Edwin Sánchez

Trabaja y vive en Bogotá, Colombia

Imágenes y video cortesía del artista

Fotografía: Guillermo Vanegas

Iván Ordóñez: ¿Por qué le interesó el arte?

Edwin Sánchez: Tuve mi primera experiencia fuerte en arte a través de la pintura y el dibujo.
Creo que es un buen inicio para un artista y para afianzarse en el medio. Yo estudié Diseño
Industrial y después de haber terminado la carrera me quedó la espinita de estudiar artes. De
todos modos yo la veía mas como pintor y dibujante. Entonces mis referentes próximos eran
como Caballero y los impresionistas; un acercamiento muy superficial porque en Diseño usted
nunca se acerca a la estética sino que más bien son como referentes o lugares comunes.
Entonces cuando estudié artes pues fue como un choque bastante fuerte porque ya se
empieza a confrontar la técnica del dibujo y toda esa cuestión, con otras herramientas más
abiertas. Ahí fue cuando descubrí el video, la fotografía y la instalación que en definitiva abren
posibilidades. Pero al pasar el tiempo me iba costando como más trabajo dibujar y pintar, aún
me cuesta mucho, no me puedo enfrentar a una hoja en blanco fácilmente y menos a una
pintura. Me queda más fácil el video y pensar en video; también hacer performance, pero no
performance en el sentido teatral, sino más bien en el sentido de acción y trabajar con temas
más interesantes, que le ayudan a uno a conocer contextos que antes no se conocían. La
principal motivación de estudiar arte fueron la pintura y el dibujo, sino que a uno le cambia la
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vuelta, pues para eso uno estudia ¿no? Para que le genere reflexiones y un pensamiento
nuevo. Ahora, entonces, me dedico más al video y a hacer obras de acción, que es lo que más
me interesa.

I.O: ¿qué problemas ideológicos, estéticos o conceptuales han motivado su trabajo?

E.S: Yo no lo veo tanto como una categorización de querer estéticamente esto, o

conceptualmente esto. Lo que a mí me motiva es que el tema que uno trabaje sea interesante
para uno mismo. Como el artista vive en una burbujita en donde todo es planeado, todo es
concebido, todo es académico. Yo soy un poco voyerista y me interesa mostrar lo que hay
afuera de mi burbuja: trato de buscar espacios y contextos en los que nunca haya estado, o
amistades con las que nunca me imaginé estar. Es un poco como desubicarme y tratar de
documentar lo que yo no he vivido, más que todo es eso. Son temas un poco fuertes hacia la
moral y hacia la ética. Esto es porque durante toda la academia ha habido una cosa como muy
moral en el estudio y en el hacer arte. Para mí es todo lo contario: yo creo que cuando uno
estudia arte esas barreras se vuelven difusas y no tiene sentido ninguna apreciación después
de eso. Lo único que me importa es que la obra sea contundente y que mueva al público, si no
causa nada es porque no vale la pena.

I.O: Su trabajo se destaca por tratar temas suburbanos y marginales que podrían verse como
anti morales…

E.S: Yo me considero un voyerista, un morboso de primera, eso lo tengo claro. Ese morbo me
lleva a tener una motivación por experimentar cosas que no tengo, que son lejanas para mí.
Entonces como que mi vida diaria es el trabajo, en una oficina, mi casa, pero en la ciudad, en el
centro pasan muchas otras cosas. Entonces me interesa mirar la parte oscura, como la parte
no visible. Me gusta meterme a los escondrijos y arriesgar un poco mi integridad, todo tiene su
riesgo. Si uno hace una obra con un ladrón o con un “paraco” pues eso tiene sus riesgos. Uno
tiene que pensar antes que ellos. Así funciona la cosa; y digo “ellos” porque yo no me
considero como ellos. Yo no estoy buscando hacer obra social; tampoco busco generar una
comunión entre el arte y el delito, pero tengo claro que me gustan ese tipo de temas y que me
gusta abordarlos de frente. Mi obra se basa más que todo en conocer: yo nunca había
conocido un putiadero así, tampoco había tratado con un ladrón, sino que el arte me abrió la
posibilidad de encontrar interés en un ladrón, en un putiadero, en un paraco. Eso es lo chévere,
es como el morbo pero con una justificación más profunda.

Me motiva mucho lo que no es debido. Lo que no se debe hacer me motiva a mirar y ver por
qué no. Me interesa generar ese tipo de preguntas. Se dice: no se puede dañar al otro, no se
puede robar al otro pero ¿por qué? Y si se hace ¿qué pasa? Esas son las preguntas que se
hacen durante el proceso y después se las traslado al espectador. Por eso me gusta que la
obra le pegue su jalonaso al espectador y que no lo deje ser pasivo, sino que tome una
posición que pueda llegar a generar expresiones como: ¡este artista hijueputa que le pasa! o
¡que man tan paila! Eso es interesante para mí. No es generar controversia, sino más bien
generar atención. Más ahora que veo el arte como una farsa: veo que el arte que se llama
político –todo arte es político- no hace nada, es solo una obra de teatro bien montada. Por eso
yo hago mis cosas y no ando diciendo que soy activista o artista político sino que simplemente
trabajo gracias a mi morbo y a mi voyerismo.

I.O: ¿Qué influencias ha tenido en su trabajo?

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E.S: Yo tengo referentes muy claros y en mis obras se ven perfectamente claros, yo no los
oculto. En mis videos hay cosas que hacen referencia a Santiago Sierra, Gordon Mata-clark:
ese tipo de artistas que son un poco chocantes. En un principio Jaime Ávila me motivó de una
manera “negativa”. Yo hice un trabajo con él, en términos de objeto, que era un trabajo
pseudoantropológico que era seguir a un artista y hasta esculcarle la basura motivado por el
interés de saber cómo opera. Después hablé con Jaime Ávila para ver cómo operaba y uno
termina asimilando ese tipo de procesos; esos son referentes muy cercanos. Siempre hay algo
de un artista en cada obra que yo hago. Miguel Calderón, el artista mexicano, que tiene una
obra de un ladrón robando un carro. Son referentes claros, no hay necesidad de contarlos. Una
cosa es tener referentes y otra cosa es fusilar una obra: cuando uno apropia es porque
contextualiza; puede coger la misma metodología de un artista y la puede contextualizar, ya
eso la hace diferente. Entonces lo que yo hago a veces es coger ciertas metodologías o ciertas
lógicas de obras y tratarlas de hacerlas aquí, en el contexto propio, con lo que yo sé y en lo
que yo me muevo.

Imagen: Paramilitar

Desapariciones
Entrevistas a reinsertados

I.O: ¿Cómo entiende la violencia?

E.S: La violencia es un término muy amplio, eso depende en donde uno esté parado. Por
ejemplo usted puede decir que la obra de Tania Bruguera es violenta, como la obra del
revolver, esto si usted se para en el mundo del arte. Pero si usted se para del otro lado, en el
mundo real, por ejemplo con las entrevistas con paracos que es la obra que actualmente estoy
realizando, en ese sentido el termino violencia es más amplio. El concepto de violencia es
mutante; es muy difuso y depende del contexto en el que se esté. Violencia no es una
categoría que uno tenga para examinar algo; decir que tal obra es violenta, no creo, creo más
bien que es interesante, o decir que un man que se ha echado 30 personas es un man violento,
no sé, creo que es otra cosa. La violencia no la pienso para el desarrollo de mi obra. Si uno se
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pone a pensar en violencia con paracos ahí todo sería malo: prefiero echarle serrucho al
término para poder determinar lo que me interesa. La violencia no motiva mi trabajo, lo que yo
hago es morbosear.

I.O: usted trabaja principalmente en dos campos: el video y el performance…

E.S: De hecho para el performance yo soy malo. No soy como Guillermo Gómez-Peña que
puede hacer un discurso de media hora sin que sude una gota. Lo mío no sería performance
en el sentido teatral ni de puesta en escena; también se aleja de la categoría que establece el
arte: lo que veo es como muy teatrero y muy encapsulado en sitio muy protegido. Por ejemplo
lo de Tania Bruguera: metió un guerrillero, metió a un desplazado, trato de meter a un paraco
pero este le hizo conejo y la tumbo, pero el caso es que todo lo hace en un ambiente protegido;
puede meter perico porque es un ambiente protegido; es una representación en un sitio
cerrado y seguro. Pero ¿Qué pasa cuando esos elementos pasan a un ámbito desprotegido?
Ahí es en donde me gusta operar. Por ejemplo mis entrevistas no las hago ni en un museo, ni
en una estación de policía, yo la hago donde los manes están. Entonces no es un performance
que hago en el sentido estricto de la representación o del teatro. En ese caso no es una cosa
que uno arma, sino que la cosa lo arma a uno. Cuando hice Clases de cuchillo no la hice en
ningún contexto cerrado ni protegido. El performance lo veo como muy protegido, muy para
artistas, eso me choca bastante.

I.O: ¿Cómo llegó a hacer Clases de cuchillo?

E.S: Fue algo muy circunstancial. Tuve amigos que fueron apuñalados; uno murió antes de
realizar la obra; eso me creó un interés y un morbo frente a eso. A Jimmy -que es el
protagonista del video- lo conocí porque era el ñerito de la universidad, el se la pasaba en la
Tadeo pidiendo plata. El man anteriormente atracaba. Entonces yo le dije a Jimmy: “Marica,
deme clases de cómo hacer cuchillos, como defenderme, identificar hacia dónde va la
puñalada, documénteme sobre el tema y yo le pago las clases”. Cogí a Jimmy como un
instructor. Entonces el man me dijo: “listo, si lo vamos a hacer a lo legal, vamos a empezar
mostrándole cuántos cuchillos hay y de qué clases; después le puedo enseñar a hacer un
cuchillo como los que nosotros usamos, y después le puedo enseñar como hago para apuñalar
y para defenderme”. Esas fueron las tres temáticas que se manejaron en clases de cuchillo.
Fue muy chévere. Después si hubo un problema: el sentido moral de Jimmy es muy diferente.
Jimmy se enteró que yo había expuesto el trabajo –yo siempre lo tenía informado sobre las
cosas referentes a la obra-. Nos dejamos de ver un buen tiempo y en esas yo expuse; le
dijeron al man que yo había vendido el video por 20 millones de pesos. Yo le dije: ¡marica
usted cómo se va a creer ese cuento, yo por eso trabajo en diseño y yo no necesito vender ni
mierda! Y pues si vendo el video yo le doy plata a usted. Y pues el man me empezó a
extorsionar. Ahí comenzó lo rayado. Ya la amistad se volvió prevención. Al final ya la vaina se
puso pasiva y ya como que nos dijimos que no nos hiciéramos daño, que no nos pisáramos las
mangueras. Esas son vainas que usted nunca prevé. Usted como artista ni por el putas va a
decir que cuando trabaja con gente marginal va a tener una relación estable porque eso es
mentira; esas vainas son muy inestables: cuando hay droga de por medio no hay noción de las
cosas.

Con Jimmy al final pues hubo esa timbradita y la obra terminó ahí. Yo creo que eso es natural.
Yo dejo que las cosas pasen así, pero es el tipo de riesgo que uno tiene cuando hace este tipo
de cosas.

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I.O: Hay otra obra que se llama Museo del placer…

E.S: Sí. Esa fue una colección de droga. Fue como una especie de mapeo que hice de la
ciudad y aleatoriamente iba preguntando por droga. En cada sitio yo compraba la droga que
había. Este trabajo estuvo basado en ejercicios situacionistas, el mapeado aleatorio y
circunstancial; así se fue armando el proyecto. Es una colección de drogas de las cuales me
decomisaron gran parte en una exposición, entonces ya está incompleta. Eso presenta un
problema: cuando usted trae cosas del mundo real al arte, existe la gran posibilidad de que
usted caiga como un jíbaro o un delincuente; a mí me gusta jugar mucho con eso, vivir en el
límite real.

Museo del placer

Colección de drogas ilícitas

I.O: Laberintos de Zeus…

E.S: Ese fue un video que se hizo en un burdel cerca a la Tadeo. Todo pasó porque un día
recibí una tarjetica que decía “sexo participativo”, me quede con la intriga y fui: mi morbo me

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llevó a querer conocer esa vaina. Entramos con unos amigos, pagamos cinco mil pesos y
consistía en que todo el que entraba tenía derecho a tener una relación sexual con la chica, en
frente de todo el mundo. Eso era el sexo participativo y ahí se hizo el video. Al final del show un
man se pone los pantalones y descubre que no tiene la billetera y exige que cierren las puertas
porque lo habían robado. Ahí se aumentó el riesgo, me paniquié mucho. Eso es lo chévere del
trabajo: sentir un vértigo total.

I.O: ¿Qué opina de la curaduría?

E.S: No sé, no he pensado en eso. Con los curadores con los que he tenido la oportunidad de
trabajar, no ha pasado nada. Son personas que están cuando conviene. Muy pocos curadores
se meten en el cuento de apoyar un artista; los que lo hacen trabajan en otras esferas.

I.O: ¿Cuántas exposiciones ha tenido?

E.S: He tenido varias, casi todas colectivas. Sólo he tenido una individual que fue curada por
Guillermo Vanegas; la curamos en una borrachera. La exposición se llamó Odio puro y se hizo
en el Bodegón. No he tenido otra individual porque es tenaz. Uno se juega el pellejo cada vez
que expone, entonces hay que hacer cosas bien hechas para que salga bien.

I.O: Usted apareció en The Younger than Jesus Artist Directory de la editorial Phaidon de 2009,
una publicación que tuvo la asesoría de más de 200 personas entre curadores, críticos
profesores y artistas de todo el mundo que seleccionaron a los mejores 500 artistas
internacionales menores de 33 años. ¿Cómo llegó a hacer parte de esta publicación?

E.S: Tuve dos enlaces: Inti Guerrero y Michele Faguet. Inti conocía mi trabajo y estaba cerca a
la producción que había hecho; él consideró que era importante. Por otro lado Michele se
encontró con mi portafolio y visualizó lo que el New Museum de Nueva York quería y me dijo
que mi trabajo cabía ahí. Cada curador escogía como tres artistas.

I.O: También aparece en la publicación de Pilot: 3 el evento que se realizó durante la Bienal de
Venecia y también durante la feria de arte Frieze de 2007…

E.S: Sí. Esa fue una compilación que se hizo del evento Pilot: 3. Cada certamen reúnen a 100
artistas a nivel mundial. Ellos tienen un archivo grande y lo pusieron en Venecia y en Londres.
Lo que hacen es como una biblioteca y cada tomo es un artista. Entonces las personas van y
sacan el tomo del artista y ven el perfil. A esto llegué por El Bodegón.

I.O: ¿Se considera un artista contemporáneo?

E.S: Pues sí. Creo que no hay otra categoría para describirlo. Uno no es ni moderno, ni
conceptual ni nada de esa vaina. Contemporáneo es un término muy vago, pero sí; es la mejor
categoría que uno puede tener. El término artista es pesado también, porque artista soy de
domingo y por las noches, de día soy diseñador. Yo ahora vivo del diseño y es lo que me da
para vivir. Sin embargo no puedo hacer convivir el diseño con el arte y tampoco me interesa.
Yo veo el diseño como un trabajo y el arte como un modo de escape para hacer las cosas que
me motivan.

I.O: ¿Qué opina del mercado del arte?

E.S: Pues es un mercado y hay que verlo así.

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I.O: ¿Qué entiende por prácticas situacionistas?

E.S: Yo me acerco al situacionismo muy por encima. No soy dado a la teoría ni a la

conceptualización sino que me acerco más a los ejercicios prácticos. Yo del situacionismo cojo
mapeos y ejercicios de cómo conocer la ciudad y de cómo convivir con la ciudad. La ciudad es
un territorio inesperado entonces se dan metodologías para adentrarse en este terreno. Me
interesa mucho lo aleatorio, caminar y no tener un destino para ir, Me interesa mucho contactar
personas a través de otras. Lo chévere de trabajar con paracos fue encontrarlos. Los
situacionistas planteaban un ejercicio que era seguir un color. Por ejemplo uno ve una persona
con saco rojo, usted la sigue hasta que encuentre a otra persona con una prenda roja y la
sigue. Es como a la deriva. Lo mismo es cuando uno hace contactos. Llamo a un primo que
tengo en Ciudad Bolívar y le digo que si conoce un paraco: el man llama a otro amigo, y ese
amigo a otro amigo y así. Ahí el procedimiento se hace ya no por colores sino por personas o
por objetos depende la vuelta que haya que hacer.

Objetos de deseo
Escarnio público a ladrones

I.O: ¿Cree que la obra es usted?

E.S: A veces sí. Otras veces simplemente soy el que filmo. Creo que en mi trabajo el autor
cambia. Puede ser usted cuando yo pongo la caja, puede ser el policía que me coge, puede ser
Jimmy cuando me está dando las clases, puede ser el paraco que habla. Hay veces que hay
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que aparecer; no es cuestión de narcisismo sino que la obra le exige que usted se involucre.
Me gusta también que se pierda la noción de autor.

I.O: ¿Cómo ve el arte colombiano?

E.S: Mucha representación, mucho dibujo. Yo creo que también es cuestión de mercado. Si
uno se pone a pensar el dibujo es un medio muy barato, muy fácil. Pienso que el dibujo ya se
ha llevado mucha atención. Hay mucha basura, mucha, mucha basura. De artistas
colombianos hay cosas de Miguel Ángel Rojas también de José Alejandro Restrepo, algunas
cosas de Jaime Ávila. Creo que son pocos los que se esfuerzan por hacer algo de un contenido
interesante o activo en la obra. Ahora también hay mucho artista “chocoloco”.

I.O: hablemos sobre el veto. Usted me decía que cuando quiso subir sus videos a Youtube se
los quitaron por tener contenido explícito…

E.S: Sí. Pues es chistoso porque Youtube es una plataforma éticamente responsable y pues si
uno monta un video porno pues obviamente lo van a quitar. Son vainas de contexto. Uno no le
puede pedir a un árbol de manzanas, peras. Si usted quiere hacer cierta obra pues tiene que
acoplarse al contexto. La cuestión del veto se da cuando usted no se sabe camuflar. Otra cosa
es cuando usted conscientemente quiere que lo veten; eso ya es otra cosa. Cuando a usted lo
vetan por güevón pues ahí si lleva. Pero cuando usted hace cosas sabiendo que lo van a vetar,
pues ahí la cosa cambia. El único veto real fue cuando quise exponer el Museo del Placer– lo
de las drogas- en el claustro en Tunja. Realmente el veto no se dio por las drogas, como todo
el mundo pensaría, sino porque la quería exponer en unos guacales: el veto se dio fue por la
parte estética y no por el contenido de las cosas -las drogas-. Fue chistoso. Pero de ahí salió
una grabación en la que discutí intensamente con Natalia Gutiérrez que era la curadora del
regional centro, y me dijo que “los guacales se parecían a una obra de Zalamea. Así que si no
los botaba no me llevaba a Bogotá”. Pues ahí si dije que si me van a vetar pues me veto a
propósito: la grabé y de ahí salió otra obra, Discusión con Natalia Gutiérrez. Si a usted lo
vetan, usted tiene que ser más rabón.

El reel con fragmentos de los videos de Edwin Sánchez puede verse en la siguiente
dirección:

http://www.youtube.com/watch?v=ggCO8VeiQzk

Orden de las obras:

-Ejercicio de sustracción.
-Laberintos de Zeus.
-Ejercicio de anulación.
-Clases de cuchillo.
-La capacidad de apropiación del artista contemporáneo.
-Desapariciones.

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