en
consonancia el uno con el otro:

Para finalizar el trabajo en los ojos de la figura ha de perfilarse con negro el borde superior,
para imitar de esa forma el párpado y las pestañas (en los dibujos anteriores el contorno
exterior de los ojos era simplemente una guía). Este perfilado debe tocar el iris en su parte
superior. Cuando finalicemos el trabajo con los ojos de la figura deben tener este aspecto
aproximado:

La pintura de los ojos depende bastante de la escala. En escalas inferiores a 1/35 los ojos
casi no se distinguen; en escalas más grandes hay que detallar más el iris, la pupila, el
lagrimal, etc.
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2. La piel.
Para el color base de la piel utilizaremos una mezcla de bermellón (947) + uniforme
inglés (921) + carne dorada (845). Es recomendable empezar por una mezcla de los dos
primeros e ir añadiendo después carne dorada hasta obtener el tono deseado.

Deben cubrirse las zonas de piel con las manos necesarias de esta mezcla diluida
correctamente. En el caso concreto de la cara, tendremos además que recortar
cuidadosamente los ojos ayudándonos de un pincel fino.

Una vez aplicado el color base pasaremos a definir las luces y las sombras.

Luces y Sombras.
Las luces y sombras, tanto en la cara como en las demás partes de la figura (donde se
seguirá un proceso similar), tienen como objetivo pronunciar y resaltar los diferentes
volúmenes. Básicamente buscamos imitar con pintura la incidencia de la luz en lo que sería
nuestra figura a tamaño natural.

Debido al tiempo de secado de la pintura que usamos y la imposibilidad de mezclar la

pintura que aplicamos con las luces / sombras con la que ya hay en la superficie de la
figura, el procedimiento a seguir es el de ir aplicando diferentes capas cada vez mas claras /
oscuras para crear nosotros mismos la transición del color base a la luz o la sombra. El
siguiente esquema muestra aproximadamente lo que buscamos hacer, por ejemplo con una
zona de luz, aplicando seis subidas:

PARA APLICAR LUCES LA DISOLUCIÓN DE LA PINTURA DEBE SER UN

POCO MAYOR DE LA NORMAL. PARA APLICAR SOMBRAS DEBE
DILUIRSE AÚN UN POCO MÁS QUE PARA APLICAR LUCES.
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El secreto de las luces y las sombras para obtener el resultado deseado es su correcta
colocación. Para hacernos una rápida idea podemos aplicar sobre nuestra figura una luz
cenital, mediante nuestra luz de trabajo por ejemplo, y de esa forma comprobar donde
incide más la luz y donde se producen zonas sombreadas.

En el caso concreto del rostro de una figura, normalmente se aplicarán una o dos luces
generales en los volúmenes de la cara (pómulos, frente, nariz, cuello, orejas, frente,
barbilla…). Con las siguientes dos o tres subidas de luz definiremos aún más dichos
volúmenes, dirigiendo la subida de luz hacia los puntos de luz máxima. En dichos puntos
será donde se apliquen las últimas luces.

Para las luces de la piel se añadirá carne dorada (845) progresivamente a la mezcla del
color base. Para las últimas luces se añadirá a la mezcla carne base (815). Esto es, para
un ejemplo de seis subidas de luz:

1ª Luz: Color base + Carne dorada

2ª Luz: 1ª luz + Carne dorada
3ª Luz: 2ª luz + Carne dorada
4ª Luz: 3ª luz + Carne dorada
5ª Luz: 4ª luz + Carne base
6ª Luz: 5ª luz + Carne base

Una vez aplicadas las luces, pasaremos a definir las sombras en el rostro. De la misma
forma que con las luces, aplicaremos primero una o dos sombras generales donde la luz
incidiría menos (la mayor parte del cuello, parte inferior de los volúmenes, bajo la nariz,
bajo las pestañas, el interior de las orejas, la parte baja de las arrugas…). Con las siguientes
sombras, al igual que con las luces, iremos definiendo las subidas de oscuridad hasta los
puntos de máxima sombra. En dichos puntos aplicaremos las últimas sombras, las más
oscuras.

Para las sombras usaremos una mezcla de bermellón (947) + uniforme inglés (921), que
inicialmente deberemos mezclar para que sea poco más oscura que el color base que
utilizamos para la piel. Para las sombras sucesivas se añadirá a la mezcla uniforme inglés
(921), y para las últimas sombras usaremos una mezcla de bermellón (947) + negro (950).
Esto es, para un ejemplo de 6 sombras:

1ª Sombra: Bermellón + Uniforme inglés

2ª Sombra: 1ª sombra + Uniforme inglés
3ª Sombra: 2ª sombra + Uniforme inglés
4ª Sombra: 3ª sombra + Uniforme inglés
5ª Sombra: Bermellón + Negro
6ª Sombra: 5ª sombra + Negro

IMPORTANTE.
Aprovecharemos la mezcla de la última sombra para:
9 Aplicar un sutil perfilado en la línea que separa la piel de los demás elementos de la
cabeza: gorro, casco, pelo…
9 “Pintar” el labio superior.
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9 Otras posibles mezclas de colores para distintos tonos de piel.

Tonos base:

Efecto deseado Mezcla Observaciones

Piel tostada, morena, Marrón Corcho (843) Marrón corcho es el color principal de la
oscura + mezcla, debe utilizarse mucha más
cantidad de este color que de los otros.
Bermellón (947), 3 puntas
+
Uniforme inglés (921) 4 puntas
Piel clara, anaranjada Carne medio (860) En este caso el color predominante es el
+ carne medio, debe estar en la mezcla en
mayor cantidad que los otros dos colores.
Bermellón (947), 3 puntas
+
Uniforme inglés (921), 4 puntas
Piel de tono medio, la Arena marrón (876) Como en los casos anteriores, la mezcla
más común + de los dos primeros colores debe ser muy
predominante en la mezcla.
Carne medio (860)
+
Bermellón (947), 3 puntas
+
Uniforme inglés (925), 4 puntas

Colores para matizar los tonos de base:

Efecto deseado Añadir al tono de base: Observaciones

Piel gris, mortecina, o
en ambientes muy
fríos
Piel rosácea, como las
de tipo nórdico
Piel morena o dorada
por el sol (árabes,
mediterráneos)
Añadir poca cantidad, ya que oscurece
Azul verde (808) bastante el tono de base.
Púrpura (959) Añadir poca cantidad.
Añadir poca cantidad.
Oliva dorado (857)

Distintas combinaciones para las luces:

Efecto deseado Colores a utilizar: Ejemplo de subida de luz:

Tono general rosáceo 1ª luz = Base + carne dorada
Carne dorada (845) 2ª luz = 1ª luz + carne dorada + carne clara
3ª luz = 2ª luz + carne dorada + carne clara
Carne clara (928) 4ª luz = 3ª luz + carne clara
5ª luz = Carne clara
Tono general pálido Carne dorada (845) 1ª luz = Base + carne dorada
Hueso (918) 2ª luz = 1ª luz + carne dorada + hueso
3ª luz = 2ª luz + carne dorada + hueso
4ª luz = 3ª luz + hueso
5ª luz = hueso
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Distintas combinaciones para las sombras:

Efecto deseado Colores a utilizar: Ejemplo de sombreado:

Sombra normal Bermellón (947) 1ª sombra = Bermellón + uniforme inglés
Uniforme inglés (925) 2ª sombra = 1ª sombra + pardo negro
3ª sombra = 2ª sombra + pardo negro
Pardo negro (822)
Sombra algo más Bermellón (947) 1ª sombra = Bermellón + uniforme inglés
clara que la anterior Uniforme inglés (925) 2ª sombra = 1ª sombra + cuero oscuro
3ª sombra = 2ª sombra + cuero oscuro
Cuero oscuro (871) 4ª sombra = cuero oscuro

Acabado del rostro / efectos.

9 Con una mezcla bastante diluida de bermellón y algún tono de púrpura / violeta,
pintamos sutilmente el labio inferior de la figura.

9 Si se desea pueden sonrojarse ligeramente los mofletes de la figura. Para ello

usaremos el color bermellón muy diluido, y aplicaremos lavados en los pómulos.
Trabajamos con el color muy diluido ya que de esta forma serán necesarias varias
capas para que empiece a notarse el añadido de rojo en la zona, esto nos ayuda a
controlar fácilmente el aspecto que vamos dándole a la figura y a no echar por tierra
todo el trabajo anterior por convertir repentinamente en Heidi a nuestra miniatura.

9 También si se desea (y dependiendo de la figura y su ambientación) puede pintarse

la barba de la figura. Para ello hacemos mezclamos el color base de la piel con algún
verde o azul oscuro y aplicamos lavados muy diluidos por las zonas adecuadas:
bigote, patillas, barbilla, mentón, cuello… Al igual que en el punto anterior la
mayor disolución de la pintura nos ayuda a decidir cuando debemos parar. También
podemos oscurecer levemente la mezcla en dos o tres pasos con negro, y aplicarla
como una bajada de luz dirigiendo la oscuridad a la parte inferior del mentón.
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3. El Pelo.
Una vez finalizado el rostro y en último lugar pintamos el pelo de la figura. Uno de los
tonos de cabello más comunes, el castaño, podemos conseguirlo mezclando bermellón
(947) + uniforme inglés (921) + negro (950). Para las luces añadimos a la mezcla más
uniforme inglés y para las sombras empleamos negro.

El siguiente cuadro muestra distintas mezclas posibles de colores para obtener diferentes
tonos de cabello:

Color de cabello Mezcla base Luces Sombras

Rubio Uniforme japonés (923) Añadimos amarillo hielo (858) Negro (950)
+ para las primeras luces y
una pizca de negro (950) hueso (918) a las últimas.
Castaño Uniforme inglés (921) Añadimos uniforme inglés Negro (950)
+ (921) y ocre verde (914).
una pizca de negro (950)
Moreno Negro (950), 2 partes Añadimos gris piedra (884) y Negro (950)
+ azul prusia oscuro (899).
uniforme inglés (921), 1 parte
Pelirrojo Uniforme japonés (923), 1 parte Añadimos marrón dorado Sombra tostada (941),
+ (877). escarlata (817) y negro (950)
uniforme inglés (921), 1 parte
+
negro (950), 1 parte
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4. Pintura de la vestimenta y accesorios.

4.1. Pintura de uniformes de un solo color.

La pintura de uniformes monocromáticos puede llevarse acabo siguiendo la misma teoría

utilizada para pintar la cara o el cabello. Una vez obtengamos el color de base deseado,
trazamos con un pincel fino el contorno de la zona que vamos a pintar de ese color para
separarla de otras zonas de piel o colores distintos (trazamos tantas veces como sea
necesario). Después cubrimos la zona interior con un pincel del tamaño adecuado, de
nuevo daremos las capas necesarias para cubrir totalmente.

El siguiente paso será hacer las subidas necesarias de luces. Trabajando como lo hicimos en
el rostro, aplicaremos luces en las zonas expuestas a una imaginaria luz cenital, dirigiendo
las subidas hacia los puntos de luz máxima. De la misma forma aplicaremos las sombras, en
la parte inferior de las arrugas, bajo los brazos, etc.

En sombras muy definidas, como la costura de la manga de una camisa o la solapa de un

bolsillo, las luces y sombras no suelen ser suficientes para acentuar esos elementos. Por ello
preparamos una mezcla muy diluida de gris oscuro y marrón chocolate con la que
perfilamos dichos detalles.

4.2. Pintura de uniformes de camuflaje.

Aunque a simple vista pueda parecer muy difícil pintar uniformes de camuflaje de varios
colores y obtener un acabado realista, es más cuestión de la paciencia que se ponga en ello
que de la dificultad en si misma. En primer lugar y si queremos guardar fidelidad con algún
uniforme histórico, es importante disponer de alguna fotografía o de algún dibujo fiel para
tener una referencia de la forma aproximada del camuflaje y, quizás aún más importante,
del tamaño de las manchas. Podemos usar como referencia porciones corporales de la
fotografía (distancia cadera – rodilla, rodilla – tobillo, hombro – codo…) para así saber
cuantas manchas de camuflaje deben ir en ese espacio, por ejemplo.

Básicamente hemos de trabajar con los colores del camuflaje por separado, integrándolos
en el esquema inferior aplicando las luces y sombras necesarias., dependiendo también de
los tonos y del tamaño de las manchas. Veamos un posible ejemplo con el diseño de
camuflaje alemán de la segunda guerra mundial Laubmuster.
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PASO 1.
Aplicamos el color 1.

PASO 2.
Aplicamos las luces y sombras necesarias al color 1.

PASO 3.
Aplicamos el color 2.

PASO 4.
Aplicamos las luces y sombras necesarias al color 2.

PASO 5.
Aplicamos el color 3.

PASO 6.
Aplicamos el color 4.

PASO 7.
Aplicamos luces a los dos colores distribuidos anteriormente,
aclarando la última mezcla.

PASO 8.
Este paso no afecta al pintado del camuflaje; en este paso perfilamos
costuras y detalles de la forma habitual.

PASO 9.
Para finalizar el camuflaje, aplicamos un sombreado general. Debe
escogerse un color neutral, un tono oscuro que combine
adecuadamente con el resto de colores que forman el camuflaje.
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4.3. Pintura de complementos.

En la mayoría de elementos se sigue el mismo procedimiento que hemos estado utilizando:

capa de base, subida de luces, sombras y perfilado. Diversas consideraciones y consejos
para determinados elementos “especiales”:

Pueden presentarse elementos como correas, cinturones o arneses que en la

realidad suelen estar fabricados con materiales rugosos y toscos tales como lona o
nylon, que además suelen desteñir y presentar un aspecto gastado. Podemos
intentar imitar dicho aspecto dando reflejos con la técnica de pincel seco.

El cuero negro tan común en cinturones, pistoleras o botas puede imitarse de la

siguiente forma: pintamos dichos elementos con negro, y aplicamos unas subidas
de luz con negro y un poco de marrón cuero oscuro y tierra mate. Finalmente
aplicamos una capa de barniz satinado sobre estos elementos para imitar el brillo
del cuero.
Los elementos de piel deben parecer suaves y tener un cierto brillo, pero demasiado
relucientes parecerían demasiado brillantes, incluso tratándose de unos zapatos de
paseo o de parte del uniforme de gala de un oficial. En botas, zapatos o bordes de
determinados elementos puede pintarse el desgaste de las piezas con un poco de
pincel seco muy sutil.

Superficies de cristal / brillantes. Muchas figuras presentan gafas de sol por

ejemplo, también tiene un acabado brillante el visor de algunos cascos de pilotos de
aviación. Utilizaremos como base un tono oscuro de verde o gris. Para darle a estos
elementos un verdadero aspecto brillante puede usarse cera acrílica para suelos. El
resultado puede ser excelente si se tiene la paciencia necesaria para dar varias capas
de cera hasta que aparezca el brillo deseado.
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Accesorios de metal. En la tabla de mezclas al final del presente documento se

especifican las mezclas y colores mas adecuados para pintar los metales y darles un
aspecto realista. En el caso de que nuestra miniatura sea de metal podemos
aprovecharlo para dar un aspecto muy realista muy fácilmente. Primero pulimos el
metal, de forma que quede uniforme y brillante. Podemos utilizar para ello lana de
alambre no demasiado basta o un cepillo de latón junto con la Dremel o
herramienta similar. Una vez pulido el metal, lo pintamos con Tamiya X-19 (color
“humo”). Es una especie de barniz brillante de un tono muy oscuro. Dejará “salir”
el brillo natural del metal a la vez que oscurecerá ligeramente para dar un aspecto
realista. Con la misma pintura podemos dar sombras donde sea necesario,
simplemente aplicando mas capas de la misma en esa zona.

Pintura de cruces, emblemas heráldicos, etc. Para la pintura de estos elementos

tendremos en cuenta principalmente su tamaño y la proporción con la que deben
encajar en la parte de la figura correspondiente (escudos, capas…). En primer lugar
marcaremos en dicha zona los puntos importantes de lo que vamos a dibujar,
ajustándonos a su tamaño para luego “encajarlo”. En el caso de una cruz por
ejemplo marcaremos sus cuatro puntas, si fuera un león rampante marcaríamos por
ejemplo dónde irían la cabeza, los pies y la cola. Una vez establecido el lugar iremos
pintando de dentro a fuera, es decir, marcando el “esqueleto” del dibujo con finos
trazos y expandiendo dichos trazos hasta dar la forma que debe tener el dibujo
final. Hasta este momento habremos estado trabajando con la pintura muy
diluida, pues solo estamos ubicando nuestro dibujo y dándole su forma. Una vez
dibujado trabajaremos con la pintura con la disolución normal y rellenaremos el
dibujo inicial. Evidentemente al dibujo habrá que darle sus luces y sombras
respectivas para que encaje con el paño donde lo hemos pintado. A continuación
un ejemplo simple de cómo pintar una cruz:
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4.4. Realización de un pequeño terreno bajo los pies de la figura.

Para realizarlo seguiremos los siguientes pasos:

o Con ayuda de una pequeña espátula o herramienta similar, aplicamos a la base de la

peana alrededor de los pies de la figura una capa de unos dos milímetros de masilla
A+B. Si mantenemos mojada la espátula mientras trabajamos con la masilla, se
quedará pegada bastante menos y trabajaremos más fácilmente.
o Mediante una pequeña piedra de superficie más o menos plana y rugosa, la cual
mojaremos para trabajar más fácilmente, aplastaremos un poco la masilla contra la
peana para que agarre totalmente y para comenzar a texturizar la superficie.
o Para terminar de conferir una textura rugosa a la superficie usaremos una pequeña
porción de estropajo cogido con unas pinzas, apretándolo al igual que hiciéramos
con la piedra.
o En caso necesario y con ayuda de una cuchilla mojada, recortamos los sobrantes de
masilla que sobresalgan de la peana.
o Añadiremos pequeñas piedrecitas de tamaño adecuado a la base, presionándolas
ligeramente sobre la masilla. Espolvorearemos sobre la base arena de grano muy
fino para completar la apariencia rugosa.
o Como toque final podemos añadir alguna pequeña raíz a modo de rama caída.