Biblioteca 2007.05.30

Versión 1.
0 – Mayo 2007
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Índice
1. Tutoriales
1.1. General
1.1.1. Materiales y preparación de la miniatura pág. 5
1.1.2. La teoría del color y su aplicación al pintado de miniaturas pág. 11
1.1.3. Generalidades sobre pinceles pág. 19
1.1.4. Generalidades sobre aerógrafos. Por Pepa pág. 23
1.2. Pintura
1.2.1. Lijado e imprimación de miniaturas. Por J.C. Jiménez pág. 95
1.2.2. Planos de sombra. Por Alex, Basajaun y Banshee pág. 101
1.2.3. Pintado de caras. Por Banshee y Weishaupt pág. 103
1.2.4. Pintar en cueros. Por Gloom pág. 113
1.2.5. Cómo pintar Negros. Por Misterfinn pág. 121
1.2.6. Cómo pintar Blancos. Por Misterfinn pág. 127
1.2.7. Metales No Metálicos: Plateados pág. 133
1.2.8. Cómo pintar veladuras. Por ElroI pág. 137
1.2.9. Cómo pintar mármol. Por Karaikal pág. 145
1.2.10. Cómo usar pigmentos MIG. Por Pea pág. 147
1.3. Escultura
1.3.1. El arte de esculpir miniaturas. Por Ramon Laan pág. 149
1.3.2. Cómo modelar una cabeza. Por Freeman pág. 173
1.3.3. Cómo modelar una mano. Por Banshee pág. 191
1.4. Escenografía
1.4.1. Cómo construir un edificio en ruinas. Por Javi pág. 199
1.4.2. Cómo construir un terreno nevado. Por Devil pág. 203
1.4.3. Cómo construir un terreno acuático. Por Devil pág. 212
1.4.4. Cómo construir un terreno arbolado. Por Devil pág. 217
2. Paso a Paso
2.1. Pintura
2.1.1. Brujita de Reaper. Por Alex Cross pág. 235
2.1.2. Lathiem hoja de roble 40mm. Por Basajaun pág. 267
2.1.3. Freehands en un escudo. Por Bermeano pág. 277
2.1.4. Estandarte de un caballero negro. Por Cruasán pág. 281
2.1.5. Técnica combinada de aerógrafo y pincel. Por Gilgamesh pág. 285
2.1.6. Lady Chinese. Por Pepa pág. 299
2.1.7. Pintado de un vehículo especial. Por Javi pág. 343
2.2. Escultura
2.2.1. Battle Series: Volgor 30mm. Por Freeman pág. 361
2.2.2. Battle Series: Drunegar 30mm. Por Freeman pág. 367
2.2.3. Battle Series: Ithrandir 30mm. Por Freeman pág. 375
2.2.4. Battle Series: Beelphegor 30mm. Por Freeman pág. 381
2.2.5. Battle Series: Ainariel 54mm. Por Freeman pág. 385
2.2.6. Battle Series: Horthak Black Crow 54mm. Por Freeman pág. 393
2.2.7. Battle Series: Leogante 54mm. Por Freeman pág. 409
3. Taller
3.1. Taller Ithrandir pág. 423
3.2. Taller Beelphegor pág. 485

Tutorial: Guía de pintura de miniaturas de fantasía.

Parte I: Materiales y preparación de la miniatura por Manumilitari
Por Manumilitari de TeamToulouse Creation
Articulo publicado en la revista RAVAGE (Francia)
Traducido por Óscar Márquez Villanueva (Mougly)
-Entonces, ¿como pintas?

-Con pintura y un pincel…
-Si pero, ¿cuales?
1.- Introducción
Como primer articulo de la serie de paso-a-paso de las principales técnicas sobre la pintura
de fantasía, éste trata sobre los materiales necesarios para pintar y preparar la miniatura
antes de coger el pincel.
Todos los artículos de esta serie usaran el mismo código:
-> Básico o técnicas y materiales para principiantes (Primeros paso-a-paso, pintar

grandes cantidades de minis para ejércitos, etc.)
-> Avanzado o técnicas y materiales para nivel amateurs (Miniaturas de exposición,
personajes especiales de ejércitos o de unidades…)
-> Experto o técnicas y materiales de especialista (Miniaturas para competición por
ejemplo)
2.– ¿Para quien? y ¿Por qué?
Estos artículos, la mayoría van dirigidos a los principiantes que son completamente nuevos
en el hobby o que quieren mejorar sus técnicas básicas. Pero además también van
dirigidos al público amateur. Algunos de estos artículos presentan técnicas avanzadas que
requieren un nivel avanzado de pintura. Por eso, todo el mundo puede coger una idea de
qué es posible.
Ten presente que cada técnica se adapta a un nivel y a un resultado específico. No trates
de saltarte los pasos importantes, todo llega a su debido tiempo. No intentes una técnica
de nivel amarillo hasta que hayas comprendido y dominado las técnicas de nivel verde. No
te lances a imaginar proyectos complicados hasta que no domines completamente el
tema. No te compres un Aerógrafo si nunca has tocado un pincel.
Y finalmente, no pienses que la habilidad técnica es la parte más importante. Exprésate a ti

mismo a través de la pintura, prueba esquemas originales, y trabaja para hacer tu
atmósfera especial. Hay un artículo anterior sobre esto que puede ayudarte.
Tutorial: Materiales y Preparación de la Miniatura, por Manumilitari

Artículo original publicado en la revista RAVAGE. Traducido por Óscar Márquez Villanueva (Mougly)
3.– El material
Todos los precios son solo ejemplos, variaran por supuesto en el tiempo y de unas tiendas a
otras. La mayoría de ellos están cogidos del catálogo de Starplayer.
Materiales Básicos para principiantes:
(1).- 1 Un pincel barato de 0 o 1 (3 €).
(2.-) De 5 a 10 botes de pintura acrílica

(negro, blanco, rojo, amarillo, azul, marrón
oscuro, marrón claro, arena, piel, dorado y
metal) (2€20 por bote).
(3).- 1 tubo de pegamento de contacto

(Superglue 3, Recomiendo el bote triangular
de 5gr.) (5€).
(4).- 1 Cutter (5€).
(5).- 1 Paleta (Una baldosa, Bandeja de poli-estireno, trozo de plástico, la tapa de un helado,
etc.) (Gratis)
(6).- 1 Vaso de cristal o plástico (Gratis de la despensa, al lado de los platos de plástico)
- 1 Rollo de papel de cocina (Gratis, de la despensa de la cocina)
- 1 Lámpara (Gratis, no vives en la oscuridad).
Esto es lo esencial, con lo que podrás empezar, pero tan pronto como quieras mejorar tu
trabajo, necesitaras algo más…
Material recomendado (para añadir al set básico):
(1).- 1 Pincel de marta, o 1 buen pincel

Raphael 8404 o8408, tamaño 1 (o 2) (3 por
10€).
- 1 lámpara con luz de día (Luz de día,

bombilla de 100W o un tubo fluorescente)
(de15 a 50€)
(3).- Una docena de colores extras,

dependiendo de tus esquemas de color
favoritos (2,20 € por bote)
(4).- 1 tenazas de corte de modelismo (con un lado plano) (6,20€)
(5).- 1 Cutter o escalpelo de modelismo (3€) + cuchillas extras (2€ por 5)
(6).- 1 Mini taladro de mano (4,80€) con brocas de 1mm y más pequeñas (8,20€)
(7).- Clips de los de toda la vida (gratis en el fondo de cualquier cajón)

(8).- Una lima pequeña o papel de lija fino (3€)
(9).- Un tubo de cola blanca de carpintero o PVA (5,90 €)
(10).- Un bote de Milliput (7€) o Masilla verde (5,90€)
(11).- 1 bote de spray Blanco GW (8€)
(12).- 1 bote de spray Negro GW (8€)
- 1 rollo de papel de horno (Gratis de la cocina)
- Unas gotas de líquido de lavavajillas (El Fairi de la cocina)
- Un bote de acetona o de esmalte de uñas (3€ o gratis del baño)
- Césped estático, piedras pequeñas, arena, liquen, corcho, poliestireno, restos de matriz de
minis viejas etc… para las bases. Puedes comprar todo esto o conseguirlo en la calle
(excepto el césped estático, pero puedes comprarlo entre colegas y repartirlo)
Los siguientes materiales son perfectamente accesorios para la mayoría de lo pintores,

solo decir que son la guinda del pastel.
(1).- Un Set de mini-sierras para

colocarlas en el mango de la cuchilla de
modelismo (No son fáciles de encontrar)
- Unas tenazas extra (Te convendrá

usar solo unas para metal y otras para
plástico…) 6,20€
(2).- Un Set de colas de ratón (5,60 €)
(3).- Herramientas de dentista (10€) y

herramientas para esculpir (11€)
(4).- Retardante acrílico Pebeo (5,80 €)
- Médium acrílico Pebeo (5,80 €)
- Un jabón de manos para limpiar tus pinceles (Gratis del baño)
(5).- Una tercera mano (9€)
(6).- Un mini taladro (Dremel o de otra marca) y sus herramientas (30 a 120€)
(7).- Un aerógrafo (100 a 150€) y un compresor (150 a 250€). (Le echaremos un vistazo a los
posibles usos del aerógrafo un poco más tarde, pero para detalles nos tomará mucho
tiempo)
(8).- Una mini lijadora (6,90€)

4.- Preparación y montado de las minis.
El método rápido y sucio:
Saca la mini del embalaje y separa las piezas de la matriz (si es necesario) con un cutter.
Elimina las rebabas más visibles con el cutter (¡Peligro! Mira tus dedos, los cutters están
muy afilados, ¡ten cuidado con ellos!). Pega las piezas juntas con superglue si la pieza viene
en diferentes partes y luego pégala a la base. Dale una base de blanco a pincel o a spray
(20 a 30cm de distancia, al aire libre y protegido del viento) a tu figura para darle una capa
base.
Esta es la peor manera de preparar tu mini, y probablemente sentirás la necesidad de

después de un tiempo acercarte a un método mas pulcro y resistente.
Haciéndolo correctamente:
Saca la mini de su embalaje y separa las diferentes

parte de la mini (si es necesario) con las tenacillas.
Con cuidado elimina todas las rebabas con una lima
fina o con una lija fina.
Elimina la barra de debajo de la mini con las

tenacillas. Peligro: Antes de quitar la barra de debajo
de la mini, córtala en dos partes mientas sujetas por
los pies.
Ahora es el momento de anclar la figura. Esta parte

es muy importante. Sin los anclajes la figura será
muy frágil. Haz un agujero pequeño en cada parte a
montar con el taladro de mano, si usas un mini-
taladro eléctrico puede que estropees algo
fácilmente. ¡Ten cuidado de que los agujeros estén
uno frente al otro para que las piezas encajen! Los
agujeros deben tener el mismo diámetro que los
clips, y lo suficientemente profundos para introducir
un trozo del clip, ten cuidado de no atravesar la
figura. Ahora corta el clip, cuidando de que no sea
muy largo y comprueba que todo encaja perfectamente sin pegar nada todavía. Si todo
está perfecto, pon una gota de superglue en cada agujero y en cada una de las superficies
y monta las partes

Añadir un Pin a cada pie te permitirá que la puedas sujetar fácilmente y que la coloques en
su peana sin problemas después de pintarla. Dale una capa base (imprimación) a tu mini.
Procura llegar a todos los detalles de la figura. Al pintar una capa base la pintura agarrará
mucho mejor y además eliminará el color gris del metal y se apreciarán más los pequeños
detalles. La capa base puede ser blanca o negra, aplicada con pincel o con spray. Muchos
pintores prefieren el spray porque ahorra tiempo y si colocas el bote de spray a unos 20 o
30cm la capa base será fina y cubrirá completamente. Imprimar en negro o en blanco va
por gustos, prueba los dos y elige con el que mas cómodo te sientas. Yo personalmente
prefiero imprimar el blanco en la mayoría de los casos, porque muchas pinturas no son
completamente opacas y no cubren bien la imprimación en negro. La imprimación en
negro puede ayudar si suponemos que el esquema de color será oscuro.
Y si eres un profesional…
Las partes se pueden limpiar con agua templada y jabón antes de imprimar. Esto ayuda
mucho si las figuras son de resina o de plástico, porque están impregnadas de una grasa y
ayudará a que la imprimación agarre perfectamente. Para obtener una imprimación fina y
regular, se puede usar un aerógrafo. Los pequeños desperfectos o daños accidentales se
pueden reparar son masilla verde o Milliput, o incluso esculpir nuevos elementos. El
propósito de este artículo es explicar técnicas de pintura, no nos adentraremos en el
mundo de la escultura.
5.- Empezar desde el desastre.
Arruinar una figura completamente puede suceder (¡si!,

puede). Si tu miniatura es de metal, puedes dejarla a
remojo en un vaso viejo lleno de acetona (¡no aspires
sobre el vaso!) y eliminar la pintura con un cepillo de
dientes (¡uno viejo!). Si no tienes acetona, roba algo de
quitaesmalte de uñas a tu novia/madre/hermana.
Si tu mini es de plástico o de metal… estas de suerte...
Puedes probar otras técnicas experimentales como limpiadores de horno o retenedores de

fluido (pon tu mini en una bolsa con el producto durante una horas antes de cepillarlo) pero
personalmente no he probado estas técnicas. En cualquier caso, ten cuidado. Para reparar
pequeños errores o accidentes, puedes limpiar una zona pequeña de la figura con la mini-
lijadora.
6.- Conclusión.
Buenas herramientas proporcionan buenos resultados.

Siempre puedes trabajar con un cuchillo un poco de
pegamento, pero te llevará un montón de tiempo, te
harán las cosas más difíciles y, por supuesto, más
peligrosas para ti cuando trates de cortar las partes de
metal con una herramienta-para-todo. Una miniatura
bien preparada significa buena condiciones para el
pintado. Por lo tanto, prepara bien la figura, elimina el
pegamento extra y las rebabas y tendrás mayor
posibilidad de obtener una mini para exponer en tu vitrina o en la mesa de juego.


Tutorial: La teoría del color y su aplicación en el pintado de

miniaturas
Por Manumilitari de TeamToulouse Creation
Articulo publicado en la revista RAVAGE (Francia)
Traducido por Óscar Márquez Villanueva (Mougly)
- “¿Qué es el color? ¿Cómo trabajan los colores? ¡Qué fácil! Los colores son… ellos
sólo… ¿y a quién le importa? ¡Yo todo lo pinto en rojo, azul y amarillo!”
Esta es una introducción a una serie de artículos paso a paso de las técnicas más
populares en el pintado de miniaturas. Comenzaremos con la parte más teórica del color
porque, está claro, pintar miniaturas es algo más que ser bueno dando sombras y luces.
Todo se reduce a darle a la miniatura cierta atmósfera, personalidad, darle vida. Y todo
esto depende de la elección de los colores. Puedes aplicar estas nociones mientras lees
este artículo para comprender absolutamente esta parte teórica que puede parecer
compleja de abordar. A lo largo de este artículo, usaremos vocabulario específico sobre al
teoría del color, las definiciones están subrayadas, por lo que podrás encontrarlas
fácilmente.
1.- Introducción, acercándose al color, o adquiriendo “conciencia” del color
Aunque gran parte del texto que sigue es muy teórico (al menos la descripción científica
sobre el uso del color) no olvides que en la práctica la sensibilidad del pintor es mucho más
importante.
Lo primero que hay que hacer es deshacerse de todas las ideas preconcebidas y mirarte
con nuevos ojos. La observación es la clave para todos los pintores. ¿De qué color es un
árbol? El sentido común te dirá “¡Verde y marrón por supuesto!”, Estupendo… Pero si miro
por mi ventana, puedo ver un árbol con una luz gris en el tronco y con hojas con un verde-
grisáceo frío, otro con un gris calido en el tronco y las hojas casi púrpuras, y mas lejos
todavía puedo ver hojas verde-amarillentas… Mira a tu alrededor, metales, ropas,
animales… Todo parece muy simple, pero miramos a todo esto sin verlo del todo.
Observando y analizando un poco, podrás abrir la puerta al universo del color infinitamente
más rico que los típicos rojo-brillante-pegado-al-azul-primario.
Entonces, ahora que tus Chakras están abiertos de par en par, hermano, déjanos empezar
con la teoría pura. Pero avisamos, para entender las cosas fácil y claramente, no
profundizaremos necesariamente en todos los detalles y excepciones
2.- ¿Que es el color?
El color se define con tres conceptos: Tono, brillo y saturación.
Tono es la parte más fácil de entender. Todos sabemos decir “este color es más verde, rojo,
azul o naranja…”
Tutorial: La teoría del Color y su aplicación al pintado de miniaturas, por Manumilitari

Brillo (o Valor, o Luminosidad) es también fácil de entender: ¿es color que es claro u oscuro?
Con estos dos conceptos definidos, estamos preparados para aprender un poco mas sobre
el color: Por ejemplo, es un rojo oscuro o un azul claro. Pero necesitamos mas para acceder
a toda el rango de colores… Saturación
La noción de saturación es más difícil de pillar. Un color saturado será “brillante”, mientras
que lo contrario será “apagado”, acercándose a una sombra agrisada.
Sigamos, debemos saber lo importante que es saber como usa la saturación para crear la
armonía de color o para mezclar colores de sombra, por ejemplo.
Puedes “des-saturar” un color que parezca muy luminoso de tres maneras:
- Añadiendo negro o blanco (Esto también cambia el brillo)

- Añadiendo gris de la misma luminosidad
- Añadiendo el color complementario (ver mas abajo…)
3.- El círculo cromático
El círculo cromático es una herramienta esencial para entender cómo trabajan los colores
entre sí, por separado o cuando se mezclan.
Cálido
Frio
P = Primario
S = Secundario
El círculo cromático básico muestra el tono del color (Se muestra en un círculo simple). Los
círculos más elaborados añaden luminosidad y saturación. (Se muestran como un disco
completo) o los tres a la vez (Presentados en una esfera o un cilindro)

Para crear el círculo cromático, lo primero que hay que añadir son los colores primarios.
Los colores primarios son aquellos colores que no se pueden obtener mezclando otros, y
cuando se mezclan se pueden obtener todos los demás colores. Hay tres: Amarillo primario,
cian y magenta. (Atención: Estos son los colores primarios en pintura, los colores de tu
ordenador o tu pantalla de TV son luces y no pigmentos. Los colores primarios de luz son,
rojos, verdes y azules y no obedecen a las mismas reglas.)
Seguimos, en medio de los colores primarios, están los colores secundarios que se obtienen
mezclando los colores primarios de cada lado. Los colores secundarios se crean mezclando
dos colores primarios. Hay también tres colores secundarios: naranja (rojo + amarillo),
púrpura (rojo + azul), y verde (azul + amarillo).
Podemos continuar de esta manera y añadir colores intermedios mezclando los primarios
con los colores secundarios adyacentes (Naranja + Amarillo, por ejemplo) pero hagámoslo
simple, pararemos aquí.
Ahora tenemos una herramienta que nos ayudará a entender como mezclar los colores
que queramos, pero además nos ayudará a distinguir colores fríos y calidos y los colores
complementarios. Los colores fríos y calidos se pueden separar cortando el circulo por la
mitad. La mitad que va desde el verde al violeta serán colores fríos. La mitad que va desde
el rojo al amarillo serán calidos. El verde se considera un color frío, pero el verde que
contiene más amarillo que azul será “verde calido” y el que contenga más azul que amarillo
será un “verde frío”.
Nuestro círculo también nos muestra una manera fácil de sacar colores complementarios.
Los colores complementarios son aquellos que se encuentran uno en frente del otro en el
círculo, como el verde y el rojo o el azul y el naranja. La noción de los colores
complementarios es muy importante. Como vimos antes los podemos usar para desaturar
un color como veremos más adelante, se pueden usar para crear un tono de sombra, o
para crear contraste cuando elegimos un esquema de color.
Es aconsejable encontrar un círculo cromático e imprimirlo para tenerlo a mano mientras

pintamos.
4.- Contraste básico de color
El contraste se puede definir como sigue: En la percepción visual, el contraste es la

diferencia en las propiedades visuales que hacen un objeto (o su representación en la
imagen) distinguible sobre otro objeto y el fondo. (Wikipedia) Por ejemplo, en una imagen en
blanco y negro, un contraste muy fuerte significará que se usan negros oscuros y blancos
claros de lado a lado. Por otro lado una imagen con un contraste bajo harán que la imagen
tenga un tono grisáceo.
En pintura, hay 7 contrastes de color. Esto significa que hay 7 maneras de crear un fuerte
impacto visual con una miniatura. Algunos de estos contrastes pueden producir un
resultado muy coloreado, incluso chillón. Desearemos efectos mas sutiles (volvemos a la
“conciencia de color” que vimos anteriormente).
*Contraste de color puro: Un contraste muy violento se puede obtener usando colores
puros (Saturados al máximo) adyacentes. Este efecto es mas visible cuando se usan colores
primarios. En mi humilde opinión, esta opción debe ser excluida todo lo posible porque
daría un efecto chillón... y desafortunadamente es un error muy común.

*Contraste de claro-oscuro: Jugar con la diferencia entre las zonas muy claras y las zonas
muy oscuras es una muy buena forma de crear contraste para tu miniatura. Esto puede
hacerse usando sombras oscuras y luces brillantes, o por zonas con diferente luminosidad
(pieles claras y ropas oscuras, por ejemplo)
*Contraste simultáneo: Cuando una zona gris se coloca junto a un color saturado, éste
tiende a coger indirectamente el color del color complementario. Si un rojo brillante se
coloca junto a un gris natural, este parecerá frió y ligeramente verde. Del mismo modo un
color frío parecerá más frío si se coloca junto a uno calido. (Ver mas abajo)
*Contraste Frío-Calor: colocando colores cálidos y fríos uno junto al otro se creara un fuerte
contraste. Interesante, pero difícil de aplicar manteniendo la armonía de color.
*Contraste de calidad: Una manera muy buena de iluminar zonas especificas de la

miniatura para armonizar algunos colores. El contraste de calidad consiste en colocar
colores saturados y desaturados uno junto al otro. Este contraste sólo funciona si los
colores desaturados son los predominantes.
*Contraste de complementarios: Utilizando colores complementarios en la misma escena

se creará un contraste muy violento (rojo/verde, amarillo/púrpura…) que es difícil de
dominar y armonizar. Cuando se usa correctamente, esto dará a tus colores una
profundidad y riqueza sorprendentes, dosificando cuidadosamente la saturación de tus
pinturas y la cantidad de superficie que se cubre con cada complementario. Por otro lado,
si se usa en cantidades grandes, los colores complementarios darán a tu mini un ligero
toque a casa de las afueras decorada de Navidad, ¡luces “flasheando” y abundantes nomos
de jardín!
*Contraste de Cantidad: Si se usa con otros contrastes, como el complementario, calor-frío

o contraste de calidad, el contraste de cantidad significa una combinación de grandes
superficies pintadas con colores de diferentes tonos, temperatura o saturaciones y
superficies pequeñas con colores contrarios.
Esto puede parecer muy abstracto, déjame enseñarte como aplicar estas nociones en
práctica.
5.- Cómo elegir colores para tus miniaturas
Antes de tocar un pincel, es importante que observes bien tu miniatura y decidas una
personalidad y una atmósfera… ¿Qué personalidad crees que tiene este personaje? ¿Dónde
vive? ¿Qué está haciendo? ¿Qué hora es? ¿Qué tiempo hace? Estas cosas tienen que estar
claras para dos cosas solamente: La base (Que trataremos en un articulo posterior) y el
colorido
Si no estás muy seguro de esto, aquí tienes una receta que funciona bien: Elige en color
principal para la miniatura. Éste será el color a utilizar en la mayoría de las superficies. Éste
será el tono principal. Luego elige otro color, que no sea su complementario y que vaya
bien con el color principal. Este color se usará para superficies más pequeñas. Finalmente,
elige un tercer color, que puede ser complementario de uno de los otros dos. Este color solo
se utilizará para detalles importantes (gemas, por ejemplo).
Asegúrate de que has entendido completamente la teoría que acabamos de ver, y esto te
saldrá automáticamente y te ayudará a añadir atmósfera a tus miniaturas.
Aquí tienes unos cuantos ejemplos:
Black paladin (by Manuel Sanchez).
Contraste principal usado: Frío-calor, cantidad, calidad.
El contraste de frío calor (rango de la armadura desde

el azul púrpura hasta el rojo marrón) y el contraste de
calidad (las gemas azul brillante y los ojos, opuestos a
la armadura gris apagado) se usan para dar impresión
de una luz gris fría en un tiempo de invierno
tormentoso. El contraste de cantidad realza los detalles
de azul brillante y provee al personaje de una
personalidad de despiadado monstruo helado.
Griffon magistrate (by François-Xavier Delgendre)
Contraste principal utilizado: Frío-Calor.
Un excelente ejemplo de tono cálidos (desierto base,

arena y tonos dorados en el personaje) y fríos
opuestos. (En el uniforme azul). Esto realza la cualidad
de “extranjero” del personaje en esta situación, y la
atmósfera de sol brillante en la escena.

Emperor's champion (par Thomas David):
Contraste principal utilizado: Sombra-luz.
Aquí, Thomas David nos ha pintado una mini muy

eficiente únicamente en tonos negros y blancos. Por
supuesto el contraste claro-oscuro es el único usado
aquí, es un ejemplo perfecto.
Marines with heavy bolter (Manuel Sanchez).
Contraste principal utilizado: Complementario, cantidad,

calidad, claro-oscuro
Quise crear una atmósfera oscura, una escena nocturna,

o bajo un cielo oscuro. Traté de hacerlo usando colores
muy luminosos saturados para las luces y sombras, y
colores desaturados para el resto de la figura (contraste
de claro-oscuro, cantidad y calidad). La armadura verde
es sistemáticamente desaturada con un rojo-marrón; el
oxido y las sombras están tratadas con los mismos
colores para enriquecer y dar profundizad al color
(Contraste complementario). Las tuberías de alrededor de
la base también están pintadas en rojo-marrón
(Contraste complementario y cantidad).

Ultramarine Veteran (François-Xavier Delgendre).
Contraste principal utilizado, color puro y calidad.
Y un buen ejemplo-muestra para acabar, sólo para

probar que no necesitas escuchar todo lo que digo.
Personalmente recomiendo a todo el mundo no usar los
tres colores primaros en la misma figura (contraste de
color puro) pero aquí Fix ha hecho una buena miniatura
con el clásico esquema GW. El amarillo sin embargo es
un color muy desaturado. Es la base, en un gris natural,
la que pienso que baja toda la pieza (Contraste de
calidad) y proporciona a la mini una buena atmósfera y
un resultado satisfactorio.
6. – Ejercicios propuestos.
Puedes probar a pintar sin restricciones, para entender completamente y dominar lo que
hemos estado hablando. Por ejemplo, hazte una paleta con solo negros, blanco y los tres
colores primarios y trata de pintar tu figura solo con esos colores.
Con la misma paleta que en el ejemplo anterior, ponte el objetivo de conseguir el mismo
resultado final sin rojo, azul, amarillo en ella.
7. – Conclusión.
Tomate tu tiempo en afianzar estas teorías, poco a poco. Hazte tu propia idea de la
graduación del color: Empieza pintando colores desaturados, o con esquemas simples con
un color principal llamativo y colores neutrales para los accesorios (arena, marrón, gris…)
que serán más fáciles de asociar. Luego puedes trabajar a tu manera los colores brillantes,
en sitios pequeños, o añadiéndolos gradualmente a media que ganes confianza.
Finalmente, espero que este artículo sea de ayuda, pronto encontraras más artículos que
explicaran las principales técnicas paso a paso, para aprender a pintar, o perfeccionar tu
habilidades. Gracias a Thomas David y a François-Xavier Delgendre (Fix) por darme permiso
para utilizar su trabajo.
Manuel "Manumilitari" Sanchez

Team Toulouse Création.
Traducido por Mougly para www.spanish-team.com


Tutorial: generalidades sobre pinceles por J.C. Jiménez

Aunque el tema de los pinceles es bastante personal, mis conocimientos y experiencia
probando muchas marcas y modelos es bastante clara. La resumo aquí.
0. Introducción
A la hora de pintar miniaturas, nuestro arma infalible y principal herramienta es el pincel,

por eso y ya que es el elemento más importante de todo el proceso de pintado hay que
prestar especial atención en su elección y compra.
Muchos principiantes creen que cualquier pincel es igual que otro y en muchos foros y
grupos se oyen cosas como: "el mejor pincel es el más fino". Aunque esto encierra parte de
conocimiento, es una afirmación del todo errónea basar la elección del pincel única y
exclusivamente en este factor. Y cuando los pinceles son de altísima calidad, basarse en
este criterio también es un error, ahora iré explicando por qué.
1. Tipos de pinceles según su pelo
Según el tipo de pelo del pincel se pueden considerar dos grupos: los pinceles de pelo
natural y los pinceles de pelo sintético. Básicamente las diferencias entre ambos son las
siguientes: los pinceles de pelo natural tienen una punta sencilla muy flexible pero menos
duradera. Por el contrario los pinceles de cerdas sintéticas poseen varias puntas llamadas
"puntas hendidas" y aunque son menos flexibles son más duraderas.
Indudablemente, los pinceles de pelo natural tienen muchísima más calidad que los de
fibras sintéticas y por supuesto son más caros.
Los animales cuyo pelo se emplea en la fabricación de pinceles son muchos: ardilla, turón,
oreja de buey, lobo, cabra, espina dorsal del cerdo... Pero sin duda los de mayor calidad son
los pelos de cola de marta (y con esto voy a satisfacer la curiosidad de muchos).
La marta roja Kolinsky es un animal que vive en el norte de Siberia y Mongolia. Proporciona
el pelo de mejor calidad para los pinceles de acrílicos. Este pelo garantiza un gran poder de
absorción de agua y pintura, una excelente elasticidad que permite que el pelo vuelva
siempre a su forma original y posee gran resistencia que garantiza su larga duración. Su
capacidad de absorción de agua permite pintar grandes superficies, y las características
Tutorial de generalidades sobre pinceles de Juan Carlos Jimenez

Artículo original en el foro del Spanish Team: http://www.spanish-team.com/foro/viewtopic.php?t=2543
del mechón de pelo de marta que posee una punta afilada permite la realización de
trabajos detallados, incluso para finos trabajos de pintura al óleo.
2. La virola y el mango
La virola o férula de un pincel es la parte (normalmente metálica) que sirve para unir el
mango con los pelos del pincel. Sobre ella podemos decir que es deseable que sea de algún
metal inoxidable. Las que corresponden a los pinceles más baratos son de lata y llevan
junta de soldadura. Otra calidad son las de aluminio sin soldadura. Los pinceles de mejor
calidad como Windsor & Newton, Rembrandt y Van Gogh, disponen de una férula
inoxidable de latón niquelado sin soldadura. El óxido de las virolas oxidables con el paso del
tiempo puede arruinar el perfecto estado del pincel.
El mango perfecto de un pincel depende del peso, la forma, la distribución y la comodidad,

que puede variar con el tamaño y la función del pincel. Suele ser de madera e ir barnizado
o lacado para que no le dañen los esmaltes. Para la pintura con acrílicos es más cómodo
usar un pincel de mango largo que nos permita tanto cubrir grandes porciones de
miniatura sin mover la mano como trabajar en detalle sobre una zona muy pequeña.
3. La punta del pincel
Sobre la punta del pincel son deseables dos factores importantísimos. El primero que la
punta sea finísima y no se abra con el uso o el paso del tiempo (esto se puede probar
fácilmente humedeciendo el pincel ligeramente en agua o en la propia boca y pintando
sobre nuestra mano). Si conserva perfectamente la punta y no se abre es un buen pincel.
Además es deseable que tenga la capacidad de cargar mucha cantidad de pintura para
poder pintar durante más rato antes de volver a cargarlo en la paleta.
El pincel perfecto es el que además de tener una

punta perfecta, tiene un haz de pelo muy largo y
ensanchado todo lo posible hacia la virola (siempre
que este ancho no nos llegue a molestar al meter el
pincel en algún recoveco), ya que así tenemos la
punta idónea y además tiene mucho espacio donde
cargar pintura con la que podremos estar más rato
sin recargarlo. Nos referimos a un haz de pelo con
una forma como la de la foto de la derecha.
En el mango del pincel suele ir grabado un número que hace referencia al tamaño del haz
de pelo. Normalmente suelen ir desde el 000, 00, 0, 1, 2, ... hasta el 10 o más. Con respecto a
lo que decíamos antes de que hay mucha gente que dice que los doble cero, triple cero o
ocho mil cero son los mejores pinceles, están muy equivocados. Es cierto que esos pinceles
tienen una punta finísima, pero la capacidad de carga de pintura que poseen es casi nula
haciendo muy frustrante tener que ir a cargar el pincel cada vez que das un toquecito
minúsculo.

He visto durante muchos años pinceles del 1 y del 2 con una punta igual o más afilada y
fina que muchos 000 de otras marcas (entre las que incluyo Citadel). Incluso en momentos
de necesidad he llegado a tener que pintar un 28mm (incluidos ojitos) con un 2 de la marca
Scoda sin ningún tipo de problema.
4. Conclusión final y elecciones personales
Los pinceles que yo siempre uso para pintar miniaturas y con los que nunca he tenido
ningún problema sino pura satisfacción son los que reúnen estas condiciones.
En concreto para mí los mejores son los Windsor & Newton de la serie 7 para miniaturas,
referencias 5012001 a 5012006 (como dice un amigo, son los Rolls Royce de los pinceles).
Hace bastantes años decidí darme el capricho y comprar un juego de pinceles de esta
marca y hoy día sigo usando los mismos y siguen perfectos como el primer día. En
concreto uso el 0, el 1 y el 2. No necesito más que estas tres numeraciones para cualquier
detalle o superficie que pinte en miniaturas que van desde 28mm hasta 120mm y bustos. El
único problema es que son muy caros (los del 0 al 2 oscilan entre los 10 y 15 euros por
pincel, como ejemplo el pincel del 12 cuesta unos 100 euros)
Si preferimos gastarnos menos dinero, la mejor

relación calidad/precio que conozco son los
pinceles de la marca catalana Escoda serie Azul
(misma numeración 0, 1 y 2), que podemos
encontrar en casi cualquier tienda de manualidades
a un precio más económico (de 2 a 3 euros por
pincel). Esta misma marca tiene una serie marrón
(Tajmir) de mayor calidad que la anterior (de 3 a 4
euros por pincel).
Un pincel Escoda #10 con una punta perfecta:
Finalmente incluyo aquí algunos comentarios sobre otras marcas de pinceles:
-Los da Vinci son algo caros, pero de una calidad excelente, aunque su duración es menor.
-Los Casa Pontes, vendidos en este popular establecimiento madrileño son usados por
algunos de los grandes maestros de la miniatura histórica. David Mencia los usaba
exclusivamente y los recomienda y desde luego son los mejores en relación calidad-precio
aunque creo que sólo se venden allí.
-Los Windsor & Newton. Carísimos, pero inigualables. Para el que pueda permitírselos, la
mejor elección.

-Los Raphael, de alta gama, como los W.N. y los da Vinci, pero menos duraderos y,
personalmente, de punta más basta.
-Los Isabey, pinceles casi eternos, si se cuidan con esmero. Tienen un pelo excelente y son
prácticamente equiparables a cualquiera de los de calidad superior.
5. Limpieza y conservación de los pinceles
De nada sirve todo lo que he dicho si no conservamos los pinceles en perfecto estado. Al
terminar siempre una sesión de pintura, no olvides limpiar bien los pinceles con agua tibia y
jabón, frotarlos suavemente contra la palma de la mano para retirar la pintura que queda
en la base ya que si no se acumula, se endurece y con el tiempo te quiebra todo el pincel.
Siempre se les pone la capuchita y al bote de los pinceles. Y por supuesto, no los dejéis en
remojo apoyados sobre el pelo, jamás.
Un pincel es como un compañero de viaje, escogedlo bien...

Tutorial: Despiece del Ab 300 por Pepa
1. Despiece de un aerógrafo AB 300.
El despiece que podéis ver a continuación es el de un aerógrafo del tipo AB 300. Este dibujo
no es mío, lo encontré publicado en varios sitios de la red con lo que es justo decir que no
se quién es el autor (si alguien lo sabe le agradecería que me lo comentase). No lo he
puesto tal y como es, si no que lo he modificado un poco y he adaptado la lista de
componentes para que sean los mismos que los de un aerógrafo de este tipo.
Este modelo de aerógrafo es el más usado por los modelistas y es muy probable que la
mayoría de vosotros tenga uno igual o similar, así que creo que es el más adecuado para
mostrar su despiece y, en sucesivos post, cómo se desmonta, se limpia y luego se vuelve a
montar uno de ellos.
Para familiarizarnos un poco con él, a continuación os explico este despiece:
1. Boquilla: También llamada corona. Sirve principalmente para proteger la aguja, además
de regular la rociada para que el cono de pintura no se extienda demasiado. Puede tener
forma de tubo circular, o cónica (con o sin orificios en los laterales) o, en algunos modelos,
forma de estrella. Debe de estar limpia para que el trazo sea limpio y sin salpicaduras.
Cuando la pintura se acumula en los bordes, el aire a presión puede hacer que nos salte
sobre lo que estamos pintando.
2. Cabezal: Pieza que protege el pico del aerógrafo de posibles roces.
Tutorial sobre Aerógrafos: Piezas y Desmontaje, por Pepa
Artículo original en: http://lafabricaroja.com/foro/viewtopic.php?t=1845
3. Boquilla de salida o pico del aerógrafo: Es una de las partes más delicadas y frágiles. Por
ella pasa la aguja que es la que regula el paso de la pintura. Suele ensuciarse fácilmente y
hay que limpiarla frecuentemente para evitar atascos. Debemos tener mucho cuidado al
limpiarla.
4. Cuerpo del aerógrafo: En su interior se produce la mezcla de aire y pintura (en este tipo
de aerógrafos), es de una sola pieza y bastante resistente.
5. Gatillo: Sirve para regular la proporción aire-pintura al presionar hacia abajo y tirar hacia
detrás. Si presionamos en posición adelantada, sólo saldrá aire. Si tiramos hacia detrás,
sólo bajará la pintura. Si presionamos hacia abajo y lo desplazamos hacia detrás saldrán
aire y pintura a la vez (Si fuese un aerógrafo de acción sencilla, sólo podremos presionar
para la salida del aire ya que este tipo de aerógrafos no permiten regular la cantidad de
pintura sobre la marcha, hay que ajustarla antes de empezar a pintar).
6. Palanca del gatillo: Cuando desplazamos el gatillo hacia detrás, esta pieza hace que se
desplacen otras, creando una acción interna que desplaza la aguja hacia detrás para que
la pintura pueda bajar hacia el pico.
7. Aguja: Es una de las partes más delicadas del aerógrafo ya que hacia la punta es muy
fina. Hay que manejarla con mucho cuidado para evitar que se doble. Si esto pasa el trazo
no será regular y limpio y con toda seguridad nos romperá la boca del pico dejándolo
inservible. (la aguja se puede enderezar si no está muy doblada, hay un truco para eso)
8. Soporte de la aguja: Es una pieza en forma de pistón hueco. La aguja pasa por su interior.
Es esta pieza la que el gatillo desplaza hacia detrás cuando tiramos de él y, a su vez, hace
que la aguja también se desplace hacia detrás ya que está sujeta a este soporte con un
tornillo de retención.
9. Muelle de retroceso: Hace que la aguja vuelva a su posición inicial cuando soltamos el
gatillo. Si está sucio porque la pintura haya llegado hasta ahí, no funcionará bien y la aguja
no volverá a su sitio.
10. Ajustador del muelle: Esta pieza cubre el muelle y lo sujeta para que funcione
correctamente.
11. Tornillo de retención de al aguja: Sujeta la aguja al roscar sobre el soporte de la misma
permitiendo que se desplace al tirar del gatillo hacia detrás.
12. Mango: Protege la estructura interna del aerógrafo y puede ser de metal o de plástico.
13. Tornillo de seguridad: Sujeta una pieza de rosca interior que aloja al ajustador del
muelle y da solidez al conjunto (soporte de la aguja, muelle, ajustador del muelle, tornillo de
retención y aguja).
14. a 18: Piezas que forman la válvula de aire.
Para terminar esta explicación, deciros que un aerógrafo es un aparato de precisión, es

muy delicado y hay que tratarlo con mucho cuidado para conseguir que nos funcione bien
el mayor tiempo posible. Sobre todo debemos evitar que se nos caiga al suelo, un
aerógrafo sólo se cae al suelo una vez: la última….después no funcionará más.
2. Aerógrafo AB 300: Postura de la mano
En este post os mostraré cómo desmontar vuestro AB 300, pero antes hay que conocerlo
un poco y saber cómo se coge.
En primer lugar, éste es mi primer aerógrafo. Con él he pintado muchas de mis figuras.
Como veis es de 0.3 mm y todavía funciona a pesar de todas las torturas a las que lo he
sometido.... pobrecito él.
Esta es la forma más o menos

correcta de cogerlo (estaba
haciéndome la foto y la mano
está un poco forzada). Si
apretamos el gatillo en esta
posición, sólo sale aire.
Si desplazamos un poco el
gatillo hacia detrás a la vez
que presionamos salen aire y
pintura a la vez, el cono de
pintura tendrá un tamaño
medio.
Si desplazamos totalmente el
gatillo hacia detrás mientras
presionamos con más fuerza
saldrá más cantidad de aire y
pintura y el cono será muy
amplio con lo que tendremos
que alejarnos de lo que
estemos pintando.
Tutorial: Desmontaje del AB300 por Pepa

Empezamos con el
desmontado, no todos tienen
tapa en el depósito o cazoleta
pero éste si y hay que
quitárselo....
En esta vista se ve la aguja

pasando por el cuerpo hacia
el pico.
Tutorial: Desmontaje del AB300, por Pepa
Artículo original en:http://lafabricaroja.com/foro/viewtopic.php?t=1878
Aquí se ve la aguja asomando

por el pico. Debemos tener
mucho cuidado de no rozarla
para evitar enganches,
aunque como se ve está
protegida, pero no está de
más tener cuidado.
Nos vamos a la parte trasera

y empezamos a desenroscar
el mango hasta dejar al
descubierto la aguja y el
tornillo que la sujeta.
Desenroscamos el tornillo que

sujeta la aguja y empezamos
a extraerla con MUCHO
CUIDADO. Para evitar que se
nos doble al sacarla, es
conveniente posicionar los
dedos como en la foto
(corazón con corazón, qué
bonito)
Ahora volvemos a enroscar el

tornillo de la aguja en su
posición para extraer las otras
piezas con más facilidad y que
no salte el muelle de retroceso
de la aguja.
Empezamos a desenroscar el
ajustador del muelle.... y
extraemos todas las piezas
juntas: muelle, ajustador del
muelle, soporte de la aguja y
tornillo de la misma. Este
tornillo sujeta todo el conjunto.
Ahora el gatillo y la palanca

del gatillo están sueltos, por lo
que tenemos que tener
cuidado para que no se nos
caigan y se pierda alguno.
Extraemos el gatillo y le
damos la vuelta al aerógrafo
para que salga la otra pieza.
Gatillo y palanca del gatillo. Se

puede ver la curva de esta última
pieza, cuando volvamos a montarla
la curva debe quedar hacia
detrás....
A continuación, volvemos a las

piezas anteriores que extrajimos
juntas y pasamos a desmontarlas
también. Esto no es necesario
hacerlo siempre que se limpia el
aerógrafo pero si de vez en cuando.
Comprobamos que el muelle
funciona y que no se agarra. Si
tuviese dificultad para desplazarse
desmontamos todo. Aquí haremos
como que no funciona y necesita
un limpieza a fondo
Soporte de la aguja, muelle

de retroceso, ajustador del
muelle y tornillo de retención
(o sujeción) de la aguja.
Ahora vamos a desmontar el

pico, corona (o boquilla) y el
cabezal.
Primero la corona.
A continuación el cabezal
que protege el pico. MUCHO
CUIDADO también con esta
pieza ya que al quitarla el
pico queda desprotegido.
El pico (o boquilla de salida).....
Vamos a desenroscarlo y
para ello usamos la llave que
trae en la caja para aflojarlo
un poco .
Seguimos aflojándolo con

los dedos hasta que quede
libre.....
Con ésta última pieza ya está desmontado (o casi) vuestro AB 300. Ahora sólo queda meter
todas las partes en un recipiente con alcohol de quemar o de limpieza y proceder a
limpiarlo a fondo al cabo de un rato. Si habéis usado acrílicos es lo más adecuado. Si habéis
usado Humbrol, lo mejor sería su diluyente (Thinner) pero es muy caro, por eso se usa
aguarrás o disolvente pero sin dejarlo sumergido en estos líquidos ya que la junta del
cuerpo del aerógrafo (esa que no hemos desmontado todavía) se os hará papilla con el
disolvente.
Cuando he comentado "casi desmontado" es porque hay un par de piezas más que yo sólo
he desarmado una vez y no veo muy necesario extenderme más en mostrarlo, pero si
alguna vez lo necesitáis me lo decís y lo hago sin problemas.
Lo próximo que colgaré será precisamente como limpiar este tipo de aerógrafos.
Un besote: Pepa.
Tutorial: Limpieza del Ab 300 por Pepa

Una vez desmontado nuestro aerógrafo, vamos a proceder a limpiarlo para su posterior
montado. Es importante resaltar que el aerógrafo debe de estar perfectamente limpio y
montado (con todos los componentes en su lugar) para un correcto funcionamiento. Nunca
debemos guardar el aerógrafo sin limpiarlo, ya hayamos usado pintura o barniz. El barniz
no se ve pero deja restos más difíciles de quitar que la pintura.
No es necesario hacer una limpieza a fondo cada vez que cambiemos de color. En este
caso bastará con cargar la cazoleta con un agente de limpieza adecuado, limpiar las
paredes de la misma con un pincel viejo, vaciarla entera un par de veces sobre un papel de
cocina hasta que no salgan restos de color y seguir pintando. Pero esta limpieza a fondo sí
será necesaria si usamos barniz o colores metálicos y después queremos seguir pintando
con pintura normal, o si vamos a guardar el aerógrafo después de una sesión de pintura.
Estos productos para la limpieza son:
Para los acrílicos al agua, tipo Vallejo (Model Color o Model Air), Liquitex y citadel, se usa
agua, o alcohol de limpieza o acetona industrial.
Si estamos usando esmaltes, lo mejor sería limpiar con su diluyente, pero este producto
resulta caro para desperdiciarlo de esta manera. Usaremos aguarrás, o disolvente universal
o acetona industrial.
Los acrílicos tipo Tamiya y Gunze Sangyo se limpian con su diluyente (es caro también) o
con alcohol de limpieza y/o acetona industrial.
Cuando se hace una limpieza a fondo hay que dejar sumergidas en estos productos, todas
las partes del aerógrafo por eso no se debe usar disolvente para dejarlo en remojo. Es
importante decir que este tipo de aerógrafos (AB 300) tiene una junta de goma en el interior
del cuerpo, que es de difícil acceso. Si dejamos el aerógrafo sumergido en disolvente, esta
junta desaparecerá y sin ella, la pintura puede llegarnos hasta el tornillo de la aguja
ensuciándonos todo el aerógrafo por dentro y produciendo un mal funcionamiento del
mismo. La junta puede cambiarse, pero es complicado si no se ha hecho nunca o se ha
visto como hacerlo…… ni se sabe que está ahí. Así que se puede usar controladamente
disolvente para la limpieza, pero no para dejar los componentes del aerógrafo sumergidos
en él.
Cuando todos los componentes lleven un tiempo sumergidos en el producto de limpieza, los
vamos sacando para limpiarlos uno a uno. Vamos a necesitar:
1. Cepillos dentales interproximales (también son útiles los del Rimmel para las
pestañas, limpios por supuesto).
2. Bastoncillos de algodón.
3. Papel de cocina.
4. Discos de algodón.
5. Pinceles viejos.
6. Producto de limpieza (nos sirve el mismo en el que lo teníamos sumergido)
En esta ocasión empezaremos por el pico, aunque da lo mismo con tal de que no se nos
olvide nada.
Tutorial sobre la limpieza del aerógrafo AB 300 por Pepa Saavedra

Artículo original en el foro del Spanish Team: http://www.spanish-team.com/foro/index.php

Con un pincel usado y fino lo limpiamos por dentro:
Cogemos papel de cocina y rasgamos un trozo, más o menos con esta forma:

Afilamos con los dedos enrollándolo y haciendo un rulillo muy fino.
Debe ser muy fino ya que debe pasar por la boca y la punta del pico.

Le damos vueltas para que el papel recoja los restos de pintura de las paredes interiores del
pico.

Si nos fijamos, vemos que en la rosca del pico quedan restos de la junta de maskol con la
que sellamos el pico la última vez que lo pusimos. La retiramos con una pinza.
El pico y la junta de Maskol una vez retirada de él.

Ahora nos harán falta los cepillos dentales interproximales:

Pasamos a la limpieza de la corona y el cabezal.

El gatillo.

El soporte de la aguja.
El ajustador del muelle:

Seguimos con el cuerpo del aerógrafo. Seguimos usando el cepillo azul.


Lo doblamos así:
Lo limpiamos por dentro con el cepillo en ese ángulo.



Sacamos uno de los cepillos de su mango (en la foto se ve el azul pero en realidad se usa el
amarillo por ser más pequeño y poder pasar por los orificios sin forzarlo)

Nos ayudamos de una pinza de modelismo para hacerlo pasar por los conductos del
cuerpo del aerógrafo. Desde detrás hacia delante:

Empujamos hacia la punta.

Tiramos del cepillo y lo sacamos.

Ahora de delante hacia detrás. Lo introducimos por la punta y empujamos.

Tiramos y lo introducimos por el otro conducto hacia detrás.

Cuando veamos que asoma por la parte de atrás tiramos con la pinza.

Y lo sacamos completamente.

A continuación usaremos bastoncillo de algodón para limpiar el interior de la cazoleta de

posibles restos de pintura en los recovecos de la misma.

Para la limpieza de la aguja usamos discos de algodón (de los que sirven para
desmaquillarse) impregnados en el líquido que estemos usando para la limpieza.

La hacemos girar suavemente sobre el disco de algodón. Después la rodeamos y repetimos

la operación.

Con ésta última operación ya tenemos limpias todas las partes de nuestro aerógrafo. Con
un poco de papel de cocina terminamos de secarlo bien y comprobamos que no falta nada
por limpiar.
En el próximo tutorial os mostraré cómo volver a montar vuestro AB 300 (completo) y

además, cómo sellar la junta del pico con líquido enmascarador (tipo Maskol), para que el
aire no haga burbujas en la pintura de la cazoleta.
Un besote: Pepa.

Tutorial: Limpieza del Ab 300 por Pepa

En las fotos que os muestro a continuación, podréis ver cómo montar de nuevo vuestro
aerógrafo AB 300. Hay varias cosas a tener en cuenta, la primera es que al roscar de nuevo
el pico (boquilla de salida) debemos sellarlo para evitar que se nos introduzca aire en la
cazoleta y nos produzca burbujas. Esto hace que la pintura se seque en los conductos y
produzca atascos y una pulverización irregular. Algunos aerógrafos traen una junta de
goma minúscula en la rosca del pico, otros vienen sellados con cera. En cualquiera de los
dos casos, la primera vez que desmontamos el pico para limpiarlo, este sellado desaparece
(la junta se pierde o se rompe y la cera se elimina) con lo que si queremos que nuestro
aerógrafo funcione bien, tendremos que buscar una manera eficaz y rápida de sellarlo de
nuevo. Yo suelo usar líquido enmascarador (maskol para ser más exactos, aunque hay
otras marcas que sirven igual).
Otra cosa que debemos tener en cuenta es la posición correcta de la palanca del gatillo y
del propio gatillo. La colocación de esta pieza suele crear dudas en cuanto a su posición y
además suele ser complicada de colocar en su sitio. Os mostraré como hacerlo de manera
sencilla.
Empezamos con las fotos. En estas primeras podéis ver cómo sellar el pico de vuestro
aerógrafo con líquido enmascarador. Usad un pincel fino, lo que vamos a sellar es pequeño
y no nos interesa poner demasiada cantidad. El maskol se puede eliminar del pincel con
agua y jabón, siempre que no se os haya secado en él. Si se seca en el pincel, debéis usar
disolvente para eliminar los restos, por eso no es conveniente usar un pincel sintético, es
mejor uno de pelo natural. Aunque no es necesario que sea buenísimo, uno de calidad
media servirá.


Ponemos el producto en la rosca del pico.
Primero lo roscamos con los dedos.

Luego ajustamos con la llave pero sin apretar demasiado para no estropear la rosca.

Ponemos otra pequeña cantidad de líquido por fuera de la rosca del pico para asegurarnos
de que el aire no retrocederá hacia la cazoleta haciendo burbujas en la pintura.

A continuación roscamos el cabezal….. con cuidado, el pico es muy delicado.

Y la corona (boquilla)…..


El muelle de retroceso de la aguja lo colocamos en su sitio, también el ajustador del muelle

y roscamos el tornillo de retención de la aguja en su posición.
El ajustador del muelle…….

El tornillo de retención de la aguja.

Ahora, introducimos estas piezas así juntas en el cuerpo del aerógrafo y roscamos para
dejarla en su posición.

Por el hueco puede verse el soporte de la aguja.
Ahora, sujetamos esta pieza y tiramos hacia detrás sin desenroscar.

Notaremos resistencia al tirar hacia detrás debido al muelle. Cuando esté totalmente
retraída, giramos todo el conjunto en el sentido de las agujas del reloj hasta que veamos
que se queda sujeto en esa posición. Entonces colocamos el gatillo de manera que las
estrías que tiene grabadas queden hacia delante.

Ponemos la palanca del gatillo en su lugar teniendo en cuenta que la curva debe quedar
hacia detrás. Si consideramos el gatillo como una T y esta pieza como un ), entonces la
posición sería T). Nos ayudamos de una pinza de modelismo.

El gatillo y su palanca en posición correcta, aunque todavía están sueltos…..
Ahora vamos a devolver el conjunto de piezas anterior a su posición correcta, girándolo en

sentido contrario a como lo hicimos antes.

Aquí se ve como el soporte de la aguja presiona a la palanca del gatillo, ya está todo en su
lugar correspondiente. Pero todavía falta la aguja.
A continuación, desenroscamos el tornillo de retención de la aguja, si no lo hacemos, no

podremos hacerla pasar por el conducto.

Los dedos deben estar en esa posición, será más fácil hacer pasar la aguja.

La aguja pasando por la cazoleta.

La llevamos hasta su posición, ajustándola sin presionar demasiado ya que corremos

peligro de estropear el pico del aerógrafo. Volvemos a enroscar el tornillo de retención de la
aguja y apretamos.

El tornillo bien ajustado.
Colocamos el mango.

Lo roscamos ajustándolo bien.
Colocamos la tapa del depósito o cazoleta.

Y listo, ya tenemos de nuevo montado el AB 300 con todos los componentes en su lugar.

Si pensáis dejar sin usar vuestro aerógrafo durante un periodo de tiempo largo, es
recomendable lubricarlo un poco. Yo uso aceite de máquinas de coser. Se lo aplico con
cuidado y sin excesos en la aguja y la hago girar y desplazarse por los conductos para que
quede todo bien lubricado. No es necesario pero si aconsejable.
Con este tutorial y los tres anteriores, creo que ya tendréis un poco más claro cómo
funciona este tipo de aerógrafos. Si tenéis alguna duda no tendré inconveniente en
aclararla, si es que se la respuesta…. Yo todavía estoy aprendiendo.
Un besote: Pepa.

Tutorial sobre lijado e imprimación de miniaturas de J. C. Jiménez

Por mi experiencia propia trabajando junto a miniaturistas varios años he aprendido
diversas técnicas y teoría sobre la preparación e imprimación de las figuras y voy a
intentar resumirlas aquí. No pretendo sentar cátedra con nada de lo que aquí explique sino
solo crear una guía inicial para principiantes sobre todo (que son los que más dudas tienen)
de los conceptos que tengo y que cada cual use los que más cómodo le hagan sentir o los
aplique como mejor le convengan.
1. SOBRE LA FUNDICIÓN DE MINIATURAS
En el proceso de fundición de
miniaturas de metal (no me gusta
llamarlas de plomo ya que éste es
sólo uno de los diversos metales
blancos que se utilizan en la
aleación) se utilizan unos moldes de
caucho con una abertura en su
centro por donde se cuela el metal
fundido. Luego por centrifugación, el
metal sale, a través de unos
bebederos, hacia los bordes del
interior del caucho que es donde se
encuentra el molde propiamente
dicho de la miniatura.
En este proceso, y para que el metal fundido fluya perfectamente de la entrada central
hacia el borde (donde están los moldes), antes de cerrar el caucho se frota con un cepillo
impregnado de un polvo que facilita esta fluidez.
Una vez enfriado el metal, las miniaturas se meten en sus “blisters” y se ponen a la venta.
Este polvo (imperceptible en muchas marcas pero existente) es suciedad que puede dar al
traste con la pintura de una miniatura.
2. SOBRE LA SUCIEDAD DE LAS MINIATURAS
Debido en especial a este polvo y a la suciedad (grasa) que queda sobre la miniatura
debido al manipulado de esta al empaquetarla y antes de pintarla, resulta imprescindible
una buena limpieza. Si cogemos una miniatura de fábrica y pintamos sobre ella, la pintura
está agarrando realmente sobre la suciedad de la miniatura. Esta suciedad no forma parte
de la propia miniatura y aquí aparece el problema de que se descascarillen, pelen, salte
pintura, etc.
Cuando imprimamos una miniatura sin haberla lavado antes nos encontramos con un
problema parecido. La pintura final efectivamente sí agarra sobre la pintura de la
imprimación pero ésta última no ha agarrado bien sobre la figura porque sigue estando
sobre la suciedad de la miniatura.
Tutorial sobre lijado e imprimación de miniaturas por J.C. Jimenez

Muchos grandes miniaturistas no impriman las miniaturas para no quitar nada de detalle
de ésta, simplemente la lavan perfectamente antes de pintar. Una vez pude ver cómo la
persona que me explicó esto hace muchos años frotaba una maravilla de miniatura que no
se había imprimado con un cepillo de dientes bajo un chorro de agua del grifo y la pintura
ni se inmutó.
3. SOBRE EL PULIDO DE LAS MINIATURAS
Muchos pintores pulen la miniatura antes de lavarla y proceder a pintarla. En los años que
llevo pintando me ha dado muy buen resultado pulir las figuras antes siempre de empezar
a pintarlas. Esto sólo es un proceso más del proceso de "limpieza" de la propia miniatura.
Después del consabido proceso de eliminar rebabas, tapar poros y montar las partes de la
figura que finalmente van a pintarse, justo antes de lavarla viene la fase de pulido. Para ello
se utiliza lana de acero.
La lana de acero es como un Scotch Brite pero de pelo muchísimo más fino y se suele usar
en el mantenimiento y restauración maderas en muebles. Con la lana de acero se frota
todo lo que sea accesible de la miniatura hasta que se vea que la zona frotada tiene un
color mucho más oscuro, metálico y reflectante que como viene la figura de fábrica. Para
las zonas inaccesibles (zona de los sobacos, debajo de la barbilla, dentro de los brazos) se
suele usar cepillo de cerdas de acero (insisto en la finura de estas cerdas para no rallar la
figura) como estos:
Si aún así hay zonas que por su reducido acceso no se pueden pulir, yo suelo inventarme
algún artilugio o truco, como por ejemplo coger la lana metálica con unas pinzas o ponerla
en la punta de algún utensilio y poco a poco darle hasta intentar pulir lo que pueda.

Una vez pulida nos sorprenderá el hecho de que si pasamos el dedo por la miniatura, en
vez de resbalar el dedo fácilmente por su superficie como podríamos pensar,
comprobaremos que ésta tiene mucha más adherencia y que el dedo se queda
"prácticamente" pegado.
4. LIMPIEZA (LAVADO) DE LA MINIATURA
Una vez pulida, se procede al lavado de la figura. Para ello un cepillo de dientes, jabón
neutro y agua tibia es suficiente. Se deja secar al aire para evitar ensuciarla con un trapo al
secarla y una vez lavada (y bien lavada) ya no se tocará más el metal con las manos para
no ensuciar la figura con la grasa de las manos (al menos intentarlo).
5. IMPRIMACIÓN DE LA MINIATURA
Imprimar una figura consiste en darle una capa base de pintura u otro material con objeto
de que la pintura agarre mejor y facilitar el proceso de pintura. Además, la imprimación
sirve para descubrir posibles defectos que tenga la figura y que no se hayan repasado bien
con la cuchilla o no se hayan lijado bien. La imprimación también sirve para proteger las
figuras metálicas de una posible oxidación o deterioro.
Sobre la forma de imprimar la figura, existen muchos métodos pero todos tienen que
tender a no cubrir detalle de la miniatura con lo cual la capa de imprimación que demos
tiene que ser lo más fina posible.
5.1. PINCEL (PINTURA ACRÍLICA O ESMALTE HUMBROL)
Si la damos a pincel intentaremos utilizar bastante agua. Si empastamos la pintura

arruinaremos todo el detalle de la figura. Si la capa de imprimación no cubre bien daremos
más encima. Es preferible dar dos o tres capas con pintura muy diluía y llegar al punto
óptimo de cubrir de forma homogénea sin tapar ni empastar detalle que darle una sola
capa y pasarnos.
Se suele utilizar pintura acrílica o esmaltes (la marca Humbrol me ha dado muy buenos
resultados).
5.2. SPRAY
Resulta muy cómodo imprimar figuras con spray (sobre todo cuando imprimamos
regimientos enteros). Aquí de nuevo se puede jugar con la ventaja de imprimar a chorros
cortos y rápidos para ir cubriendo poco a poco y en varias capas para no tapar el detalle
antes que quedarnos dormidos con el dedo encima del tapón del spray y arruinar un
regimiento con una capa de imprimación muy gruesa.

5.3. AERÓGRAFO
Tiene la ventaja del spray y, además, como controlamos la mezcla de pintura con agua,
podemos utilizar una pintura muy diluida como si fuéramos a pintarla a pincel para que así
la pintura sea mucho más fina. De nuevo a chorros cortos y rápidos y varias capas. Aparte
de eso, si imprimamos con aerógrafo y pintura acrílica no hay que tener tanto cuidado de
ventilación como con los sprays Citadel.
Si imprimo más de una figura a la vez suelo usar el aerógrafo con la pintura muy diluida en
varias sesiones cubriendo perfectamente toda la superficie de la figura con una capa
finísima.
5.4. PUTTY DISUELTO EN ACETONA (APLICADO A PINCEL)
Esta es la forma que suelo utilizar para imprimar figuras de una en una cuando voy a
dedicarle bastante tiempo a la pintura. El putty es una masilla plástica que se disuelve en
acetona. Aunque hay de varias marcas yo utilizo la de Tamiya.
La gran ventaja de utilizar putty disuelto en acetona para imprimar es que la masilla cubre
perfectamente los microporos del metal, la capa es finísima y llega a soldar con la
miniatura. Además como es completamente mate y gris neutro una vez imprimada la
miniatura se pueden diferencias perfectamente sin brillos todas las partes de la figura.
6. SOBRE EL COLOR DE LA CAPA DE IMPRIMACIÓN
Del color de la capa de imprimación básicamente hay que decir lo siguiente: aunque se
puede imprimar con cualquier color, normalmente se utilizan el blanco, el gris o el negro.
6.1. NEGRO
Cuando la figura tiene mucho negro o si vamos a

utilizar esta capa de imprimación negra como la
sombra más oscura (si vamos a pintar muchas
figuras a la vez por ejemplo) es muy cómoda la
imprimación con negro. Un problema que tiene es
que ciertos colores (amarillos, rojos y cualquier
color claro) no son cómodos de usar sobre el negro
haciendo que a veces haya que pintar primero de
blanco la zona antes de utilizar estos colores.
La apariencia final de una miniatura imprimada con negro resulta con unos colores más
apagados.

6.2. BLANCO
Otro color muy utilizado para imprimar figuras. No

tiene la desventaja de que algunos colores claros no
se puedan pintar bien encima. El acabado final de la
figura una vez pintada si se ha imprimado con blanco
resulta con colores más vivos.
6.3. GRIS NEUTRO
Se suele imprimar de color gris para

diferenciar bien las partes de la figura. El
acabado final de la figura no se ve afectado
prácticamente por este color de imprimación y
resulta muy cómodo pintarla.
Como ya he dicho suelo imprimar con putty y

este es el color preferido para mí para
imprimar por las razones que he comentado.
Aconsejo a todo el que lea esto que lo pruebe
(probar primero sobre figuras viejas o partes
de miniaturas que no vayáis a usar para
cogerle el punto).


Tutorial: Planos de sombra por Alex Cross, Basajaun y Banshee

(Basado en preguntas de Paulvalenx)
1.- Para determinar el color de los planos de sombra, ¿es conveniente llegar al negro
puro o casi?
Alex Cross: Sombrear con negro e iluminar con blanco es un error; intenta utilizar menos
estos colores, sobre todo el blanco. El negro apaga y ensucia el color normalmente en la
miniatura si lo utilizas directamente para sombrear, y el blanco mortifica, apaga
igualmente y satura la luz. Por mucho que creas que un gris te va a contrastar más si lo
iluminas con blanco y lo apagas con negro...va a tener más contraste si lo subes con carne
y en las bajadas metes algo de azul. Científicamente no tendría más contraste pero tu ojo si
va a captar más intensidad entre estos colores que si estuvieran saturados con blanco.
No tienes por qué llegar a negro (aunque en algunos colores en las ultimas sombras si se
añade un poco o se suele añadir). Lo importante es que tenga un fuerte contraste con
respecto a el color de las luces. Intenta añadir pequeñas cantidades de azul a las sombras
y de amarillo a las luces (el azul aleja y el amarillo acerca) y verás como van ganando en
profundidad tus mezclas.
Intenta iluminar igualmente con colores que contengan amarillo (ilumina el rojo con carne,
el negro...etc) para ganar contraste respecto al plano de sombra.
Pero no, no hace falta llegar al negro (aunque evidentemente si pintas color negro pues si
aunque no tienes por qué). Haz una prueba e intenta ir añadiendo cada 2 sombras una
pintita de azul y verás como gana profundidad.
Banshee: Muy bien , Alex. En lo único que discrepo es en que es mas importante controlar el
negro que el blanco; el banco agrisa pero el negro ensucia, “ergo” ten más cuidado con el
negro. No es que no debas usarlo, pero mejor practica con colores y luego, cuando lo
domines, sí habrá zonas donde puedas utilizar blanco y negro pero nunca como única
opción.
Basajaun: El señor Cross lo ha clavado. No utilices nunca ni blanco ni negro para sombrear
o iluminar. Estos dos colores más que nada se utilizan para variar la intensidad del color.
Pequeñas cantidades de negro te servirán para agrisar los colores y matar la intensidad del
tono. Del mismo modo un poco de blanco, por así decirlo, hace que los tonos queden tipo
pastel. Utilízalos para mezclas pero no para sombrear o iluminar. Sólo son un ingrediente
más.
2.- ¿Es conveniente pintar la mini por el cauce normal y luego ya dar una serie de velos
oscuros, o por el contrario es mejor ir directamente a pintar esos planos con una gama
de color oscurecida partiendo de la gama usada en los planos de luz?
Alex Cross: Yo te recomiendo que no; pinta esos planos por “cauce normal” como tú lo has
llamado, porque si lo velas la superposición de pigmentos no va a tener la suficiente
concentración como para aportar fuerza al plano de sombra. A mí me ha pasado y no se

Artículo original en el foro del Spanish Team:
http://www.spanish‐team.com/foro/viewtopic.php?t=3882&highlight=
terminan de marcar bien. Utiliza las veladuras más al final para dar tonos o fundir, o
entremedias para ir añadiendo matices y ayudar a fundir, pero no te obsesiones con ellas.
Marca bien el plano de sombra como si estuvieras degradando (sin empastar la pintura,
con la pintura diluida evidentemente pero más consistente...)
Basajaun: Esto es a gusto del consumidor, Paul; si quieres que la sombra este muy definida
directamente entonces hazla con difuminados, que no se note el trazo del pincel. Tienes
que dominar perfectamente la disolución de pintura que quieras usar o te venga mejor en
cada momento.
3.- En su localización, si la luz la situamos cenital, ¿es conveniente el disponer dicha luz
un poco ladeada o, por le contrario, queda mejor hacer las sombras en función de otra
luz situada en otros lugares que yo desconozco?
Alex Cross: Normalmente gana un poco más si lo pones algo ladeada. Es difícil encontrarte
una miniatura a las 12 del mediodía o debajo de un tragaluz pero eso depende un poco de
ti; si quieres ver ejemplos de luz ligeramente ladeada fíjate en los procesos del aforado
J.Martin (busca la cabeza del Drugenar o el PaP del gnomo Airtis de Enigma)
Basajaun: Esto más que nada depende de la figura en sí misma. Una luz cenital normal
acentúa las poses estáticas. La luz direccional viene muy bien para cuando quieres centrar
la atención en una parte concreta de la mini. Por ejemplo, imagínate que está haciendo un
gesto hacia un lateral, entonces lo acentuarás más con luz direccionada. En una pose muy
estática igual te conviene mas utilizar la primera.
4.- Última, (mil perdones por ser tan pesado), ¿Es conveniente meter planos de sombra
de luz intermedia, o por el contrario es mejor ir directamente o casi, (dejando un plano
medio de sombras muy escaso) , a un plano de sombras muy oscuro para que el
contraste de la mini aumente? Es decir, ¿sacrificamos contraste con mayor plano de
sombras intermedio en aras de mayor realismo o lo contrario?
Alex Cross: No eres pesado Paul. Sobre esto creo que es más importante que te fijes en la
mini bajo un foco sobre el que estés pintando y la observes. No es lo mismo una arruga que
cambia "recta" y se va hacia la entrepierna donde el contraste es fuerte y cambiara
radicalmente en cuestión de milímetros, que una bola o esfera que tenga un mago en una
mano, o la curva del pliegue de una capa que se vaya moviendo hacia un plano de sombra.
Depende de la parte que estés pintando en sí.
Basajaun: Ya te lo ha aclarado Cross. Fíjate por ejemplo en la diferencia de sombreado

entre una miniatura con capa (ondas amplias y suaves) y una con unos vaqueros o una
camiseta (por ejemplo el mayor Rawne de Banshee). Los dos tipos de sombreado son
completamente diferentes. En el primero se difumina completamente y en el segundo
interesa que dé sensación de sombra brusca (ojo, que no se noten pinceladas, busca un
efecto natural).

Artículo original en el foro del Spanish Team:
http://www.spanish‐team.com/foro/viewtopic.php?t=3882&highlight=
Tutorial sobre caras, por Banshee y Weishaupt
1. Cómo hacer caras, por Weishaput.
Bueno amigos, Alfonso me ha sugerido la idea de crear una especie de tutorial de caras
usando la del marine de GM como base y me he animado a hacerlo (Ya que últimamente J
y Basajaun se están dando unas palizas que te cagas para enseñarnos) .
Desgraciadamente no tengo imágenes paso a paso de cómo lo hice y tendré que exponer
los conceptos sobre la cara ya pintada. Espero que esto no sea un obstáculo a la hora de
mostrar los pasos que seguí y que podáis seguirlo fácilmente.
Lo primero de todo cuando se trata de pintar una cara es pensar en la paleta de colores
que se va a usar. Un error muy común entre los pintores es acostumbrarse a una mezcla y
usarla para todo tipo de pieles. Esto termina por hacer monótonas las obras y poco
realistas cuando se trata de rostros en circunstancias particulares como pueda ser bajo
una fuerte luz, bronceados por el sol o cuando se encuentran figuras representativas de
diferentes etnias en la misma viñeta.
Otro aspecto a tener en cuenta es que en muchas ocasiones los colores "carne" son colores
muy saturados para representar los tonos medios y conviene agrisarlos un poco para
lograr un mayor realismo (No es el caso de la miniatura que pinté yo ya que el tono gris
está presente tanto en tonos medios como extremos).
Aquí os pongo un ejemplo en una figura de Vincenti. Decidí

agrisar toda la cara y luego sacarle volumen dando tonos.
Como base utilicé la segunda base del set de Andrea que tiene
un color marrón anaranjado y le maté el color añadiendo azul
azur que es aproximadamente el color complementario. Una
vez aplicada la base es el momento de añadir las luces y las
sombras.
Cada cara es un mundo pero más o menos hay ciertos elementos que son comunes. Hay
zonas que siempre serán de sombra y zonas que siempre serán de luz y esto con el tiempo
conseguiréis verlo automáticamente. Es muy conveniente por razones estéticas girar un
poco el foco de luz para dar más realismo y personalizar el rostro. Conviene antes de
establecer la incidencia de la luz ubicar la vista principal de la figura para adecuar el foco a
esa vista.
Tutorial sobre caras, por Banshee y Weishaput

Artículo original en el foro del Spanish Team: http://www.spanish‐team.com/foro/viewtopic.php?t=3640
Puede darse el caso como me ocurrió a mi que la vista principal no sea la más idónea para
localizar el foco de luz (en mi caso, los puntos en la frente del marine, eran un estorbo para
colocar la máxima luz con lo que decidí situarla en el lado contrario)
En esta imagen podéis ver como más o menos se podrían ubicar las luces y las sombras en
cualquier cara. Fijaos en lo que os dije sobre el punto de máxima luz y la vista principal.
Una vez iluminada la figura y sombreada la cara tiene un aspecto demasiado uniforme
para parecer real (independientemente del color utilizado) Dando tonos haremos que el
rostro tome realismo y además conseguiremos dar profundidad o realzar volúmenes
alternando colores fríos y colores cálidos.
Esto ya lo han explicado varias personas antes (Recuerdo ahora mismo el tuto de Banshee
sobre Arwen) pero lo explicaré de nuevo para que no haga falta ir de un sitio a otro para
mirarlo (Claro que un tutorial de Banshee siempre será un tutorial de Banshee)

La teoría es que los colores cálidos tienden a realzar un volumen, a, por decirlo de alguna
manera, sacarlo hacia fuera. Por el contrario los colores fríos dan sensación de profundidad
y/o concavidad. Aprovechándonos de esto es fácil aplicando veladuras de colores fríos y
cálidos realzar los relieves de la figura. Aquí tenéis un pequeño ejemplo.
Y esto es todo lo que se me ocurre de momento. Por favor no dudéis en preguntar cualquier
duda que os surja, o cualquier cosa con la que no estéis de acuerdo y de esa forma me
ayudareis a completar el tutorial (y os ayudareis a vosotros mismos!)
Un saludo y espero que os sirva de algo

2. Caso práctico: explicación mini-tutorial de la cara de Arwen por Banshee ´
La cara de Arwen de GW es redondeada y sin embargo la cara de la actriz es afilada, así

que para conseguir ese efecto no te queda más remedio que remodelarla con la pintura…
De ahí que usara azules para reducir la sensación de volumen; por eso las sombras están
en azul Oxford, mientras que los pómulos tienen carnaciones de un ocre rojizo, no naranja,
para destacar esos volúmenes. Si le hubiese metido rosa, me habría cargado la
temperatura cromática de la cara, que lleva mucho rojo, ya que el rosa es un rojo agrisado,
es decir, un rojo al que le han quitado intensidad y si le metes rosa en el centro, lo único
que consigues es romper el efecto de la cara y tener que hacerla toda pálida... Por otro
lado, si le metes tonos rojizos (que pegan mas) le das demasiada carnosidad y entonces te
cargas lo que has hecho antes afilando la mandíbula.
Aquí la cara ampliada hasta el suicidio,.. Ah, y las rugosidades son del molde, no de mis
dedos, ni de la pintura.

Y ahora unas caras de otras Arwen para que veáis lo que os comento del remodelado con
pintura
Con esto no juzgo ni valoro cual es buena o mala, mejor o peor; sólo son ejemplos de cómo
la utilización de según qué colores y el juego de contrastes entre tonos fríos y cálidos, entre
carnaciones y colores que alejan del espectador, pueden cambiar la estructura de una cara
al falsear los volúmenes.
Otro ejemplo a la derecha. La iluminación cenital se

fuerza hacia nuestra derecha, metiendo en sombra
partes hasta de la frente para acentuar el volumen
de la cara transversalmente. Las luces son muy
claras, pero tienen una proporción de carne y
amarillo hielo, por lo que mantiene el tono cálido (un
cálido apagado y “frío”, porque si os fijáis en casi
toda la mini van azules. Las carnaciones de la cara
le dan carnosidad, sensación de redondez, por eso
acentúa los pómulos el hecho de introducir ocres
rojizos o anaranjados en zonas que se degradan
hasta la luz. Sin embargo las mandíbulas, al ser

demasiado redondeadas y querer afilarlas, les meto Azul Oxford (que es un azul sin
intensidad, agrisado) lo que me aleja del espectador, en contraste con el tono rojizo general
que hace el efecto contrario. En vivo el efecto se ve mucho más claro.
Mezclas de la cara:
Usé amarillo hielo para las ultimas luces, con un pelín de blanco para un par de puntos de
luz porque el amarillo tiene una intensidad que no tiene otro color.
Los ocres anaranjados de las mejillas le dan carnosidad pero manteniendo un tono cálido
mas apagado que si le metiera rojo y me mantiene el tono de carne. Eso son las
carnaciones.
El Azul Oxford para adelgazar la mandíbula y afilarla. Es un azul por lo que me da

profundidad y me lo aleja del ojo del espectador, pero no quería un azul intenso, primero
use Azul Oxford porque es un azul agrisado, y como toda la cara lleva alguna cantidad de
blanco me iba muy bien. El color cárnico, no se qué será, pero algún carne medio o algo así,
con algo de ocre y quizás un pelín de rojo y no sé qué más.
3. Preguntas y respuestas
Pregunta: ¿El Azul Oxford lo utilizas con un poco de tono de carne base para que agarre bien?
Aparte me he hecho un lío con el tema de los tonos rosas, rojizos y ocres anaranjados que
has utilizado en la zona de las carnosidades, aparte del tema de la temperatura cromática en
la cara. A ver si me lo puedes aclarar un poco, por favor.
Respuesta: El Azul Oxford si ves que no te acepta lo mezclas con la carne por lo menos para
fundirlo mejor. Respecto a los tonos, si le metes rosa (rosa= rojo+ blanco o gris) lo que haces
es desaturar el color, mientras que yo lo que pretendía era lo contrario. Si la cara tiene un
color de base con cierta saturación, tampoco excesiva pero si saturada levemente (por el
color carne que no sé cuál es, no me acuerdo, sorry) la cara tendrá un color más realista,
pero si metes un rosa que es un color mas saturado lo que haces es romper el efecto, y
entonces habría que saturar el resto de colores para meterlos en consonancia. Es decir, la
intensidad cromática (por decirlo de alguna manera) del rosa es menor que el de la base de
la cara; así que si utilizas rosa te lo cargas y si metes rojo es exageradamente saturado
ocurre lo mismo, por lo que un ocre rojizo o anaranjado es justo el punto medio.
Pregunta: Tengo una duda, ¿qué mezclas de colores son los que usáis para pintar una cara
humana sin utilizar el color carne como hace Alfonso?
Respuesta: Se pueden usar infinidad de colores, con rojo amarillo blanco y negro puedes
pintar una cara sin ningún problema. Una técnica que viene muy bien es usar la "técnica
del niño manco" que es usar solo los clores que tienes a la vista sin estirar el brazo para
nada. Te verás en situaciones en las que tendrás que tirar de rueda de color e ingeniártelas
para sacar el color que necesitas. También una buena idea es intentar pintar una cara con
colores que no lleven la palabra carne.

Pregunta: Cuando hablas de que los colores carne están demasiado saturados y conviene
agrisarlos, ¿qué quieres decir exactamente? ¿Cuándo es mejor hacerlo?
Respuesta: Hay veces que los colores son muy vivos y parece que la miniatura está
maquillada. Como dije depende de los colores que uses, pero principalmente si utilizas
marrones cálidos y subes con amarillo hielo puede darte este efecto. ¿Cuando es bueno
agrisar un color? depende de muchas cosas pero principalmente de la entonación de la
figura y el entorno en la que se la quiera ubicar.
Pregunta: Acerca de los colores

fríos/cálidos en las zonas de
sombra/luz. ¿Siempre se trabajan
así (Es decir, velando con colores
cálidos en las zonas de luz y fríos
en las de sombra)?
Respuesta: No estrictamente así,

las zonas se superponen. La línea
verde separa la zona de luz de la
de sombra; como ves las zonas
prominentes y profundas son
independientes del grado de luz.
Pregunta: Los tonos cálidos los

utilizas para resaltar “hacia
fuera”, pero en general se colocan
por debajo de las luces, ¿no?. Es
decir, ¿lo utilizas como una
sombra intermedia que da
volumen por debajo de la sombra o estoy equivocado y la das donde colocarías una luz? En
la foto me parece ver que está colocada entre la sombra y la luz. Y, si es así, entonces las
frías deberían estar situadas en las zonas más deprimidas de la cara para aumentar la
sensación de profundidad, ¿no? ¿Lo he entendido bien?
Respuesta: Sí, creo que lo tienes. Realmente se coloca en la zona que quieres que "salga
hacia afuera". Tú elijes dónde te conviene más el efecto.
Pregunta: ¿Es posible forzar una luz en la cara que no sea la que convendría a la vista
principal, pero no hacer lo mismo en el resto del cuerpo? Ya supongo que no, pero ¿no
pierdes mucho entonces al limitar el efecto de enfocar la luz sobre la vista principal?
Respuesta: No conviene hacerlo porque el ojo lo vería raro, tardarías en darte cuenta pero
algo te diría que no esta bien iluminado. No he tenido en este tutorial en cuenta el resto de
las luces pero está claro que una vez decidida la dirección hay que mantener una
coherencia con el resto de la miniatura.

Pregunta: Está claro que no debemos romper el tono gris o frío, en este caso, al dar las
veladuras de colores cálidos. ¿Qué hay que tener en cuenta para que eso no ocurra?
¿Mezclar el tono cálido con la base para agrisarlo un poco? ¿No ser bestias y darlos muy
suavemente?
Respuesta: Realmente en ese caso deberías utilizar un color rojo o amarillo fríos para
realzar una figura entonada en frío o un verde o azul cálidos para lo contrario. Esto en
ocasiones no es necesario, sólo si al dar los tonos la figura que desentonada.
Pregunta: Entonces se descartan los colores cálidos para las sombras, ya que estos acercan.
En ese caso, ¿se deberían utilizar siempre colores fríos pero intensos, o depende del efecto
que se quiera causar?
Respuesta: Una cosa es iluminación y otra el volumen. No tienes por qué hacer profundas
todas las sombras. Muchas veces no es necesario magnificar el efecto pues la geometría
de la figura ya es suficiente.
Pregunta: Una pregunta. ¿La luz máxima cómo la sueles hacer, aplicando directamente
hueso o un color más cercano al blanco? Es que por la foto no noto mucho la diferencia en
los puntos de luz.
Respuesta: Hay veces que el color es el mismo, normalmente carne clara o hueso. Si queda
demasiado forzado puedo llegar a dar los puntos de luz casi en blanco, depende de la
ocasión.
Pregunta: Una pregunta rápida, ¿Qué

colores usarías para pintar un oriental, un
japonés? Y sobre tu cara (la tuya no, claro,
la de la mini) ¿No es un poco exagerada la
sombra máxima? ¿No es muy negra?
Gracias por el tuto, lo de los colores cálidos
y fríos es la caña.
Respuesta: Si te parece que queda

demasiado negra la sombra, realmente es
demasiado negra (al fin y al cabo es una
cuestión de gustos nunca hagas nada que
no te gusta sólo porque otro lo haga así).
Yo quise darle mucho contraste a toda la
miniatura y por eso forcé más las sombras;
el resultado en general quedó como ves a
la derecha (quizás ya lo habías visto). A mí
me pareció bien pero entiendo que pueda
resultar demasiado forzado.

Pregunta: Otra duda que me surge: ¿Qué color usáis para las veladuras en los tonos cálidos
rojizos, rojo puro, anaranjado u otro?
Respuesta: El gore con un tono carne te tirará a rosa y el naranja alemán, que es un color
que a mí me encanta, te equilibrará el tono. Si necesitas oscurecerlo más no metas más
gore, dale con la segunda sombra de Andrea que es un rojo/marrón oscuro y te sombreará
más la mezcla.
Pregunta: Cuando realizas las luces, ¿con qué color las das? Me refiero a los colores que
utilizas para aclarar el color base, porque creo que con blanco no se debe ya que mata el
color. ¿Con hueso quizás?
Respuesta: Es cierto que el blanco mata el color. Para subir las luces suelo usar carne clara
de Vallejo o segunda luz del set de carnes de Andrea (uso estas 2 indistintamente, la que
más cerca tenga). Si está demasiado blanqueado puedes meter un pelín de naranja o
amarillo hielo según el tono. Para el punto de luz mezclo carne clara con blanco (es tan
pequeño que no te quema el color). Por ejemplo en la cara de este tutorial están subidas
con amarillo hielo. Esto tiene la función de, al ser el complementario del morado (que es el
color de las sombras), dar un juego muy interesante.



Tutorial: Pintar “en cueros” por Gloom
Hola a todos. Como lo prometido es deuda, pongo un pequeño tutorial de cómo texturizo
los cueros por si a alguien le sirve.
Pido perdón por las fotos, que no son lo mejor que puedo hacer, pero me equivoqué al
pegar la pieza a pintar a esa peana, ya que no es el mejor fondo; pero bueno, ahora ya no
tiene remedio. Espero que se aprecie un poco bien el proceso.
Pinto un portamapas de una figura de 120mm con la que estoy actualmente e intento
representar cuero naranja bastante usado. En la esquina de la foto final he puesto la
medida real del chisme.
Uso como base Marrón Cuero 871. Hago dos

luces con Marrón Naranja 981; la tercera luz
sería el Marrón Naranja puro y una cuarta
añadiendo Amarillo Desierto 977 al Marrón
Naranja. La quinta luz es el Amarillo desierto
puro. Para sombrear añado Negro
directamente, haciendo tres sombras y la
cuarta, negro puro. Todos los colores, son de
Vallejo.
Normalmente me preparo estas mezclas en
una paleta de aluminio para tenerlas todas
disponibles a la vez
Tutprial: Pintar “en cueros” por gloom

Artículo original del foro del Spanish Team: http://www.spanish-team.com/foro/viewtopic.php?t=4134

La elección de estos colores se debe a que quiero conseguir un color específico, lo cual no
significa que todos los cueros se tengan que pintar con estos colores.
Variando cualquiera de ellos, en especial el que se use como base, nos dará un tono de
cuero diferente. Es cuestión de ir probando.


He aplicado el color base sin ser demasiado cuidadoso. Con que cubra mínimamente, ya
nos vale. A continuación doy las cuatro luces y cuatro sombras de arriba a abajo
respetando el color base en el centro. El objetivo es conseguir un degradado de color desde
la parte más alta del volumen a pintar, a la más baja, usando las luces y las sombras. Esta
manera de colocar luces y sombras obedece al concepto de iluminación cenital.
En lugar de dar pinceladas aplico la pintura, bastante diluida, con la punta del pincel y
dando "picotazos". Ni siquiera dejo secar un tono antes de dar el siguiente y los fundo entre
sí ,en fresco, con los picotazos de marras. El degradado tampoco tiene que ser perfecto,
con que nos queden medianamente reconocibles las zonas de luz y sombra ya vale.


Ahora viene lo bueno. Con la pintura un poco más densa, empezamos a picotear las luces
hacia abajo, es decir, sobre zonas pintadas con el color base y las sombras. Cuanto más
claro sea el tono, menos tenemos que bajar. Para hacernos una idea, la tercera luz debería
estar presente solo en el tercio más alto del volumen, la segunda entre el primer y el
segundo tercio y la primera entre el segundo y el tercer tercio. El objetivo es tener el mismo
contraste en todas las zonas pero manteniendo el concepto de luz cenital.
La textura de la pintura es
importante. No debe estar tan
diluida como en el primer paso, si
no, no conseguiremos que la
textura se defina. Pero tampoco
debe estar demasiado densa, si no,
no podremos integrar esos
picotazos con el color de fondo.
Este proceso de estirar las luces

hacia abajo picoteando, lo
repetiremos varias veces hasta que
estemos satisfechos del resultado.
Si en alguna parte nos pasamos y
llegamos a cubrir absolutamente el
tono que teníamos originalmente
debajo, usaremos el mismo sistema
pero picoteando con el tono de
sombra original.


A medida que he ido avanzando, necesito

concretar el perfilado de los elementos que
sobresalen, la correa central y los refuerzos en
los bordes. El perfilado lo hago con negro,
cuidadosamente, y después fundo la
pincelada con una sombra intermedia.
Una vez que la textura empieza a

convencerme, doy algunas pinceladas a modo
de cortes con una sombra media en las zonas
de luz y con una sombra oscura en las zonas
de sombra para simular, pues eso, cortes y
desgastes del cuero. También picoteo con la
tercera luz en zonas que no le corresponden,
es decir, en las zonas de sombra, para simular
raspones y desgaste.


Realzo los cortes pintando una línea de luz debajo de la línea de sombra. Si el corte se ve
demasiado marcado lo suavizo, picoteando con el tono correspondiente a esa zona,
bastante diluido, a modo de veladura controlada. Lo mismo con los raspones de color claro.
En la correa central y los refuerzos laterales me dedico a realzar los bordes con una luz
muy intensa, pero a modo de cortes, no continuadamente. Para hacer esto, la mejor
manera es poner la pieza en la posición más cómoda y apoyar el lateral del pincel en el filo
del borde y recorrerlo a saltos.


Otra cosa que queda bien es simular la tensión del cuero en las curvas de los refuerzos y
donde se cose el refuerzo a la tapa, simulando pequeñas arrugas y cortes de la manera
descrita anteriormente. La luz más clara se usa solo en la parte más alta, mas iluminada,
para simular el desgaste.
Finalmente pinto las partes

metálicas con gama de grises.
Aunque en la ampliación se ve un
poco churro, al natural da el pego
totalmente...
Lo siento por el tocho, un saludo.


Pintar el color negro :: Finn "misterfinn" Kisch
Ya han pasado unos meses desde mi artículo sobre pintar el blanco, y estoy seguro de que muchos
habrán tenido suficiente tiempo como para practicar y perfeccionarse en las técnicas de pintura
relacionadas con el color más luminoso de la naturaleza. Ahora toca volcarnos en su antítesis: el negro.
Una Mirada a la vida real
Al igual que ocurre con el color blanco, podemos aprender mucho sobre el negro observando objetos
cotidianos.
Dado que estos objetos son negros, el color de su “tono base” y sus “sombras” son idénticos. Todas las
áreas grises o blancas que vemos en estas fotos son luces. Este es nuestro principio fundamental a la
hora de pintar con negro. Al igual que los objetos blancos se definen a partir de sus sombras, los objetos
negros se definen a partir de sus reflejos.
He colocado intencionadamente las fotos desde el final más apagado (la camiseta) a el más brillante (el
coche). Notad cómo los reflejos cambian de un objeto a otro. En nuestra camiseta, de acabado mate, las
luces son pocas y difusas. El acabado satinado del cuero refleja más luz, aunque sigue siendo
principalmente difusa. Los trazos más brillantes se localizan en los bordes, donde se concentran los
reflejos. Y llegamos al coche, donde los reflejos se vuelven muy nítidos y direccionales. Fijaros incluso en
el capó, donde ni los filtros de difusión que han utilizado con la cámara pueden obscurecer por completo
el reflejo circulas de la luz que lo ilumina.
Una vez comprendido cómo percibimos los objetos de color negro el pintarlos se hace más fácil. Al igual
que hicimos con el blanco, amplificaremos el efecto visual de la luz natural. La complejidad residirá en
discernir, mientras estemos pintando, qué es pintura y qué es realmente luz natural.
Preparación
Utilizaré un Goreshade como mini modelo. La voy a hacer para el ejército de mi amigo Chris, al cual le
gusta utilizar metales oxidados, bronces y metales negros con brillos verdosos. He pintado todo excepto
las partes negras para ahorrar tiempo.
La imprimación negra se encuentra en la zona mate de este color. Como la fuente de iluminación de esta
por encima de la cabeza de la mini, he conseguido obtener un “mapa de reflejos” de la misma. Pretendo
que las ropas permanezcan difusas (como la camiseta) y quelas piezas de la armadura sean más
brillantes. Para ello utilizaré colores más oscuros y “fusionados” más suaves en la ropa que en las piezas
de la armadura y haré las luces de la armadura más brillantes y nítidas que las de la foto.
Pintar la ropa
La tela que tiene el Goreshade alrededor de la cintura está llena de arrugas, por lo que es muy sencillo
localizar las zonas iluminadas.
El gris que voy a utilizar es una mezcla personal 50/50 de negro y Plague (un verde aceituna suave) de
Adikolor. Los grises en la vida real casi nunca son neutrales, porque los negros casi nunca son totalmente
negros. Algunos, por ejemplo, son marrones muy oscuros; otros son verdes muy oscuros, y otros son
azules muy oscuros. A causa de este fenómeno voy a crear mi propio gris a base de mezclas para
conseguir el efecto de textura que busco. Si quisiera, un suponer, iluminar ropas de cuero negro, utilizaría
un color beige para iluminarlo. En este caso utilizaré el Plague porque quiero que conjunte con sus otras
ropas verdosas. El efecto será sutil, pero importante.
Mi siguiente paso es suavizar los bordes de la pintura gris, creando una transición perfecta desde el negro
hasta el gris oscuro.
La diferencia entre esta foto y la anterior es difícil de ver sin tener la mini en la mano para poder verla bien
y girarla. El fusionado es fácilmente detectable en el área que se encuentra justo a la izquierda de la
rodillera, exactamente debajo de los dedos.
La iluminación dada es aún muy sutil para una mini de concurso. Aunque ahora mismo sería “realista”,
necesito amplificar la luz aún más si quiero que se vea tan bien a unos 30cm de distancia. También
quiero que se note la diferencia entre la tela principal y los flecos de abajo. Lo haré dando un par más de
luces a los flecos, como si fueran más brillantes que el resto de la tela.
Pintar la armadura
Estoy satisfecho con la apariencia de las telas, por lo que ahora centraré mi atención en la armadura. La
parte más complicada será la gran y curva superficie de sus hombreras. Como quiero que la armadura
brille más que la capa de imprimación y no tengo bordes nítidos en los que emplazar los brillos, tengo que
imaginarme el lugar de la placa en el que se concentrarían los reflejos.
El foco superior me da una pista suficiente, por lo que puedo situar grosso modo el lugar donde estarán
los reflejos.
Desde aquí el trabajo consiste en hacer una transición hasta un gris claro (casi blanco) sin salirme de la
zona de brillos que he definido. Para esta pieza no utilizaré mi propia mezcla de grises. Se supone que la
armadura, al estar pulida, será muy reflectiva, y por ello utilizo Gris Espectral de Adikolor, un gris claro
“frío” similar al Gris Fortaleza de GW. La foto superior muestra una mezcla 50/50 de Gris Espectral y
negro. Lo iré iluminando hasta Gris Espectral puto en las zonas más brillantes.
Esta foto está un poco sobreexpuesta, pero aún así se puede ver perfectamente las transiciones tan
rápidas de blanco a negro que hay en la espalda y los hombres. Tambien se puede ver la nítida
iluminación de los bordes de los dedos de las manos y los pies y la parte superior de su muslo por encima
de la rodillera. Notad el efecto “aureola” que se forma en su pelo (aún sin pintar), simulando una corona;
se ve que estos brillos, naturales, son un poco más oscuros que los de su espalda, que están pintados.
En último lugar me dedicaré al dicha aureola.
Aquí tenéis varias fotos del modelo final desde varios ángulos y utilizando filtros que difuminan la luz para
mostrar mejor los reflejos pintados.
Hasta la próxima—

Pintar el color blanco :: Finn "misterfinn" Kisch
Hay dos colores que nunca fallan a la hora de confundir a los aspirantes a pintores. Uno es el negro,
sobre el cual hablaré en otro artículo. El otro es el blanco. El negro y el blanco son problemáticos porque
se encuentran al principio/final del espectro de luz; no se puede oscurecer el negro ni iluminar el blanco.
El tratamiento normal en tres tonos (base / sombras / luces) no funciona. ¿Qué hacemos entonces?
Una mirada a la vida real
Tu casa u oficina están llenas de cosas blancas. Seguro que tienes una camisa blanca, una taza blanca,
papel blanco e incluso puede que un coche blanco. Observar esos objetos con ojo crítico te dirá mucho
sobre la forma de usar el color blanco en tus minis.
Estas fotografías de objetos blancos sobre fondo blanco ilustran un concepto clave sobre pintar el blanco.
Los objetos blancos se definen principalmente por sus sombras. Cuando miras estos objetos te das
cuenta de que no tiene un color propio que los diferencie del fondo. La única forma de conocer la forma
que tienen es interpretando las sombras que producen.
Al mirar cualquiera de los objetos de arriba puedes visualizar claramente la fuente de luz. Para la camisa
se encuentra en la parte superior izquierda. En el bolso se encuentra en la parte superior derecha. En el
caso del iPod, la luz está directamente encima, alineada sobre el borde derecho. La fuente de luz
determina la sombra, y la sombra determina tu percepción del objeto.
Seguro que alguno ya piensa: “¡Genial!, mis minis ya son 3D, por lo que tendrán sus propias sombras!
Hago una capa y listo”. Por desgracia en el pintado de minis no es así. Las sombras propias de una mini
no están a escala, se difuminan y se pierden al mirarlas a cierta distancia. Al pintar nosotros las sombras
reforzamos el efecto de la luz natural y nos aseguramos que la mini se vea bien incluso a cierta distancia.
Preparación
Usaré un Cygnar Journeyman Warcaster como mini modelo. Mis Cygnar están pintados mitad y mitad de
blanco y azul. Las partes azules ya están hechas, por lo que sólo me encargaré de las partes blancas.
Lo primero a tener en cuenta es la fuente de luz. He pintado el azul de forma que refuerce el efecto de
una iluminación desde arriba. Por ello, el blanco tendrá que usar el mismo punto de luz. La forma más
sencilla de ver cómo serán las sombras es, simplemente, colocando la mini bajo una fuente de luz
direccional:
Lo que se ve aquí son solamente unas finas capas de blanco como imprimación de las áreas que pronto
serán blancas. La lámpara usada para esta foto se encontraba justo encima de la mini, por lo que se
pueden ver los reflejos brillantes en los bordes del modelo. Fíjate dónde caen las sombras naturales en
las zonas blancas. Hay una sombra muy bien delimitada en la parte inferior del brazal del brazo izquierdo
de la mini. Hay unas sombras un poco más complejas en la zona de los remaches y una sombra gradual
en la tela de abajo y en el pantalón. Lo único que tenemos que hacer es pintar esas sombras.
Una nota sobre la elección de colores: Voy a utilizar dos colores para todas las sobras de este ejemplo.
Uno de ellos es el blanco. El otro es un gris azulado de Vallejo (#907). Este es un gris azulado estupendo
que tiene un aspecto muy natural cuando se usa para sombrear blancos. Simula un blanco “frío”, como el
de nuestro ejemplo de arriba. Para un blanco “cálido” usaría un gris amarronado para las sombras. Mi
color favoritos para los blancos “cálidos” es el Polvo de Batalla de Adikolor. Podrás verlo en un modelo de
Menoth al final de este artículo.
Pintura
Yo suelo empezar marcando las areas sombreadas.
En esta foto (y la siguiente) he movido la lámpara. Ahora está por debajo de la cámara. Todas las
sombras que veis están pintadas.
Aunque no se pueda ver muy bien se distingue que los grises tienen los bordes sin difuminar y que el
color no es uniforme, pero definen las áreas sombreadas que vimos en la fotografía de referencia.
Muchas de estas áreas de sombra son directamente gris puro. La pequeña línea en medio de la ropa es
mitad gris y mitad blanco.
Empezaré limpiando la zona de la tela. Manteniendo el pincel fino, he fundido “en mojado” los bordes del
gris en el blanco. No quiero hacer esa transición demasiado gradual. Mirad la foto de la camisa al principio
de este artículo, ¿veis los crudas que son las arrugas? Ese es el efecto que perseguimos. Todo lo que
quiero es desdibujar los bordes de las áreas sombreadas para que no parezcan muy marcadas
En la primera pasada dibujo una línea fina de Gris Pálido sobre el borde ya existente del pliegue de la
izquierda. Enseguida (y sin enjuagar el pincel), cojo algo de blanco con el pincel y dibujo una línea justo al
lado superponiéndome un poquito. Como la capa de pintura es fina y el pincel está húmedo, los bordes de
los dos colores comienzan a fundirse. Le devuelvo la punta al pincel con la lengua y con cuidado dibujo la
línea entre los dos colores para fundir aún más la transición.
Y entonces me paro.
No, en serio, esto es importante. La major forma de estropear una transición es seguir trabajando en
ella mientras se seca. Si continuas trabajando sobre la pintura mientras se seca el pincel creará surcos
en la capa de pintura y arruinará el suave efecto final. A veces incluso puedes llegar a eliminar capas de
pintura con el pincel. Esto deja a la vista agujeros tan obvios que son difíciles de rellenar. Incluso si el
fundido no es perfecto, lo dejaré e iré por el siguiente.
Podéis ver que los borden están empezando a suavizarse, pero aún hay zonas en los que la capa de gris
no es uniforme. Disuelvo un poco más mi pintura, hasta hacerla translúcida. Aún es más densa que un
lavado o una veladura, pero no mucho más. Como mi pintura está muy diluida puedo aplicarla en capas
para suavizar los cambios bruscos.
Este es el resultado después de limpiar las capas:
A mi me parece correcto, por lo que me dedico ahora a las placas de la armadura. Aplicamos la misma
técnica de fundido, aunque las transiciones deberán ser más “afiladas” en este caso debido a la forma de
la armadura. La foto de la izquierda esta echa tras la primera pasada, mientras que la derecha está hecha
tras el proceso de “limpieza”.
Tras completar la primera pasada la armadura no se veía lo suficientemente oscura en las zonas
profundas de las sombras. Durante la limpieza he mezclado una pizca de negro con mi Gris Pálido para
exagerar el efecto de la sombra tal y como ves en la foto de la derecha. Esta exageración proporciona
profundidad y volumen a la mini, especialmente en la placa del codo.
Todo lo que queda es perfilar con mucho cuidado los bordes. Esto limpia los posible “chorreones” y da
una apariencia limpia y nítida a la mini
Algunos ejemplo adicionales
La Capitán Haley muestra perfectamente las ventajas de esta técnica. Su túnica es mayor que la de
nuestro ejemplo, por lo que tiene una mayor complejidad en el sombreado. Mirad que “afilados” son los
bordes en las arrugas profundas de la capucha
Kreoss, aunque principalmente es marrón rojizo, se beneficia de las zonas blancas de su armadura. Este
es un blanco “cálido”, en el que se utiliza Polvo de Batalla de Adikolor en logar de Gris Azulado Pálido
para sombrear.
Hasta la próxima

Tutorial de Metales No Metálicos (MNM)
Cómo pintar una armadura con un acabado plateado.
Tutorial original en http://www.kaple.dk/?page=tutorials&id=67
La expresión MNM se utiliza para definir los llamados Metales No Metálicos. Esta es una
técnica de pintura por la que se da una sensación metálica sin utilizar pinturas metalizadas; en
lugar de ello se pintan reflejos utilizando la escala cromática común.
Con ello se consigue un efecto metálico más limpio y brillante, pero por otro lado resulta difícil
de realizar y requiere paciencia y buenas habilidades de degradado para resultar efectivo.
1.‐ Preparación: la figura se ha limpiado e
imprimado en blanco utilizando el spray de GW
2.‐ Capa Base: Se
mezcla “Shadow Grey”
de GW y “German grey”
de Vallejo tal y como se
ve en la parte inferior
derecha de la siguiente
figura. La proporción de
mezcla es de 5 partes de
“Shadow Grey”, 3
partes de “German
grey” y 5 partes de
Agua. La mezcla
resultante se aplica
uniformemente sobre la figura en dos capas para cubrirla completamente.
3.‐ Primeras luces: Estas luces son bastante suaves. Se añade un poco de “Blanco Craneo” de
GW al color base y el color resultante (más claro) se funde con el color base de forma muy
suave. El color que utilizo es el que aparece marcado con u círculo en la foto de la paleta. Esto
es aplicable al resto del tutorial.
Al fundir es
importante el
aclarar la
densidad d el
color al
máximo y
aplicar capas
finas que
apenas
cubran.
Necesitarás
aplicar varias
capas debido
a la poca cantidad de pigmento que habrá en el pincel. Pero precisamente esa poca cantidad
de pigmento te permite tener un gran control sobre el color, ya que podrás ver cómo el color
comienza gradualmente a cambiar y hacerse más claro. Puedes crear una transición muy suave
utilizando esta técnica con cuidado.
El truco de los MNM es iluminar los grises como si estuvieran reflejando algo. Esto lo hemos
hecho en este caso de forma muy simple no iluminando los bordes y las áreas “superiores” de
la figura tan y como se haría normalmente. En lugar de ello hemos iluminado en dirección al
centro de las placas de la armadura, ignorando los bordes y las áreas “superiores”.
4.‐ Segundas
luces: De
nuevo el color
utilizado es el
que aparece
marcado con
un círculo en
la foto de la
paleta. Y, de
nuevo, hemos
utilizado el
blanco para
aclarar. Esta
iluminación es más potente que la primera dado que la diferencia de matices entre el color
iluminado y el color anterior es bastante grande. En este paso utilizamos dos técnicas de
degradado diferentes para crear una transición suave. Primero aplicamos suavemente el color
en el área y después retocamos y “trucamos” las áreas donde la iluminación se ha vuelto
llamativa. El color que utilizaremos para “trucar” el área es el que utilizamos para las primeras
luces, el cual hemos tenido cuidado de no dejar que se seque para poder volver a utilizarlo si
nos era necesario.
“Trucar” es una técnica en la que se utiliza un color intermedio entre otros dos para crear una
transición suave entre ambos. Por ejemplo, se podría utilizar un gris normal para “trucar” el
paso de un gris claro a un gris oscuro y así crear una transición suave entre ambos.
De nuevo: La clave a la hora de trabajar de forma suave o “trucando” es utilizar colores muy
diluidos y con muy poco pigmento en el pincel. De esta forma se puede controlar el color y
aplicarlo de forma inteligente.
5.‐ Terceras luces:
Añadimos más
blanco a la mezcla
para crear, de
nuevo, una
iluminación muy
potente que debe
ser aplicada
suavemente y
“trucada” sobre la
figura.
Hay que darse cuenta de que ya empezamos a ver las luces centrándose en las partes medias
de la armadura, pero extendiéndose un poco hacia los bordes. Debemos tener cuidado y no
iluminar todos los bordes sin importarnos las ganas que tengamos de hacerlo. Ello arruinaría el
efecto MNM y daría un aspecto grisáceo a la mini.
Como se puede apreciar los degradados no son perfectamente suaves en este paso, pero
debemos esperar hasta el último paso para crear el último “suavizado”.
6.‐ Últimas luces:
Utilizando blanco
puro. El blanco
que utilizaremos
será el “Blanco
Cráneo” de GW.
Este paso
requiere
muchísimos
“trucados” y
aplicaciones
suaves entre la
anterior iluminación y el color blanco.
Dado que el aspecto final debe ser metálico dejaremos que esta última iluminación sea amplia
y cubra gran parte de la armadura. Así crearemos un efecto de brillo.
Nos damos cuenta de que hemos utilizado solamente 4 iluminaciones para crear un degradado
suave entre un gris oscuro y blanco puro. La razón es, probablemente, que hemos empleado
muchísimo tiempo trabajando con los colores en todas las etapas, aplicando técnicas de
degradado suave y “trucados”.
7.‐ Última fase: En esta fase simplemente perfilaremos utilizando “Negro Caos” de GW.
Ya hemos terminado nuestro MNM. Como podemos ver no era tan complicado como podría
parecer. Espero que este tutorial os haya sido de ayuda.
La figura terminada:

VELADURAS Y TONOS
En este post, voy a dar unas explicaciones, lo más precisas y concretas posibles acerca
de las veladuras y de su aplicación para lograr diversidad de tonos en las minis.
Aunque la mayoría ya sabrá que y como es una veladura, y probablemente las usen
habitualmente, al ser la base del trabajo realizado en la explicación, voy a contar las
nociones básicas que hay que tener para emplearlas. Estas nociones son las que yo
tengo y entiendo, y son las que hacen falta para poder seguir el post. Por supuesto,
pueden complicarse mucho más, darle montones más de usos y matices, los cuales
podréis encontrar buscando por el foro, pero con estas, yo creo que es fácil apañarse.
Definición: una veladura es una capa de pintura, con muy poco pigmento, ni mas ni
menos. Al ser tan diluida, su principal característica es que deja ver bastante la capa que
posea debajo, modificando su vista original (es una especie de “filtro”, si lo queréis ver
así). En mi caso la proporción suele ser de un 90% de agua y un 10% de pintura. Podéis
hacerlo contando por gotas de agua y pintura en la mezcla, cosas más a “ojimetro”, bien
ya por la experiencia ya adquirida (en cuanto las uséis un poco, estas cosas salen solas)
o bien variando en función del efecto concreto que busquéis.
Función: Una veladura sirve, como una capa de pintura que es en el fondo, para todo:
podéis sombrear, iluminar, variar de color, fundir y hacer degradados entre dos o más
colores... con la experiencia y la práctica, podéis hacer casi cualquier cosa a base de
velar. Otra cosa muy diferente es que para que es más útil una veladura, y este es
nuestro caso: para mi, las funciones más sencillas, útiles y efectivas de la veladura, son
le dar tonos diferentes a colores y superficies ya pintadas, y lograr sombreados muy
efectivos.
Como hago la veladura:
- En primer lugar, es importante usar un pincel de buena calidad, no sintético, ya

que son los que mejor cargan la pintura y la depositan, y en esta técnica, esto es
la base, la suavidad y la sutilidad. Por supuesto lo podemos hacer con otros
pinceles (de hecho, yo lo he hecho montones de veces), pero tendremos que
esforzarnos más para obtener el resultado.
- La mezcla de agua y pintura es conveniente realizarla con otro pincel distinto al
que usamos para pintar (el bueno...), ya que cargaremos de pintura y agua y
removeremos bien para disolver y homogeneizar la mezcla, y eso puede
deteriorar con el tiempo el pincel (al igual que antes, tampoco es imprescindible
usar 2 pinceles, solo nos facilita la tarea)
- Ahora cargamos el pincel bien con nuestra “agua de color” y lo descargamos
suavemente de pintura: esto consiste en posar el pincel sobre una superficie
absorbente y dejar que la mayor parte del agua se vaya por capilaridad. Esta
superficie absorbente es un simple papel de cocina (es mejor no usar papel
higiénico, ya que puede desprender pequeños hilos de fibras vegetales, muy
pequeños, que quedaran depositados en la mini, y que al secar, le darán un toque
descuidado). Un trapo de tela es también una buena solución.
- Una vez descargado, pues como con cualquier otra técnica de pintura, pasamos
el pincel, siempre en una misma dirección a ser posible (arriba-abajo, izquierda-
derecha) y pintamos normalmente la superficie.
- Si vemos que hay un exceso de agua al depositar el pincel, o que el color o la
mezcla aplicada no nos convence o nos hemos pasado de zona, con un pincel
limpio y agua , podemos retirarla rápidamente, “lavamos” la superficie, antes de
que seque. Esta es una gran ventaja de esta técnica: al ser mayoritaria mente
agua, no nos deja restos al limpiar
- Y esa es la técnica: al cubrir con tan poca pintura, cada paso implica que
debemos hacer esto varias veces, dejando secar (no os preocupéis, cada capa
seca en muy poco tiempo, y mas si uséis un foco potente para iluminar) antes de
pasar a la siguiente, hasta ir obteniendo los colores que os vayan gustando más.
A continuación, voy a tratar de explicar primero cuales son los pasos que sigo para
lograr el efecto deseado de diferentes tonos en una miniatura. Conociendo mi habilidad
para sacar fotos, y que cada paso es a veces muy sutil y no se iba a apreciar nada
concreto, he preferido hacer un montaje con dibujos, mas sencillo, pero creo que es mas
intuitivo y claro. Para ello he cogido una foto del Airtis que pinte hace poco.
[IMG]http://i150.photobucket.com/albums/s83/Elroi_77/airtismio.jpg[/IMG]
El paso 1 es tal y como quedaría una mini, después de haber dado una capa base, unas
sombras generales, y una iluminación completa (es decir, al menos 5 o 6 capas de
luces). En este paso es donde yo normalmente me quedaba hace unos años y es el paso
típico de la pintura GW, es decir, acabar en luces.
[IMG]http://i150.photobucket.com/albums/s83/Elroi_77/velad1.jpg[/IMG]
Normalmente ahora se da el paso de sombrear en determinadas zonas, y en mi caso

concreto, extiendo ese paso adicional para dar muchos tonos y un sombreado extra. Por
eso mismo, si os habéis fijado, mis minis sueles ser bastante oscuras por este motivo.
Vamos a ello!
[IMG]http://i150.photobucket.com/albums/s83/Elroi_77/pasos1-3.jpg[/IMG]
Paso 1
Doy una veladura muy suave, normalmente con un único color (o mezcla), que sea lo
mas neutro posible comparado con el resto de colores que voy a usar. Es decir, si los
tonos serán rojizos y púrpuras, usaría un Red Gore, que es apagado y poco llamativo.
Este paso es en toda la superficie de la miniatura en general, para empezar a definir el
tono que va a predominar. La elección de colores obviamente siempre va a ser algo
subjetivo y personal, pero os remito al PaP de J. Martín de entonación y a los post de
teoría del color para sacar detalles concretos.
Paso 2
Ya trabajo velando exclusivamente sobre las zonas de sombras que se nos habían
creado al aplicar las luces, pero extendiéndome bastante, es decir, ocupando mas
superficie de la que las mismas sombras tenían. En el dibujo fijaros que el color rojo
aplicado ahora, ocupa más superficie que el marrón existente previamente. Esto es para
enlazar las sombras creadas antes, con las que estamos aplicando ahora. El color usado
debería ser más intenso que el de la veladura primera, bien sea usando un poco más de
pigmento en la mezcla (una veladura algo mas fuerte) o bien añadiendo colores más
vivos (en nuestro caso, hacer la veladura con el Rojo Gore inicial y añadir Rojo Sangre,
más intenso, y un púrpura, para variar el tono), cualquiera de las 2 opciones es buena,
solo depende vuestro gusto personal.
Paso 3
Usando la mezcla con la que sombreamos en el paso anterior, pero con un poco de
pintura más (es decir, menos veladura y más densidad), marcamos aquellas zonas que
queramos resaltar mas y que en la miniatura no están esculpidas o que queremos
pronunciar mas aun, como pueden ser fibras musculares, venas, etc. En este caso, he
marcado mas aun las fibras del pectoral que están esculpidas y he “dibujado” alguna
extra. Todo esto lo hacemos con varias capas de pintura, no una única sola.
Paso 4
Aquí seguimos profundizando en la intensidad de la sombra, en menos superficie (es
como lo que hacemos cuando damos luces, pero con los conceptos al revés: en las zonas
menos expuestas, y con colores más oscuros). Además, suavizamos la transición de los
trazos del paso anterior en el conjunto (bien sea con veladuras oscuras, o uniendo ambas
zonas con las luces adecuadas). Para las sombras en este paso, el ejemplo de color que
yo he usado serían veladuras con una mezcla de púrpura (dando oscuridad) y de rojo
sangre (dando viveza).
Paso 5
Pasos finales del proceso de sombrado, que se ven bastante claros en el esquema. En las
zonas de más sombra, le meto un color ya netamente oscuro, como el purpura, con algo
de azul en al mezcla, para enfriar solo un poco. También marcamos las sombras de
nuestros trazos adicionales del paso 3, de la misma forma que el resto de la mini.
A partir de ahora ya entramos en un terreno que es netamente de gusto personal mío, y

es el añadir tonos “extra” que no tienen en principio mucho que ver con lo que seria
algo fiel a la realidad (pero yo soy un loco de la fantasía y es lo que menos me
preocupa, en el fondo ;) ). También tiene mucho de influencia de artistas que me
marcaron al ver sus obras, como el maestro Frank Frazzeta. Este es un ejemplo de tonos
en la piel (especialmente el de la ilustración de Conan) , que no suelen encontrarse
habitualmente:
[IMG]http://i150.photobucket.com/albums/s83/Elroi_77/conancopiar.jpg[/IMG]
[IMG]http://i150.photobucket.com/albums/s83/Elroi_77/deathdealer1.jpg[/IMG]
Continuamos la explicación:
Paso 6
Ahora escojo un color, por lo general complementario al predominante en las sombras
(aunque esto tampoco es imprescindible, es cuestión de cual es tu gusto), y doy un
segundo sombreado, muy ligero, a base de veladuras, cubriendo una zona intermedia
entre las sombras recién dadas, y las zonas de luz normales. En este caso, me he
decantado por tonos verdosos (no sorprendo a nadie, no? )
Paso 7
Me limito a marcar un poco más intensidad en este segundo sombreado, con un verde
algo más intenso (al igual que antes, podemos aguar menos la veladura, o mezclar con
un tono más oscuro, ambos valen), y en solo algunos puntos concretos, ya que no quiero
exagerar el efecto del segundo sombreado, para no restarle el protagonismo al primero,
que es el que realmente cuenta. Aquí use una mezcla de 2 o tres colores verdes, con
predominancia del que usé primero, para esos “puntos de oscuridad”
Pasos 8-10
En estos últimos tres pasos, la predominancia de lo que queráis hacer cada uno ya es
total (siento repetirme, pero es así). En el paso 8, doy una veladura general –a toda la
superficie- con el verde, pero aun mas leve que la del paso 6, para conseguir mas
homogeneidad de tonos. Después suelo jugar con veladuras generales a toda la
superficie, hasta alcanzar el grado de originalidad/realismo/ida de perola, que queramos
alcanzar: aquí me limite a una veladura con rojo muy vivo, pero muy leve (paso 9), para
volver a “darle vida” a la piel, y finalizar con una de Gris lobo (en realidad es un azul,
que me encanta personalmente), para obtener el tono final buscado. En realidad, podeis
hacer el paso 8 y 9 solamente, hacer los 3, velar solo en rojo o en azul, probar otros
colores, experimentar....
Como podéis imaginar, los pasos vistos en Photoshop son muy bruscos, son únicamente
orientativos para la explicación y al real no deben verse tales transiciones de color. En
segundo lugar, normalmente cada paso incluye varias capas de la veladura
correspondiente, para alcanzar el tono deseado, muy poco a poco, para poder corregir en
caso de error o tono no deseado.
Y por supuesto y más importante, este sistema es el que yo uso: no es el mejor, no es el

más adecuado para según que efectos o estilos (y viceversa, claro), así que no lo debéis
tomar como manual a seguir, sino como una explicación de una herramienta más, cada
vez que busquéis un efecto parecido a los que he descrito.
Como veis en el ejemplo siguiente, el efecto conseguido en mi Airtis es muy diferente
al que consiguió J. en el suyo (todo un prodigio de limpieza y luz), y eso es lo que
quiero resaltar: dos técnicas diferentes, para dos objetivos diferentes, dan dos minis
completamente distintas. No hay una mejor o peor, sino una que te guste mas que otra, o
simplemente dos minis que te gustan pero no puedes comparar al ser tan diferentes.
[IMG]http://i150.photobucket.com/albums/s83/Elroi_77/comparacionJ-yo.jpg[/IMG]
Finalmente, pongo una recopilación de minis mías, en las cuales podéis ver la técnica
explicada, pero usada en diferentes superficies, contextos y superficies.
Airtis al completo
[IMG]http://i150.photobucket.com/albums/s83/Elroi_77/airtis.jpg[/IMG]
Minotauro: veladuras aplicadas a la piel y a los metales
[IMG]http://i150.photobucket.com/albums/s83/Elroi_77/MINO.jpg[/IMG]
Daturazi: aplicadas a tonos de una armadura futurista no metalica
[IMG]http://i150.photobucket.com/albums/s83/Elroi_77/final-1.jpg[/IMG]
Bárbaro Vorag: piel menos oscura que el Airtis, y veladuras en el cuero
[IMG]http://i150.photobucket.com/albums/s83/Elroi_77/barbaroVorag.jpg[/IMG]
Carnifex: para dar tonos en grandes superficies lisas
[IMG]http://i150.photobucket.com/albums/s83/Elroi_77/carnifex.jpg[/IMG]
Bueno, eso es todo. Espero que os sirva de ayuda y que os resuelva mas dudas de las
que os genere :P
Para esto, aquí dejo el post de preguntas:


Tutorial: Cómo pintar mármol por Karaikal (David)

Lo más importante es pintar sobre una superficie lisa y libre de imperfecciones.
La capa base la aplicamos utilizando un aerógrafo para crear una fina superficie de color uniforme Un buen color
para esto es el Comando Kaki con una puntita de Ocre Verde de Vallejo .
A continuación dividimos el área en piezas como si fueran baldosas delimitándolas con una finísima línea gris oscura
(aquí? es importante tener buen pulso )
Con aerógrafo también (o con una esponja ligeramente mojada en pintura y dando pequeños toquecitos),
aplicamos unos tonos más claros (Comando Kaki + Hueso de Vallejo) y más oscuros (añadiendo marrón a la base) de
manera aleatoria. por toda la superficie. Intentando que zonas oscuras de una baldosa estén contiguas a zonas
claras de otra, para de esta forma crear un contraste mayor que no ayude a enfatizar el efecto final.
Una vez que tenemos todas las baldosas definidas y con una sensación de heterogeneidad pintamos con un pincel
muy fino las vetas (utilizando Comando Kaki + una puntita de negro). Es importante fijarse en que normalmente las
vetas del mármol suelen tener el mismo patrón de dirección y no son líneas rectas sino sinuosas y que se van
subdividiendo (imaginaos un río con sus afluentes).
Posteriormente en las zonas más anchas de las vetas o donde se cruzan dos o más, pintamos finísimas líneas con
negro para dar más sensación de profundidad.
Y para terminar el toque maestro. Normalmente el mármol pulido es muy brillante así que es muy importante dar
varias capas de barniz brillante para crear ese reflejo. En este caso yo utilicé barniz cerámico aplicado con aerógrafo,
pero también se puede utilizar un barniz acrílico aplicado a pincel (siempre que entre aplicación y aplicación se deje
secar completamente para no formar grumos).
Tutprial de Mármol de Karaikal (David)
Artículo original del foro del Spanish Team: http://www.spanish‐team.com/

Tutorial: Uso de Pigmentos MIG por Pea

Bueno el procedimiento para conseguir un
efecto de suciedad polvorienta con un pincel
viejo es el siguiente: Primero untas un poco,
queda superficial, limpias el pincel y vuelves
a darle para extender; entonces ya se queda
entre el pigmento. Realmente no lo fijas solo
lo manchas....si lavaras la figura se irían.
Lo suyo es pillar una loción que vende MIG aparte para conseguir lo verdaderamente chulo.
Puedes dar consistencia y crear barro y muchísimas cosas chulas.
Un pequeño consejillo que he aprendido aparte de lo que ha comentado es el siguiente.

Puedes aplicar la base del pigmento sin apretar para conseguir terrenos arenosos o
pegotes. El problema es que eso si soplas o lo manipulas se cae a lo que ahora viene el
trúquete...después de aplicarlos pillas un poco de barniz mate y lo aplicas encima con
cuidado. Eso hace que se quede fijo. No es lo mismo que la loción, pero da buen resultado.
Tutorial de Pigmentos MIG por Pea

Artículo original del foro del Spanish Team: http://www.spanish-team.com

El Arte de Esculpir Miniaturas

Las técnicas y fundamentos
Por Ramon Laan
Traducido por Juan Carlos
‘Shae’ (Spyglass Miniatures)
Las fotografías son por cortesía de Steve Buddle de ‘Spyglass Miniatures’.
Artículo Original de Ramon Laan

http://www.miez.nl/putty-n-paint/tutorials.php
Notas a la traducción
Primero decir que el documento original, se puede encontrar en el grupo de usuarios de

yahoo 1lissculpitng. Segundo he intentado hacer una traducción lo más fiel al original, así que
teniendo en cuenta mis intenciones y que es de mis primeras traducciones quizás el
documento haya quedado un poco extraño. Aun así espero a ver sido lo más fiel posible y
conseguir en la traducción transmitir lo mismo que Ramon Laan en su original.
1.- Introducción
Bienvenidos a este pequeño tratado sobre la escultura de miniaturas a pequeña escala. Este
tratado esta basado en una conferencia que di en Ropecon (Finlandia) en 2003. Durante esa
época acababa de empezar a comprender cómo hay que emprender realmente la tarea de
esculpir una figura desde cero. No es fácil comenzar, pero tuve la suficiente suerte de tener
algunos excelentes guías que me ayudaron inmensamente dándome indicaciones, consejos
generales y críticas de cómo hacerlo. Deseo mencionar a dos de ellos de forma específica;
principalmente a Steve Buddle de “SpyGlass miniatures” (¡gracias por aguantarme los últimos
años Steve!) y segundo deseo agradecer a todos los colaboradores de la excelente comunidad
de 1lissculpitng de yahoo-groups.
Por favor no creáis que soy un buen escultor o un veterano de esos, más allá de todo ello,
sólo soy un aficionado. Pero como el camino para crear una miniatura decente esta
pavimentado de frustraciones e ignorancia, emprendí la recolección de unas indicaciones
prácticas para la conferencia de Finlandia. El objetivo era presentar a la gente de allí los
principios básicos de la escultura de miniaturas. Después de esto hubo algunos talleres
realmente divertidos para poner en práctica lo que se mostró durante la conferencia. Fue muy
agradable de hacer y humildemente creo que hubo un montón de gente que ha aprendido
unas pocas cosas allí. Terminaré esta introducción con unas palabras para un montón de
gente de Ropecon que podrán recordarme diciendo una vez (err, quizá dos veces ... ¡bueno! Lo
dije cientos de veces pero es cierto! ) ‘practicar, practicar y practicar de nuevo’.
Como resumo abajo, pasaré sobre unos pocos pasos importantes en el proceso de la
escultura de una miniatura.
• Materiales
• El concepto
• El maniqui (dollie) / armazon (armature)
• Rellenar
• Forma de la anatomía básica, piernas y pies
• La cabeza y la cara
• Los brazos y las manos
• Ropas
• Armas y armadura
• Detalles

2.- Materiales
¡Conoce siempre con lo que trabajas! Esto es muy importante para la escultura de miniaturas,
y vale tanto para el medio de esculpir como también para las herramientas.
Lo primero son los materiales de escultura. Existen básicamente dos posibles tipos de
materiales los cuales son muy útiles para esculpir:
• Masilla epoxídicas (epoxy putties)
• Arcilla polimérica (polymer clays)
Masilla epoxídica, es la más ampliamente extendida en la escultura de miniaturas. Masillas

epoxídicas son masillas de dos componentes que necesitan ser mezcladas a fondo (amasadas)
después de lo cual “se secaran” por sí mismas en un corto espacio de tiempo. La masilla
epoxídica “seca” es muy dura y puede recibir un montón de castigo antes de que se rompa, lo
que la convierte en un excelente material para esculpir miniaturas. De todas las masillas
epoxídicas usadas en la escultura de miniaturas la mas conocida es la “masilla verde”
(“Kneadatite” de Polymeric syst. Inc.).
‘Masilla Verde’
La masilla verde se encuentra a menudo en tiras de dos componentes, uno azul y otro
Amarillo. Mezclados juntos se convierten en verde.
Una vez que una cantidad de masilla verde esta mezclada el tiempo de trabajo es bastante
limitado, así que ten en cuenta esto y no hagas demasiada de una vez. A menudo he trabajado
en una pequeña pieza de detalle que no quería cooperar a la vez que el resto de la cantidad se
secaba agradablemente cuando finalmente me hacía falta. Así que haz pequeñas cantidades,
¡Siempre puedes mezclar más! Básicamente tienes entre media y una hora para trabajar con
la masilla verde antes de que este “seca”. Después de un par de horas esta completamente
“endurecida”. El tiempo de secado depende de las proporciones de los dos componentes
usados cuando se mezclan. La mayoría de los escultores usan un poco más de amarillo que de
azul. La temperatura también es importante. A más calor más rápido el secado. Muchos
escultores usan esto para su beneficio haciendo un horno para masilla con una bombilla

montada dentro de un bote de metal con una tapa. La lámpara encendida calienta dentro y
cuando la masilla fresca se pone dentro le llevará simplemente unos minutos para que se
seque. Ten cuidado de no usar temperaturas demasiada altas para secar la masilla demasiado
rápido; yo intento mantenerla por debajo de 60ºC ya que me encontré que con temperaturas
más altas dan a la masilla burbujas hasta quemarla.
También ten cuidado de que la masilla verde nunca se quede dura como una roca. Será, en el
estado completamente curado, un tanto flexible.
Mas tarde volveré a las propiedades de la masilla verde sin secar y explicar porque puede
volver a uno loco intentando trabajar con ella. Se pueden encontrar otras masillas epoxídicas,
y tienen diferentes finalidades.
La masilla verde seca flexible y “elastico”, pero algunas veces quieres un resultado duro como
una roca. Algunas masillas que secan duro son : ‘Magic Sculpt’, ‘Milliput’ y una de mis favoritas:
‘Masilla marrón’.
Arcillas poliméricas son totalmente diferentes de las masillas epoxídicas. Para secarse
necesitan ser ‘endurecidas’ en el horno (Ver las instrucciones del paquete de la arcilla) y
cuando está sin secar el tiempo de trabajo es prácticamente indefinido. Para la mano, no
tengas prisa por esculpir, es muy fácil destruir accidentalmente esa parte de detalle que
finamente lograste conseguir con muchísimo cuidado, poniendo el dedo mientras trabajas en
una parte diferente de la figura. Las arcillas poliméricas son la parte sencilla, pero es necesario
amasar la arcilla bien antes de usarla. Básicamente existen dos grandes marcas de arcillas
poliméricas en venta que tienen mucho uso. En los Estados Unidos se usa “Super Sculpey” y en
Europa usamos “FIMO”. Esto es debido a que Super Sculpey es difícil de encontrar en la
mayoría de los países Europeos (Honestamente no sé por qué, y no sé si FIMO esta disponible
en los EEUU)
FIMO
Yo uso FIMO. Existen varios tipos de FIMO de los cuales uso ‘classic’ y ‘soft’ (ver la foto).
FIMO se dirige como un excelente material practico para cogerle el truco a los pequeños
detalles y las formas básicas. Nunca se seca hasta que se hornea y puedes usarla una y otra
vez si no estás contento. Y generalmente es mucho más barata que las masillas epoxídicas.
Muchas de las ilustraciones en este artículo están hechas con FIMO.

Cuando FIMO se hornea queda un acabado duro y bonito, pero no es tan duro y resistente
como las masillas epoxídicas. Si estas planeando usar tu escultura o conversión en juegos y
serán manoseados a menudo es mejor que uses masilla. Pero para practicar y mostrar
miniaturas las arcillas poliméricas son muy útiles.
Ahora hablaré algo de las propiedades de la masilla verde sin secar y del FIMO sin hornear, y
aquí también presentaré las herramientas para esculpir.
La masilla verde sin secar es muy pegajosa, casi como un chicle. Tiene algo de elástica que
los escultores experimentados aprovechan. Cuando no estás preparado o eres nuevo con la
masilla verde empezarás a creer que la masilla verde es inutilizable, ya que se pegará a tus
herramientas, a tus dedos, y a cualquier parte menos donde se supone que se ha de pegar.
Existe una solución. ¡Lubricación! Cuando eres nuevo con la masilla verde intenta tomar tu
herramienta de esculpir y pon una pequeña cantidad de vaselina o cualquier otra sustancia
aceitosa en ella. Luego intenta trabajar la masilla y te sorprenderás de cómo puedes
fácilmente alisar la masilla y hasta un brillante terminado y como nunca se pegará a tu
herramienta de esculpir. Empecé con vaselina. Sin embargo, hay algunos inconvenientes.
Intenta poner un trozo de masilla fresca sobre otro de masilla seca alisada con Vaselina. No
pegará y especialmente si fue con una cantidad generosa de Vaselina y finalmente se
convertirá en un caos. Una solución sencilla puede ser lavar la miniatura con agua tibia y
jabonosa cuando la masilla esta completamente seca. Sin embargo, yo, y otros muchos
escultores preferimos no usar la lubricación “aceitosa”. Muchos escultores profesionales de ahí
afuera usan agua. Se evapora y no deja (apenas) residuos. La mini permanece limpia y el
lavado no es necesario. Es más difícil aprender como alisar la masilla usando agua como
lubricante, pero a la larga te dará un mejor control sobre la masilla. Existe otro lubricante que
vale, y admito que soy uno de los que lo usan. Saliva. Ten cuidado de que tu boca nunca entre
en contacto con las masillas epoxídicas, incluso cuando estas no sean toxicas. Esto significa
que jamás pongas la herramienta en tu boca. Pero la saliva esta entre vaselina y agua en
cuanto a propiedades. Deberías intentar por ti mismo lo que mejor se acomoda como
lubricante, pero para los muy principiantes sugeriría usar vaselina con la que es
taaaaaaaaaaaaaaaan fácil conseguir un acabado liso en la masilla.
Las arcillas poliméricas son muy diferentes. No necesitan para nada la lubricación y trabajar
con ella es fácil. FIMO sin cocinar es casi como la cera, y también en su trabajo. No es nada
elástico.
Así que ahora que conocemos un poco mas sobre los materiales con los que podemos
esculpir nuestras miniaturas es tiempo de mirar nuestras herramientas, déjame decirte que
para la escultura de una figura de 30mm (que en escala para un humano medio es de 3cm
desde la planta del pie a lo alto de la cabeza; más sobre las escalas más tarde) necesitarás
alguna herramienta elegantemente puntiaguda para esculpir.
Así que encontrar herramientas con buenas formas es importante, la siguiente fotografía
muestra unas pocas de mis herramientas de esculpir favoritas.

Estas tres son las que merece la pena mencionar. La de arriba del todo es también llamada
color-shaper o clay-shaper. Son como pinceles, pero tienen una punta de goma alisada. De
hecho son excelentes, es la que más uso después de la Wax-5. La Wax-5 es la segunda
herramienta desde arriba. Algunas veces llamada el Rolls-Royce de las herramientas de
esculpir, un titulo merecido. Una muy útil hoja y un gran “gancho” al final. Las dos
herramientas de abajo actualmente no tienen sentido para esculpir. Son herramientas de
Pergamano. Son pequeñas bolas de metal lisas en agujas pero son excelentes herramientas
para esculpir algunos trabajos.
Pero lo que es más importante

de tus herramientas es su
superficie. Necesitas una
superficie lisa y limpia para tu
herramienta. Por ejemplo en la
fotografía de la derecha verás
dos herramientas, usadas para
conseguir un acabado limpio y
alisado de un único golpe sobre
un pegote de FIMO. La
herramienta de arriba ostenta
una hoja muy lisa y limpia
mientras que la herramienta de
abajo no esta pulida (tiene
algunas rugosidades en los
bordes del metal) y hay también
algo de vieja masilla seca la
herramienta. La diferencia es
obvia, de verdad.
¡Mantén tus herramientas lisas

y limpias!

Otras fuentes de herramientas son los conjuntos de herramientas dentales, sets de manicura
(por favor díselo a tu madre/mujer padre/marido antes de cogerlo....), agujas para punto o
sembrar (se aplican los mismos comentarios) y Cuchillos Exato o bisturís ( con punta roma o
no). De hecho, el cielo es el límite, ¡básicamente necesita estar lisa y tener una forma útil!
¡Bien! Estos son algunos de los materiales básicos para la escupir miniaturas. ¿Así que ahora
estabas pensando atascarte con ello? Podrías, pero te sugiero que leas primero las siguientes
secciones sobre ‘ergonomía’ y el ‘concepto’. Es extremadamente importe saber lo que estás
haciendo si estas planeando pasar un tiempo esculpiendo. Cuando empecé me sentí
completamente enfermo después de unas pocas horas de trabajo, mi cuello estaba dolorido y
un dolor de cabeza machacaba mi cráneo. Así pues, ¿qué fue mal? ¡Todo!. Mi postura era
errónea. Me senté arqueado sobre la mini. Esto impide calmar la respiración, tuerces tu
espalda y cuello y eso es lo malo. Especialmente calmar la respiración es muy importante. Ten
en cuenta esto y tómate pausas regulares. ¿Quizás te estoy preocupando demasiado? Yo solía
pensar que un poco de tiempo en la misma posición estaría bien, pero al final siempre me
encuentro en esta posición durante horas. Esculpir me hace olvidar el tiempo. El dolor de
cabeza viene dado por una mala luz y bizquear. Asegúrate de que siempre tienes un área bien
iluminada, realmente esto te prevendrá de destruir tus ojos. Una opción es también usar unas
gafas de joyero. ¿Te puedes imaginar como se siente al esculpir un parpado en una figura de
30mm? Seguro que te hace cruzar los ojos. Todavía soy un poco obstinado, lo admito, y no
tengo mis propias gafas.
Pero no te pongas demasiado cómodo con tu masilla, lubricante y herramientas de alisar en

tu bien-iluminado y cómodo sitio de esculpir… … ¿Sabes ya lo que vas a esculpir?
3.- El concepto.
¿Qué hace de una miniatura una buena miniatura? ¿Una escultura sin defecto? Eso ayuda,
pero lo más importante es el concepto de la miniatura. Una popular y bien diseñada miniatura
comienza con el concepto. Quizás tengas un don y puedes dibujar tu propio diseño de una
miniatura antes de intentar pasarla de 2d a 3d. Quizás tienes la suficiente suerte de tener una
buena imaginación y “ver” el concepto antes de que trabajes sobre él. Así es como
generalmente trabajan los escultores. O bien la preparan con antelación y trabajan la mini en
su mente (Lleva un montón de experiencia ya te lo digo) o trabajan sobre un concept-art.
Raramente veo escultores ‘improvisando sobre la marcha’, con lo que como resultado obtienen
una figura incoherente. Así que ten cuidado de planear tu mini de antemano. Usa bocetos para
trabajar ciertos aspectos de la mini en papel. Confía en mí cuando te digo que no he podido a
lo largo de mi vida dibujar nada chachi en papel, aun así intento hacer un boceto de unas
pocas partes del concepto. Me ayuda a ver si la pose funciona. Me ayuda a medir el tamaño de
las partes del cuerpo que han de estar.
Como en todo, hay pros y contras a ambas aproximaciones y depende de lo que tú estés
deseando hacer para esta parte.
Una de las mejores cosas que puedes y deberías hacer es conseguir material de referencia.
Existe tanto ahí afuera del cual obtener inspiración… Busca en la web, mira en las tiendas de
libros y pon tus manos en todo lo que puedas. Mientras seas cuidadoso de no usar “artwork”
con copyright o robar descaradamente el trabajo del artista puedes tomarlos como
inspiración.

Así pues ¿Qué hace de una miniatura conceptualmente fuerte? ¡Podría ser la anatomía!
Aunque una miniatura es pequeña y aunque tú no veas cada parte de anatomía en tu
miniatura (ciertamente no tienes que esculpir cada pequeño detalle de anatomía en una figura
de 30 mm) Ciertamente se ve muy claramente si la anatomía básica es errónea. Especialmente
importante son las proporciones. Existen reglas de proporciones para la anatomía humana
como cualquier buen artista sabe. Podría ser fantástica, pero incluso las figuras de fantasía
como Orcos o monstruos como los ogros siguen muchas de estas reglas. De nuevo aquí hay
una excelente excusa para surfear de nuevo por la web. Encuentra todos los libros que puedas
de anatomía. Estos ejemplos fueron encontrados en la red y son de un famoso artistas llamado
Loomis.
Estos son sólo ejemplos de material de referencia anatómica, pero te da una ida de lo que
buscas. Asegúrate de conocer también cómo funcionan las uniones del esqueleto básico, esto
te da una mejor compresión sobre las posturas y movimientos. También chequea cualquier
miniatura que tengas por casa y fíjate en como el escultor se ocupo del diseño de la anatomía.
Una regla útil de saber mientras

esculpes es la regla de los tercios. La
regla de las tercios es básicamente
como se muestra arriba y dice que las
distancias entre lo alto de la cabeza
hasta debajo de la caja torácica, de
debajo de la caja torácica a lo alto de
las rodillas y desde lo alto de las
rodillas hasta la planta de los pies son
todas iguales (1cm en una figura a
escala 30mm). Existe una pequeña
diferencia entre hombres y mujeres
en la regla de tercios: Las mujeres
tienen algo más largas las piernas y la
ingle esta un poco más alta respecto
a los hombres.

Cuando esculpas una figura a 30mm de escala tienes que tener en cuenta, como señalé
antes, que no tienes que recrear cada músculo en la figura. Algunas formas necesitan
exageración y otras necesitan ser omitidas. Mira en las figuras de 30mm existentes y fíjate en
como sus creadores llevan a cabo todo esto.
Personalmente me gusta un poco de calidad de comics para mis minis. Tiendo a comics que
me gustan (mis favoritos son el francés ‘the backmoon chronicles’ y varios de héroes Marvel….).
Te sorprenderías de ver cuánto se usa de un comic en escultura. Los dibujantes de comics
también tienen que decir que partes de la anatomía exagerar y cuales omitir, así que hace un
buen material de referencia. Intenta encontrar libros de cómo dibujar figuras de comics (héroes
de acción) y tendrás un tesoro oculto de información.
Ahora, para terminar, después de tener tomar estos grandes conceptos que te llevan horas
de esmerado dibujo estas listo para empezar con tus herramientas y tu masilla o, quizás no……
4.- El armazón / maniquí
Antes de que puedas realmente comenzar a esculpir necesitas dos cosas. La primera es
sencilla. Necesitas algo para lo que pronto será una miniatura. Muchos escultores usan un
simple corcho y de hecho lo encuentra muy útil. Puedes sostener el corcho y girarlo para
pellizcar la miniatura desde todos los lados. De hecho no tienes que tocar la miniatura.
Un humano de verdad tiene un esqueleto por una razón. Si no lo tuviéramos seriamos un

saco de fluidos y tejidos con grandes dificultades para movernos. Es el esqueleto lo que le da a
nuestros cuerpos su base. Lo mismo vale para una miniatura. Aunque la masilla final seca es
compacta, ciertamente es demasiado flexible cuando está fresca para soportar la miniatura
completa. De este modo la miniatura necesita también un sólido y fuerte esqueleto. Hay dos
formas de ocuparse de esto. Hacer un armazón de alambre o usar un maniquí.
El armazón de alambre. El maniquí.

Como puedes ver en las fotos un armazón de alambre no es nada más que una pieza de
alambre sobre el que la mini será esculpida. La otra foto muestra un maniquí. Estas son formas
sencillas en las que las formas básicas y las proporciones ya están pre-fabricadas dejando los
detalles para ti. Una ventaja del maniquí es el tiempo, simplemente ahorra tiempo para
empezar en este punto. Sin embargo, me disgusta el uso de los maniquís hoy en día porque a
menudo suelen restringir la libertad del artista. Tiene una posición que sólo puede ser doblada
un poquito. El armazón de alambre te da una total libertad, pero necesitas primero rellenar las
formas básicas y anatomía.
La forma de “Y” invertida del alambre no es obligatoria, puedes hacer un esqueleto

completo de alambre si así lo prefieres. Muchos escultores sueldan sus maniquíes
cuidadosamente de alambres hasta que quedan completamente seguros de que todas las
proporciones son correctas. En este caso la “Y” invertida será primero las piernas y el torso de
la miniatura. Una ventaja de dejar fuera los brazos es que el alambre de los brazos no está en
medio cuando trabajes en el torso. Si usas un armazón de “Y” invertida asegúrate de dejar el
alambre del torso un poco más corto de lo que el torso debería ser. Esto te ayudará cuando
pegues una cabeza esculpida separadamente en un alambre al torso y necesitarás hacer un
agujero en la parte superior del torso. El alambre no estará en medio.
¡Ahora! Agarra tu masilla y tus herramientas ya que finalmente es la hora de poner algo de
masilla.
5.- Rellenando el armazón.
Esta es la fase donde comienzas literalmente a desarrollar tu miniatura. Ten mucho cuidado
de tener en mente las proporciones anatómicas; comenzarás añadiendo pequeñas cantidades
de masilla al alambre. Si no logras una figura entera de una vez no te preocupes, usa capas de
masilla y deja a cada capa de masilla secar antes de poner la siguiente.
En este paso es importe saber cuando terminar de rellenar.

Esto depende del concepto de la miniatura. Donde quiera que
la miniatura tenga la piel desnuda o ropas ajustadas en las
piernas o el torso necesitaras tener cuidado para tener una
superficie lisa, acercándote hacia una precisión anatómica
correcta tanto como desees/puedas. Si la mini va a llevar
ropas sueltas o una armadura voluminosa entonces para
aproximadamente cuando las proporciones y la anatomía sean
correctas y no es necesario que tengas que hacer unas
superficies impecables. La foto de la derecha muestra un
ejemplo de una figura rellenada hasta la mitad.
Seguramente ahora, pero ya durante la fase de planificación

y del armazón, deberías ser consciente de que no hay huesos
rectos en nuestro cuerpo. Mira la foto de la regla de los tercios.
La parte inferior de las piernas están bastante torcidas. En las
figuras de 30mm esto normalmente necesita mostrarse. Pero lo
más importante para ti debe ser no olvidar la curvatura de la
espina. Cuando se esculpen las espaldas en línea recta desde el
trasero a los hombros la miniatura parecerá muy extraña.

En total esta es la fase de relleno y la creación de la anatomía y las proporciones, que será
una de las fases más críticas en la escultura de una miniatura, y no como podrías creer, los
detalles. Es en esta fase en la que la miniatura vendrá a la vida o permanecerá muerta. Pero no
tengas miedo, también es una de las cosas más duras para un escultor y practicar es, de
nuevo, la respuesta.
Es muy tentador empezar a añadir detalle cuando la anatomía básica esta ahí, pero mantén
esto al mínimo. Es mejor conseguir un acabado alisado en la superficie en este paso.
6.- Esculpir anatomía básica.
Así que ¿Cómo conseguir un acabado liso y una anatomía correcta?. ¿Y cómo combinar
masilla fresca en masilla seca? Bien, esto todo viene con el control de la masilla. Cuanto más
juegues con la masilla más te enganchará para trabajar con ella. Como he dicho antes pero
resumiendo aquí lo que debes hacer por orden para conseguir un acabado liso:
- Lubricar tus herramientas de esculpir.

- Trabaja sobre superficies de masilla secas limpias y libres de grasa.
- Usa masilla en poca cantidad y asegúrate de que haces cada capa bastante lisa
(minimiza la cantidad de protuberancias en la superficie en tu trabajo en capas).
Lo realmente te ayuda es tener una masilla fresca. Intenta adquirir masilla de una fuente que
no haya estando en la estantería durante mucho tiempo. Aquí hay un consejo para
mantenerla fresca: La masilla puede ser congelada, así que mantenla en tu frigorífico. Esto la
mantendrá fresca por mucho, mucho más tiempo.
Otro buen consejo para la creación de superficies lisas es lijar o raspar. Lijar necesita de una
masilla de secado duro y, por tanto, no puede hacerse con masilla verde. Raspar funciona.
Coge un cuchillo muy afilado y raspa la capa superior para obtener enseguida un acabado liso.
6.1.- Las piernas y los pies
Ya es hora de conseguir formas y acabados correctos

en esta fase. Todavía no te tienes que molestar con
detalles como bolsas, hebillas y demás, sino que es
mas útil conseguir que tu “lienzo” este bien, y por eso
crear las formas básicas se harán ahora. El siguiente
ejemplo muestra como Steve Buddle llevo a cabo la
escultura de la forma básica de Shae en su torsos y
sus piernas.
Fíjate como la miniatura de Steve no tiene líneas

rectas, todas son curvas. Steve uso masilla marrón
para el relleno y la forma básica. Aquí están algunas
proporciones de ayuda para una mujer de 30mm:
- De pies a rodillas: 10mm

- De pies hasta la ingle: 15 mm.

Este ejemplo lleva zapatos. Zapatos y botas son relativamente fáciles de esculpir,
especialmente cuando los comparas con pies desnudos. Hecha un buen vistazo a los pies de
verdad y a todo el material de referencia de anatomía que puedas encontrar. Probablemente
podrías esculpir pies en 3 pasos.
- Primero haría la forma básica del pie y esculpiría versiones bastas para los cuatro
dedos pequeños.
- Segundo esculpiría un gran pulgar cuando el primer paso estuviera seco.
- Después de secar de nuevo, continuaría con los detalles del pie esculpiendo las formas
finales (incluyendo las uñas de los dedos) y hacer los tobillos.
6.2.- El torso
Hecha un vistazo a la foto de nuevo y fíjate en como Steve solo hizo un torso básico con un
acabado liso. El modelo final (ver primera página) lleva ropas ajustadas en su torso, así que
Steve se aseguró que el acabado fuera liso y bien proporcionado.
Algunas proporciones para una miniatura de 30 mm de nuevo:
- De la ingle a los hombros = 10mm

- Desde el pies a los hombros = 25 mm.
Cuando la miniatura está pensada para mostrar carne desnuda es una buena idea trabajar
en alguna musculatura básica. Especialmente para tu arquetipo de héroe bárbaro a pecho
descubierto es muy importante conseguir unos músculos correctos.
Esta podría ser muy buena ocasión para presentar el concepto de ‘size-creep’. Significa que
mientras trabajas en tu miniatura suele ocurrir que la escala de la miniatura crece sin que te
des cuenta. Por ejemplo, una vez empecé a esculpir una mini de la misma manera que aquí
explico. Los pies y las piernas ya estaban bien y perfectas para una figura de 30 mm El torso se
volvió para ser uno mas parecido a una figura de 32mm y la cabeza y los brazos (que veremos
más tarde) incluso mas parecido a una de 35mm. No hay que decir que las proporciones se
fueron por ahí y la miniatura quedo realmente tonta. Tengo que advertir sobre la parte de la
anatomía que más sufre ‘size-creep’ en las miniaturas (Como ya deberías haber adivinado, es
exclusivo de miniaturas femeninas): Los pechos femeninos casi siempre se esculpen
demasiado grandes.
El “Size-creep” se puede combatir con proporciones de medidas reguladas y también usando

pequeñas cantidades de masilla cada vez.
Así que ahora tenemos una buena y sólida base para nuestra miniatura. ¿Dices que necesita
una cabeza? ¡Estas en lo cierto!
7.- Esculpiendo la cabeza y la cara.
Esculpir la cabeza es importante por varias razones. Le da a la miniatura carácter y

expresión, es el punto focal de casi todas las miniaturas y es una de las más duras y más
desalentadoras cosas que hacer.

No existe una única forma de esculpir una cabeza y una cara, apuesto que todos los
escultores lo hacen ligeramente diferente. Así pues, lo que te contare ahora y lo que intentaré
mostrarte en las fotos de los diferentes pasos, es sólo una de las formas posibles. Si recuerdo
correctamente fue Stefan Niehuis que esculpe para Assassin Miniatures quien me lo mostró
una vez. ¡Gracias por ello Stefan!
Aunque generalmente, la mayoría de los escultores hacen la cabeza separada de la

miniatura. Esto tiene como ventaja que la escultor tiene toda la libertad de maniobrabilidad
pero el ‘size-creep’ nunca está lejos.
También creo que la mayoría de los escultores comienzan formando la cabeza con una
pequeña pieza de masilla seca (con forma de huevo u ovalada). Haz esto con una muy
pequeña pieza, piensa, solo necesitas lo básico para trabajar.
El siguiente grupo de fotos son un pobre y rápido intento de mostrar únicamente el proceso.
Una muy buena idea es, como yo, coger tu arcilla polimérica y practicar esta técnica durante
un rato.
En la primera foto ya he tomado una pequeña

pieza de masilla en una alambre, puesta en un
corcho y cubierta de masilla con arcilla FIMO
para esta sesión practica. La forma es como un
huevo como puedes ver.
En la siguiente tome una herramienta con

cuchilla afilada y ‘corte’ una hendidura para los
ojos. Tan simple como eso.

Luego tome una pequeña ‘salchicha’ de FIMO

y la encaje en el medio de la hendidura de los
ojos. Luego la torcí todo el camino hasta debajo
de la ‘barbilla’.
Luego de nuevo tome mi herramienta de hoja afilada y corte

la salchicha en tres partes. La más alta será la nariz, la del
medio será el labio superior y la más baja formara la barbilla.
Mira la foto para ver las proporciones de estas partes.
Esta es un parte divertida. Mira en la foto de la izquierda y

fíjate en como intenté darle al pegote superior la forma de una
nariz, al del medio a un labio superior y la de abajo en una
barbilla. También añadí un labio inferior en esta fase. Si esto
fuera masilla necesitaría saber si la cara tendría una expresión
que podría necesitar que las cejas fueran diferentes de lo que
son ahora. Si es así necesitaría pellizcar las cejas. Ahora es un
buen estado para dejar la masilla secar. Con FIMO esto es del
todo innecesario y por eso es altamente recomendado como
material de prácticas. En la siguiente foto he ensanchado las
cejas un poco para dar a la cara un poco de expresión y
también he añadido un pequeña pegote de FIMO que serán los
ojos.

La siguiente foto muestra como la ceja ha sido mas pellizcada,

he añadido un pequeño rollo de arcilla y lo he mezclado en la
frente
Esto da a la cara un poco expresión más temible. He parado

en esta fase. Con la experiencia que tengo veo que la cara
esta terminada, pero la cabeza es demasiado pequeña
comparada con la cara. El cráneo necesita extenderse hacia
atrás y hacia arriba. Recuerda que los ojos están a medio
camino en la cabeza. La siguiente foto muestra la cabeza
(desnuda) de mujer en el torso de Shae.
Puedes ver aquí que Steve ha hecho una cara fina y aunque
esta miniatura también tendrá un montón de pelo y unas
orejas, la forma del cráneo es muy lisa. Mira la definición en la
frente, principalmente a través de la cantidad de cráneo
detrás de ella.

No olvides, cuando estés pegando la cabeza a la miniatura, ¡hacerle un cuello! Esta es otra
razón para esculpir la cabeza separada de la mini: puedes jugar con la posición de la cabeza y
mirar lo que mejor se ajusta a la miniatura. Luego pega la cabeza en el lugar y escúlpele el
cuello.
El pelo técnicamente no es difícil de esculpir, pero hacer que parezca realista si es muy difícil.
Si quieres que tu miniatura tenga pelo corto podrías esculpirlo en la cabeza separada. Si la
miniatura tendrá el pelo largo es mejor esperar al final para esculpir el pelo.
La forma de encargarse de esculpir un pelo realista (o al

menos uno bien parecido) es dividir la escultura del pelo en
dos partes. Primero haz manojos de pelo, y luego esculpe
los pelos Mira las siguientes dos fotos en como le di algo
de pelo a mi cabeza. Primero puse la forma general a la
cabeza.
Y luego la complete tallando mechones sencillos.
Cuando esculpas el pelo es muy importante hacer los

pelos finales tan lisos y continuos como sea posible. Esto
hace que esculpir un buen pelo bonito sea difícil, pero con
algo de práctica y teniendo en cuenta trabajar primero en
haces y luego en pelos es posible alcanzar un nivel como el
mostrado en la siguiente foto de Shae.

8.- Esculpir brazos y manos
¡Bien! Ahora es ocasión de proseguir con los brazos y las manos. En este caso necesitamos
primero hacer agujeros en la masilla seca donde estarán los hombros. Luego insertar un
alambre que es la mejor forma de doblarlo antes de que quede súper pegado en el sitio.
Una razón para poner los brazos después de ‘terminar’ el torso es que has tenido todo el
espacio libre para esculpir el torso.
Un consejo de proporciones: cuando los brazos estén caídos hacia abajo, el pulgar esta
exactamente a la altura de la ingle.
Como con las piernas, primero rellena los brazos y luego, cuando estén secos, termínalos
correctamente. Usa tu material de referencia para una anatomía correcta.
Mira cómo Steve ha insertado un alambre y rellenado el

brazo y luego ha trabajado la superficie para un
acabado liso. Mira también cómo el pulgar está a la
altura de la ingle.
La escultura de manos es la más difícil de llevar a cabo,

incluso más que los pies. Aciertas al pensar que es casi
de la misma forma que con los pies, con secado entre las
fases. De nuevo, primero haz la forma básica con cuatro
dedos.
Luego, después de secado añade el pulgar basto y

finalmente vuelve y esculpe las uniones y corrige la
forma de los dedos. Una de las razones de que las manos
sean difíciles es que suelen estar adornados (con anillos y
demás) y a menudo suelen sujetar algo. Si tus manos
están sujetando algo primero esculpe ese algo, pégalo a
el alambre y solo entonces comienza con la primera
forma básica
Recuerda que los dedos no son uniformemente

redondeados y lisos, existen dedos gruesos y suelen
curvarse en las partes en las uniones. Estate seguro de
incluir esto en tus dedos o sino tus manos parecerán
como salchichas en lugar de dedos.
Así que, correcto, ahora tenemos una miniatura básica y todo lo que necesitamos es vestirla o
ponerla dentro de una armadura, quizás darle algo de ropa peluda ¿Quizás lleva un libro? ¿O
podemos darle una bolsa?, Resumiendo, ahora necesitamos añadir detalles. Es imposible
explicar aquí todos los posibles detalles en profundidad, así que intentaré mostrar unos pocos
trucos en las siguientes secciones.

9.- Esculpir ropa.
Esculpir pliegues en la ropa como capas puede ser muy gratificante. No es tan duro, pero
necesitas seguir algunas reglas y practicar bastante. Cuando hacemos una pieza de ropa con
pliegues recuerda que no deberías intentar ser fiel a la realidad en el doblez. Elige unos pocos y
bien situados grandes pliegues en la capa o túnica, serán tan efectivos y atractivos como si
hubiera un montón de pequeños pliegues. En la siguiente foto veras en tres pasos como hago
los pliegues.
Primero pega un trozo de masilla. Toma tu herramienta (Adoro el “gancho” de mi wax-5 para
esto) y luego ‘tira’ unos pocos pliegues hacia abajo y alisa la superficie. Puedes luego o dar
forma a la parte de abajo cortándola con cuchillo afilado y hacer un borde cortado o puedes
dejar que se seque y luego cortar la parte inferior.
Practica con FIMO. Yo practique poniendo un pegote de FIMO o masilla en mi pulgar y luego
darle forma de una capa.
Cuando esculpas ropas ajustadas, como por ejemplo

medias, básicamente tratas las piernas como si
estuvieran desnudas. Esto significa que la anatomía
necesita estar ahí y el acabado debe ser liso.
Simplemente añade algunas crestas donde el ribete de
la ropa estaría y haz un ligero y puntiagudo
levantamiento en el borde. Mira en la siguiente foto
como Steve hizo estas crestas en la chaqueta ajustada
de Shae.
Así se hicieron también los ligeramente mas grandes

‘faldones’ de la chaqueta de Shae (justo debajo de su
cinto)

10.- Esculpir cota de mallas y armadura.
Como se puede ver en las siguientes fotos de hecho no es duro esculpir cota de malla. Todo
lo que tienes que hacer es usar la herramienta correcta. Las pergamano de tipo bola son
perfectas para este trabajo. Es el mejor consejo para los eslabones de la cota de malla
La manera de esculpir cotas de malla va como sigue. Toma la herramienta y suavemente

empuja una fila agujeros sesgados en el medio. Los agujeros se han de parecer a cuadro del
medio a la izquierda en la foto. Pero necesitas más agujeros y más cerca unos de otros, Así que
efectivamente empuja la masilla para hacer más agujeros hasta que hundas el agujero
anterior (mira en la foto el cuadrado que esta al lado). Luego el caso es simple ir hacia bajo en
la siguiente fila. De nuevo haz agujeros en esta fila cerca unos a toros, pero los agujeros
deberían estar torcidos en la otra dirección. Empuja también los agujeros ligeramente hacia
arriba. Cuando toda la cota de malla este hecha intenta redondear los eslabones borde como
hice en el de la derecha del todo de la foto.
Corazas y armas son sobre todo ser capaz de escupir bordes afilados. Es bastante un reto en
masilla verde, pero es una cuestión de control de masilla. Hay unas pocas cosas que te pueden
ayudar. Puedes usar diferentes masillas (como masilla marrón) que pueden ser mas fácilmente
raspadas o lijadas. Puedes cortar la cota a lo largo del borde para crear un agradable borde
afilado, pero esto es a menudo prohibido cuando no inalcanzable.
Armas de hoja como espadas puede ser hechas con toda clase diferentes de materiales, pero
casi siempre las hojas son hechas primero y con lijadas con cuidado o raspadas en la masilla
seca, metal o plástico. Luego el resto es esculpido en el arma.

11.- Escupir otros detalles
11.1.- Cinturones y bolsitas.
Los cinturones sólo son rollos de masilla aplastado que no mencionaría si no fuera porque no
deberías de olvidar que la mayoría del tiempo el cinturón es ajustado. Estate seguro entonces
de que el cinturón deja una indentaciones donde se coloque, por ejemplo, con pequeños
pliegues a lo largo de la toga donde el cinturón se ata.
Las bolsitas son fáciles
Solo toma un pegote de masilla con forma de huevo y pégala en donde quieras la bolsa.
Luego haz algunos pliegues hacia la parte fina de arriba. Pon una pequeña bola de masilla en
la parte de arriba y trabaja en la apertura. Retuerce algunos rollos muy finos de masilla para
ser una cuerda y ponla alrededor de la parte más fina de la bolsa justo por encima de los
pliegues. La misma técnica vale para sacos mas grandes.
11.2.- Libros y pergaminos
Los pergaminos son simplemente hojas finas enrolladas de masilla fresca. Tan fácil como eso y
queda bien. No los enrolles completamente o incluso solo ligeramente si el pergamino se
supone que esta abierto.
Los libros son de nuevo sobre todo de bordes afilados. Aquí hay un ejemplo de cómo podrías
hacerlos.

Toma dos cuadrados de

plasticard fino. Pon algo de
masilla entre ambos y
aplasta las dos mitades
juntas. No debería salir
masilla de entre ellas. Talla
las líneas de las paginas
mientras la masilla aun esta
sin secar y añade un rollo de
masilla en uno de los lados
para hacer el lomo como se
muestra en la siguiente foto
(perdón por la foto borrosa)
11.3.- Madera.
Una superficie de madera se puede creada tallando de forma caótica, algo como líneas
paralelas en una superficie fresca. Finalmente haz algunos agujeros empujando entre unas
pocas líneas, de nuevo con la herramienta de punta de bola que es perfecta para esto. Mira la
foto para un ejemplo.

11.4.- Cadena
Esculpir una cadena es un largo y tedioso trabajo. Tienes que esculpir cada uno de los
eslabones uno detrás de otro. Una cadena colgante es incluso peor ya que simplemente no
tienes un suelo solido sobre el que trabajar. Para decirte la verdad siempre uso cadenas reales
cuando me es posible. Pero en la siguiente foto muestro como se podría hacer una cadena.
11.5.- Joyas y gemas
Joyas y gemas pueden animar una figura y pueden molar si están bien hechas. Comienzo
por tomar una pequeña bola de masilla redondeada u oval (dependiendo de lo que tu quieras)
y la presionas donde quieras. Ten cuidado de que quede bien pegada, pero no la aplastes. Esto
será la gema y por eso necesita estar verdaderamente lisa. Tomo un pincel con lubricante (el
agua suele ser suficiente para hacer este truco) y haz una superficie bonita y lisa pasando el
pincel con cuidado sobre la superficie de la masilla. Déjala secar. Luego toma una pequeño
rollo de masilla y cubre alrededor de la base de la gema y dale forma hasta una ‘montaña’
para la gema’. Mira la siguiente fotografía. El truco para hacer gemas y joyas bonitas es
mantenerlas pequeñas y simples .

11.6.- Pieles y plumas
Esculpir pieles es un poco como esculpir pelo. También tienes que trabajar en puñados y a
partir de ahí añadir pelos detallados. El truco aquí esta en que las pieles no tienen cabellos
paralelos, sino un patrón ondulado.
Como se muestra en la foto en el primer estado, simplemente

añade algunos rollos de masilla superpuestos unos sobres otros,
Luego podrías tomar una herramienta de esculpir con hoja y

añadir los pelos ‘ondulados’ o
Podrías usar unas pinzas pequeñas y tirar pequeños pelos hacia

abajo para conseguir otro efecto como el de en la foto de abajo.
Las plumas se hicieron

en tres pasos sin
secando entre medias.
Tendrías que esculpir
cada pluma, incluso si
tu tienes que hacer una
ala completa. Pero ten
cuidado de mirar un
montón de referencias
de pájaros si quieres
hacer un ala: ¡las
plumas se solapan!

11.7.- Remaches y sellos.
Los sellos son pequeños moldes con el que puedes estampar una forma sobre un trozo de
masilla fresca. Los remaches así se hacen fácilmente.
Si tienes que añadir una pieza de detalle sobre la miniatura una y otra vez puedes hacerlo
una vez y luego “cerar” un sello. Este se hace fácilmente presionado algo de masilla fresca
sobre la pieza seca (la que se va a copiar). Asegura que la pieza seca esta bien lubricada, yo
aquí uso vaselina.
Deja el sello secar. Simplemente tira de él y úsalo para recrear el detalle exacto a lo largo de
la miniatura.
Bien, esto en resumen esta es la introducción a la escultura de miniaturas. Es mas una guía
de ayuda para la gente que quiera intentar este gran pasatiempo, pero que no tenga ni ida
por donde empezar.
Espero haber ayudado a unos pocos a arriesgarse y a intentarlo. No te disgustes si al

principio las cosas no salen como tu esperabas, ¡solo aprieta tus dientes y persevera! Después
de todo, y podría haberlo mencionado antes (olvide si lo hice), esculpir es una cuestión de
practica, practica y algo mas de practica.
¡Buena suerte y disfruta!
Ramon Lann.

Tutorial: Cómo modelar una cabeza, por Joaquín Palacios (Freeman)

Como muchos sabréis, el paso a paso de modelar una cabeza es algo que tengo pendiente
desde hace mucho tiempo, demasiado diría yo, así que por fin me he currado uno para que
ya no me podáis llamar mentiroso.
Como hacer un proceso de una cabeza en pequeño es mas tedioso y no aporta nada
diferente, excepto unas fotos mas borrosas, he decidido hacerla en Sculpey Firm a escala
1/10. La cabeza en concreto es un intento rápido de retrato, lo que tampoco afecta al
proceso de modelado, así que no es necesario que os enseñe la foto del retratado, cuando
este terminado igual algunos le reconocéis
Espero que a unos cuantos os sirva de referencia al menos para empezar a modelar y para
despejar algunas dudas que tengáis los que ya estéis dándole a las masillas.
1. Materiales e Inicio
Hago un resumen rápido del material que he

usado para modelar:
9 Paleta grande de madera para las

aplicaciones (la venden en cualquier
tienda de manualidades).
9 Lanceta pequeña de metal.
9 Pincel sintético (da igual la medida,
pero que tenga bien la punta).
9 Aceite corporal.
9 Agua.
9 Lija de esponja de varios grosores.
Comenzamos con la estructura base, sin

duda lo más importante de la pieza, como
siempre. Sobre una bola de papel de aluminio
pegada a un pincel coloco una estructura que
se descompone básicamente en una bola
para el cráneo y un volumen básico con la
forma de la mandíbula que cuelga de la bola.
Paso a Paso de cómo Modelar una cabeza por Joaquin Palacios (Freeman)
Artículo original: http://spanish-team.com/foro/viewtopic.php?t=2788
Sobre esta superficie marcamos

unos parámetros básicos, como los
ojos, nariz y boca, así nos
aseguraremos que el error de
proporciones es mínimo. Algo muy
importante que tenemos que tener
en cuenta es la proporción entre la
cara y el cráneo, tendemos a
modelar las caras como si fueran
casi la totalidad del cráneo, y luego
quedan unas cabezas con una cara
enorme fuera de la escala de la
figura, y un cráneo diminuto, lo que
nos lleva a agrandar aun mas la
cabeza si queremos dejarla
proporcionada.
Teniendo controlado este primer

paso, seguramente evitaremos ese
problema.
2.- Primeros trazos
Yo siempre comienzo por la parte de la

frente y las cejas, ya que es lo que le va
a dar fuerza y expresión a la cara. En la
primera foto podéis ver una aplicación
con la forma y el tamaño en un lado y
en el otro la aplicación alisada con la
paleta humedecida ligeramente en
aceite.
Aquí tenéis las dos alisadas. Æ
ÅSeguidamente coloco una

aplicación base para la nariz y otra
para el labio superior, son solo
orientativas, para luego ir añadiendo
encima.
Ahora vamos ya a colocarle el parpado

superior, para ello utilizo un pincel
humedecido ligeramente en aceite, así se
pega al pincel pero no demasiado, y nos
permite colocarlo en su sitio y darle
forma, con la paleta no quedaría tan
limpio al ser mas dura y dejar marcas. Æ
ÅFijaos en la importancia del

volumen, los parpados, al igual que los
labios deben tener forma semiesférica
visto desde abajo, esto le da más
riqueza a la figura.
Ahora le vamos a poner una

aplicación clave para darle
realismo a la cara, el volumen
que va entre el parpado
superior y la ceja, es algo que
mucha gente omite, pero es
muy importante para darle
vida a un rostro. Æ
ÅAquí podéis ver las aplicaciones

fundidas, también le he dado una forma
básica al labio, usando la lanceta pequeña,
mas adelante lo matizaremos todo un poco
más.
3.- Más avances
Añadimos pómulos y una base

para el labio inferior, a un lado
podéis ver una aplicación sin
fundir y al otro ya fundida. Este
tipo de aplicaciones mas grandes
las empiezo fundiendo con la
paleta grande, luego con la
lanceta pequeña y al final con el
pincel y el dedo.
Seguimos añadiendo las aletas de la

nariz y los parpados inferiores.
Añado una bolita para la punta de la nariz,

y un poco más de puente.
Añadimos más volúmenes a los lados de la

cara, este tipo de aplicaciones son las que le
dan más realismo a la cara.
Ahora le añado las comisuras de los

labios.
Los volúmenes de debajo de la boca.
Y otro pequeño acento en los

ojos.
Como el parpado inferior se me había

quedado un poco hundido, le añado más
para sacarlo, eso me lleva a ponerle
también algo más de pómulo.
Y por fin la bolita del ojo.
Hasta aquí se podía dar mas o menos por

terminado, pero como se trata de un retrato y
me había quedado algo viejo, le he suavizado
mas todos los rasgos.
4.- Orejas y pelo
En realidad ya las he modelado

(las orejas), pero solo tengo una
foto de una copia en milliput que
hice para salvar la figura.
Bueno, pues entonces os pongo

unas fotos con un boceto de
pelo, ahora que ya tengo la cara
salvada en un molde, le haré
otra expresión para el definitivo.
6.- Preguntas y respuestas
Pregunta: ¿La Super Sculpey Firm se diferencia mucho de la Super Sculpey? ¿La traen a
España?
Respuesta: Sí que hay diferencia, es mas dura, y totalmente opaca, con lo cual te permite un
nivel de limpieza mucho mayor. Ya existe distribuidor en España,
http://www.artland.es/home.html
Pregunta: ¿Si la escultura fuera para un 54mm o un 28mm, utilizarías la misma masilla y las
mismas herramientas? En caso contrario, ¿qué masilla y herramientas utilizarías?
Respuesta: No, en un 54 o un 28mm yo utilizaría Milliput, o Milliput + Duro, pero

principalmente por problemas de producción, el Sculpey no aguanta bien el vulcanizado
directo. En el caso de un “scratch” sí que podéis usarlo, aunque el Milliput se puede dejar
secar de vez en cuando para tallar y lijar, lo que te da un mayor control de la figura.
Pregunta: ¿Por qué ponéis bolas de papel de aluminio en el interior? ¿Para ahorrar masilla?
Respuesta: Sí, y porque agarra mucho mejor el Sculpey; si pones una bola en un palo
siempre te puede empezar a dar vueltas en cuanto hagas fuerza.
Pregunta: ¿Cuánto tiempo has tardado en hacer este Paso a Paso?
Respuesta: Pues te diría que he tardado en total de principio a fin unas 8-9 horas, pero en
realidad tendría que contar los otros 7 años que llevo modelando, así que déjate de
adoraciones y a currar, que es lo que hay que hacer... Espero que pongas fotos del resultado,
tengo curiosidad por ver lo que has logrado, si estos procesos sirven a alguien ya soy feliz
Pregunta: Me acaba de asaltar una duda técnica. Una cabeza humana en concreto una
cara nunca es simétrica aunque pueda parecerlo en ocasiones. ¿Al modelar una cabeza las
haces simétricas o al menos intentas hacerlas todo lo simétrico que puedas? ¿o lo haces
como una persona real y aunque lo haces que parezca simétrico no te molestas en que
todo sea exacto?
Respuesta: Yo intento que siempre sean lo mas simétricas posibles, a no ser que sea un
rasgo muy evidente de la persona que estas retratando. Si el conjunto se ve simétrico
siempre es mejor que intentar reproducir imperfecciones y pasarse. En este caso en concreto
no esta muy simétrico porque es una cabeza hecha muy deprisa y no me he parado
demasiado a comprobar, pero un buen truco es ir mirando lo que haces a través de un
espejo, te aseguro que ayuda mucho a la hora de ver fallos.
Pregunta: ¿Por qué pones la bola de los ojos una vez tienes hechos los dos parpados? ¿No
te molestara a la hora de colocarla?
Respuesta: Si no he puesto la bola del ojo aún, es porque si os fijáis realmente no afecta a la
cara, si ponemos primero la bola, eso ya nos condiciona cómo va a ser el ojo. De todas
formas he visto gente que empieza por la bola y les quedan unas caras flipantes, así que es
un poco cuestión de manías. Con respecto a si resulta más difícil así, es cuestión de práctica,
a mí me resulta mas cómodo así, porque ya solo me queda un hueco que llenar, pero ya
tengo controlado todo lo demás. Yo os animo a que lo intentéis de varias formas a ver cuál os
resulta mas cómoda y os da mejores resultados.
Pregunta: ¿Se puede conseguir de alguna manera moldes para empezar a moldear rostros?
Es decir, que ya te venga la proporción hecha y que uno mismo se haga las orejas, los
pómulos, la nariz, etc.
Respuesta: Hombre, te puedes currar una cabeza tú mismo y hacerle molde. Al ser un cráneo
básico con las proporciones tampoco cuesta mucho modelarlo, es cuestión de medir bien con
un compás.
Pregunta: ¿Cómo integras esas aplicaciones mínimas (serian casi briznas de masilla) en un
rostro a 1/32? ¿O lo tienes previsto de antes y tallas la figura mas que aplicas?
Respuesta: Para integrar las aplicaciones en un 54 solo tienes que insistir sobre la aplicación
con un pincel húmedo que tenga una buena punta. Hay muchas aplicaciones a esta escala
que son casi del grosor de un pelo, y al principio puede parecer imposible, pero con un poco
de paciencia verás como lo logras. En un 54mm, no suelo tallar casi nada, y si lo hago es
raspando con el canto de la paleta suavemente para alisar alguna zona.
Pregunta: ¿Podrías detallar un poco como pones la bolita de los ojos?
Respuesta: Pues de eso no hice fotos, pero vamos, no es que tenga mucho misterio, es
cuestión de tener mucho cuidado, y mejor quedarse corto y añadir un poco mas que
pasarse, porque al quitar te puedes cargar el parpado. Si te cuesta mucho te recomiendo que
endurezcas la masilla y después le pongas la bolita, así es mucho mas fácil.
Pregunta: ¿Es normal sobredimensionar los rasgos a escalas pequeñas (28mm, 30mm,
54mm) en las caras? ¿Qué rasgos hay que acentuar? ¿Marcas espacios entre los dientes de
las 54mm?
Respuesta: Cuanto mas pequeñas, más se suelen acentuar algunos rasgos por el tema de la
pintura, a mucha gente le resulta muy difícil ver los volúmenes mas pequeños, y al estar
exagerados le ayuda. Sobre cuales hay que exagerar no hay una regla fija, pero mas o
menos fíjate en donde llevaría la cara un golpe de luz a la hora de pintarla, es ahí donde
debes exagerar. Los dientes en un 54 o 30mm si te admiten separaciones, pero yo

personalmente no los suelo hacer, no me parece necesario.
Pregunta: Has dicho que le ibas a modificar la expresión, ¿cómo lo haces? ¿dando dremmel
y re-esculpiendo? Por otro lado ¿cómo haces el molde para salvar la figura?
Respuesta: Para cambiar la expresión lo haré a base de cuchilla o lima y reesulpiendo,

tampoco va a ser gran cosa, solo cambiar las cejas y un poco la boca. El molde yo lo he
hecho con caucho vulcanizable, así que no esta al alcance de cualquiera porque necesitas
vulcanizadora, pero hay muchas maneras de hacerlo. Sculpey incluso vende una masilla
para hacer moldes que para este tipo de cosas no esta nada mal.
Tutorial: Cómo modelar una mano, por Banshee (Alfonso)

Como las fotos son auto explicativas no es necesario texto
1. Paso a Paso







2.- Preguntas y respuestas
Pregunta: Tengo una pequeña duda, ¿lo haces siempre separado del brazo y luego lo unes,
o se puede hacer sobre el propio brazo?
Respuesta: Lo de hacerlo por separado o no da igual; en este caso iba separado porque era
para un molde, pero si es un “scratch” para ti, lo que más te facilite la vida.
Pregunta: ¿Siempre empiezas por los dedos y luego la palma para "arreglar" los inicios o es
mejor definir bien el dedo antes de ponerte con la palma? Y, para hacerlos, ¿haces un
churrito encima del alambre y lo "aprietas" por algún lado para que quede un dedo, o
sencillamente es el churrito y como mucho "detallar la uña"?
Respuesta: Eso va en gustos, cada uno se adapta a lo que mejor le viene, pero yo prefiero
hacerlo así: Marco las cotas (es decir, hasta donde quiero llegar con la masilla) y luego
relleno. Prefiero poner dos extremos y rellenar, así decido si quiero dedos más largos o más
cortos, y luego eso influye en la mano; pero, vamos, que te puedo estar diciendo una
tontería, solo es mi forma de hacerlo
Pregunta: ¿Qué escala es? Parece 54 pero no estoy seguro
Respuesta: La mano es de un 54mm, pero como comenté en el otro post para 28mm vale
exactamente igual, e incluso es mas fácil para 28 mm ya que no tienes que cuidar tanto los
volúmenes.
Pregunta: ¿Qué alambre has usado para el esqueleto de la mano? me parece mucho más
fino que el alambre normal, además con lo de la escala no soy capaz de distinguir si es
medio milímetro o menos.
Respuesta: El cable no sé cómo se llama; es muy finito, duro pero se dobla fácilmente,
aunque puede que el cobre de un cable de teléfono os valga. Al final esto es un poco
buscarse la vida; a mí me lo dio un colega de TwT que le sobraba de q su padre trabajaba
en Ferrovial. Es algo de obras, pero ni idea de cómo se llama el cable; de todas maneras, ya
tenéis el proceso, el alambre será cuestión de buscarlo.

Tutorial: Cómo construir un edificio en ruinas, por Javi

Fase 1. Montado.
Por ahora os pongo algunas fotos

del edificio montado. Como era
una prueba (todo son pruebas)
usé una de las plantillas que GW
colgó en su día cuando sacaron
el códex de combate urbano.
Usé cartón para rematar las
esquinas y cartón pluma de
diferentes grosores para las
paredes y suelos/techos.
Una vez montado, me dediqué a
darle una ración de fuego de
diferentes calibres. A estas fotos
de esta fase les dí un tono sepia,
me inspiró el hacer esto unas
fotos que vi de Belchite (por ellas
hice el edificio).
Tutorial de cómo Construir un Edificio en Ruinas por Javi

Bueno, seguimos con el tuto. Toca darle arte y salero al edificio. Así que comentaré:
La técnica del salero.
Buscaba texturizar de un modo real, y no quería texturizar pintura ya que iba a pintar a
aerógrafo la mayor parte de la fachada del edificio. Tampoco quería texturizar una base,
así que puse la textura sobre la superficie.
Para texturizar podemos emplear casi cualquier material que tenga un grano del tamaño
que nos guste. Para esto usé escayola, ya que además, al humedecerla se endurece al
secarse.
Como si fuéramos yeseros profesionales, lo primero es humedecer la pared, pero en este
caso, para darle un plus de adherencia podemos agregar al agua cola blanca o incluso cola
para papel pintado (siempre diluida). Le damos una manita.
Si aplicamos la escayola tal cual
sobre la superficie puede salirnos de
todo menos lo que buscamos. Mala
idea si la tiramos a puñados. La idea
es que caiga sobre la fachada como
si de nieve se tratase, creando ella
solita una textura fina de acorde con
la escala a la que trabajamos.
Así que nos construiremos un

“salero”. En mi caso lo hice con un
vaso de plástico al cual le practiqué
unos cuantos agujeros a forma de
salero. Es importante que uséis otro
vaso más para evitar que la escayola
se salga del salero. Ponéis un vaso
dentro del otro.
Una vez acabado, dejamos secar

bien.
Pero bien, bien, ¿eh?
Una vez seco y dependiendo de

la base que dimos previamente,
puede ser que con el roce
podamos perder esa textura (la
escayola no es cemento) asÍ que
vamos a intentar asegurar su firmeza barnizando la superficie con una mezcla muy muy
diluida de cola blanca y agua.

Pero no podemos usar un pincel, ya que perderíamos la textura al humedecer la escayola y

arrastrar el pincel por ella. Pues bien, truco 2: Con un pulverizador de jardinería,
pulverizamos la mezcla sobre la superficie poniendo el difusor muy cerrado para que las
gotas sean lo más finas posible. Dejamos secar y si hace falta le damos un par de pasadas
más.
Esto del pulverizador viene muy bien para fijar, por ejemplo el césped o la arena a peanas o
escenografía. Nunca más se os llenarán de pelos y tierra vuestros pinceles.
Pintado.
Pintado sobre base de marrón,

apliqué varias capas de blanco a
aerógrafo sobre la fachada. A pincel
en el interior.
La textura de la fachada, aunque
parezca muy basta es bastante fina.
Lo que pasa es que apliqué varias
capas y luego la descascarillé con un
cutter, simulando los trozos de
remozado que saltan con el tiempo y
los disparos/explosiones. La técnica
del salero te permite hacer esto de
manera natural, y queda totalmente
real porque ¡es que has trabajado
como un yesero pero a escala!.
Eso sí, la textura está muy realzada ya

que al pintar a aerógrafo cubrí
totalmente la fachada con un color
oscuro y luego aplique el blanco de
forma lateral, nunca a más de 45º,
como si estuviera jugando con luces de
estudio. La luz lateral realza la textura, la
pintura lateral también.

Los escombros están distribuidos

de forma que haya cantidad pero
que se pueda jugar en el interior
del edificio, así que rellenó de
piedras pequeñas los huecos entre
los bloques grandes y dejé
espacios centrales (sobre todo en
la 1ª planta) libres para que quepa
por lo menos una escuadra de 12-
15 figuras de tamaño de peana
estándar.
He hecho más cosas que no están
en estas fotos, como por ejemplo el
agua que sale de la tubería
principal.
A día de hoy falta crear una acera (quiero

esculpir un empedrado), repasar las paredes
interiores, pintar el suelo del piso inferior y
superior (no se si pintar las tres plantas
iguales o mejor pintar diferentes colores en
paredes y suelos dependiendo de la planta) y
poner cables y vigas extra.

Tutorial: Cómo hacer un terreno nevado por Alfonso Sánchez (Devil)

Hola de nuevo acabo de ver un mensaje de alguien que preguntaba por el articulo que el
año pasado se publico en la pagina de Lilliputmodels, bien aquí os mando dicho articulo al
completo, se trata de un terreno nevado. Deciros que hay muchas formas de aplicar la
nieve y de hacer terrenos nevados aquí os explico la forma en la cual yo los hago, como os
digo hay muchas maneras de hacerlos con resultados increíbles.
Vamos al tema:
Partimos de una peana de 3,5 x 3,5 mm de base para la realización del terreno.
Los materiales que he utilizado son:
9 Masilla dos componentes de la marca Feroca.

9 Arena fina.
9 Ramitas de tomillo y ovillo de mar.
9 Peana madera de olivo de la marca Aldamodel
9 Útiles como, cutters, pinceles sintéticos, herramientas de modelar, cola blanca etc.
9 Nieve Aldamodel.
Tutorial: Cómo construir un Terreno Nevado por Alfonso Sánchez (Devil)

Una vez con las ideas claras

empezamos a cubrir toda la base de
la peana con masilla de dos
componentes, ajustándonos a los
bordes de la peana. Una vez todo
bien cubierto hacemos un agujero
donde estará sujeta la figura, y con
la masilla aun fresca hacemos las
marcas de los pies con la figura,
cuidado de no hacer mucha presión
ya que podría moverse la masilla y
luego habría que ajustar.
Seguimos, ya tenemos
marcadas las huellas de la
figura ahora es el momento de
añadir el resto de
componentes que tendrá
nuestro terreno como las
pequeñas ramitas de tomillo, la
arena, el ovillo de mar, etc.
intentando colocarlas sujetas
con la propia masilla, eso le
dará mas consistencia y
sujeción a los accesorios.
Vista trasera. Con esto ya

tendríamos terminado el
terreno y listo para pasar al
proceso de pintura.

Bien vamos ahora

con el tema de la
pintura, una vez
seco todo el
conjunto y bien
sujetos los
accesorios del
terreno con una
pequeña gota de
cola blanca
adicional pasamos
a aplicar una base
de pintura
compuesta con:
Marrón Chocolate +
Negro Brillante +
Azul Prusia
Esto nos dará un tono muy oscuro que será ideal para nuestro propósito.
Las sombras la
hacemos con lavados de
negro brillante (¿porque
negro brillante para las
sombras? Para que una vez
seco simule el brillo del agua
al derretirse la nieve.)
Las luces las
hacemos a pincel seco muy
suave con:
Marrón chocolate + Violeta.

Pasamos ahora a
pintar la ramita de tomillo
ya que su color original no
quedaría bien en un
entorno invernal, con una
mezcla base de :
Gris carbón + Uniforme

ingles + gris neutro +
marrón olivo.
Las sombras las

aplicamos con lavados de:
negro + azul Prusia.
Y las luces las

damos a pincel seco con:
gris pizarra.
Y con esto,
terminamos el proceso de
pintura de nuestro terreno
el cual tendrá este aspecto
antes de aplicar la nieve.
Vista superior. Æ

Llegados a este paso nos toca aplicar la nieve. He utilizado nieve de la marca
Aldamodel que da unos resultados muy buenos.

La idea es de simular una

nieve caída de hace días y que
empieza a derretirse por algunos
sitios. Para ello hacemos una pequeña
mezcla de cola blanca diluida en agua
y nieve, lo cual nos dará una especie
de masa pastosa que aplicaremos con
la ayuda de un pincel por diversos
sitios del terreno y en diferentes
cantidades, ahí que huir de aplicar
nieve por todos sitios y en la misma
cantidad (no nos quedaría real para
nuestro propósito.)
La nieve
aplicada en el
terreno. Æ
ÅVista trasera.
Hay que tener en cuenta que no podemos dejar así el terreno, estamos intentando simular
una nieve que empieza a derretirse y que encima esta en un sitio por donde pasan
personas, con lo cual también tendremos barro etc.

Empezamos ahora a ensuciar

la parte central que es por
donde pasa la figura. Lo
hacemos con lavados de
marrones oscuros mezclados
con barniz brillante.
Bien seguimos con los

últimos retoques. Una vez
ensuciada la nieve solo nos
queda aplicar un poco de
ella (tal y como va en la
bolsa ) por diversos sitios
espolvoreándola desde
arriba.
Con la ayuda de un pincel

aplicamos barniz brillante en
los sitios donde queramos
que la nieve quede sujeta y
solo nos queda
espolvorearla encima del
barniz.
Y con esto tendríamos

nuestro " Terreno Nevado "
terminado.
Este es el aspecto
una vez concluido el trabajo.
Espero os guste el resultado
teniendo en cuenta que lo he
realizado en un par de
tardes.Æ

Fotos finales de todo el conjunto terminado.

Y el conjunto al completo, peana y terreno.


Tutorial: Cómo construir terrenos acuáticos por Devil

Hola a todos aquí os mando las fotos del curso que se realizo este fin de semana pasado en
Cehegin (Murcia). Lo impartió el francés Christian Petit y pudimos ver cómo se realiza el
agua en todas sus variantes como: agua estancada, en movimiento, cascadas, rápidos,
salpicaduras, efectos de gotas de agua , etc.. fue una autentica pasada.
Un saludo y a disfrutar de las fotos....
Este es el aspecto que presentaba un escenario antes de verter la resina. Aquí se ve el

escenario solo con la fase de pintura lo cual al verter la resina nos dará el aspecto de agua
en movimiento, según nos comento Petit este efecto se crea pintando unas especie de olas
o reflejos con pintura en la base del fondo tal y como se ve en la foto.
Tutorial: Cómo construir terrenos acuáticos por Alfonso Sánchez (Devil)

Artículo original: http://spanish-team.com/foro/viewtopic.php?t=2203&highlight=
1.- Vertido de la resina.
En las siguientes
fotografías se ve el vertido
de la resina, hay que
esperar a que la reacción
del catalizador haga
efecto en la resina y una
vez este endureciéndose
se pueden hacer las
simulaciones de agua en
movimiento y de las olas,
las cuales las realiza
pinchando la resina.
Este es el aspecto con

dos capas de resina y el
efecto de olas tras las
piedras, aun falta dar
unos toques de pintura
para dar mas efecto.
Este es el aspecto que

tiene el efecto salpicadura antes
de pasarlo al escenario. Para esto
utiliza dubbing de antron y barniz
acrílico, es muy sencillo de
manejar y queda muy realista en
la marca Aldamodel podéis
encontrar este producto para las
salpicaduras.

También pudimos
deleitarnos con algunos de
los escenarios que Petit trajo
para la ocasión como este
de la foto, una maravilla.
Pregunta: ¿Que tipo de resina usa?
Respuesta: La resina que utiliza es resina de poliéster transparente, por supuesto con su
catalizador, para las salpicaduras usa barniz acrílico + dubbing de antron ( que como
comenté lo tiene Aldamodel ) para las gotas de agua utiliza fibra óptica mas barniz gel
acrílico.


Paso a Paso: Terreno Arbolado a Escala 54mm por Devil (Alfonso

Sánchez)
1. Introducción y materiales.
Esta ambientación es para la figura del Yarri, empezamos con los materiales que utilice:
La peana es un taco de
madera de olivo con las
siguientes medidas:
- Alto 4,5 cm
- Ancho 3,5 cm
- Fondo 3,5 cm
El rebaje que lleva la

peana en su lado
izquierdo es propio de la
madera natural ( la foto
esta hecha por la parte
trasera por eso no se ve el
rebaje )
Os mando las fotos de algunos de los materiales que se han usado en la elaboración del
terreno.
Masilla de dos componentes

Feroca ( para la base del
terreno, sujeción del árbol,
etc..)
Paso a paso: Terreno arbolado a escala 54mm por Devil (Alfonso Sánchez)
Artículo original en el foro del Spanish Team: http://www.spanish‐
team.com/foro/viewtopic.php?t=4082&start=0
Césped ferroviario artificial ( para la

recreación del césped de la base del
terreno. ).
Carbón activo natural ( esto es una

pasada lo uso para recrear las
piedras del terreno ); muy útil a la
hora de pintarlos con óleos.
Las ya clásicas en mí ,ramitas y

raíces secas de tomillo ( para crear
el árbol, simular raíces, arbustos
etc.. )
Hojas sueltas utilizadas

en el árbol. Vienen sueltas
y en pequeñísimos
ramilletes que hay que ir
pegando uno a uno a
cada rama del árbol.
Plantas naturales. Una vez secas

las podemos usar tanto para
complementar las hojas del árbol
como hierba baja a nivel del suelo.
Lo ideal es pintarlas ya que al
secarse pierden su color original.
2.- Comienzos
Bueno pues entramos en materia. La idea

general era representar a Yarri en un terreno
verdoso, arbolado, para ello fui probando
diferentes posiciones en la base de la peana..
al final después de varias pruebas me quede
con ésta..
Una vez la idea clara, hacemos la base del terreno con masilla de dos
componentes ( yo uso Feroca ) mezcladas a partes iguales, la vamos
extendiendo por toda la base de la peana y con una leve inclinación
de atrás hacia delante. Con la masilla aun fresca colocamos el árbol,
las piedras y hacemos los agujeros donde irá la figura. Éste es el
aspecto una vez terminada esta fase. (Perdón por la foto)
3.- Hierba
El paso siguiente es ir poniendo la hierba artificial. Damos una capa de cola blanca muy
fina por toda la base de la masilla intentando no tocar las piedras por encima. Antes de que
empiece a secar la cola blanca vamos espolvoreando una cantidad generosa de hierba.
Dejamos secar la cola y si

vemos que falta hierba en
algún sitio pues damos otra
capa de cola y ponemos más
cantidad. Éste es el aspecto de
la peana con la hierva una vez
pegada al terreno.
Si queremos asegurar aun mas la hierba para que con el paso del tiempo son se caiga
podemos dar una fina capa de cola blanca diluida en agua por encima de toda la base de
la hierba y dejando que se cale bien.
Ahora es cuando viene lo bueno.....

La fase de pintura. Comencé por la
base primero pintando a aerógrafo
una capa base de color oscuro
negro mate + marrón ( todas de
Tamiya ). Con esto conseguimos
primero crear sombra debajo de la
hierba y segundo ahorrarnos el
sombreado. Daros cuenta en una
foto y otra la segunda queda muy
oscura (tal vez demasiado) pero
como se suele decir esto es solo el
principio.
Después de dar con aerógrafo la capa del fondo empezamos a dar luces aerografiando un
tono de verde oscuro sobre la base negra, seguido de pincel seco pero muy suave y cada
vez con tonos de verdes mas claros.
Este es el aspecto con unas subidas

de luz.
Por último con algunos toques a pincel seco por la parte superior de la hierba está
terminada, yo use una mezcla de verde oliva + amarillo mate.
Si no tienes aerógrafo tranquilo, no hay problema, puedes hacerlo dando unas aguadas de
color oscuro por todo el terreno prestando atención a que se filtre bien la pintura por
debajo de la hierba. Una vez seca deberás trabajar con toques suaves de pincel y algo de
pincel seco por encima del césped, pero siempre en tonos verdes-claros.
4.- Piedras
Para el tema de las piedras el método es muy sencillo: trituramos las piedras de carbón
natural hasta conseguir el tamaño que se adapte a nuestra escenografía y, con cola
blanca, lo pegamos al terreno. Para pintarlo yo suelo usar óleos dado lo fácil que es
fundirlos entre sí ( aunque se puede usar cualquier pintura ). Con tonos verdes, ocres, grises,
azules, tierras, etc.. vamos fundiéndolos entre sí para pintar las piedras. El carbón, al ser
bastante poroso, no necesita de imprimación ya que la pintura agarra muy bien.
Así es como me quedo la peana antes de empezar con el árbol. Las cabezas de alfileres que
se ven es donde irá la figura.
5.- Árbol
5.1.- Copa del árbol
Llegamos a un buen curro, ir pegando poco a poco la flores del árbol. Para este arduo
trabajo hay que armarse de paciencia e ir pegándolas con ayuda de cola blanca. Éste tipo
de florecillas es de una marca ya desaparecida Eurorrail (alemana). Son ideales para este
tipo de escenografía, vienen en pequeños ramilletes que han de cortarse a la medida que
queramos representar; por cierto es bueno dar algunos toquecillos de pintura para que el
conjunto no sea totalmente uniforme. Os pongo la foto de los ramilletes....
También nos es muy

válido utilizar las
flores sueltas que
podemos sacar de
estos ramilletes, son
cojonudas para
esparcir por el suelo,
rellenar huecos por
ejemplo en el árbol y
para representar
hierba baja.
Estas hierbas sí que son naturales cogidas por el monte y dejándolas secar. Las suelo usar
a veces mezcladas junto con los ramilletes del árbol o junto con otro tipo de hierbas; una
vez que las pintas quedan de lujo.
Bueno pues seguimos con los pasos finales. Y tras un arduo trabajo al final esta terminada
la copa del árbol; ahí van esas fotillos del resultado.
5.2.- Nido y Serpiente
Después de terminar la copa del árbol se me

ocurrió hacer alguna cosilla en las ramas del
árbol y "E Voila". Modelé con masilla de dos
componentes un nido y un par de huevos que
luego pintaría y camuflaría integrándolos en las
ramas del árbol.
Tras hacer el nido y los huevos también modelé una serpiente en aptitud más que
amenazadora ( vamos que la jodía va por los huevos) venga esa foto del culebrón.
Lo cierto es que al principio tenia alguna duda

de como pintar el culebrón. O lo pintaba rojo y
negro, lo cual destacaría mogollón, o lo hacia
en plan camuflada y al final mirando por
internet opte por representar una Boa
esmeralda, que es totalmente verde ideal para
camuflarla entre las ramas del árbol (por cierto
es una serpiente sin colmillos). Ésta es la
culpable....
5.3.- Tronco del árbol:
Una vez terminada la parte alta del árbol, pasamos al tronco. Partimos de la base que es un
tronco natural no artificial. Hay gente que imprime y después pinta dicho tronco, lo veo
muy válido. Por el contrario a mi no me gusta esa fase yo prefiero dejarlo con su color
natural (sin imprimar), y solamente darle lavados de tintas y tonos marrones, ocres, verdes
(simulando musgo) etc.. y al final unos leves toques de pincel seco pero muy suaves.
Aquí os mando las ultimas fotos de el árbol con el detalle de las ramas el nido y la
serpiente, no sin antes
comentaros que el árbol
es una rama de tomillo
bien seca. Esta tratada
con pequeños lavados de
tintas marrones en varias
tonalidades y tintas
verdes en la base del
tronco para simular el
efecto del musgo.
Muchas gracias a todos

por vuestros comentarios
y a sido un placer
compartir este trabajo
con todos vosotros.
Paso a Paso: Brujita de Reaper por Alex Cross

Hola chicos, como dije en el post ese que abrió Alfon sobre un año en el foro quería cambiar
mi forma de intentar aportar algo aquí así que estoy intentando hacer un paso a
paso/intento de tutorial/proceso de la 5ª figura del proyecto. Es una brujita a 28 mm.
La verdad es que no creo que enseñe algo importante a la mayoría de la gente que hay
aquí pero a los que entráis nuevos en el foro puede que os sirva.
P.D. Imagino que como siempre podría fundir mejor pero de momento es todo lo que sé
hacer. Quizás tenga algo que ver que yo en mano no lo noto tan marcado como lo detecta
la cámara, no lo sé.
Comenzamos...
Esta es una vista de la figura en sí.
Perfilamos los ojos por arriba y por

abajo con negro porque se supone que
va maquillada... Luego remataremos
con la base.
PaP de brujita de Reaper por Alex Cross

Pintamos con cuidado el globo del ojo con

hueso de Vallejo, el pincel muy
descargado, un 0, la miniatura ladeada y
las manos bien apoyadas. Después
rematamos con negro donde nos
hallamos salido.
Pintamos la pupila intentando que quede

un poco hacia la parte superior porque
está mirando supuestamente de frente..
Ponemos un puntito de luz en cada pupila

(en la foto no se nota muy bien)

Empezamos a perfilar las carnes a base de (no recuerdo los colores) marrón + rojo + negro

Comenzamos con la capa base, normalmente utilizo esta mezcla para mis últimas caras (os
la pongo en esquema):

Pero para este paso quería poner una variación más sencilla para que fuera más
ilustrativo....
Así que comencé con una base de arena marrón de Vallejo...
Primeras luces añadiendo carne dorada y amarillo hielo (el amarillo hielo es porque me lo
recomendó Alfon y José, creo que aclara y da intensidad y frío, creo...)

Más luces con amarillo hielo y carne dorada a partes iguales...
Ahora añado carne base de Vallejo también para preparar los puntos de luz..

Marco los puntos de luz...
Los fundo un poco con veladuras de arena marrón...

Comienzo el trabajo de las sombras añadiendo a la base rojo de Vallejo.
Continuo el trabajo de sombras añadiendo más rojo de Vallejo y una pizca de rojo negro.

Más sombras con más rojo negro...

Últimas sombras... rojo negro puro.
Comienzo con los tonos, debajo de los pómulos y del sombreo y hacia el mentón con rojo
de Vallejo a veladuras.

Y para dar profundidad pues algo que lleve azul, dos tonos fríos morado imperial de Citadel
y azul Oxford de Vallejo hacia la barbilla y debajo de los pómulos en las ultimas sombras a
base de veladuras...

Para unificar algo más, más veladuras de la base...
Comenzamos pintando el labio con base de rojo negro más negro, luego rojo negro luego
subidas con rojo, luego rojo puro, luego a rayitas de rojo más carne dorada para simular
carnosidad, y luego volvemos a velar todo con rojo. Ponemos un punto de luz con hueso
más carne dorada y barnizamos con varias capas de barniz brillante diluido (parece una
tontería lo de diluir hasta que Kai me dijo que había que diluirlo jajaja)

Y una foto aún más ampliada:
Comenzamos con la capa base del resto de la piel...

Me doy cuenta de que sería mejor pintar los detallitos que van en sombra para luego no
jorobar la piel así que como quiero que el top sea granate lo pinto con negro + rojo y lo
ilumino un poco, doy una capa base más oscura a la piel de esa zona que iría más en
sombra, y pinto los cordones con gris. Doy una capa base al tanga con negro. Y por la parte
de delante también ; )
Se me había olvidado maquillarle la sombra de ojos y tal! Mezclo Medium brillante con azul
verdoso y verde Goblin y lo aplico a semiveladuras, luego más a la zona exterior aplico otro
poco de medium brillante más morado.

Tras la base igual a la cara, me peleo con la piel, no lo consigo hasta que no añado
mediums veladuras y busco los contrastes más suaves.
Luces....
Sombras...

Intenté hacer la capa dando

base luz y sombra pero no lo
conseguí y realice un nuevo
intento desde un color más
oscuro con una sombra
azulada para que quedara
en plan fantasía (y le gustase
a mi novia porque la mini es
un regalo para ella). La base
lleva marrón oliva + negro +
azul medianoche.
Luces con marrón oliva....

Más luces con tierra cementerio y

con amarillo hielo...(volvemos a lo
mismo, el amarillo acerca y el azul
aleja....) Intento mantener la parte
superior sin las sombras de la parte
de abajo para que quede algo más
cenitalero...
Velo un poquito con azul

medianoche para unificar algunas
partes....

Pasamos a por la calabaza!

Perfilamos con marrón rojizo
Damos una prebase de marrón

rojizo más naranja...
Comenzamos con la base...........

He perdido todo el día con lo de la piel (cuando algo se te atraganta............hay que ver) pero
bueno al final estoy contento con el resultado. Aunque con el paso a paso y sacar fotos así
tan grandes me doy cuenta de pinceladas y tal que no veo en mano. Ahora sí que no me
explico como hacéis esos degradados tan flipantes pero si en mano no debéis ni verlos.
Continuamos con dando luces a la calabaza con una mezcla de uniforme inglés y naranja
ardiente o como se llame. Luego subimos más con hueso para que las ultimas luces
queden tirando a beige aunque la foto sale oscurísima y no recuerdo ya si fue con las luces
finales.
Nos metemos con las medias. Quería hacer en plan efecto aerógrafo como en monográfico
de Andrea de chicas pero al final la cague porque di un brochazo de negro... menos mal
que se me ocurrió una idea. Así que repinto de negro y aprovecho que el cambio de
imprimación me dará un tono más oscuro de piel al final como si la cubriera una media...
Voy dando capas bases poco a poco, ahora cambia la técnica para pintar sobre negro
pues tienes que ir cubriendo desde colores más oscuros para llegar a dar la arena marrón
porque si no, no cubre bien...siempre varias pasadas.

¿Qué se me ocurrió? pues hacerle rejilla... Aquí

hay que tener en cuenta los volúmenes y
articulaciones porque se supone que iría
cambiando conforme al doblez de la
extremidad...me medio salió. No tengo el pulso
para hacer los freehands de Bonamant pero algo
es algo...
Continúo con el detalle de la media y subo el

negro con gris sombrío; pinto el detalle de oro
con tin bizt, luego bronce de Vallejo luego oro
viejo y luego boltgun. Luego barnizo con barniz
brillante diluido con varias pasadas (luego explico
por qué)
Me meto con las botas, capa base de rojo oscuro

más negro.

Primeras luces con rojo

oscuro y luego rojo (ambos,
Vallejo pero son como gore,
entrañas y tal de citadel...)
Sigo con las luces con rojo y

acabo dándole golpes de luz
en la parte superior con rojo
sangre (más claro que el rojo
de Vallejo) y al final añadiendo
un poco de naranja.
Satino con varias capas

diluidas, el barniz es de
Vallejo...

A partir de aquí es bastante caótico el PaP porque voy dejando secar algunas cosas, voy
dando capas bases para hacerme la idea...etc. Lo siento pero es mi forma de hacerlo.
Comienzo con el pelo, varias capas base

de azul luminoso
El palo de la escoba...capa
base de marrón bestial más
negro creo.
Las cerdas con uniforme

inglés.

Los guantes con negro.
Y ahora... Jesús va por ti...comienzo a guarrear con óleos jaja. Empiezo a lavar con marrón
siena y marrón más negro los pelos de la escoba para que se vea con roña y a dar
veladuras de lo mismo en el mango de la escoba y a dejar en zona de sombra estos
elementos por la parte de abajo.
Igualmente con óleos, azul ultramar.... Comienzo a dar sombras en el pelo, para que
adquiera algo de fuerza y viveza. ¿Por qué azul el pelo? pues para que destacara y porque
le va a gustar a su dueña, simple y llanamente...

Primeras sombras….. Segundas…
No me preocupo mucho por la definición porque luego iré rematando.

Comienzo dando luces a los guantes con gris

sombrío.
Pinto las uñas de rojo putón y los botones con el

oro que puse antes.
Barnizo por separado los guantes con satinado

y las uñas con brillante.

Comienzo con el top usando las mismas mezclas que para las botas solo que con más
negro para la sombra y más fuerte y naranja para las luces porque me he dado cuenta de
que los barnices me jodían todo el trabajo de luces y no sabía muy bien cómo reaccionar
uso el método de sombra-base-luz esta vez pero lo esquematizo solo con base y luz.
Base... Primeras Luces..
Últimas... Broche dorado y barnizado en brillo porque

quería hacerlo en plan top de cuero.

Me pongo a redefinir un poco el pelo que el oleo ya esta medio seco con el color base y
subiendo este con hueso, también redefino sombras con azul encantando y medianoche
para las más fuertes.
Redefino también la escoba y algún detallito con uniforme inglés y este mas hueso.

Comienzo con el sombrero que

quiero que quede satinado...
Subo el negro con carne

dorada hacia la parte que esta
inclinada en la parte superior.
Comienzo a pintar la tira del

cinto de cuero mientras se seca
el barniz satinado del gorro.

Bueno y ya es hora de ir comentando que si satinado y tal. Pues Jose y otros siempre
insisten en el acabado diferente de cada zona y me estuvo explicando algunas cosillas del
cuero y tal. Así que quería que la miniatura tuviera acabados diferentes (mate, satinado y
brillo) así como la textura de la rejilla de la media y tal.... Así que lo he intentado. También
intenté meterle tinta azul y negra en algunos cortes pero no se nota demasiado (esto
también me lo dijo Jose pero no recuerdo si eran estos colores jaja) quizás es que no me
atrevía y fui muy sutil. No se...
La sucesión lógica y correcta me pareció una alternancia entre satinado y brillo en altura
para que no quedara poco distinguible...no sé si habré acertado, en mano quizás queda
algo mejor o al menos a mi me mola así que qué más da jeje, tal que así:
Bueno y aquí pues ya he retirado el papel protector y he pintado la base en negro...la

verdad es que la decoración de la base bueno...como decirlo....mejor no la pongo...va a ser
cantosa, poco purista y va a joder la mini seguramente a vuestros ojos así que prefiero
dejarla así y ya la regalaré con la base como a ella le gusta...jejeje..........
Os pongo algunas vistas aunque falten remates y no la doy por finalizada.



Bueno ya está...ha sido un placer. Que paséis una feliz Nochevieja en compañía de familia,
amigos....etc.
Un saludo.
Alex C.

Paso a Paso: Lathien Hoja de Roble 40mm por Basajaun

1. Introducción.
Para no perder lo que he aprendido en la

última mini y probar un par de cositas
nuevas voy a empezar con el Lathiem de
Enigma... Quiero hacer un bárbaro un poco
diferente al típico de Conan, mas basado en
los mundos desérticos de Dark Sun de
AD&D. Leyendo la historia del personaje se
me ocurrió que todo el tema de ser un
bárbaro solitario, repudiado por su gente,
podía deberse a algún tipo de tara física, así
que me puse a buscar referencias y
encontré esta imagen...
Supongo que no seria muy normal

encontrar un bárbaro medio albino en un
lugar de estos así que me he decidido sin
dudarlo. Voy a intentar hacer algo parecido,
variando un poco los colores hacia morados
y azules.
1. La piel
Por ahora la base, un par de sombreados generales y una primera iluminación.
Paso a paso: Lathien Hoja de Roble 40mm por Basajaun
team.com/foro/viewtopic.php?t=4572&postdays=0&postorder=asc&start=120
La base es una mezcla de gris medio, arena claro, hueso y un pelín de violeta y rojo violeta. Las
sombras son la misma mezcla con un poco de marrón chocolate y una pizca de azul azufre, las
segundas sombras llevan un poco mas de marrón chocolate, violeta y rojo violeta...
El tema de los colores puros, o intensos es una de las cosas que quiero probar, a parte de
meter un contraste mas agresivo que en mis ultimas figuras.

Bueno, el sombreado y algún tono general esta

prácticamente acabado, ahora empezare a
iluminar...
Bueno, voy lanzado, esta se pinta sola...un

poquito mas de la iluminación, en breve tendré
que empezar a desviarme hacia violetas casi
blancos y arenas muy muy claros...
2. Los pantalones
Sigo con los pantalones. Marrón chocolate y marrón rojo con violeta para la base y sombras
con más violeta y un poco de Oxford para agrisar. El color que sale en las fotos no se parece
mucho a la realidad, es un poco menos rojo, sin embargo en cuanto a luces y sombras esta
clavado.
2. Las pieles
Este es más o menos el esquema de

color. Los cueros van a ir hacia
naranjas y morados, y las pieles de los
hombros hacia negros y azules. Poco a
poco se irán viendo mejor los colores.
Base de las pieles con charadon
granite, violeta y chocolate y base de
los cueros con tausept ocre, violetas y
chocolate.
Un poquito más; el cuero de la capa, luces con tausept ocre, una pizca de violeta y arena claro,
las sombras con tausept ocre, violeta y un poco de humo. Como siempre, punteando al final un
poco las últimas sombras y luces y velando con la base para uniformizar un poco.
3. Las cintas de cuero
Base con Dheneb Stone y un pelín de violeta. Oscurezco a base de lavados de chocolate, humo
y Humo + Negro. Al final doy luces solo en unas pocas zonas, en la parte superior con Dheneb +
Arena y meto algún tono con naranjas y violetas. Estuve dudando entre un color más claro,
tipo momia o unos cueros más naturales, y me quedé con este último para que no perdiese
ese contraste entre la claridad de la piel y la atmósfera oscura del resto. De todas maneras me
lo pienso un poco más, y en la segunda vuelta decido.
Los colores exactos de las cintas son:
‐ Base: Dheneb stone (Foundation Paints) + una pizca de violeta (Model Color). Da un color
muy claro.
‐ Sombras: Primero con marrón chocolate + pizca violeta, después humo, deja pequeños
puntitos. Al final humo + negro (todos Model Color)
‐ Luces: Casi no lleva, pero es la base con un poco de arena clara (Model color).
‐ Tonos: Al final, para sacar los tonos naranjas y morados. Macharius Solar Orange
(Foundation) + pizca de chocolate y violeta + marrón chocolate, cada mezcla en una zona.
‐ Veladura general: Con humo muy, muy diluido, chocolate y un poco de violeta; esto ayuda a
uniformizar todo y elimina imperfecciones.
Lo más importante es que el conjunto quede irregular, para que sea más natural, nada de
hacer líneas continuas en perfilados o líneas de luz; son mas bien punteados, manchas y
pequeños trazos irregulares. Lo mejor de todo es que, al ser tan caótico, es más fácil de lo que
parece, y mucho menos costoso que un degradado limpio aunque no lo parezca.
4. Los detalles
Pues ya están la hoja de obsidiana (gracias por animarme, creo que es un acierto) las pieles y
las zapatillas. Ahora empezaré con el detallado de todo lo que queda y el repaso general.
La espada tiene morados, incluso tonos rojizos, pero el brillo del barniz los mata, ya intentaré
acentuarlos un poco más. De todas maneras, no se le pueden sacar demasiadas luces, ya que
el propio brillo del barniz se encarga de esto, y entrarían en contradicción con los brillos y luces
que yo le pinto. Como mucho se podrían meter tonos y resaltar aristas, que es lo que he hecho
(es mi opinión personal). La obsidiana esta barnizada, pero como saco las fotos con luz
indirecta apenas se nota.
Bueno, ya tiene cara y

expresión de desprecio.
Faltaría suavizar un poco, como
el resto de la piel. A ver que tal
lo demás.
La cara ya esta acabada. Le he

marcado más los rasgos
acentuando el contraste.
Esto ya se va acabando. He retocado prácticamente todo, menos los cueros. Para los metales
de las plaquitas he utilizado los de Citadel, una diferencia abismal con los de Vallejo: Chainmail
con Chocolate, añado Plata Mithril para las luces y al final humo y unas veladuras de Dark Sea,
Azul Turquesa y Tausept Ocre para darle el toque de color que siempre me falta en las minis.
Las siguientes fotos serán de la mini acabada.
5. La Peana
Pues Bueno, el tema de la peana. En una base de las de 54mm (no me cabía en la pequeña) he
pegado un trozo de corteza de pino para simular la roca. Para encajar la miniatura tiene una
ranura hecha con la cuchilla y la junta está disimulada con milliput. Luego se coloca la masilla
con pendiente hacia la roca para simular la arena y las tres ramitas. Cuando está seca se pega
arena de distintos tamaños para simular fragmentos que se caen de la roca principal. El
pintado, como siempre, con acrílicos para no perder tiempo, porque van tapados con los
pigmentos: Marrón chocolate, arena, arena claro, camuflaje ocre naranja, negro, humo,
violetas y marrón rojo. Primero una base para la arena con el ocre, y la roca con el marrón
chocolate y un poco de ocre.
A partir de aquí todo se consigue con lavados de los demás colores y un leve pincel seco muy
suave añadiendo el arena claro. Para acabar pigmentos Mig. Primero una capa con los
pigmentos mezclados con medium mate de vallejo, con un color oscuro (creo que era african
earth, pero no estoy seguro) y poco a poco con colores más claros como el beach sand. Al final
con los pigmentos hago un pincel seco directamente sobre la superficie que quiero que quede
polvorienta, toda la base y parte de las piernas (casi hasta la rodilla) para que la mini quede
integrada, de manera gradual cada vez mas suave según voy subiendo hacia la mini. Y eso es
todo. La serpiente es un churrillo de masilla.
Los pigmentos se pueden mezclar con pintura; lo normal es mezclarlo con "algo" para que
quede adherido a la superficie. Puedes usar barniz mate, medium mate o white spirit. Al final
los pigmentos realmente son pintura pero sin el aglutinante. Cuando los mezclas con uno de
estos tres elementos se crea una especie de barrillo (mas pigmentos=mas denso) que se va
aplicando por la superficie. Es cuestión de probar. ¡Pues ya esta acabada!
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Paso a Paso de un Freehand del Dragón

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TUTORIAL ESTANDARTE CABALLERO NEGRO
Muy buenas a todos, Ya os dije que poco a poco iría haciendo los tutoriales que pudiera, así
que os presento el del pintado del estandarte del caballero negro.
He decidido hacer una breve, brevísima descripción de los pasos que he seguido ya que las
fotos hablan por sí solas, en todo caso cualquier duda que os surja preguntad.
En todo momento la pintura se ha aplicado bastante diluida dependiendo lo que se esté

pintando, por ejemplo: para veladuras ya sabéis que hay que diluir mucho, tanto más
cuanto mejor resultado se quiera, por lo que la proporción de agua la he ido variando a mi
gusto. Para pintar la cara también la he diluido pero muchísimo menos, lo justo para que no
deje grumos ni marcas de cerdas.
Y bueno, creo que esto es todo, espero que os guste y os sirva de ayuda.
Autor: Cruasan
Link: http://www.spanish-team.com/foro/viewtopic.php?t=3556
Autor: Cruasan
Portaestandarte caballero negro:
Paso 1: Dar una capa base de Rojo Gore, yo he tenido que dar varias manos para que
agarrase el color.
Paso 2: Dar veladuras de Negro hasta conseguir las sombras deseadas entre las ondas de
la bandera y en el oscurecimiento de la parte baja.
Paso 3: El dibujo del demonio es de internet "fuente de ideas", lo modifiqué un poco para
quitarle ese punto de demonio que tenía... en un principio empecé a hacerlo a mano, pero
debido a mi falta de práctica y el escaso tiempo que disponía imprimí la imagen y la
recorté.
Paso 4: Con Rojo Gore repasar la plantilla para marcar el contorno de la cabeza, ojos, nariz
y boca.
Paso 5: Pintar el interior de la cara con Rojo Costra. Repasar los trazos con negro y también
las sombras principales, de forma brusca, ya habrá tiempo de dar veladuras.
Paso 6: Iluminar poco a poco con una mezcla diluída de Rojo Costra con Rojo Sangre.
Autor: Cruasan
Paso 7, 8, 9: Dar veladuras negras hasta que quede a nuestro gusto. Remarcar un poco el
contorno manchado con rojo.
Paso 10: Pintar las encías con Tierra Mate.
Paso 11: Iluminar las encías con una mezcla de Tierra Mate y Rojo Sangre.
Paso 12: Pintar los dientes con Tierra Mate, dar Negro diluido en las zonas de la encía que
queda entre dientes.
Paso 13: Iluminar los dientes con Hueso Deslucido y con Blanco.
Paso 14: Dar las últimas luces en cejas, pómulos, puntas de las orejas, cuello.... para ello he
usado una mezcla de Rojo Sangre con Amarillo.
Paso 15: Iluminar poco a poco el fondo a base de veladuras con Rojo Sangre.
Paso 16: Seguir iluminando con Rojo Sangre + Amarillo.
Paso 17: Iluminar un poco con amarillo en las tres zonas prominentes del fondo.
Paso 18: Y diréis, pues qué tontería iluminar tanto para ahora apagar las luces con
negro....pues sí... pero cuando
pinto apenas tengo el 60%
pensado... suelo elegir un
esquema y luego los tonos
salen solos, bien o mal pero
salen. Bueno a lo que
estamos, Sombrear con
veladuras negras y hacer una
especie de llamas negras en la
cabeza.
Paso 19, 20: Poco a poco ir

definiendo las calaveras a
base de veladuras negras. En
la foto 19 las dos de la
izquierda están acabadas,
fijaros en la de la derecha.
Paso 21: Dar las últimas

veladuras para fundir
principalmente el rojo con el
negro.
Autor: Cruasan
Paso a Paso: Técnica combinada de aerógrafo y pincel, por

Gilgamesh
Buenos días! Aprovecho uno de los últimos procesos que hice para probar los nuevos
colores de Andrea para que veáis un trabajo de combinación aerógrafo-pincel. Sentiros
libres para preguntar cualquier duda o comentad lo que se os ocurra.
1. Preparación de la figura y el aerógrafo.
Primero imprimamos el kit con Blanco Mate, aunque se

suela imprimar en gris, prefiero usar este color de para
aprovechar mejor la luminosidad de los colores que
utilizare después.
Después de Imprimar enmascaramos con cinta

adhesiva de Tamiya la parte superior de la figura, antes
de comenzar el proceso de pintura del pantalón.
Paso a paso. Técnica combinada de aerógrafo y pincel, por Gilgamesh

Artículo original en el foro del Spanish Team: http://www.spanish-
Estas son las herramientas con las que suelo trabajar normalmente, los colores que veis en
la imagen son de la nueva gama Andrea color
La mezcla del color base las hago en la paleta y añado unas gotas de
agua hasta conseguir la densidad adecuada ( en este caso similar a la leche de vaca
argentina)
1 2
3 4
5 6

Una vez hecha la mezcla en la paleta añado agua y unas gotas de disolvente
Gunze Sangyo y, a continuación, añado a la cazueleta del aerógrafo la mezcla hecha en la
paleta.

2. Pantalones.
Comenzamos a pintar con una

presión entre 1,5 y 2 bares;
colocamos la figura de forma
que las arrugas más profundas
queden perpendicular a la
boquilla del aerógrafo y
comenzamos a pintar. Las
rociadas deben ser cortas y
precisas, procurando que la
parte superior del pantalón
conserve ligeramente el color
blanco de la imprimación, y así
aprovecharlo para dar posteriormente las luces.
Después de aplicar varias capas muy

finas de color base el resultado es
éste. En las zonas de luz he intentado que
se mantenga la transparencia
de la imprimación. Para conseguir este
efecto es muy importante realizar
una rociada muy controlada con una
mezcla muy diluida.

Resaltamos las luces aplicando una capa de pintura ligeramente más espesa que el color
base. Como podemos ver en las imágenes, la posición de la boquilla del aerógrafo y la
figura juegan un papel muy importante. De esta manera la pintura que se aplica con el
aerógrafo solo se deposita en la parte superior de las arrugas, potenciando de esta
manera la luz del pantalón.
Vista Delantera Vista Trasera
Éste es el resultado del paso anteriormente explicado.

Al igual que hicimos con las luces,

en esta ocasión invertimos la
posición de la figura y pintamos las
sombras. Para que la parte inferior
del pantalón se vea más oscura
que la superior, aplicaremos más
capas de pintura, acercando la
boquilla del aerógrafo a estas
arrugas inferiores. En cambio
alejaremos la boquilla hacia la
parte superior del pantalón para
crear un sombreado más
difuminado.
Resultado de las sombras aplicadas

Quitamos la mascarilla para poder apreciar el resultado y hacer los oportunos retoques a
pincel sin que esta nos estorbe. Una de las ventajas que tenemos al utilizar estas pinturas
es que la misma mezcla que hicimos para el aerógrafo nos sirve para el pincel. Sólo
debemos tener en cuenta que al ser una mezcla hecha para el aerógrafo es demasiado
liquida para usarla a pincel. Podemos remediarlo simplemente añadiendo más pintura
hasta conseguir la densidad apropiada.
¿Por qué rematamos las sombras a pincel? Debido a que el aerógrafo es una herramienta
que en ocasiones no puede crear cortes duros entre planos de arrugas finas, debemos
retocar a pincel, para definir estas arrugas.
Resultado final del pantalón:

3. Chaqueta.
Enmascaramos la parte del pantalón que ya tenemos acabada con cinta de Tamiya y
aplicamos el color base del paño superior. La mezcla para la base del amarillo es XNAC-05
Uniforme inglés+XNAC-39 Amarillo básico+XNAC-37 Marrón Dorado+XNAC-52 Sienna
Tostada.
Aplicamos las luces añadiendo

amarillo básico al color base y
aerografiamos siguiendo las pautas
que expliqué en el proceso del
pantalón.

Vista Delantera (Base + Luz) Vista Trasera (Base + Luz)
Para las sombras he usado

Uniforme Inglés + Sienna Tostada y,
al igual que expliqué con las
sombras del pantalón, coloco la
figura boca abajo para que la
pintura penetre en la parte más
profunda de las arrugas.

Vista Delantera (Base + Luz + Sombra) Vista Trasera (Base + Luz + Sombra)
A partir de aquí empezamos a retocar las arrugas más finas con el pincel. Ésta es la vista de
la chaqueta terminada.

Y el resultado final de la figura es éste:

4. Preguntas y respuestas.
¿Rocías con el aerógrafo de tan cerca como parece? ¿A qué distancia más o menos?
En realidad no existe una distancia fija, pero para que te hagas una idea está entre los 7 y
10 cm, todo depende del tipo de rociada y de la forma de trabajar de cada uno.
Si has de mover el aerógrafo para llegar a partes donde no llega el flujo de pintura (por
ejemplo, hacia la otra pierna...) ¿lo haces dejando la figura y el aerógrafo en el mismo ángulo
o buscas de nuevo la perpendicularidad con las arrugas de esa parte?
Cuando haces una rociada corta y muy concreta, la posición es fija. Aprietas el gatillo
tirando sólo aire y a continuación echas la palanca hacia atrás hasta conseguir el caudal
de pintura que deseas echar. No siempre se deja en la misma posición, debes ir moviendo
el aerógrafo con la mano buscando el ángulo que deseas pintar y, si no llegas con el
aerógrafo al ángulo que buscas, lo haces interactuando con la figura y la boquilla del
aerógrafo.
¿Qué diferencia hay entre enmascarar con Maskol o con cinta?
Normalmente suelo utilizar la cinta adhesiva de Tamiya, ya que es la más apropiada por su
adhesivo suave y flexible que evita que nos pueda levantar la pintura una vez que retiras la
mascarilla. Ojo, si has pintado con óleos y usas cinta adhesiva corres el riesgo en algunos
casos de que se levante la pintura.
El Maskol suelo utilizarlo cuando las zonas que tengo que enmascarar no me permiten un
ajuste preciso con la cinta adhesiva. Por ejemplo las cuencas de los ojos o cualquier parte
que tenga una forma demasiado cóncava o convexa, porque con la máscara adhesiva se
formarían pliegues por donde se colaría la pintura.
¿Cargas la pintura con el pincel de la paleta al aerógrafo?
Si te refieres a si uso el pincel para llevar la pintura del pocillo de la paleta a la cazueleta del
aerógrafo, sí, lo hago con un pincel.
Me gustaría saber porqué añades el diluyente de Gunze (además del agua) a la mezcla de
pinturas. ¿Lo haces con todas o sólo con las nuevas de Andrea? Qué proporción añades de
agua-diluyente?
Añado disolvente para que la pintura no pierda el aglutinamiento del acrílico y conseguir un
trazo más fino y uniforme. Yo sólo lo he utilizado con los acrílicos de Citadel y las nuevas de
Andrea. Evidentemente si usas pinturas especificas para aerógrafo (Gunze Sangyo,
Tamiya...) utilizas el disolvente propio de la marca.

La proporción de agua-diluyente para la mezcla de acrílico es muy subjetiva,

aproximadamente 50% agua 50% diluyente y después añades la pintura; pero insisto en
que la cantidad no es exacta, lo mejor es probar sobre un papel y medir la densidad de la
pintura.
Supongo que hay que tener mucha práctica para pintar un pantalón así con aerógrafo, pero
bajo mi punto de vista pierde algo de "encanto" y "diversión" pintar poniendo la mini boca-
abajo, boca-arriba.
¿Diversión? Me imagino las posturitas que habrá que hacer a veces para poner la boquilla
del aerógrafo en su sitio; divertido debe ser un rato… Ya en serio, yo creo que el aerógrafo
es un instrumento para conseguir un determinado acabado, pero no te hace el trabajo solo.
Para mí el encanto está en trabajar para conseguir un determinado resultado, y no creo
que haya menos encanto por usar una u otra herramienta para conseguir tus objetivos.


J. MARTIN PINTURA PASO A PASO
BASAJAUN
CHINESE LADY
Foro Spanish Team | www.spanish-team.com

Índice
Chinese Lady por Pepa Saavedra 4
Paso 1: Piel (I) 4
Paso 2: Piel (II) 5
Paso 3: Piel (III) 6
Paso 4: Piel (y IV) 7
Paso 5: Ojos 8
Paso 6: Perlas y Joyas 10
Paso 7: Pelo 12
Paso 8: Qipao (Telas) 16
Paso 9: Qipao (Estampado) 18
Fotos Finales 23
Tabla de Colores 38
Preguntas y Respuestas 40
Chinese Lady ( PAP) por Pepa Saavedra
http://www.spanish-team.com
Los textos e imágenes originales pertenecen a Pepa Saavedra y se encuentran en el foro de la Fábrica
Roja (http://lafabricaroja.com). Este documento ha sido compilado, con su permiso, para la
comunidad del Spanish Team (http://www.spanish-team.com)
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Chinese Lady por Pepa Saavedra
Paso 1: Piel (I)

Color base: amarillo 002 + rojo 003 + blanco 001 + sombra tostada 040
Intentamos conseguir un color base parecido al carne dorada de Model Color de Vallejo
(MC). Todos estos colores que voy a usar para la piel y demás, salvo que diga lo
contrario serán de Model Air de Vallejo (MA). Actualmente esta gama de Vallejo tiene
también color piel. No se si el tono me gustaría ya que no lo he probado. Antes no tenía
color piel y me acostumbre a hacer la mezcla para conseguirlo. Así que de momento
sigo con este método de mezclas. Como podéis comprobar yo no suelo imprimar mis
figuras, uso el color base de la piel directamente sobre la figura límpia y seca. A veces,
utilizo este color base para dar una pasada general a toda la figura para comprobar si me
he dejado algún fallo detrás... supongo que a esto también se le puede llamar
imprimación . Esta pintura de vallejo agarra muy bien y de momento yo no he tenido
problemas con ella. El color gris que se ve en las fotos es el color del material en el que
los de Pegaso hacen sus copias maestras. Después, para la venta al público sacan las
copias en resina.
4/44
Paso 2: Piel (II)
Luces: Base + blanco.
Sombras. Base + Sombra tostada.
En esta foto no os puedo asegurar si había aplicado una luz y una sombra o sólo las
sombras. Yo voy pintando sin seguir una regla demasiado fija. Hacer fotos de todas las
veces que se aplican luces o sombras es, además de demasiado tedioso, bastante
innecesario pues el salto de color es tan poco evidente que en las fotos no se aprecia.
Así que estas fotos son una muestra de pasos intermedios del proceso de pintura más
que fotos de todos y cada uno de las aplicaciones de luces o sombras. Es la única
manera de que se aprecien los cambios.
5/44
Paso 3: Piel (III)
Luces: mezcla anterior de luces + blanco.
Sombras: mezcla anterior de sombras + sombra tostada.
6/44
Paso 4: Piel (y IV)
Ultimas luces: Mezcla anterior de luces + blanco + amarillo + muy poco rojo.
Se las aplicamos sólo en los hombros parte superior de los pómulos y frente. En esta
últimas luces corregimos el color después de haber añadido el blanco, con un poco de
rojo y amarillo. Si no lo hacemos así la figura tendría un aspecto empolvado debido el
exceso de blanco.
Ultimas sombras: Veladuras con Sombra tostada puro muy diluido y aplicadas también
con aerógrafo.
Insistimos en las zonas más inferiores. Pómulos y sombra de ojos: a un color intermedio
de las sombras (uno no muy oscuro) le añadimos rojo (sin pasarnos) y con el aerógrafo
aplicamos también ese color para dar aspecto de maquillaje.
Le he pintado los labios en el color base (rojo + sombra tostada) para ver el contraste
que hacia con el resto de la piel y comprobar si necesitaba más luces o sombras. Esto lo
hago a menudo, es decir, voy pintando otras zonas en sus colores base para ver el
conjunto y comprobar si desentonan y si necesito insistir más con luces y/o sombras.
Cuando se lleva un rato pintando con un color se pierde un poco la perspectiva, la vista
se acostumbra, por eso un cambio de color aunque sea pequeño nos ayudará a ver si los
colores que estamos aplicando son correctos o no.
7/44
Paso 5: Ojos
Os dejo un esquema que explica el
proceso aproximado de la pintura
de los ojos. Creo que se entiende
bien si tenéis dudas... lo de
siempre, a preguntar... Las líneas
en negro por supuesto no se pintan,
las he dibujado para que veáis qué
proporción del iris se debe de "no
pintar" para que los ojos no den la
sensación de "susto". Al final del
proceso de pintura yo perfilo el
párpado superior con un color más
oscuro y si me salgo lo corrijo con
el color de la piel. Así queda un
perfilado muy fino. En este caso de
este busto, el perfilado no es
demasiado fino pues el ojo traía
modelada las pestañas y no se
podrán dejar sin pintar. Por
supuesto este esquema representa
una aproximación, a veces no es
posible pintar tantas subidas en el
iris.... yo creo que nunca consigo
hacer tantas pero ahí os lo dejo
por si os atrevéis.
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En la siguiente foto os he incluido varias vistas de la cara en varios puntos intermedios
del pintado. En la imagen de la izquierda, se ve la cara tal como queda después del
trabajo con aerógrafo. En la segunda, se aprecia que le di veladuras en rojo en los
pómulos y en los párpados para acentuar el efecto de maquillaje. También pinté la
conjuntiva con un color mezcla del color base de la piel y blanco, no blanco puro
porque si no resaltaría demasiado. Además los labios ya están totalmente terminados
con sus subidas en rojo escarlata y sombra tostada y al final rojo escarlata puro. En la
tercera imagen, pinté el iris y le di un par de subidas (creo). El color es una mezcla de
sombra tostada y marrón naranja. También marqué las cejas y la línea superior de las
pestañas para ir viendo el efecto general. En la última imagen pinté la pupila en negro y
le añadí un pequeño reflejo en blanco, no muy grande pues al ir barnizados los ojos en
brillante, el mismo barniz le dará también su propio reflejo. Como se puede ver marqué
en negro la cadena de la frente y el pelo y terminé las cejas y pinté en negro las pestañas
que antes estaban en marrón. En los ojos les falta un reflejo en violeta rosáceo que le
añadí al final cuando tuve decidido el color del Qipao (como si el color del cuello de
esta prenda se reflejase en los ojos)
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Paso 6: Perlas y Joyas
Pues otro pequeño avance, esta vez el pintado de la gema de la frente y las perlas.
Para la gema roja usé los mismos colores que para los labios y la pinté de la misma
manera que se pintan los ojos.... es decir, color base en color rojo+sombra tostada, rojo
puro y por último se añade un pelín de amarillo y blanco al rojo para la última subida
que se hace en el lado contrario al que se supone que incide la luz (como en el caso de
los ojos). Se termina barnizando en brillante. Para esta escala es lo más adecuado.
Los pezones están pintados con el color de una de las sombras y se van haciendo
subidas añadiendo el color base de la piel más un pelín de rojo escarlata y blanco para
obtener un tono de carne rosada.
Las perlas aunque no lo parece llevan bastante trabajo. Para empezar algunas son
rosadas y otras azuladas pues es la mejor manera de simular el material del que son las
perlas (a mi modo de verlo, claro).
Color base de las perlas: sobre el color de la piel (al pintar con aerógrafo por fuerza
pintamos sin querer el collar) aplicamos un par de capas de gris cielo 989 MC.
Perlas rosadas: base en una mezcla de gris cielo + rosa salmón 835 MC + arena claro
837 MC.
Perlas azuladas: gris cielo + azul claro 008 MA + Arena claro.
Hacemos una o dos subidas añadiendo más arena claro y la última luz en arena claro
puro.
El brillo de las perlas se consigue con barniz metálico 521 MC diluido con agua.
Para terminar, se aplican veladuras a modo de perfilado en una mezcla de sombra
tostada y negro. Si hacemos aguadas el efecto no sería el mismo y podrían quedar
cercos. Si hacemos perfilado quedaría demasiado marcado. Si no perfilamos demasiado
indefinido. Así que con la pintura muy muy muy diluida y con el pincel bastante
escurrido, vamos haciendo pasadas por la zona de entre las perlas y entre las perlas y la
piel. Entre una pasada y otra dejamos secar totalmente para ver si necesitamos insistir
más o menos. El secreto es hacer muchas aplicaciones con la pintura muy diluida y el
pincel muy poco cargado. Se tarda más pero el efecto es mejor.
Ahí va la foto....
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Paso 7: Pelo
Hola de nuevo. Hoy que tengo algo más de tiempo, he preparado esta foto de detalles.
En ella podéis ver de cerca la gema de la frente. También la diferencia entre el collar de
perlas antes y después de aplicarle las veladuras a modo de perfilado. Se aprecia que
con este método se definen bastante bien las perlas y el perfilado queda muy fino.
También se aprecia el efecto del barniz metálico que le da ese aspecto nacarado.
Los adornos dorados están hechos con oro de vallejo MC sobre base de negro y después
se va aclarando progresivamente añadiéndole plata también de MC. En la peineta,
terminé con veladuras en tinta negra+agua y unas ultimas luces en oro+plata pero con
más cantidad de éste último y en zonas puntuales. En esta foto aún no había hecho estos
dos últimos pasos y por eso este adorno no está demasiado definido.....
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Aprovecho este post para poneros unas fotos del método que uso para que los acabados
en mis figuras queden "limpios" y, aunque use el aerógrafo, no haya invasiones de un
color en otro. El ejemplo que os pongo es el de la protección para el pintado del pelo.
Lo primero es proteger con mascarilla líquida (yo uso Maskol de Humbrol y no se el
resultado de las otras).
Antes de esto hago un inciso: ya habréis visto que había pintado el pelo en un color
negro algo diluido para ver el efecto del contraste con la piel. Si usamos desde el
principio el color base del pelo pero menos diluido, al hacer el nacimiento del pelo las
pinceladas quedarían muy "duras" aunque usásemos pinceles muy finos. Es mejor
empezar con el color más diluido pues así no se cubrirá totalmente la capa de la piel y
podremos dar varias pinceladas poco cubrientes (en vez de solo una cubriente) imitando
mejor los cabellos y así, el aspecto no será como si tuviese puesta una peluca. He visto
este efecto en algunas figuras y no queda demasiado bien.
Una vez aclarado esto sigo con el Maskol. Debemos usar un pincel no demasiado malo
pues esto nos impediría una buena definición del borde. El maskol se elimina del pincel
con disolvente universal. Si el pincel es de pelo natural no nos lo cargaremos pues este
material aguanta bien los disolventes (siempre que no los dejemos sumergidos en él).
Tampoco os aconsejo usar vuestros Da Vinci maestro para esto, con pinceles de una
calidad media será suficiente. Si los limpiamos bien después de usarlos para esto y los
tratamos como los otros pinceles, nos durarán bastante.
Con el Maskol protegemos lo ya pintado. La forma de hacerlo es "pintando" con éste

producto sobre la zona a proteger. Cuando digo pintando es de forma literal. Hay que
tener el mismo pulso que si estuviésemos pintando con cualquier pintura, pues al
retirarlo cuando hayamos terminado de pintar con el aerógrafo, cualquier defecto que
nos hayamos dejado detrás se hará evidente. Podemos cubrir toda la figura con este
13/44
producto, o bien, solo una parte y el resto lo cubrimos con plástico o papel. Hay que
cubrir todo muy bien para que la pintura pulverizada no entre por ningún hueco.
Una vez seco el Maskol, pierde ese color violeta y se vuelve morado. Cuando esto pase,
ya podemos empezar a pintar.
Para el color base del pelo hice una mezcla de rojo + amarillo + azul de MA. El gris
que obtenemos será bastante indefinido si no hemos añadido un color en mayor
proporción que otros.

Sombras. Base + negro.
Una vez aplicadas las luces y las sombras pasamos a quitar el maskol y a definir los
mechones del pelo. El Maskol se quita con mucha facilidad.... primero con un palillo de
madera levantamos el borde procurando no dañar la pintura. Después lo vamos
"enrollando" con el dedo sobre si mismo, así la pintura quedará dentro de lo enrollado y
no corremos peligro de que alguna partícula de pintura seca se desprenda y se nos
adhiera en una zona que no nos interese. Esto es especialmente útil cuando hemos
pintado con metálicos.
Para definir los mechones del pelo usé pátinas negra y marrón también de Vallejo MC,
diluidas en agua. Las pátinas no dejan cercos cuando se seca el agua y quedan
semitransparentes. No las di en aguadas generales, sino que las usé como si fuese
pintura, pasando el pincel entre los mechones del pelo e insistiendo en esas zonas.
Cuanto más profunda y oscura es la zona, más pasadas de pincel. Dejando secar entre
una y otra, claro. El resultado final es bastante satisfactorio.
En la siguiente foto se ve el pelo terminado y un pre-montaje con blue tac de los

adornos florales del pelo para ver el efecto. Como podéis apreciar, el pelo no queda con
aspecto canoso. Y fijaos en el nacimiento del pelo y veréis que no da sensación de llevar
puesta una peluca sino que ha quedado bastante natural.
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Paso 8: Qipao (Telas)

En esta primera foto os dejo cuatro imágenes de los primeros pasos del Qipao (en china,
el vestido tradicional se llama así). Os comento el porqué del color gris que veis en las
dos primeras imágenes. Hice varias pruebas de colores, pero ninguna me gustaba del
todo. Por esto antes de ponerle el color definitivo, le di un par de manos de este color,
con esto cubría todo y podía empezar de cero. No quería ponerle demasiados colores a
la figura y como las flores de los adornos del pelo, en cierta forma me estaban
condicionando para que ciertos colores no los usase (desentonaban), al final la que veis
es la que más me gustó.
El primer paso es proteger con Maskol lo que ya estaba pintado (las flores no pues
todavía no estaban pegadas, solo sujetas con blue tac para las fotos). Se cubre toda la
piel y lo que después irá en amarillo para pintar primero el cuello del qipao. Hice esto
último porque el color del cuello de esta prenda es rojo violeta, un color muy oscuro
para intentar cubrirlo después con amarillo. Ahora se me ocurren mil formas más fáciles
de haber hecho esto pero bueno, estos son los pasos que seguí en ese momento.
Una vez protegido todo menos el cuello del Qipao, pinté este con aerógrafo y colores de
model color bien diluidos en agua.
Base: rojo violeta 812 + magenta 945 MC.

Luces: Base + magenta + blanco 951 MC .
En las siguientes luces se va añadiendo cada vez más magenta y más blanco.
Sombras: Base + rojo violeta hasta llegar a este color puro.
En la última sombra añadimos un poco de negro.
Quitamos todas las mascarillas para ver el efecto.
Para el cuerpo del qipao antes protegemos de nuevo la piel y ahora también el cuello
que acabamos de pintar:
Base: ocre 033 + marrón dorado 032 + amarillo 002 todos MA.
Luces: base + amarillo + blanco 001 todos MA.
Sombras: base + Marrón dorado todos de MA.
Veladuras con aerógrafo en sombra tostada muy diluida y direccionando el aerógrafo

desde la parte inferior hacia la superior.
No se si os habréis fijado pero en estas imágenes ni las perlas, ni los labios, ni los
metales se ven brillantes y sin embargo ya estaban barnizados en brillo..... Esto se debe
a lo que comenté anteriormente sobre el maskol y los barnices. Al proteger la figura
completa para pintar el qipao, estas zonas que estaban brillantes perdieron su brillo.... no
hay problema pues al final de todo podemos volver a barnizar con barniz brillante y ya
está. Sólo afecta al brillo pero no lo altera sustancialmente
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17/44
.
Paso 9: Qipao (Estampado)
Como os prometí, os dejo aquí un párrafo que he sacado del artículo que escribí para
Hobbyworld sobre la pintura de este busto. En él cuento cómo me decidí a hacer este
estampado y no otro en el Qipao. Es un poco extenso y pesado ya sabéis que me
enrollo de mala manera cuando explico algo, así que, perdonadme por el tocho y si no
queréis leer tanto texto, pasad directamente a las fotos .... No digáis luego que no
os he avisado.....
Para pintar esta prenda, me lo pensé bastante. Quería que estuviese estampado pero no
tenía muy claro que tipo de dibujos ponerle. Al parecer, el escultor había decidido no
situar esta figura dentro de ningún periodo histórico concreto. Más bien la modeló
siguiendo su propia imaginación y fantasía, por lo que no era necesario que los dibujos
fuesen motivos tradicionales chinos, ni nada parecido. Descarté los estampados
florales pues consideré que con las flores que tenía en el pelo era suficiente. También
los dragones, pájaros, mariposas, libélulas…etc, porque quería mantener una gama
cromática concreta y no quería incluir demasiados colores. Voy a intentar explicar el
camino que recorrí hasta decidirme por este estampado que veis en las fotos.
Al buscar documentación para encontrar un estampado que me gustase, encontré

varias ilustraciones de mujeres japonesas y chinas de una gran armonía y belleza.
Estas ilustraciones me recordaron otras que ya había visto antes (Alphonse Mucha o
Gaspar Camps) y que por su ejecución y estética se asemejaban mucho. Estos autores
mencionados pertenecen a un movimiento artístico que me fascina: el modernismo.
Recordé entonces la clara influencia de las culturas orientales en este movimiento.
El modernismo se difundió entre los años 1890 y 1910 por toda Europa. En cada país
recibió un nombre distinto: “Art Noveau” en Bélgica y Francia; “Modern Style” en
Inglaterra; “Jugendstil” en Alemania; “Sezession” en Austria, “Liberty” o “Floreale”
en Italia y en España Modernismo. Se expresó en todas las manifestaciones de las artes
aplicadas: utensilios y joyas, muebles y edificios, diseños gráficos, pintura etc.
Las formas típicamente modernistas huyen del ángulo recto y utilizan, en cambio, el
arabesco y las líneas sinuosas, ondulantes y asimétricas de la naturaleza. Así, llegan a
un preciosismo y una artificiosidad de gran refinamiento.
Este movimiento artístico, se caracteriza por el empleo de formas naturales, flores y

plantas acuáticas de tallo largo, aves, cintas, tallos florales que se enroscan sobre sí
mismos y crean una armoniosa decoración todo ello muy del gusto de la estética de fin
de siglo y con clara influencia oriental. En la mayoría de obras de este estilo podemos
encontrar estos mismos elementos figurativos.
En Alemania, en cambio, el Jugendstil era un estilo demasiado extravagante. El

ambiente liberal era más propicio al simbolismo que a los valores naturalistas. La
Sezession vienesa tiene dos grandes figuras que destacan por sí mismas: Josef María
Olbrich, que diseña el edificio de la Sezession, y Gustav Klimt, primer presidente del
grupo. Este último, fue el principal representante del modernismo vienés. Había
18/44
formado parte de una empresa de artistas decoradores, dedicados a pintar murales
para museos y teatros. Los murales que Klimt realizó en solitario para la Universidad
de Viena crearon una gran polémica: formas desnudas enmarcadas por curvas y
espirales, algo cercano al mosaico, con estuco y panes de oro.
Gustav Klimt es uno de mis pintores favoritos. Además de pintor era muy buen
dibujante, decorador y gráfico. Su estilo destacó claramente; rompió con el ideal
académico y se caracterizó por el empleo de un intenso colorido. El uso frecuente de
fondos dorados y una especial ornamentación, así como el uso de una fuerte
simbología, son las características principales de su obra. Una de las más
significativas es el Friso de mosaico para el palacio Stoclet en Bruselas.
El friso Stoclet está realizado entre los años 1905 y 1909. Consta de nueve tablas en las
que encontramos elementos abstractos, estilizados y figurativos. Klimt diseñó un
mosaico adornado con oro, esmalte y piedras para la sala del Palacio. El Árbol de la
vida es el motivo principal del friso Stoclet. Las espirales de las ramas que conforman
el árbol de la vida unifican el conjunto de las nueve tablas que forman el friso. En uno
de los paneles aparece una figura femenina con marcados rasgos orientales que bien
podría ser china o japonesa.
Es este dibujo con líneas sinuosas y espirales, el que escogí para el estampado del
Qipao de esta figura. Al ser el modernismo un movimiento artístico con claras
influencias extremo-orientales, me pareció bastante original que una prenda
típicamente oriental como es el Qipao, tuviese un estampado con líneas sinuosas y
espirales tipicamente modernistas. Fue un poco como “cerrar el círculo” y me gustó la
idea.
El estampado lleva los mismos colores que el cuello del Qipao, pero no fue necesario
usar el negro, pues al estar aplicados a pincel los tonos se oscurecen un poco. Si usé
más cantidad de blanco en la mezcla, por el mismo motivo. Para pintar luces y sombras
en el estampado se procede igual que si estuviésemos pintando cualquier otra parte del
tejido. Hay que tener en cuenta que las luces en el estampado deben coincidir con las
que tiene la tela amarilla. Primero hice una prueba en parte del vestido, con todas las
luces y sombras en el estampado.
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Después completé el resto del dibujo con el color base (rojo violeta+magenta)
El resto del trabajo sobre el estampado os lo muestro en las siguientes fotos. Como los
cambios de color de una subida a otra en fotos apenas es apreciable, os he puesto las
fotos en las que el cambio de color es más evidente.
Luces: base + magenta + blanco.

Sombras: base + rojo violeta hasta llegar al rojo violeta puro.
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Fotos Finales
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Tabla de Colores
Piel
Color base: amarillo 002 + rojo 003 + blanco 001 + sombra tostada 040
Luces1: Base + blanco.

Luces2: mezcla anterior de luces + blanco.
Ultimas luces: Mezcla anterior de luces + blanco + amarillo + muy poco rojo.
Sombras1: Base + Sombra tostada.

Sombras2: mezcla anterior de sombras + sombra tostada.
Ultimas sombras: Veladuras con Sombra tostada puro muy diluido
Perlas
Color base de las perlas: sobre el color de la piel un par de capas de gris cielo 989
MC.
Perlas rosadas (base): gris cielo + rosa salmón 835 MC + arena claro 837 MC.
Perlas azuladas (base): gris cielo + azul claro 008 MA + Arena claro.
Luces: subidas añadiendo más arena claro

Última luz: arena claro puro.
Brillo de las perlas: barniz metálico 521 MC diluido con agua.
Perfilado: mezcla de sombra tostada y negro
Pelo
Base: mezcla de rojo + amarillo + azul de MA.
Sombras: Base + negro.
Cuello del Qipao
Base: rojo violeta 812 + magenta 945 MC.
Luces 1: Base + magenta + blanco 951 MC

Luces 2: En las siguientes luces se va añadiendo cada vez más magenta y más blanco.
Sombras 1: Base + rojo violeta hasta llegar a este color puro.

Sombra 2: En la última sombra añadimos un poco de negro.
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Cuerpo del Qipao
Base: ocre 033 + marrón dorado 032 + amarillo 002 todos MA.
Luces: base + amarillo + blanco 001 todos MA.
Sombras: base + Marrón dorado todos de MA.
Veladuras con aerógrafo en sombra tostada muy diluida y direccionando el aerógrafo

desde la parte inferior hacia la superior.
Estampado del Qipao
Mismos colores que el Cuello del Qipao
Luces: base + magenta + blanco.
Sombras: base + rojo violeta hasta llegar al rojo violeta puro.
39/44
Preguntas y Respuestas
Pregunta:
Una pregunta antes de usar el maskol, barnizas la parte donde vas a echarlo?
Respuesta:
Buena pregunta.... yo sí barnizo antes de aplicar el Maskol. Cuando lo usé la primera

vez, como me asustaba la idea de que le afectara a la pintura, decidí protegerla con
barniz... desde entonces lo he hecho siempre. Uso barniz satinado porque el maskol se
agarra menos a la superficie de la figura, cuesta menos despegarlo. Me di cuanta por
casualidad al observar que de una superficie brillante se despegaba más fácil que de una
barnizada en mate. Después le he buscado explicación, que no se si será acertada pero
para mi es la más lógica.... cuanto más pulida está una superficie, más brillo tendrá. Por
lo tanto menos porosa será y menos se agarrará el maskol. Por eso si aplicamos barniz
mate, la superficie será más porosa y por lo tanto el maskol se agarrará más... al menos
eso creo. Yo procuro barnizar en satinado y si después la superficie debe ir en un
acabado mate o brillo se lo doy al final.
Además también he observado que si se aplica sobre una superficie barnizada en brillo,
se pierde parte de ese brillo, con las satinadas pasa igual pero no es tan evidente. Así
que por eso prefiero barnizar en satinado... se agarra menos el maskol y además, si se
pierde el satinado se puede recuperar volviendo a aplicar barniz de este tipo.
Otra cosa, yo nunca tuve problemas con este producto hasta la última figura que pinté.
La figura del orco.... esta figura tiene muchos recovecos a los que la pintura del
aerógrafo no llegó bien. En estos rincones, la capa de pintura era muy delgada y en el
fondo de los mismos no llegó. No se veía que no estaba pintado porque la vista no
llegaba... de hecho yo no me di cuenta...(siempre pinto todos los rincones, soy muy
maniática, me gusta pintar hasta lo que no se va a ver, pero esta vez no me percaté...)
hasta que apliqué el maskol y lo hice llegar hasta el fondo de esos rincones. Cuando fui
a retirarlo, me traje TODA la pintura que había debajo como si estuviese pelando una
fruta. La piel del costado derecho de mi orco se fue toooooda ella a la porra. Esto se
debió a que en estos rincones ocultos la capa de pintura era muy fina o inexistente, con
lo que el maskol encontró un borde (donde se terminaba la zona pintada) más débil del
que poder tirar y levantar la pintura, despegándola de la figura. Volví a pintar de nuevo
toda la zona que me había cargado y me di cuenta (después de darle muuuuuchas
vueltas) de porqué me había pasado esto, así que esta vez en estos rincones hice llegar la
pintura hasta el fondo con pincel y barnicé también a pincel con una capa bastante
generosa de barniz satinado, de esta manera el maskol no encontró ningún borde de
pintura más delgada y débil de la cual tirar y despegarla de la figura. Así que ahora
tengo mucho más cuidado que antes pero ya te digo que hasta esta vez yo nunca había
tenido problemas con este producto.....y espero no volver a tenerlos!!!! Con el maskol
me pasa lo que dice el anuncio del estropajo: Yo no puedo estar sin él.....
Pregunta:
Al pelo sólo le diste la capa base y luego a base de sombras realzaste los mechones o
diste también alguna luz?
40/44
Respuesta:
Antes de acentuar los mechones del cabello a pincel con las pátinas, apliqué luces y
sombras generales en el pelo con aerógrafo. Sobre la base gris (mezcla de
rojo+azul+amarillo) di un par de luces añadiendo blanco a esta base y también un par de
sombras añadiendo negro al mismo color base pero sin llegar al negro puro. Las
sombras más profundas se consiguen aplicando las pátinas negra y marrón (a modo de
pintura y no en aguadas) y no pintando con el negro puro.
Aclaro esto: si pintamos la última sombra con negro puro, en estas zonas los mechones
del pelo no quedarán definidos pues es imposible oscurecer el negro. Para definir estos
mechones deberíamos en todo caso, aclararlos, es decir, iluminar los mechones negros
que están en las zonas de sombra... y ya sabemos lo difícil que es iluminar el negro. Por
esto, da mejor resultado en este caso, sombrear los mechones del pelo de una zona gris
oscura hasta llegar al negro (usando por ejemplo pátinas o pintura), con lo que
conseguimos que aún estando en zonas de sombra, haya partes iluminadas que no
resalten demasiado.... Vamos, lo que ya ha comentado antes Minna: "luces en las
sombras". [Comentó: “dentro de las ligeras sombras hay luz. Eso es muy difícil.”
refiriéndose a las fotos del paso 4. Pepa contestó: “Minna, si, en las sombras también
hay luces , pero con menos intensidad, claro. Se trata de ir concentrando las luces
hacia la parte superior de la figura, por eso las zonas iluminadas son cada vez menos
extensas y más hacia arriba. Con las sombras lo contrario, más hacia la zona inferior
de la figura, más oscuridad, y también más reducidas cada vez. Es en estos momentos
cuando más control hay que tener en ese "aparato soplador" para no cargarte lo ya
hecho.”]
Pregunta:
A ver si entendí Pepa, tratas al pelo como un paño y luego defines los mechones con las
pátinas?
Respuesta:
Exacto. Luces y sombras generales sin tener en cuenta el relieve del pelo (pero sí los
volúmenes) y después defino uno a uno los mechones diferenciándolos unos de otros, e
insistiendo más en las zonas que reciben menos luz. Esto lo hice en esta figura por
cambiar un poco y probar efectos nuevos.
Esto que yo hice con pátinas se puede hacer igual con pintura, pero me pareció que las
pátinas eran más adecuadas pues secan más lentamente que las pinturas y antes de secar
se van acumulando en los surcos del cabello pero sin dejar ni cercos ni marcas de
pincel. Además no enmascaran el color de debajo, sólo lo matizan pues son bastante
transparentes. Se diluyen en agua y dependiendo de la cantidad de agua que le
añadamos, ésta transparencia será mayor o menor.
Las pátinas me sirvieron en este caso, pero eso no quiere decir que sirvan para todos los
casos. Los colores son muy limitados. Antes de probarlas deberías hacer pruebas sobre
terrenos y ambientaciones. Así verías la diferencia entre pintura y pátina y sus
características. De esta manera podrás sacar tus propias conclusiones y ver en qué caso
te sería útil usarlas.
41/44
Pregunta [Minna]:
Yo conocía un truco para hacer las gemas con transparencia que viene del mundo del
lacado: dar dos o tres manos de barniz primero y luego añadir dos o tres capas, ya con
sus luces y sombras, de pintura transparente o aguada. Queda una sensación de
profundidad muy interesante.
Me apunto también tu proceso!!!
En las perlas, creo que has hecho maravillas!!!. Caramba, en todas partes!!!, He visto y
probado diluido el color Vallejo plata en tubo y da un efecto nacarado a todo lo que lo
apliques realmente soberbio.
¿Puedes añadir a las mezclas de líquido para el aerógrafo este tipo de pigmentos
sólidos?
Respuesta [Pepa]:
Con respecto a tu pregunta, te comento que yo no he usado los acrílicos de Vallejo en

tubo, sólo los de bote. Lo que si he hecho es usar metálicos de vallejo model color en el
aerógrafo. Los diluí con agua y un poco de líquido limpiador de aerógrafos de la misma
marca. El resultado es bueno. Lo utilicé para pintar el casco de un guerrero porque en
ese momento no disponía de color acero en ningún otro tipo de pintura y como no quise
esperar a comprar alguno de Humbrol o Gunze (en ese momento no conocía el alclad, ni
los vallejo Model Air metalizados existían) pues me puse a probar y experimentar con
vallejo model color y no me quedó mal.
Te comento lo que observé:
El pigmento de esta gama de Vallejo (MC) no es tan fino como los de las pinturas que
están especialmente formuladas para aerógrafo, con lo que es más fácil que se atasque.
Para evitar que esto pase hay que añadir agua y mezclar fuera de la cazoleta del
aerógrafo. Si echamos la pintura metálica directamente en la cazoleta, auque después
añadamos agua y removamos con un pincel, siempre habrá una cantidad de pintura sin
diluir (no mucha) que será la primera que pasará por el pico del aerógrafo.... y ya
tenemos atasco seguro. Así que mejor diluirla fuera y echar en la cazoleta una vez
diluida. Estas pinturas secan muy pronto, no olvidemos que están formuladas para
aplicar a pincel, así que estas dos cualidades (secado rápido y pigmento no muy fino)
hacen que el aerógrafo se atasque fácilmente. Para evitar esto, hay que añadir suficiente
agua para diluir bien el pigmento metálico y aún así hay que subir también la presión de
entrada de aire en el aerógrafo..... Pero ocurre que aunque hagamos todo esto, cuando
llevamos un rato pintando con esta mezcla se observa que sale cada vez menos pintura
hasta que al final se atasca. Un amigo me comentó que si se añadía un poco de líquido
limpiador de aerógrafos de vallejo, la mezcla aguantaba sin atascarlo...... así que decidí
probar. Es cierto que no se atasca pero también es cierto que la pintura tarda más en
secar y no se puede tocar durante bastante tiempo (un par de horas o tres) pues se
quedan marcas.
Así que la conclusión es que, si no disponemos de otro tipo de pintura metálica y
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tenemos que usar ésta, lo hagamos con cuidado y teniendo en cuenta todo esto: Bastante
agua, un poco de líquido limpiador de aerógrafos y una presión de unas 2 atm. También
me han comentado que con el diluyente de las Model Air se consigue que las Model
Color se puedan usar en el aerógrafo añadiendo también un poco de agua. Esto no lo he
probado y no sé el resultado (Tengo este diluyente de Model Air pero la verdad es que
no lo uso pues suelo utilizar sólo agua para diluir este tipo de pinturas, en cuanto tenga
ocasión lo probaré con las Model Color a ver si es cierto lo que me dijeron y ya os
cuento)
Otra cosa, el cuello del Qipao del busto de este PAP, está pintado con vallejo model
color diluido sólo con agua y aplicado con aerógrafo. El color que tiene (rojo violeta) no
lo hay en la gama Model Air así que me decidí a usar Model color. Como es una zona
muy pequeña y tiene poco tiempo de pintura, el aerógrafo no llegó atascarse... no se si
hubiese pasado igual si hubiese estado más rato pintando..... Cuando las pruebe más
veces (mezcladas sólo con agua o con el diluyente de Model Air) podré sacar
conclusiones.
Con respecto a si se pueden mezclar pigmentos metálicos con otros colores (ambos de
vallejo), te comento que sí se puede. Una vez (para probar) añadí un poco de color oro
(MC) al color base de la piel (MA) y pinté.... un huevo kinder para ver el efecto El
resultado estuvo bien, le daba un aspecto como el que se queda en la piel cuando usas
esas cremas hiratantes que traen partículas doradas. Me pareció que para la piel de una
guerrera (o guerrero ) no era muy adecuado pero como prueba estuvo bien y ya sé qué
efecto produce y para qué podría servir.
Cuando dices lo de añadir a las mezclas de líquido para el aerógrafo este tipo de
pigmentos sólidos (de acrílico en tubo), no sabría decirte. A lo mejor si se diluyen bien
y de la misma manera que te comento arriba, no te dan problemas. No se, yo los
acrílicos en tubo los he usado para pintar algún cuadro y también me di cuenta que
cuando se les va añadiendo agua se van haciendo más fluidos..... Puede que si se
consigue una consistencia tal que le permita pasar por el pico del aerógrafo sin secarse
antes, no lo atasque. No lo sé.
Ahora te pregunto yo a ti por tu método para las gemas. Creo que no lo he entendido
bien.... dices que se aplican "dos o tres manos de barniz primero y luego añadir dos o
tres capas, ya con sus luces y sombras, de pintura transparente o aguada".... El barniz
supongo que se aplica sobre pintura en la que ya has dado luces y sombras ¿no? después
las capas de pintura aguada ¿irían sobre el barniz brillante? Lo siento guapetona pero no
lo pillo bien. Si no te importa aclárame el proceso y el orden en el que se hace.... Hala
ya tienes deberes
Repuesta [Minna]:
Mmm, a ver, lo que yo hacía exactamente era pintar con una base oscura la pieza a
lacar, casi siempre mis tonos eran azules porque eran temas marinos, sobre esta capa,
daba tres manos de "Barniz acrílico removible brillante" de Vallejo. Ya secas, aplicaba
una primera capa de pintura no completamente transparente, pero sí muy líquida, eso
dejaba un efecto de transparencia hermoso, y luego aplicaba luces y sombras como
siempre, con mezclas más transparentes y algún toque de blanco. Después volvía a
barnizar, de nuevo con el barniz brillante de Vallejo. También es cierto que las
superficies que lacaba eran muy rugosas y la pintura sin ayuda ya se metía en las
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oquedades dando efecto de profundidad. Como eran lacados, daba varias manos de
barniz en el acabado hasta que la superficie quedaba lisa al tacto pero rugosa a la vista.
Era un proceso lento, con muchos tiempos de secado, pero eso es un lacado, aunque con
la peculiaridad de que no lijaba tras barnizar. el barniz entre la capa base y las luces y
sombras es lo que da la profundidad.
Cuando lacas papel maché la propia cola del engrudo se usa como capa antiporos, yo
usaba barniz. Los efectos son espectaculares. A ver si encuentro alguna foto para
ilustrar esto, que una imagen...jajaja...En las gemas luce mucho.
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PASO A PASO DE PINTADO DE VEHICULOS ESPACIALES
El pintado de este carro se ha hecho en bastante tiempo pero en pocas horas, el nacimiento de
mi pequeño a mitad del proceso ralentizó en semanas algo que se puede acabar en un par de
días.
Como es el primero de los tutoriales de vehículos que tengo pensado hacer, se han omitido
algunos pasos/técnicas, pero aun así los resultados son muy interesantes si tenemos en cuenta
el pequeño esfuerzo a realizar.
Este tutorial ya lo he colgado en algún que otro foro "sobre la marcha", pero ahora lo estoy
reescribiendo especialmente para ST; incluiré respuestas a algunas dudas que me plantearon
en su día los diferentes foreros. Así pues este tutorial es el que mola y el más completo

PASO 1: Colores base
En el caso de este tanque tenía un dilema y es que el Hammer es más un helicóptero/avión
que un tanque, con lo cual el tutorial sería algo así como "Cómo pintar aviones". Ese mismo
hecho casi me hizo decidir el pintar la parte inferior del tanque de un color diferente; gris
claro, blanco, azul claro, de la misma forma que algunos aviones de combate. Cromáticamente
es muy vistoso e interesante, pero no quería hacer un F‐16 si no un Hammerhead, y dicho sea
de paso, tienen más de avión los Falcon y Serpientes Eldar que los vehículos de los Tau.
Imagino a los Hammerhead como los tanques de los clones de Starwars: gravitatorios y no
demasiado rápidos. Además, con el nuevo elemento de equipo, los Multisensores, los tanques
Tau se deslizan a cinco palmos del suelo, siendo susceptibles de sufrir lo mismo que un carro
con cadenas o ruedas, así que: ¡hola polvo y suciedad! ¡hola desconchones y ralladas!
Después de montar y lijar/limar algunas rebabas "aunque después de pintar descubres que no
lo has lijado todo" quitamos todo lo no sea imprescindible que esté en el vehículo.
Autor: Javi
Link: http://www.spanish‐team.com/foro/viewtopic.php?t=2557
Normalmente se oscurece el color base con marrones mas negro y luego pintamos sobre ese
color con varias capas del color del carro. En esta ocasión no lo haré así, comenzaré pintando
directamente el color base tal cual.
Para pintar he usado pinturas Citadel. Esta pintura es demasiado pastosa para el aerógrafo y
hay que diluirla. El agua puede darnos algún que otro problema así que usaremos una mezcla
diferente. Damos la primera capa del color base a aerógrafo, en este caso he usado alcohol y
hueso deslucido en una proporción 7:3 (gracias por el truquito del alcohol Mikel) si lo hacemos
a pincel, procurad que la pintura no esté demasiado espesa, y por supuesto no uséis alcohol si
no agua. Cuidado con las primeras capas ya que la mezcla de alcohol hace que la pintura no
agarre igual sobre el plástico (a no ser que esté imprimado) y con cualquier roce nos
llevaremos la pintura. Después de varias capas (dejando secar bien la anterior) esto ya no será
un problema.

Ahora toca sombrear directamente sobre el hueso. Aquí he mezclado alcohol, negro y marrón
bestial 4:1:1 y he pintado sobre las zonas que quedarán sombreadas, juntas entre paneles,
base de los relieves, etc. Me he dado cuenta que debería haber hecho las líneas un poco más
gruesas, así que cuando sombreéis de esta forma, haced esas sombras un par de milímetros
más anchas, no escatiméis ya que luego cubriremos con el color del carro.

Autor: Javi

El siguiente paso es cubrir la zona central entre zonas de sombras. Haced pasadas cortas desde
el centro de cada zona "libre de sombras" invadiendo poco a poco las zonas sombreadas pero
con cuidado de no cubrir demasiado. Si retiráis el aerógrafo un poco y abrís el trazo aclarareis
el modelo en general.
Autor: Javi
Bueno, hasta aquí esta parte del tutorial. El siguiente paso será dar alguna pasadilla más con el
hueso ligeramente aclarado. Después de eso comienza la diversión: Filtros, aguadas
desconchones, óxido (sí, un poquito ) etc.
IMPORTANTE: Si no tienes aerógrafo no pasa nada, se puede hacer perfectamente a pincel
aunque varía un poco la técnica:
PINTAR HASTA ESTE PUNTO SIN AERÓGRAFO:
Pintáis el carro del color base, luego oscurecéis ligeramente el color, lo diluís y sombreáis.
Haced las sombras bastante anchas, de hecho en las zonas mas pequeñas podéis sombrear
completamente pintando toda la superficie de ese color.
Cuando esté seco, se le da un pincel seco muy suave sobre el sombreado intentando difuminar
las zonas claras sobre las oscuras, intentando que quede al final como la foto. ‐si usamos
veladuras para esto, os vais a aburrir aplicando capas ya que la superficie a cubrir es muy
grande.
El resultado de esto haría que por ejemplo un panel de chapa sería más claro en la zona central
que en los bordes.
No os preocupéis si el resultado queda un poco "texturizado" por culpa del pincel seco, esto no
es malo, al contrario, es bueno. En un principio esta texturización se suavizará al aplicar el
resto de las técnicas pero además aunque ahora no lo parezca al final quedará más realista, ya
que en un carro baqueteado en el que por ejemplo el sol se encarga de aclarar la pintura, esto
no ocurre de forma uniforme, por lo que apreciaremos esa "textura" que tienen los vehículos
de verdad y que desgraciadamente vemos menos en las maquetas.

PASO 2: Las Calcas
Una vez finalizado el pintado general del carro (colores planos sin pintar detalles como faros y
visores) le ponemos las calcas. Las calcas nunca debería se el último paso ya que las marcas e
insignias de carro "sufriran" el mismo deterioro que el resto de la pintura del carro.

El carro ahora está listo para las sesiones de filtros, que será el siguiente paso y que sólo se

deben aplicar si el carro está completamente seco.
Para la aplicación de calcas os recomiendo Microset y Microsol de Microscale. Primero
aplicamos Microset sobre la superficie donde colocaremos la calca. Este líquido prepara la
superficie y mejora la adherencia de la misma. Una vez puesta la calca y eliminado el exceso de
agua con una servilleta de papel o papel de cocina aplicamos Microset sobre ella. Microset
"ablandará" la calca haciendo que se adapte a las formas de la superficie; remaches, paneles.
¿A alguien le suena el poner calcas a las hombreras de un marine? Este es vuestro producto.
Autor: Javi
Rinde mucho, no es barato pero por otro lado no puedo recordar cuando los compré, lo que si
recuerdo es que se me cayó uno abierto y me falta la mitad y sigue así desde entonces, no se
acaba nunca, ¡es mágico!
Lo podéis encontrar sin problemas en tiendas de modelismo, es bastante conocido y tiene
muchos años en el mercado. Pongo aquí el enlace a Guinea Hobbys porque que lo venden
online y porque es lo primero que me ha salido en el Google .
http://www.hobbiesguinea.com/default.php?cPath=152_74_109

Este es el aspecto que tiene en este momento:
Autor: Javi

PASO 3: Los filtros
Entramos en la fase de tratar el color del carro. Comenzaremos por aplicar filtros.
La técnica del filtro como tal aplicada a vehículos la comenzó a utilizar Miguel Ángel Jiménez
(MIG) hace ya diez años.
La idea de un filtro es alterar el tono del tanque además de unificar y eliminar contraste. Otro
efecto que consigue la aplicación de los filtros es dar un satinado especial a la superficie
pintada. La pintura no aparece igual si la aplicamos sobre una superficie metálica o sobre
plástico (que es el caso que nos ocupa). Sucesivos filtros hacen que la superficie del carro
tenga un brillo similar al de la pintura aplicada sobre metal.
Pensad en un filtro como cuando ponemos un filtro en el objetivo de una cámara fotográfica. A
veces ponemos filtros que hacen que se realcen los tonos cálidos en las fotos, otros filtros
"enfrían" el color. Estos filtros (tanto los fotográficos como los que vamos a usar nosotros) son
muy sutiles, y a veces sólo podremos apreciar los cambios en el tono (que no en la textura) si
comparamos una superficie con filtros aplicados con otra que no los tenga. El filtro es una
"capa" (por llamarla de alguna forma) finísima y prácticamente transparente que alterará el
tono de la miniatura y nos permitirá conseguir colores que de otro modo sería muy difícil
conseguir con mezclas. La diferencia entre un filtro y una veladura es su objetivo final, cada
técnica se aplica con distinto fin. Con las veladuras "pintamos" para conseguir cambios de
color, con el filtro cambiamos el tono. La veladura pinta porque lleva una mayor proporción de
pintura. Con el filtro parece que "pintamos con agua" ya que no veremos absolutamente nada,
y comenzaremos a apreciar cambios una vez seco el filtro y quizá comparando.
La técnica de MIG para los filtros la desarrolló para modelismo militar, en el cual se trabaja
mucho con colores Enamel usando disolventes para diluir la pintura. Como el medio en el que
trabajamos es acrílico Mikel y yo desarrollamos técnicas para conseguir hacer filtros con este
tipo de pinturas. El problema de aplicar filtros con acrílicos es que al usar agua como diluyente
(y descartar el alcohol, como segunda opción) la tensión superficial de esta hace que al final se
concentre el agua y la escasa pintura en determinadas partes perdiendo así el sutil pero
importante objetivo del filtro. La solución es añadir a la mezcla algún aditivo que rompa esa
tensión superficial para que la capa que apliquemos se distribuya lo más uniformemente
posible sobre la superficie.
De entre todos los detergentes y limpia cristales del mercado tiramos a por lo seguro y
usaremos médium. En tiendas de modelismo, o de bellas artes (que recomiendo) podemos
encontrar médium de varios tipos. En las tiendas de bellas artes además encontraremos botes
con cuatro veces más cantidad que el mismo que tenemos en las de modelismo y además más
barato.
Para realizar un filtro debemos tener presente que debe ser una mezcla muy muy diluida. Hay
que resistirse a "ver" color en la mezcla una vez aplicada, si vemos el tono en la mezcla y no lo
vemos en el carro cuando lo aplicamos, lo estamos haciendo bien. Si al aplicarlo apreciamos
cambios de color, parad de inmediato, limpiar y diluir más la mezcla. En mi caso primero
Autor: Javi
mezclo agua y medium en una proporción de 8:2 y luego añado a esa mezcla un 5% de pintura.
95% "agua", 5% pintura. Si sobrepasamos ese 5% (si, vale, a ojo ) dejaremos de estar aplicando
un filtro para hacer "aguadas". Las aguadas, de las que hablaré más adelante, cuando toque,
reflejan el polvo arrastrado por el agua sobre un vehículo, eso ahora no toca, caca.
Dependiendo de la superficie deberemos aplicar más o menos filtros. Sobre una superficie
mate, el efecto se notará mucho, así que 2 o 3 filtros sería lo correcto. Sobre una superficie
satinada deberemos aplicar más o menos el triple que en la mate. Las superficies brillantes son
más difíciles y os aconsejo que tiréis más de medium ya que costará que cubran
correctamente. Incluso deberíais pensar si realmente hace falta aplicar filtros a estas
superficies.
El filtro lo debemos aplicar con un pincel del 3 para arriba de cerdas suaves y de punta
redondeada. Con el pincel mojado en la mezcla, lo descargamos ligeramente sobre un papel de
cocina y aplicamos rápidamente sobre el tanque, procurando no pasar dos veces por el mismo
sitio. Dejamos secar bien y procedemos con el siguiente. El filtro debería estar aplicado en un
carro de combate en menos de cuatro minutos. Es importante dejar secar muy bien el filtro
antes de aplicar el siguiente. Para los impacientes, ya sabéis, el secador de pelo irá muy bien
para acelerar el secado.
Podemos hacer filtros con los colores que queráis, sólo tenéis que tener claro que tono deseáis
para vuestro tanque. En el caso de mi Hammer, he empezado por un filtro con carne
bronceada (mi "Skylight"). Como podéis ver en las siguientes fotos, el efecto apenas se aprecia.
Hay que tener en cuenta que esta es la primera capa, y que además del tono se altera la
textura, cosa difícil de apreciar en las fotos.
Antes:
Autor: Javi

Después:

Le he aplicado otro filtro más de carne bronceada, uno de verde “nosequé” de americana (más
claro que el verde catachán, quizá una mezcla de catachán y verde camuflaje) y un último filtro
con gris lobo espacial.
Autor: Javi
PASO 4: "Weathering"
En este paso comenzaremos con el "weathering". Vamos a darle caña a la chapa reflejando la
mella que día a día producen las inclemencias del tiempo o el tiempo en si.
Para esto nos tenemos que "montar una película" coherente en la cual el protagonista es
nuestro carro, en esta peli, lo importante es la línea de tiempo, en esa línea de tiempo se
suceden acontecimientos, golpes, rayadas desconchones lluvia, limpieza, mantenimiento,
batallas, polvo, más lluvia, mas golpes... Esto es muy importante, incluso si son las primeras
veces que lo hacemos, no está de más hacerse un pequeño "script" de qué le ha pasado al
carro.
Este Hammerhead en concreto tuvo unos ligeros desconchones en sus primeras horas de
servicio, una rama por aquí, una piedra que saltó por allí luego la guerra se intensificó y fue a
primera línea. Aunque nunca recibió un solo impacto directo del enemigo sólo sufrió algunos
rasguños, además de algunos golpes y arañazos típicos del uso diario e intensivo. Las tareas de
mantenimiento en campaña se limitan al óptimo funcionamiento de los sistemas y
reabastecimiento de energía y munición, dejando la “chapa y pintura” a periodos de larga
inactividad. En este tiempo saltó pintura, el sol deterioró el color, se llenó de polvo y ceniza,
llovió, se volvió a ensuciar y volvió a llover, todo esto en esta misma línea temporal.
Primero comenzamos con algunos antiguos desconchones. De color oscuro; conseguimos el
tono con una mezcla de marrón quemado y negro. ‐ahora que caigo, si añadimos un pelín de
rojo costra queda cojonudo, me he acordado tarde siempre marcas irregulares y con puntitos
pequeños cerca de los grandes.
Si tenéis una cámara digital y no es muy grande, llevadla siempre con vosotros. Cuando veáis
algún camión o vehículo de construcción hacedle fotos, con el tiempo tendréis una buena
colección de todo tipo de desconchones: recién hechos, de una semana, de dos, de tres meses
y de cinco años. Los que acabamos de hacer son los más antiguos, tienen un color marrón
oscuro y dependiendo del entorno pueden aparecer incluso en dos o tres semanas, aunque lo
normal es que lo veamos de ese color en un mes o dos. Como son los primeros desconchones,
no haremos más ya que después de esto limpiaron el carro, se ensució, llovió, etc. Esto quiere
decir que hasta los siguientes desconchones más nuevos tenemos que reflejar el paso del agua
y el polvo sobre el carro, y esto sucedió después de los desconchones, por otro lado estos
desconchones fueron ganando su color día a día.
A continuación, las Aguadas: Imaginad que sobre el carro se acumula polvo, luego llueve, y el
agua arrastra el polvo mas la suciedad, grasa, ceniza, etc., luego más polvo, luego llueve otra
vez, etc., etc. un ejemplo de como queda esto es mi coche
Para conseguirlo, hacemos la misma mezcla de los filtros pero esta vez con un 10% de pintura.
Usad colores arena, marrones y grises. Aplicarlo con un pincel suave de forma circular en las
zonas horizontales y de arriba a abajo en las verticales. Tienen que quedar unos chorreones,
s?, ese es el objetivo. Si se acumula la mezcla en algún recoveco, no queda mal, ya que ah? se
acumula realmente la mierda, pero si hay demasiado secáis el pincel y retiráis el exceso. Si
metéis la pata, con un bastoncillo de algodón podéis corregir, y si ya es demasiado tarde, con
Autor: Javi
un poco de alcohol y con cuidado podéis “limpiar” la zona. Y ya puestos, podéis limpiar ciertas
zonas del carro si lo veis apropiado. Por ejemplo, por donde entra y sale la tripulación, zonas
con un cierto rozamiento que hará que la pintura siempre esté limpia (aunque en estas zonas
quizá deberíamos desgastar la pintura o incluso mostrar la capa de debajo o el metal por el
frecuente roce precisamente). Volviendo a las aguadas. Dos o tres capas de estas aguadas
bastarán. Aquí también es importante dejar secar bien cada capa.
Recordad que podéis aplicar aguadas incluso entre pasos, ya que la suciedad y la lluvia no tiene
una línea temporal tan definida como los desconchones, esas dos o tres capas las podéis
aplicar más tarde si as? lo deseéis.
Luego he pasado a aplicar desconchones que han hecho saltar la pintura, dejando el metal o la
imprimación del vehículo debajo. Para esto he usado un gris piedra con un poco de negro y un
poco de marrón oscuro. Mismo procedimiento que antes.
Nota: El metal que queda al aire, si no sufre un rozamiento frecuente se oscurecerá quedando
un color gris oscuro. NO uséis colores metálicos para reflejar un desconchón a menos que sea
un desconchón originado por una pieza que roza/choca con otra o hace unas horas que se ha
producido. Los tanques llenitos de desconchones en gun metal, metalizado bolter o plata
hacen que salgan sarpullidos en la piel de quien los mira además de causar impotencia al
pintor.
Os vuelvo a recordar que tengáis en cuenta que los desconchones deben realizarse de forma
lógica, lo mejor es que observéis los camiones, excavadores, mi coche, etc. son toda una
fuente de inspiración. Si lleváis una cámara encima, fotografiarlos, así tendréis una buena
referencia cuando os pongáis con los pinceles.
Autor: Javi

Autor: Javi

Autor: Javi
PASO 5: Detalles
Bueno, aquí he puesto chorretones puntuales (poquitos) de óxido nuevo muy localizados.
Para ello he usado pigmentos diluidos en médium pero evidentemente podemos hacerlo con
una mezcla más clara del color de los desconchones más antiguos. He usado pigmentos porque
me gusta el toque mate que le da, es muy real y como tengo el Standard Rust de MIG, pues
había que usarlo que tengo pigmento en el bote por los siglos de los siglos . Pero como dije,
esto se puede hacer tranquilamente con pintura, de hecho Pigmento + Solvente + Aglutinante
= Pintura, así que…
Luego, cuando toque el empolvado (que es la guinda final) hablaré de los pigmentos y de su
aplicación.
Después de esto me puse con los detallitos: lucecitas, misiles, etc. Lo fui dejando por pereza, y
aunque las luces tocan ahora, los misiles los debí haber hecho antes , pero bueno, no pasa
nada
El pintado de esto fue lo más laborioso, dado que después de la inercia de trabajar superficies,
aquí pasas a pintar "a otra escala" con lo cual esto me llevó mas tiempo que casi el todo lo que
había hecho hasta ahora. Es lo que pasa cuando coges los pinceles con "ceros" y no me refiero
a una brocha del 100.
A estas alturas el carro estaba tal que así:
Autor: Javi

Autor: Javi

PASO 6: Toques finales
Toques finales, repasar alguna cosilla, limpiar algún goterón evidente y empolvar. Esto lo haré
con pigmentos; en el caso de este carro será muy suave, además que al ser de un color hueso,
el arena no contrastará demasiado, básicamente lo aclarará un poco.
Los pigmentos que he usado son los de MIG Productions, en concreto usé para el polvo el Light
Dust y Vietnam Earth.
Para empolvar simplemente coger con un pincel suave el pigmento, espolvorear sobre la
superficie y frotar. El empolvado es algo efímero, ya que con el uso y el toqueteo se irá.
Podemos tratar antes la superficie para que agarre mejor.
Para ello podemos usar trementina. Si la superficie está húmeda tened cuidado porque
literalmente la pintareis. Si esa es vuestra intención usad mejor medium. El acabado de estos
pigmentos es muy mate, queda ideal para polvo, óxido y humo.
Una alternativa a los pigmentos (no es que sean caros, es que no son fáciles de encontrar) es el
rascar sobre una lima o mejor papel de lija colores pastel. Tened en cuenta que no es
exactamente lo mismo, pero la verdad es que dan muy bien. El acabado no es el mismo,
además de que los colores pastel no son pigmento sólo, si no que incluyen aglutinante.
Autor: Javi
Cuidado con las tentaciones de aerografiar con pigmentos. Aunque el grano es muy muy fino,
tenéis todos los números para atascar el aerógrafo y cascarlo. Para aplicar el pigmento,
pinceles, papel, bastoncillos, etc.
No pongáis demasiado pigmento para acabar antes, es mejor hacer varias pasadas que pasarse
en una. Esto es especialmente grave si usáis pigmentos que contrasten, por ejemplo el negro
sobre un color claro. Un ejemplo de esta cagada son las salidas de aire frontales de este carro.
También usé pigmento humo para las toberas, que necesitan un pequeño repaso, así como el
cañón.
Aunque en este carro no lo usé, también podemos usar los pigmentos para crear un barro muy
muy real. Podemos aglutinar con resina acrílica para conseguir el efecto. Además, el tamaño
del grano del pigmento da la escala ideal para el barro.
Una vez acabado, sólo nos queda montar una peana adecuada para el carro y ya está.
Autor: Javi
El carro terminado lo tengo colgado en el Coolmini, con su peanita y todo
Más fotos en http://www.coolminiornot.com/120818
Aquí tenéis un ejemplo de cómo quedarían algunas de estas técnicas y sin usar un aerógrafo,
sólo pincel. En este caso es un Rhino de los Lobos Espaciales. Pintado en un par de horas
(http://www.coolminiornot.com/114332).
Espero que os sirva de ayuda. Evidentemente estas técnicas se pueden adaptar a casi cualquier
vehículo. Sabed también que podemos saltarnos algún paso o intensificar o dejar de hacerlo
ciertos procesos. Por ejemplo las aguadas no tienen sentido si nunca se ha mojado el carro y la
porquería no ha resbalado por su superficie.
Recordad el hacer un script aunque sea mentalmente de lo que le sucedió al vehículo, de este
modo aplicaremos mejor cada una de las técnicas.
Si tenéis cualquier tipo de duda aquí? me tenéis.
Por cierto, lo que menos me gusta del carro es la parte posterior del cañón. La idea es que
reflejara un metal que cambia de temperatura constantemente. Alcanza altísimas
temperaturas y luego se enfría en cuestión de minutos, por eso usé esos colores metal‐bronce‐
dorado‐plata y no he conseguido lo que quería. Lo he dejado así, pero si tenéis alguna
sugerencia, porfaplís.
Saludos,
Javi
Autor: Javi

Paso a Paso: Battle Series Volgor 30mm por Joaquín Palacios

(Freeman)
Aquí va el dibujo, by Iván Gil:
PaP de Battle Series Volgor 30 mm por Freeman (Joaquin Palacios)

Artículo original del foro del Spanish Team:
http://spanish-team.com/foro/viewtopic.php?t=2478&highlight=
El paso a paso completo:

Un pequeño tutorial de como he modelado el pelo de la capa, ahí va:
Antes de hacer la textura de pelo

hice una plancha de milliput sobre la
que va a ir el pelo, aquí podéis ver la
parte de abajo ya hecha. Como los
pelos montan unos sobre otros
empiezo de abajo a arriba, además si
se endurece la masilla y hay que
seguir mas tarde no pasa nada,
montamos los siguientes encima.
Primero coloco unos churritos

con el tamaño de los mechones,
esto hace que ya desde el principio
tenga distintos volúmenes.
Luego con una paleta voy

separando los mechones en otros
mas pequeños, intentando
además darle volumen en varios
sentidos y levantando unos
mechones mas que otros para
que no queden todos simétricos.

Y por ultimo ya se le hacen mechones muy finos con una paleta mas
pequeña, intentando ya dejarlo lo mas limpio posible.



Paso a Paso: Battle Series Drunegar 30 mm por Freeman
PaP de Battle Series Drunegar 30 mm por Freeman (Joaquin Palacios)

http://www.spanish-team.com/foro/viewtopic.php?t=2480&start=0







Paso a Paso: Battle Series Ithandir 30 mm por Freeman
Dibujito
PaP de Battle Series Ithandir 30 mm por Freeman (Joaquin Palacios)

Aqui esta el mini proceso:





Paso a Paso: Battle Series Beelphegor, por Joaquín Palacios

(Freeman)
Aquí esta el proceso de modelado del Beelphegor en 30mm, como siempre he utilizado
Milliput y Duro. No tengo muchas fotos del proceso porque no tenía tiempo y fui realmente
rápido con esta figura.
Este es el dibujo de referencia, como es habitual por Ivan Gil.
Y aquí os pongo el proceso completo:

PaP de Battle Series Beelphegor 30 mm por Freeman (Joaquin Palacios)
http://spanish-team.com/foro/viewtopic.php?t=3585
Anatomía

En estas podréis apreciar que he

corregido la pierna izquierda porque
estaba demasiado tiesa y le he
dado mas curva.
Casi
terminada

Las fotos finales.

Paso a Paso: Ainarïel por Freeman

Voy a poner el proceso de la próxima figura de Warlord Saga que como casi todos sabréis
es una elfa. Espero que os guste, sobre todo a aquellos que habéis estado pidiendo una
figura de una chica.
Como siempre lo primero os pongo el boceto, por Iván Gil
Aquí tenéis el proceso, como las explicaciones son las mismas más o menos que en las
otras figuras, pongo todas las fotos seguidas y si queréis preguntar algo aquí estoy.

PaP deAinarïel por Freeman (Joaquin Palacios)






Y la foto final.

Paso a Paso: Hørthak “Black Crow” por Freeman

Aquí estoy otra vez dando el coñazo, os presento a todos la próxima figura de Warlord
Saga, un bárbaro del que ahora la verdad no recuerdo el nombre, mañana lo pongo.
Aquí tenéis la ilustración de referencia, de Iván Gil, esta es la que viene en la carta de la elfa,
junto con una foto de más calidad, para que os vayáis haciendo a la idea sirve..
PaP de Hørthak “Black Crow” por Freeman (Joaquin Palacios)

Aquí tenéis el primer paso, el torso esta mas trabajado porque va casi al descubierto,
mientras que las piernas al ir tapadas no he insistido mucho en la anatomía. La cara no es
la definitiva, pero también está casi terminada.
El mismo paso pero con una base para el arma, hecha en Milliput y lámina de estaño para
simular tiras de cuero.

He encontrado una foto de la espalda
en esta fase.
Y aquí tenéis otro paso y un detalle de la cabeza aun sin terminar.

Continuo con el proceso. Las botas las cambié un poco con respecto al diseño original,
decidí hacerlas con mas pelo, para ello, primero modele las correas

Y luego el pelo que va entre medias. También podéis ver que ya le he puesto pelo en la
cabeza.

Mas vistas

En esta fase le he modelado la falda

Y aquí ya podéis ver la base para todos los elementos: faldones, placas, escudo, etc..
También le he tallado los símbolos del arma con una lanceta y paciencia..

Mas detalles a base de churritos.

Ahora voy a poner un pequeño tutorial de cómo he hecho el efecto de aplastamiento del
brazalete sobre la piel.
Después de dibujar con

un lápiz por donde va a
ir el brazalete le hago
una pequeña hendidura,
yo la he hecho con
minitaladro, pero se
puede hacer con cutter
y lija
Después le ponemos el
brazalete

Y después añadimos una

pequeña aplicación para
resaltar el efecto de
aplastamiento, en la
parte de abajo podéis
ver el efecto terminado y
arriba la aplicación sin
fundir.
El efecto terminado, si os
fijáis es similar al del
pecho aplastado por la
correa.

Y aquí tenéis la figura terminada, espero que os guste.





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Paso a Paso de Leogante, de Battle Series por Freeman

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tutorías Ithandir – Caras, por Weishaupt

Artículo original del foro del Spanish Team: http://spanish-team.com/foro/viewtopic.php?t=3984
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Versión RC1
J. MARTIN
TALLER DE PINTURA BEELPHEGOR
BASAJAUN
0 Foro Spanish Team | www.spanish-team.com

Taller Beelphegor
Tutorial realizado por j.martin y basajaun

1
Taller Beelphegor
Índice
Primera Parte: Preparación
Preparación del área de trabajo Pág. 4
Limpieza de la figura Pág. 5
Segunda Parte: Montaje

Anclajes Pág. 6
Suelo Pág. 7
Pegado Pág. 8
Tercera Parte: Pintura

Imprimación Pág. 10
Esquemas de Color y referencias Pág. 12
Iluminación Pág. 17
Pintado según J. Martin

Cara y pelo Pág. 21
Capa Pág. 25
Armadura Pág. 27
Calavera y espada Pág. 30
Detalles Pág. 34
Resultado Final Pág. 36
Pintado según Basajaun

Cara y pelo Pág. 38
Armadura Pág. 42
Calaveras Pág. 51
Capa Pág. 55
Marrones Pág. 58
Espada Pág. 59
Detalles Pág. 60
Peana Pág. 61
Resultado Final Pág. 62

2
Taller Beelphegor

3
Taller Beelphegor
Primera Parte: Preparación

Preparación del área de trabajo
Bueno, como decía, lo primero que

vamos a hacer hoy es acercarnos
tímidamente a la figura. Lo mas
importante una vez que cae en
nuestras manos es saber como
queremos montarla, y los pasos a
seguir. En mi caso, tras mucho pensar,
decidí que la cabeza sin capucha era
la que mas me apetecía pintar.
Cuando abrimos la caja, nos
aseguramos de que están todas las
piezas, y revisamos su estado.
También es bueno, una vez hemos
visto el kit, seleccionar una base que
se ajuste a su tamaño y a nuestras preferencias. En la foto, mi kit con la peana de Andrea que
elegí.
Una vez vamos a empezar, siempre es

bueno buscar y poner todas las
herramientas que vamos a necesitar a
nuestro alcance. En la foto, tenacillas
de corte citadel, juego de limas de
modelismo, lija extra fina de peletería
(facilitada por un amigo, cualquier lija
de grano extrafino os sirve), estropajo
metálico extrafino para pulir y
eliminar imperfecciones, cúter,
aunque siempre es mejor una cuchilla
de modelismo, masilla Milliput y duro
de Citadel, superglue, taladro manual
y eléctrico, y por ultimo, clip metálico
para realizar anclajes. Durante el montaje también utilicé pegamento Araldit rápido de dos
componentes. No os asustéis por la enorme cantidad de chismes, siempre se puede solucionar
todo con limas finas, algo de masilla verde y superglue, con el paso del tiempo nos vamos
haciendo poco a poco con todas las herramientas que necesitamos. Todo lo podéis conseguir
en droguerías, tiendas de modelismo y grandes superficies.

4
Taller Beelphegor
Limpieza de la figura
Lo primero es utilizar las tenacitas para retirar los sobrantes del casteado (restos de material
que se han desbordado por los conductos de llenado del molde) que nos encontremos, y luego
vamos intentando limar, bien con cuchilla, bien con lima metálica (yo recomiendo
encarecidamente las limas de modelismo) las rebabas y líneas de molde.
Hay zonas de difícil acceso por el tipo de relieve. Por ejemplo en el antebrazo derecho, el
relieve de la armadura nos obliga a ir con cuidado. Para esto es bueno seleccionar la lima que
mas nos conviene. Yo aquí he usado una con ángulos muy finos, mejor que una redonda o
plana. Es importante mirar bien esto para no cargarnos nada.
Una vez tenemos todas las piezas limpias y sin rebabas, procedemos, primero a lijarlas, luego a
pulirlas un poquito con el estropajo.

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Taller Beelphegor
Segunda Parte: Montaje

Anclajes
Bien, continúo ahora con el tema de los anclajes. Estando todas las superficies limpias y en
condiciones, debemos mirar que piezas merecen ser ancladas con un perno de muy fácil
construcción. Como yo soy poco burro, siempre procuro anclar la miniatura a su base definitiva
porque no me gusta el tener luego que andar cambiándola de sitio ya pintada. Además me
ayuda a hacerme una idea de la visión global de la mini. De tal manera que, una vez sujeta la
figura provisionalmente con un poco de bluetack, o en equilibrio (¡ojito!) sobre la base para
buscar la vista definitiva que queremos de la mini, hago con un rotulador una marca que me
guiara para saber donde quiero colocar la base. En este caso, la base que viene con Beelzegor
es un suelo de piedra, con lo que me he visto obligado, siguiendo mi orden de hacer las cosas,
a terminar el suelo hasta los bordes de la base de madera antes de imprimar, pero eso lo
vemos luego.
Intentamos ver que el ajuste de la figura con la base

sea el idóneo, y entonces cogemos el mini taladro
eléctrico, si tenemos uno, o el taladro manual. En este
caso, se ve en la foto como he eliminado la
prominencia de metal bajo el pie izquierdo, para tener
una superficie mas lisa y mas fácil de taladrar. Aquí
practico el orificio con cuidado de angular bien y
procurando no joder nada...
Estiramos un clip y cortamos un trozo con nuestras

tenacitas, lo impregnamos en superglue y lo
introducimos en el agujero. Dependiendo del peso de
la figura, longitud del tramo, etc., la profundidad
oscilara. Yo aquí le he metido como un centimetrillo
de taladro. Hay que tener cuidado.

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Taller Beelphegor
Luego me queda bastante cacho como para anclarlo en la peana de madera. Pego la pieza de
metal con Araldit rápido epoxi a la base, seria bueno hacer aquí también mini anclajes,
practico el orificio dejando secar previamente el adhesivo, e introduzco la miniatura colocando
también pegamento bajo el otro pie, dejándola ya colocada en su posición definitiva. Antes de
dejarla ya pegada, lavo la pieza con lavavajillas en la pila, para quitarle grasilla del molde y la
abundante roña de mis dedazos...
Suelo
Bueno, aunque esta parte era para el final, yo lo voy a poner ahora porque me resulta mas
fácil. Como decía antes, la base me pedía ser acabada por completo para poder imprimar luego
toda la mini.
Para completar la base de piedra, cojo milliput y aplico unos filetillos aplanando la superficie
con los dedos húmedos, tras enmascarar los bordes de la peana. Para esto es bueno utilizar
cinta de enmascarar, yo no tenia y le puse cinta aislante, pero es que soy un poco bruto, jeje.
Luego se quita bien, si quedan cercos, un bastoncillo con alcohol y ya esta...

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Taller Beelphegor
Recortamos los bordes a cuchilla, y con lanceta,

palillo cuchara de palo o paellera procedemos a
intentar tallar la piedrecitas. Yo soy bastante
negado en esto, la idea es utilizar la herramienta
húmeda, suavizar si fuera necesario con un
pincelito humedecido, redondear algunos cantos
y retirar las bolillas que se crean al arrastrar la
masilla.
Mas o menos debería de quedar así, insisto en que no soy mas que un torpón para estas
cosas... Una vez finalizado el tiempo de secado de la masilla, lijamos para dejarlo bien del todo.
Pegado
En cuanto tenemos esto seco y bien fijado

ya en la base, procedemos a pegar las piezas
que faltan. Para esto, y como soy mu
vaguete, utilizo el método de la masilla
verde y el superglue.
Lavamos todas las piezas, ponemos el

pegamento en la piececita, y una pequeña
porción de masilla verde. Añadimos mas
superglue y pegamos presionando y girando
hasta conseguir la posición deseada. Hay
que tener cuidado con esto y poner poca
masilla. Esto servirá sobre todo para sujetar

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Taller Beelphegor
las piezas, y cuando la masilla fragüe, quedara mucho mas consistente que con pegamento
solo. Es una alternativa cuando consideramos que pernar no es absolutamente necesario.
Ahora ya tenemos nuestra figura completamente montada, seca y deseando ser imprimada.

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Taller Beelphegor
Tercera Parte: Pintura

Imprimación
Para esto he usado espray negro de citadel, y espray gris de Vallejo. Esto es para remarcar
fácilmente la direccionalidad de la luz desde un principio.
Primero pasamos el espray negro...

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...y finalmente damos una rociada muy suave con gris desde donde queremos que venga la luz
que marcara los volúmenes de nuestra miniatura.

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Esquemas de Color y Referencias
Bueno, después de seguir los pasos de montaje del señor J ahora mismo podréis observar y
estudiar la mini en todo su esplendor
A muchos este paso os parecerá absurdo, pero no os engaño si os digo que es casi más
importante que el propio proceso de pintura. Antes de comenzar tenemos que tener muy
claro cual es el resultado al que queremos llegar, tanto en colores como en la atmósfera y las
sensaciones que querem os que nuestra m initransm ita…
Una vez montada la figura lo primero que hacemos es preparar un pequeño calendario que
nos ayudara a planificar el trabajo que en este caso ya os lo damos hecho, intentando que el
proceso de pintura se desde el interior hacia el exterior, para facilitar la tarea y evitar infinitas
correcciones:
 Semana 1:
- Limado y preparación. Imprimación.
- Estudio de colores y referencias. Iluminación.
 Semana 2:
- Cara.
- Armadura.
 Semana 3:
- Capa.
- Cueros y Guantes.
 Semana 4:
- Detalles.
- Espada.
 Semana 5:
- Peana.
- Retoques.
Pero antes de em pezar con la pintura hay que pensar en m uchas otras cosas…
EL ESQUEMA DE COLOR es un tema muy personal, y cada uno tiene sus fuentes. Como primera
recomendación intentad reducir la paleta de colores. Dos colores dominantes y uno
secundario que apoye o contraste con los dos primeros es suficiente en la mayoría de los
casos. No intentéis que cada parte sea de un color, porque esto crea muchos problemas en
cuanto a conseguir que la mini de una sensación de equilibrio o de conjunto.
Si observamos las minis de JMPN y Karaikal nos damos cuenta de que son esquemas muy
claros y a la vez muy sencillos, que funcionan a la perfección.

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Jose crea un esquema muy siniestro y oscuro, con una atmósfera propia de un callejón o
castillo iluminado con antorchas, con tan solo tres colores (morados-negros-oros).
Karaikal utiliza el contraste en su mini con dos colores opuestos en la rueda de color, y
perfectamente equilibrados por el resto (por ejemplo, utiliza un blanco que es un color neutro)
en un ambiente mas diurno, como de escena de batalla.
Son dos opciones, pero pensad que existen infinitas… A cada uno su m ini le sugerirá ciertas
cosas, a m im e recuerda al caos, la oscuridad, el m al, a Arthas… lo cual m e lleva a reducir m i
paleta a rojos,negros,m orados… .

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La atmósfera que rodea a la figura es igual de importante, ahí es donde entra la

entonación… D entro de los colores de nuestro esquema hay un espectro infinito entre el mas
claro y el mas oscuro y sus mezclas con los demás colores. Dependiendo de donde se
encuentra nuestra mini los colores reflejaran otros tonos distintos: en un bosque reflejaran
verdes, con luz diurna serán mas amarillentos, de noche todo tiende al azul o morado. Como
elección personal supongo que utilizare azules y morados para reflejar esa maldad y oscuridad
que envuelve al tío… Añadiendo pequeñas cantidades de estos colores a m i esquem a
conseguiré los tonos definitivos (cuando estemos pintando lo veréis mas claro).
Ahora es una buena idea documentarse y buscar un poco de información (quizás nos ayude a
decidirnos definitivamente por unos colores). Esto es muy importante en histórico, por el tema
de uniformes, etc., pero nosotros lo haremos como fuente de inspiración más que otra cosa.
No hace falta que nos ciñamos fielmente a lo que encontremos, es mas bien una referencia.
Cualquier cosa os puede dar la clave. Entre las cosas que yo buscaría (cada uno sabrá lo que
quiere) os pongo unos ejemplos:
- Los esquemas de Andrea

- La tarjeta que viene con la mini
- Otras minis (coolmini es perfecto)
- Películas
- Personajes de comics o videojuegos.
Imágenes de muestra:

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Todo esto esta perfectamente estudiado, otras personas ya han analizado todas las
características de los personajes por nosotros, y lo que podemos hacer es usarlos como guía.
Incluso una etiqueta de cualquier producto podría servir (en publicidad todo este tema es
básico colores, transmisión de sensaciones). Imaginaos un Ithandir con los colores de un
paquete de Chester Light, ¿os suena de algo?

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Taller Beelphegor
Yo ya he encontrado mi esquema, así que vosotros poneros manos a la obra, que disponéis de
una semana! Si, es algo tan sencillo como este personaje de PS2 y me voy a basar en él (he
dicho basar, no copiar).

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En último lugar, hay gente que es capaz de conseguir esquemas en muy poco tiempo. Esto no
es una gracia divina, sino el resultado de mucha practica. Probablemente J. Martin con ver la
figura montada tomara su decisión en muy poco tiempo, simplemente porque tiene un control
sobre el color que ha adquirido con el tiempo, por su trabajo y sus aficiones artísticas, que le
permiten hacer cosas como esta:
Si tenéis esa suerte, don o trabajo adquirido adelante. Sino buscad, y recordad que esto es
fantasía, podéis hacer cualquier cosa, pero intentad que sea algo pensado, con una
justificación, ¡no intentéis improvisar y el éxito estará ya medio asegurado!
Iluminación
Ya habéis visto como ha montado J la mini. Yo por mi parte he taladrado todas las piezas, las
he anclado con trozos de clip y tan solo he pegado los dos brazos con Super Glue 3. A los que
montéis la versión con capucha os recomiendo que no peguéis la cabeza, ya que seria bastante
difícil pintarla después (tampoco he pegado el taparrabos de cota pero eso ya es cosa vuestra).
Todas las piezas que no montamos las pintamos sujetas en el porta brocas y las pegamos
después. Finalmente he rellenado los huecos con milliput (podéis utilizar duro o lo que
queráis).
Para el tema de la imprimación, por no repetir la jugada de J (que me ha parecido bastante
buena) y para que podáis ver otras cosas he utilizado Tamiya Putty. Akats me había hablado
muy bien de este método y lo he probado finalmente. La verdad es que queda de lujo. Una
imprimación muy fina y uniforme. Para aplicar la masilla ponéis un poco en la paleta, untáis el
pincel con acetona y la disolvéis con bastante acetona (aproximadamente 5/1), para aplicar
seguidamente. Seca muy rápido, por lo que tenéis que untar el pincel en acetona, disolver,
aplicar a una parte de la m ini y em pezar otra vez a untar, disolver, aplicar… Q ueda bastante
bien (el grosor de la imprimación es ínfimo) y permite controlar la cantidad de imprimación en
cada zona. Hombre, si estáis pintando un ejercito igual no merece la pena, pero para las minis
especiales… Tenéis un tutorial en alguna parte del foro si necesitáis m as inform ación (no m e
acuerdo de quien lo puso).

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Taller Beelphegor
Aquí tenéis el resultado.
Es hora de estudiar la iluminación. Buscaremos un patrón en función del estudio que hemos
hecho de la miniatura (a cada uno le vendrá mejor una u otra según la ambientación que haya
pensado). Tenemos varias opciones, las más utilizadas son:
Luz cenital: Se ilumina la miniatura como si el foco (por ejemplo el sol) estuviese exactamente
sobre la cabeza de la miniatura. Es bastante sencilla de aplicar si se estudia la miniatura con
detenimiento. Realza las zonas superiores de la miniatura.

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Luz direccional: La luz incide con un ángulo sobre la m iniatura (im aginaos elsolm as bajo… ).Es
necesario un estudio mas detenido, debido a la mayor dificultad pero con un par de trucos nos
apañaremos bien. Ayuda a destacar ciertas zonas y le proporciona más movimiento a la mini
(sielegim os bien elángulo claro… ).Com o ejem plo podéis m irar esta foto.
Luz bidireccional: Es un efecto complejo provocado por más de un foco. Podéis ver el Gandalf
de Karaikal. Este tipo de iluminación se lo dejamos a gente masoca como Karaikal (je, je, je)
pero si queréis preguntad, que seguro que alguien os responde (yo no he probado nunca, pero
J pinto al Khaerus así que ya controlara).
Para conseguir una guía fácil de iluminación utilizaremos un par de trucos. En primer lugar
colocaremos la mini bajo un foco y hacemos todas las pruebas que sean necesarias hasta
encontrar la que exprima el máximo potencial de iluminación. Aquí os pongo unos ejemplos,
observarlos bien.
1-Luz cenital: Ilumina la parte superior, en el caso de la capucha se pierde la cara en la zona de
sombra. Podría servir para el otro modelo de cabeza.

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2-Direccional de derecha a izquierda: No tiene mucho sentido ya que la zona con más vida de
la mini (el gesto del brazo izquierdo, la cara) se pierden en un plano de sombra.
3-Direccional de izquierda a derecha: A priori parece la más acertada. Destaca la zona donde
transcurre la acción principal, la cara queda levemente iluminada (más siniestro) y le da más
dinamismo a la figura. J también lo ha hecho así.
Esto tiene una explicación. Si observáis la figura os daréis cuenta de que tiene tres direcciones
principales que son la vertical, la de la espada y la del brazo del gesto. Si conseguimos iluminar
estas tres líneas de manera perpendicular medio cuerpo brazo y espada quedaran iluminados
y realzados, sino perderemos alguna zona, quedando esta en sombra.
En mi opinión es la mejor opción aunque la iluminación cenital también puede ser muy valida
para la mini sin capucha (si no os atrevéis optad por esta).
Para tener una referencia fija de la iluminación escogida podemos sacar unas 4-6 fotos desde
diferentes ángulos y consultarlas según vamos pintando (frontal, trasera y dos ángulos serán
suficiente). Otra opción seria la doble imprimación de J (también podéis dar la segunda
imprimación con aerógrafo), y siempre nos queda acercar la mini al flexo. Hacedlo como mejor
os parezca, pero estudiad bien este tema.

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Taller Beelphegor
Para próximos pasos (cuando introduzcamos el color) tendréis que tener en cuenta varios
factores que completan este tema.
1. Puntos de luz: En las zonas donde la luz incide de manera perpendicular y con la
máxima intensidad provoca puntos de máxima iluminación. Pueden ayudar a atraer la
atención delobservador.M iraos cualquier cara de Latorre…
2. El tono global o temperatura de la luz: (los que sepáis algo de luminotecnia
¡felicidades!). La luz puede ser más o menos fría (azulada-morada-verde) o más
caliente (amarillos-rojos-naranjas). En función del entorno de nuestra mini este color
será uno u otro. A nosotros este factor nos influye en la entonación de la mini.
Entonaremos los colores con azules para ambientes nocturnos, amarillos con luz
diurna,naranjas en puestas de sol,antorchas,etc.… .
3. Reflejos: Hablo del reflejo que producen unas partes sobre las otras. Esto es un poco
complejo de explicar pero, por ejemplo, en una armadura de acero aparecerán
pequeñas zonas que reflejan el color del resto de prendas que están alrededor.
Todo esto ya lo iremos viendo según pintemos, que será el lunes de la semana que viene.
Ahora ya sabéis… a preparar vuestras m inis, el esquem a de color y la ilum inación antes de
pintar, y así no os quedareis atascados sin saber que color elegir o como iluminar no-se-qué
parte de la capa en pleno pintado!
Pintado según J. Martin: Cara y pelo
Bueno, como la cámara de fotos ha decidido enemistarse conmigo, al igual que la figura y los
pinceles, voy a intentar describir el pintado de la cara lo mas concretamente posible, e incluir
las fotos que pueda para que podáis ver algo del proceso.
En primer lugar decir que finalmente opte por pintar el modelo con capucha, debido mas que
nada a que seguía con dudas y aunque la cabeza descubierta se ve mejor, me gusta mas el
aspecto sombrío bajo los pliegues. Para esto clave las dos cabezas sobre un corcho, sujetas con
Super Glue y un alambre, para ir pintando los dos modelos, y así poder elegir el que mas me
gustara.
El proceso difiere bastante de muchos cánones, básicamente por lo oscuro de la imprimación,

con lo que aplico una base a la piel con una mezcla de marrón corcho mas dos pequeñas
cantidades iguales de azul verde y magenta, todos colores de Vallejo. En la mezcla prevalece
un 75-80 % de corcho y los otros dos colores son para agrisar aun mas el color, que agarre bien
en las zonas mas oscuras de la imprimación y no difiera mucho del color de sombra. Una vez
tengo esta base dada, diluyo marrón cuero oscuro (MC)con bastante agua, escurro el pincel, y
perfilo las zonas de arrugas de expresión, ojos, parpados y demás.
El color del globo ocular ha sido preservado, podéis pintarlo con Bleached Bone o un color
similar (no blanco) cuando queráis, bien al comienzo, bien una vez tengáis la base dada. Es
importante marcar con un color que sea prácticamente negro, o negro incluso, el borde
superior del ojo, para simular la línea de las pestañas. Esto le da mucha expresividad a los ojos.

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Taller Beelphegor
Respecto al iris, lo mas fácil es marcarlo con un

pincel fino en forma de pequeñas líneas y
redondearlas. El ojo derecho es de mas difícil
acceso para los diestros, por la nariz mas que nada,
así que hay que tener cuidado. Es importante que
ambos ojos miren hacia el mismo lado, y que el iris
toque el parpado en alguno de sus lados,
generalmente por arriba, para que no parezca que
esta espantado. Una vez esto, y de cara al pintado
de la cara, habrá que intentar remarcar con una
fina luz el borde superior del parpado de arriba, y
sombrear la parte inferior del mismo.
Según el estudio de iluminación previo que todos deberíamos de haber hecho, vamos a
intentar destacar la facciones que mas nos interesen
mediante contrastes de luces y sombras. En mi caso,
el lado derecho de la cara (siempre me refiero a la
derecha o izquierda de nuestro amigo Pepe) será el
que menos incidencia de luz tenga, así que paso a
darle el que normalmente seria el tono de base
intermedio -marrón corcho- de una manera mas
general en el lado izquierdo, mas expuesto a la luz, y
en el lado derecho el tratamiento que hago es el de
iluminar las zonas que había pintado antes. De esta
sencilla manera, la simple cantidad de zona cubierta
con corcho nos va a dar un cierto efecto de cantidad
de luz.
Los pasos siguientes son realmente sencillos.

Respetando siempre este concepto de zonas de luz,
vamos iluminando con Carne Élfica de Citadel hasta
llegar a ese color.
Una vez aquí podemos valorar el aspecto que va

tomando la cara, si es necesario remarcar mas
alguna línea de expresión, o si por el contrario es
necesario suavizar. Podéis remarcar lo que queráis
con el color de sombra -marrón cuero oscuro, mas
una puntita de Azul Real, Prusia, Oxford o lo que
tengáis mas a mano, y si fura necesario velar con
corcho algunas zonas para suavizar transiciones, es
un buen momento. Ahora aprovecho también para
aplicar leves veladuras con Tanned Flesh de Citadel,
un tono rosadete muy majo para darle un poquito

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Taller Beelphegor
de intensidad al color. Hay que tener cuidado con esto , ya que el tono básico gira en torno al
corcho porque lo que pretendíamos era un color deliberadamente apagado. Si tras esta
operación fuera necesario remarcar de nuevo con un poquito de élfica, lo haríamos velando
suavemente. Ahora mismo la cara ya debería de tener cierta riqueza cromática, aunque
siempre buscamos un rostro pálido ( que indio me ha quedado esto, je je).
Bueno, acabo de ver que no se aprecia un carajo en las fotos, espero que podáis disculparme...
Para finalizar, puntos de luz en las zonas de máxima exposición. Mirad bien vuestra miniatura
para aseguraros. Yo he utilizado Bleached Bone y blanco cráneo.
Por ultimo matizar con élfica si estas ultimas luces son un poco bruscas, y dar suaves velos con
Rojo de Vallejo para las zonas de los labios y mejillas, zonas de transición etcétera, al gusto y
sin pasarnos, y colocar la cabeza en su enclave definitivo para poder observar el efecto en la
figura.

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Taller Beelphegor
Ummm, no se ve una mierda.....
Bueno, no se aprecia nada bien, como os decía al principio,, pero creo que sirve para que os
hagáis una idea...
Por ultimo doy una base con Desert Yellow de Citadel al pelo para hacerme una idea que como
seguir pintando...
Espero que este método tan sencillo, aunque sea un poco particular, como otras cosas que
hago, os pueda por lo menos servir de referencia.
El pintado de Isidro (Basajaun) os servirá para ver otra manera de hacerlo.

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Taller Beelphegor
Pintado según J. Martin: Capa
Lo siguiente en ser pintado fue la capa de Beelphegor. Esto fue así para poder continuar
pintando una zona adyacente a la ya pintada hasta el momento.
El proceso fue en realidad bastante breve. En primer lugar decido que el color va a ser un
granate intenso. Esto para mi es arriesgado, porque es un color que nunca se me ha dado
demasiado bien, je je. Así que parto de dar dos bases deliberadamente distintas. En los planos
de luz le doy con Rojo de Vallejo, y en los de sombra añado un poco de Verde Ángeles oscuros
a este color, que lo amarrona y lo oscurece.

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Taller Beelphegor
A continuación añado una veladura general con oleo Carmín de Granza para unificar algo la
zona.
En este momento decido que solo con granate va a quedar muy soso, y decido arriesgar algo
más con el esquema cromático. Añado dos colores. A los planos de sombra, una mezcla de
Morado Citadel con Marrón Bestial, y realizo las luces con una mezcla de Magenta de Vallejo y
Naranja Ardiente Citadel. El resultado es este. Añado una luz a este último color añadiendo un
poco mas de naranja a la mezcla.
Dejo la capa así a la espera de avanzar con la armadura, porque necesito ver como va
quedando esta antes de rematar la capa.

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Taller Beelphegor
Pintado según J. Martin: Armadura
Continuo con el pintado de la armadura. Como voy buscando muchos planos de contraste, lo
que hago es aplicar tres capas base distintas según la zona. Me explico:
- En la zona donde incide mas la luz, una base con Uniforme Inglés de Vallejo.
- En la zona limítrofe con ésta, correspondiente al frontal de la figura, una base de
Marrón Cuero Oscuro a la que añado un pelín de Morado de Citadel. Con este color,
nada mas aplicarlo, doy una aguada a la base 1 para sombrearla directamente y
remarcar todo el tema de remaches metálicos y tal.
- En la zona de menos exposición de la figura aplico una base con la mezcla 2 mas un
poquito de negro. Con esto velo y sombreo la parte anterior.
Con estos sencillos tres pasos ya tenemos nuestra armadura manchada y apuntando maneras.

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Taller Beelphegor
Una vez tenemos esto, pasamos a iluminar cada una de las partes.
- Para la parte 1, degradamos hasta Desert Yellow de Citadel.

- Para la parte 2, añadimos a su mezcla original un poco de Uniforme Inglés.
- Para la parte 3, iluminamos con Marrón Cuero Oscuro de Vallejo.

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Taller Beelphegor
Continuamos con las luces
- Parte uno, Desert Yellow hasta Hueso Deslucido

- Parte dos, velado con Marrón Cuero Rojo, luz velando con Uniforme Inglés.
- Parte tres, veladuras suaves en aristas y tal con Cuero Rojo.
Ultimas luces con Hueso mas Blanco(1), Uniforme Inglés mas un pelín de Hueso(2).
En este momento retomo el trabajo de la capa. Lo hago ahora para ver como darle un poquito
mas de coherencia cromática al tema. Velo suavemente toda la superficie con Marrón Cuero
Oscuro y Uniforme Inglés. Esto matea la capa a la vez que la ensucia y le da matices de color.
Aprovecho para concentrarme en los pliegues inferiores y darle un poquito de roña, que
siempre es divertido. Para finalizar, sobre la mezcla de la ultima luz de granates, añado Desert
Yellow para darle un par mas de toques de luz.
Aprovecho también, ya de nuevo sobre la armadura, para hacer un par de cosas:

Velo toda la superficie con oleos mezclando Siena con Azul Ultramar Oscuro, para reforzar los
perfiles, y añado también pequeñas veladuras con acrílico del mismo color que las luces de la
capa, para realizar reflejos. El resultado conjunto es este.

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Taller Beelphegor
Pintado según J. Martin: Calaveras, cadenas y espada
He elegido pintar los grandes adornos en forma de calavera de manera bastante similar a la
espada, cuya hoja ha sido velada con tonos amarillentos para que pareciera algo mas maligno
y tal.
El proceso es realmente sencillo, mucho mas de lo que parece, y realmente creo que requiere
menos técnica que degradar muchísimo.
Básicamente, necesitaba entonar un metal plateado no muy brillante con el resto de la figura,
con lo que realizo una base mezclando Metal Boltgun con Uniforme Inglés, y lo aplico por igual
a cadenas, espada (siempre me refiero a la hoja) y a los cráneos. El resultado es este.
Se trata de un simple metal acorde a los colores del resto. Este color lo vamos a iluminar con
una mezcla de Plateado Mithril y Kaki Comando, quedando la cosa así:

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Taller Beelphegor
Fijaos que intento llevar el tema de la cenitalidad a la hoja de la espada, intentando de esta
manera remarcar el surco central.
Ahora pasamos a realizar dos veladuras, a modo de filtros, sobre la superficie entera de la
hoja, y sobre gran parte de los adornos. Primero lo hacemos con Uniforme Inglés, luego con un
poco de Marrón Cuero Oscuro, algo menos diluido, intentando remarcar las zonas de sombra.

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Taller Beelphegor
Ahora viene lo mas divertido, que es cuando metemos los colores oscuros que realmente
pegaran el contraste y nos darán una superficie llamativa. Como con la simple superposición
de velados del mismo color conseguiremos la opacidad que nos de la gana, aplicamos sin mas
una mezcla de Tinta Marrón con Morado de Citadel. Una vez hecho esto, me doy cuenta de
que la hoja ganaría en detalle si le realizara algún tipo de inscripción en la parte horadada,
cosa que realizo con Mithril+Kaki. Sobre esto aplico una veladura con Marrón Cuero Citadel, y
un poco después otra de Tinta Amarilla. Remarco las sombras con un poco más de la misma
mezcla de tinta, y las luces con la misma mezcla de Plata.

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Taller Beelphegor
Y se acabo...
Respecto a los metales de la armadura y cota de malla, solamente decir que llevan una base de
Tin Bitz + Morado + Metalizado Bolter, iluminado con Metalizado Bolter y Mithril, y
sombreados con tinta Marrón + Morado. Seguramente tendré que matizarlos un pelín, pero lo
hare mas adelante, no por nada, sino por evitar el aburrimiento.

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Taller Beelphegor
Pintado según J. Martín: Detalles
Cueros de Guantes:
- Base de Negro con Uniforme Inglés.

- Luces añadiendo Kaki Comando Citadel a la mezcla. Con la última luz punteamos y
hacemos pequeñas muescas en forma de arañazos.
- Veladura de Uniforme Inglés. Sobras profundas con Negro.
Empuñadura de la espada:
- Base mezcla de Uniforme Inglés con Shining Gold Citadel y un pelín de Scaly Green.
- Luces añadiendo Plateado Mithril a esta mezcla.
- Tonos de óxido con Scaly Green.
Óxidos en remaches metálicos de la armadura:
- lavados con una mezcla de Scaly Green con Snakebit Leather

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Taller Beelphegor
Pieles:
Para las pieles aplico una base de Tierra de Cementerio, Tierra de Cementerio mas Cuero
Oscuro, Tierra de Cementerio, Cuero Oscuro mas Morado, según la zona. Estas partes van
iluminadas con el color de la zona anterior, menos la parte mas iluminada que ira con Caqui
Comando.
El proceso es rápido y sencillo, luego definiremos el pelaje mediante lavados de la zona

siguiente de sombra. Para finalizar, aplicamos unos lavados con oleos, primero con siena
tostada, luego añadiendo azul ultramar a este color, y dejamos secar.
Terreno:
El terrenito va pintado con los mismos colores de la armadura, de hecho lo hice al mismo
tiempo que daba las bases a esta, como podréis recordar por las fotos. Para darle mas chicha
al color, lo único que hago es fundir al fresco Uniforme Inglés con Desert Yellow, y finalmente,
como quiero sacarle un poco de textura al Milliput, aplico un leve pincel seco con Desert
Yellow y Hueso Deslucido. Esto me sirve para darle un poquito de aspecto polvoriento que sea
coherente con el empolvado de la capa. Finalmente aplico lavados en dos fases, primero con
acrílicos, utilizando las sombras de la armadura, filtros con Snakebite Leather , Marrón Bestial
y Carne Oscura, después con óleos Siena y Siena + Azul, como antes, rebajados en Withe Spirit.
Retoques finales:
Siempre interesa darle un vistazo a la figura para matizar o retocar todas aquellas partes que
pensemos que no son del todo correctas, de tal manera que, como cuatro ojos ven mejor que
dos, y siguiendo los consejos que muy amablemente me dio el bueno de David, sombreo un
poquito mas las partes mas oscuras de la capa, e ilumino la capucha y algunas zonas
prominentes. También he bajado un poco por delante la luz de la hombrera. A continuación
mato un poco el turquesa de la empuñadura de la espada mezclando Scaly Green con Carne
Oscura, y velo la superficie, a la vez que concreto algunas sombras de la armadura, sobre todo
de la parte inferior, con la misma mezcla de óleos que utilizaba para las sombras mas
profundas del pellejo. Todo son pequeños detalles que podréis apreciar, espero, en las fotos
que pondré a continuación.

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Taller Beelphegor
Pintado según J. Martín: Resultado Final
Por mi parte solo decir que ha sido un placer compartir el pintado de esta esplendida figura
con vosotros, y que espero que todo el mundo se anime a pintar fantasía en 54mm. Un
abrazo,
Jesús Martín.

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Taller Beelphegor

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Taller Beelphegor
Pintado según Basajaun: Cara y pelo
Aquí tenéis la otra cara de la moneda...
Como ya os hemos comentado anteriormente la cara es uno de los puntos más importantes a
la hora de pintar una mini. Hay que prestar especial atención al tema de luces y sombras,
intentando captar la atención del observador. En este caso, si habéis escogido la versión con
capucha pronto os daréis cuenta de la dificultad que presenta al no poder pintar en ángulos
cóm odos por la capucha…
Yo sim plem ente os voy a dar dos recom endaciones… paciencia (si hay algún problema decapad
con acetona) y prestad mucha atención al proceso de sombreado porque es necesaria la
colocación de sombras mas profundas en las zonas que quedan hundidas en la oscuridad de la
capucha. Además procurad iluminar bien la zona de la barbilla y nariz, creando un golpe de luz
que resaltara m ás ese efecto de penum bra…
Cara:
Para el tono base he elegido una mezcla de Azul Oxford, carne clara y Flat Flesh. Los morados
los he introducido en pequeñas cantidades para mantener la entonación general en toda la
figura. Utilizaremos pequeñas cantidades de este color en prácticamente todas las mezclas
para reflejar el carácter m aligno de este personaje… Todo esta hecho a base de acrílicos y
veladuras.
En el proceso de sombreado utilizaremos una mezcla de Azul Oxford, carne clara, y Flat Flesh
con un mayor porcentaje de Azul Oxford y Flat Flesh para una primera fase de sombreado
rápido, marcando las sombras en los volúmenes principales. Seguidamente añadimos poco a
poco sombra tostada para ir afinando las sombras y acabamos de sombrear con sombra
tostada y azul Oxford. Podéis ver debajo el proceso, no añadáis mucha cantidad de azul,
porque sino quedara com o elrondador nocturno … La m ezcla con este color tiene que tender
mas al gris que al morado.

38
Taller Beelphegor
Para iluminar la cara nos centramos en nariz y barbilla,

donde forzaremos un poco para crear un contraste muy
acentuado con la sombra. Para ello utilizaremos Flat Flesh,
carne clara y una pizca de Azul Oxford, pero en este caso
tendrá mayor proporción de Flat Flesh, haciendo subidas
de tono hasta acabar en Flat Flesh en los puntos de luz de
barbilla y nariz. Para unificar el conjunto aplico un tono en
Azul Oxford y Flat Flesh muy muy diluido por las zonas
intermedias a modo de veladuras.
Si os habéis fijado un poco veréis que los ojos los suelo pintar al final, todo lo contrario de lo
que se suele recomendar. Es más fácil corregir si se pintan al principio. Yo pase de unos ojos
azules a otros más oscuros y rehundidos, para potenciar el tem a de la penum bra… Elproceso
es idéntico al de J. Un pequeño truco para los ojos: dadle un toque con barniz brillante, veréis
como queda una mirada mucho mas viva...

39
Taller Beelphegor
Pelo:
Para el pelo utilizo una técnica mixta. La base la realizo con acrílicos y el sombreado e
iluminación con oleos. Es prácticamente el mismo proceso que para el Drunegar (lo podéis
consultar en proceso).
Como base mezclamos hueso, Marrón Chocolate y Azul Oxford. Nos da una especie de gris
muy claro. Esperamos unas horas a que seque bien (o sino usáis un secador) ya que el óleo y el
White Spirit nos pueden levantar la capa base.
Para las sombras hago una mezcla con Rojo Crimson y Azul Ultramar (es aproximadamente
Azul Oxford) a la que le añado Siena Tostada, Negro y un poco de Blanco. El color debería ser
una especie de gris morado más oscuro que la base. Esta mezcla la aplico en forma de lavado
muy ligerito en las zonas de sombra. Repito la operación varias veces añadiendo cada vez mas
Siena y Negro (acentuad las sombras que produce la capucha a parte de las habituales).
Para las luces empleamos Blanco y un poco de la mezcla anterior. Vamos añadiendo cada vez
más Blanco, hasta añadir al final alguna pequeña luz con la mezcla prácticamente blanca.
En el ultimo paso y una vez que todo esta perfectamente seco (usad el secador o tened mucha
paciencia en los distintos pasos) aplicamos un ligero lavado con Rojo Crimson y Azul (muy muy
diluido) para darle un pequeño toque morado (apenas se tiene que notar). Este es el resultado
final, estoy bastante contento...

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Taller Beelphegor
Es lo que se dice siem pre pero… siento que las fotos no sean mejores, porque sinceramente
esta bastante mejor en mano. Ya estoy buscando otra cámara para los siguientes pasos.

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Taller Beelphegor
Pintado según Basajaun: Armadura
La armadura no presenta ninguna complicación si nos fijamos en las fotos de iluminación que
hemos preparado en el paso anterior. Estudiadlas bien para iluminar y sombrear los distintos
planos y aristas.
En mi caso he optado por colores no metálicos (cosa que no hago habitualmente) y le he dado
un aire a las armaduras del caos de GW, pero con los colores de la armadura del personaje de
God of War que os puse al principio. Para ello he utilizado marrones, rojos, negros y carnes.
En primer lugar aplico la capa base, con una mezcla de Marrón Rojo, Azul Oxford (para
entonar), una pizca de Negro y Marrón Chocolate (no preguntéis por que pero suelo hacer
bastantes mezclas), vario las proporciones y hago múltiples pruebas en la paleta hasta que doy
con el color.
A continuación comienzo a sombrear velando con una mezcla de Marrón Chocolate, Violeta y
Negro, sobre todo la parte derecha de la figura para definir a rasgos generales el patrón de
sombreado básico, casi sin tener en cuenta aristas y detalles (es solo para marcar) la definición
se consigue en pasos posteriores.
Aplico una segunda sombra con múltiples veladuras con la misma mezcla y un poco de Azul
Marina (el azul dará mayor profundidad a las sombras), definiendo mas los distintos planos y
diferenciándolos según las fotos de iluminación. En este paso me tomo más tiempo,
intentando sacar partido a cada volumen.

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Taller Beelphegor
En las sombras más profundas utilizo Humo de Vallejo, para darle un efecto más sucio y
gastado.

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Taller Beelphegor
Para completar el trabajo perfilo las distintas placas con Negro diluido y aplico un lavado con
tinta roja muy diluida, para recuperar un poco el color intenso inicial.
El proceso de iluminación es bastante lento, ya que hay que realizar infinitas veladuras, pero
como quiero que mantenga un tono bastante oscuro las aplico en zonas muy pequeñas,
reservando gran parte de las zonas de sombra

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Taller Beelphegor
La primera luz se realiza con Violeta, Azul Oxford y Hueso. Voy añadiendo hueso a esta mezcla
en sucesivas subidas (tened cuidado con la cantidad de Hueso porque puede quedarnos un lila
muy blanqueado y cuanto mas clara es la mezcla mas difícil de velar).
En la siguiente subida de luz añado Flat Flesh, y la aplico tan solo en aristas y puntos mas
iluminados.

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Taller Beelphegor
Ahora viene cuando la m atan… después de pensar m ucho sobre el tem a y llegar a una
conclusión (gracias Banshee, Elroi, Akats… ) aplico barniz satinado para darle a la arm adura un
aspecto cerámico. Esto lo hago porque no todas las partes de la mini deberían tener el mismo
brillo, es decir, un cuero no puede ser igual de mate o brillante que una seda, una capa o una
armadura por mucho que nos guste tanto el acabado sin brillo. Hay que intentar darle a cada
material sus características de textura, color y brillo (aunque sea un autentico novato en este
tema esta bien probar cosas nuevas).
Después de este ultimo paso es necesario retocar algunas luces y sombras (el barniz las mata,
desaparecen luces y aparecen brillos en algunas sombras) con nuevas subidas y nuevos
sombreados. Perfilo nuevamente con Negro (para recuperar la línea negra mate entre las
diferentes placas y este es el resultado.

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Taller Beelphegor
Esto es lo que mas se parece a la realidad (en cuanto a color)
U na arm adura com pletam ente m ate no habría sido m uy realista… O tra cosa seria sila hubiese
hecho en NMM porque en este caso ya tenemos prefijados los reflejos, puntos de luz máxima,
etc. En este caso no aplicaríamos barniz (esto me lo aclaro Banshee ).
Con una foto más realista en cuanto a los colores se vería tal que así:

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Taller Beelphegor
Cota de malla
Como veréis vamos a variar un poco el calendario de la miniatura. Antes de meterme con la
capa (una de las partes más importantes) voy a acabar el cuerpo y todos los detalles para
facilitar el pintado y no tener que andar retocando.
En primer lugar le aplico a la capa el color base, tan solo para hacerme una idea general de los
colores y ver si el esquema elegido funciona. Para ello aplico dos capas (para cubrir bien la
superficie) de una mezcla de Negro, Azul Marina y Azul Oxford. A la mezcla le añado una gota
de Tamiya Flat Base, para conseguir un aspecto mate adecuado al material que quiero simular
(una tela tipo lino, algodón). Elijo estos colores para conseguir un negro entonado en colores
fríos bastante apagado.
Ahora paso a pintar la cota de malla, con un color dorado apagado, mezclando Plata, Oro Viejo
y un poco de Azul Oxford. Este oro lo oscurezco a base de lavados de Negro y Caoba con un
poco de médium veladuras (para que no queden cercos). Podéis ver el proceso en las tres
fotos de debajo, la cuestión es intentar sacar partido a la iluminación y los pliegues del
abdomen, conseguir acentuar los volúmenes.
En las zonas mas profundas utilizo negro y humo y doy por finalizado el sombreado.

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Taller Beelphegor
Para la iluminación utilizo una mezcla de Plata y Oro Viejo (bastante mas plata que oro) que
diluyo un poco con agua (removed bien que si no el pigmento metálico se va al fondo de la
mezcla). Cojo una pequeña cantidad de pintura, seco en una servilleta y paso el pincel por la
parte plana tan solo por las líneas de la cota que quiero remarcar (es una especie de pincel
seco pero el acabado es mas fino y controlable). Es importante no pasar el pincel por toda la
superficie, aplicadlo sólo en las zonas mas iluminadas.
Al final aplico un tono intermedio con caoba en el límite entre luz y sombra que permite
suavizar un poco el resultado en algunas zonas.

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Taller Beelphegor
Oros
Los bordes dorados de la armadura se han pintado con una base de Oro mezclado con Marrón
Rojo y una pizca de Azul Oxford. Se pretende conseguir un oro muy intenso que destaque
sobre la armadura rojiza.
En primer lugar le damos un lavado a base de tintas Caoba y Negro insistiendo sobre todo en la
zona izquierda de la miniatura.
A continuación iluminamos el oro en dos fases, primero con Oro (siempre diluido para que sea
mas suave y no se empaste) y en segundo lugar añadiéndole Plata al oro y aplicándolo tan sólo
en la parte derecha de la miniatura. Al final marco algún punto de luz con plata muy diluido
para atraer la visión hacia la zona de la capucha.
Por ultimo con una mezcla de Marrón Rojo, Marrón Chocolate y Negro retoco las zonas en las
que he cometido algún error y la parte inferior de los detalles de oro, perfilando un poco.
Corrijo también alguna sombra con caoba y negro.

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Taller Beelphegor
Calaveras
Bueno, ha sido un sufrimiento pero las calaveras ya están (odio el blanco, no se lo recomiendo
a nadie). Si queréis dar miles de capas de colores prácticamente idénticos el blanco es vuestro
color.
En primer lugar, para acabar de delimitar zonas aplico la capa base a los guantes con una
mezcla de Marrón Chocolate, Uniforme Inglés y la famosa pizca de Azul Oxford para entonar.
Asimismo a los bordes de oro de la armadura les doy una mezcla de Oro, Marrón Rojo y una
pizca de Azul Oxford. Con este trabajo previo es más fácil definir las zonas que quedan sin
pintar. A continuación aplico la capa base a las dos calaveras, siempre teniendo claro que la
calavera del hombro esta en una zona de sombra y la del muslo quedara más iluminada. Utilizo
Hueso con Azul Oxford y Azul Marina. Nunca uséis blanco directamente, tenéis que empezar
con un color similar entonado hacia fríos o cálidos, como prefiráis.

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Taller Beelphegor
Seguidamente marco las sombras de una manera rápida añadiendo mas Dark Sea Blue en
primer lugar y después metiendo un poco de Rojo Marrón, las dos capas a modo de veladura
rápida, sin entretenerse (no merece la pena).
En este momento decido pasar a los óleos, ya

que me permiten utilizar capas muy
transparentes, para conseguir un resultado mas
limpio. Hago una mezcla de Blanco, Negro (una
pizca), Tierra y Azul y comienzo a sombrear con
más intensidad, definiendo ya las zonas de
sombra. Solo una capa, porque si perdemos el
matiz blanco nos va a costar mucho recuperarlo.
La iluminación también la aplico con óleos, con

una mezcla de Blanco, Azul y Siena. Hago una
gran cantidad de veladuras, añadiendo cada vez
un poco mas de blanco y siempre muy disuelto
en White Spirit, para que el hueso sea muy
suave.

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Taller Beelphegor
Después de aplicar unas 12-14 veladuras vuelvo

a los acrílicos (por ser mas opacos me permiten
definir mejor algunas cosas) y aplico un lavado
muy, muy , suave (casi sin pigmento) de Azul
Oxford para unificar tonos y mantener la
entonación.
Ilumino de nuevo algunas zonas con hueso y

aplico unos puntos de luz tan solo en la calavera
de la pierna.
Por último le doy una leve veladura a toda la

superficie con óleo Siena Tostada para darle un
aspecto un poco mas viejo. Todavía en fresco
retiro el exceso de las zonas mas iluminadas.

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Taller Beelphegor
Como quiero que me quede un aspecto aun mas envejecido y realista aplico pigmentos MIG en
las zonas que quiero oscurecer-marronear. Con un pincel viejo cojo una pequeña cantidad de
pigmento y aplico sobre la superficie suavemente, como si fuese un pincel seco suave, pero
solo en las zonas que me interesa. Da un aspecto polvoriento-arenoso muy suave. Los
pigm entos son com o una especie de “colorete” o m aquillaje. Tam bién se suelen utilizar
barritas de pastel. Las lijáis, recogéis el polvillo y ¡voila!
Aquí esta el resultado. Un método muy pesado pero que da un aspecto bastante bueno. Solo
una cosilla, que no se os olvide tener paciencia para que se sequen las diferentes capas o se os
levantara la base. Utilizad un secador.

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Taller Beelphegor
Pintado según Basajaun: Capa
En el anterior paso ya había comenzado el pintado de la capa aplicando una base de Negro,
Azul Marina y Azul Oxford para mantener un poco los tonos de las sombras de la armadura. La
intención es crear un negro bastante apagado con pequeños matices de morados y azules que
permitan leer como un conjunto las dos partes armadura-capa y que haga resaltar todo lo
pintado hasta ahora.
Comienzo a aplicar unas ligeras luces a base de Azul Oxford, Azul Marina y Negro (menor
proporción que la anterior mezcla)con un pelín de Tamiya X21 para mantener el aspecto mate
de la tela. Estas subidas las tenemos que hacer muy suaves y en muchos pasos intermedios
intentando no perder el tono negro de la base.
A continuación aplico unas sombras también muy suaves a base de Marrón Chocolate, Negro y
un pelín de Azul Oxford. Sobra decir que también deben ser muy suaves. Como he partido de
un tono bastante oscuro tan solo aplico dos capas a modo de veladura en las zonas mas
sombrías según mi esquema de iluminación.

55
Taller Beelphegor
Ahora aprovecho para enriquecer un poco los tonos de la capa y relacionarlos con la armadura
a base de pequeñas veladuras de Violeta y Azul Oxford con una puntita de Marrón Chocolate.
En algunas zonas añado Rojo Marrón, justo donde quiero que aparezcan reflejos de la
armadura.
Como paso final velo toda la superficie con una mezcla al óleo de Negro y Siena Tostada
(mucho mas negro que siena) para unificar los tonos y recuperar el negro. Esto lo podéis hacer
con acrílicos con una mezcla de Marrón Chocolate y Negro, además os permitirá un acabado
mas mate.
Aquí es donde he metido la pata, como podéis ver el resultado ha sido demasiado oscuro y
muy satinado.
Para poder recuperar el aspecto mate y las luces y sombras vuelvo a repetir exactamente
todos los pasos anteriores (excepto la veladura de óleo que la hago con acrílicos), con la única
variación de dar unas ultimas luces un poco mas claras a base de Azul Oxford, Azul Marina y

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Taller Beelphegor
Carne Mate en zonas puntuales a destacar como el hombro, bordes, etc...Este es el resultado,
no esta mal pero como podéis ver ha quedado un pelín satinado. Esta semana paso por guinea
a ver que tienen en barnices mates, pruebo y os comento para el siguiente paso. Os
recomiendo que no probéis con la figura porque los barnices tienen mucho peligro...

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Taller Beelphegor
Pintado según Basajaun: Marrones
Cueros
Partimos de la base que hemos aplicado anteriormente, una mezcla de Marrón Chocolate,
Uniforme Inglés y una pizca de Azul Oxford. Sombreamos con una mezcla de Negro Uniforme
Inglés y Azul Oxford a modo de veladuras. No hace falta ser demasiado cuidadoso con los
cueros, ya que se trata de un material muy bueno para simular desgastes, texturas, etc.
A partir de aquí se hacen dos o tres subidas con Uniforme Inglés y Carne Mate intentando
puntear un poco en los últimos pasos y haciendo algún arañazo (esto lo veréis claro en cuanto
veáis una foto del taparrabos de cota).
Os pongo una foto de los guantes acabados. El color es mas marrón de lo que parece en la foto
(aunque puede ser mi TFT porque en otros ordenadores veo mas rojizas las fotos).
Bueno, se me había pasado...al final le dais un lavadito muy ligero y muy diluido con Caoba y
Negro para unificar un poco los tonos y darle un ligero toque de brillo (he dicho ligero, no os
paséis).
Pieles
Comienzo con una base de Marrón Chocolate, un poco de

Marrón Rojo y una pizca de Azul Oxford. Al ser una superficie
tan texturizada aprovechamos la técnica de los lavados.
Aplicamos primero uno general con Caoba y Negro y uno con la
misma mezcla pero con mayor proporción de Negro para definir
mejor los volúmenes que crean las correas. A partir de aquí
hacemos dos o tres subidas añadiendo Arena a la mezcla base.
Con la primera definimos grupos de pelo y las dos últimas nos
sirven para remarcar individualmente alguno que nos interese.
En ultimo lugar velamos con caoba muy muy diluido y
unificamos un poco el conjunto

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Taller Beelphegor
Correas
Partimos de una mezcla muy oscura a base de Marrón

Chocolate y Negro. Las sombras las aplicamos a base de
veladuras con Negro y una pizca de Chocolate (si queréis
podéis puntear un poco para dar textura) y finalmente
iluminamos con la mezcla base añadiéndole un poco de
Carne Mate.
Pintado Según Basajaún: Espada
Hoja
Partimos de una base oscura mezcla de Acero Engrasado, Azul Oxford y Marrón Rojo. Otra
gente prefiere partir de un tono claro e ir velando, pero yo siempre empiezo de oscuro, subo
tonos y vuelvo a bajar tonos.
Sobre esta base hacemos unas subidas generales (no es exactamente velando pero casi) con
Acero Natural y al final una mezcla de este color con Plata. Sobre esta base con las luces
marcadas empiezo a velar con unos cuantos tonos indistintamente...Azul Oxford por toda la
superficie, Azul Marina para marcar el canal, Rojo Marrón cerca de la empuñadura y en alguna
zona mas oscura...es un poco al tuntún, para enriquecer el filo.
Finalmente retoco y redefino los brillos más importantes con Acero Natural y Plata. Si queréis
al final de todo el proceso se podría dar un lavado con algún tipo de marrón para oxidar un
poco la hoja. Yo prefiero un acabado mas limpio...
Empuñadura
En la empuñadura he utilizado aproximadamente las mismas mezclas que en la cota. Oro Viejo
y Plata para la base, sombreados a base de tintas de Color Negro y Caoba y finalmente un poco
de Negro y Humo en las zonas mas sombreadas. Ilumino con una mezcla de Plata y Oro Viejo
(más plata que oro) y matizo con pequeños toques de Caoba. Para el óxido utilizo Dark Sea

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Taller Beelphegor
Blue, que me da un tono bastante oscuro y entonado con el resto de la miniatura.
Pintado Según Basajaún: Detalles
Cadenas
Para pintar las cadenas comienzo con una mezcla de Acero Engrasado y un pelín de Azul
Oxford. A partir de esta base comienzo a sombrear a base de lavados de Tinta Negra con un
pelín de Tinta Azul y Tinta Roja. Insisto sobre todo en la parte inferior de la cadena y la zona de
la izquierda de la figura. A partir de aquí ilumino primero con acero natural, al que voy
añadiendo pequeñas cantidades de plata para definir los máximos brillos. Al final hago un
lavado muy diluido con humo, que le dará un aspecto mas gastado, y en algunas zonas aplico
veladuras de Marrón Rojo para simular los reflejos de la armadura.
Calaveras
Las calaveras pequeñas están pintadas exactamente igual que el mango de la espada (lo tenéis
en el anterior paso). Les doy un acabado mas sucio velando con humo para que no destaquen
demasiado (no me gustan mucho).
Borde de la capucha de y los guantes
Aquí cometí un error...partí de una base mezcla de uniforme ingles con un pelín de Oxford y
fui sombreando añadiendo Marrón Chocolate y Negro a la mezcla. Para las iluminaciones añadí
a la mezcla Camuflaje Ocre Naranja...y el resultado fue una especie de marrón-verde con una
iluminación amarillenta. Se solucionó fácilmente aplicando unas veladuras de Negro mezclado
con Marrón Chocolate. Si algo no os entona en la figura aplicad veladuras para intentar
corregir el error
Gemas
Las gemas son fáciles de pintar observando el modo en que la luz las atraviesa. En el punto de
máxima incidencia aparecerá un punto de luz. Hay que iluminar siempre la parte inferior y

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Taller Beelphegor
oscurecer ligeramente la parte superior. En mi caso he utilizado una base de Dark Sea Blue con
Tinta Azul, la he iluminado mezclando Hueso y Tinta Azul y sombreado con Tinta Azul y Negra
Suciedad
Para el polvo y desgaste de la capa he aplicado Pigmentos Mig a modo de pincel seco muy
suave. He alternado entre tres tonos, uno mas marrón, uno grisáceo y uno
intermedio...aprovechad y aplicarlo en las zonas donde menos contentos os hayáis quedado
con la capa (en la parte inferior claro).
Pintado Según Basajaun: Peana
La peana esta modelada en Miliput normal.

He seguido los pasos de J, pero no he
utilizado la paellera.
Para pintarla parto de una base de gris
medio con una pizca de Marrón Rojo y Azul
Oxford. A partir de aquí juego un poco con
los óleos haciendo múltiples veladuras,
empastando y mezclando en fresco. Pongo
un poco de Negro, Siena Tostada, Azul,
Blanco y voy mezclando un poco
caóticamente sobre la propia peana,
intentando que la parte de atrás quede más
en azules y la parte de delante mas en tonos
claros. Si os fijáis en la zona cercana a los
pies le he dado unos ligeros tonos rojizos
para simular los reflejos....
Se me olvidaba...en la segunda vuelta, en la que retoco defectos y apuro un poco mas las
entonaciones, degradados, etc. he mateado la capa con Barniz Marabú Mate sintético
aplicándolo a aerógrafo. Hay que agitar y mezclar muy bien el barniz, disolverlo
aproximadamente al 30% con algún “thinner” o disolvente (yo he utilizado el de Marabú) y
aplicarlo en pasadas muy suaves y controlando mucho el efecto porque si nos pasamos o
pulverizamos muy cerca quedan marcas blancas...Todo este tema se lo debo a JMPN que me
aconsejo esta solución.

61
Taller Beelphegor
Pintado Según Basajaun: Resultado Final

62
Taller Beelphegor

63

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Tutorial: Guía de pintura de miniaturas de fantasía.

Traducido por Óscar Márquez Villanueva (Mougly)

-Entonces, ¿como pintas?

Todos los artículos de esta serie usaran el mismo código:

 -> Básico o técnicas y materiales para principiantes (Primeros paso-a-paso, pintar

2.– ¿Para quien? y ¿Por qué?

Y finalmente, no pienses que la habilidad técnica es la parte más importante. Exprésate a ti

Tutorial: Materiales y Preparación de la Miniatura, por Manumilitari

 Materiales Básicos para principiantes:

(1).- 1 Un pincel barato de 0 o 1 (3 €).

(2.-) De 5 a 10 botes de pintura acrílica

(3).- 1 tubo de pegamento de contacto

(4).- 1 Cutter (5€).

- 1 Rollo de papel de cocina (Gratis, de la despensa de la cocina)

- 1 Lámpara (Gratis, no vives en la oscuridad).

 Material recomendado (para añadir al set básico):

(1).- 1 Pincel de marta, o 1 buen pincel

- 1 lámpara con luz de día (Luz de día,

(3).- Una docena de colores extras,

(4).- 1 tenazas de corte de modelismo (con un lado plano) (6,20€)

(5).- 1 Cutter o escalpelo de modelismo (3€) + cuchillas extras (2€ por 5)

(7).- Clips de los de toda la vida (gratis en el fondo de cualquier cajón)

Tutorial: Materiales y Preparación de la Miniatura, por Manumilitari

(8).- Una lima pequeña o papel de lija fino (3€)

(9).- Un tubo de cola blanca de carpintero o PVA (5,90 €)

(10).- Un bote de Milliput (7€) o Masilla verde (5,90€)

(11).- 1 bote de spray Blanco GW (8€)

(12).- 1 bote de spray Negro GW (8€)

- 1 rollo de papel de horno (Gratis de la cocina)

- Unas gotas de líquido de lavavajillas (El Fairi de la cocina)

- Un bote de acetona o de esmalte de uñas (3€ o gratis del baño)

 Los siguientes materiales son perfectamente accesorios para la mayoría de lo pintores,

(1).- Un Set de mini-sierras para

- Unas tenazas extra (Te convendrá

(2).- Un Set de colas de ratón (5,60 €)

(3).- Herramientas de dentista (10€) y

(4).- Retardante acrílico Pebeo (5,80 €)

- Médium acrílico Pebeo (5,80 €)

- Un jabón de manos para limpiar tus pinceles (Gratis del baño)

(5).- Una tercera mano (9€)

(8).- Una mini lijadora (6,90€)

Tutorial: Materiales y Preparación de la Miniatura, por Manumilitari

4.- Preparación y montado de las minis.

 El método rápido y sucio:

Esta es la peor manera de preparar tu mini, y probablemente sentirás la necesidad de

Saca la mini de su embalaje y separa las diferentes

Elimina la barra de debajo de la mini con las

Ahora es el momento de anclar la figura. Esta parte

Tutorial: Materiales y Preparación de la Miniatura, por Manumilitari

5.- Empezar desde el desastre.

Arruinar una figura completamente puede suceder (¡si!,

Puedes probar otras técnicas experimentales como limpiadores de horno o retenedores de

Buenas herramientas proporcionan buenos resultados.

Tutorial: Materiales y Preparación de la Miniatura, por Manumilitari

Tutorial: La teoría del color y su aplicación en el pintado de

Traducido por Óscar Márquez Villanueva (Mougly)

1.- Introducción, acercándose al color, o adquiriendo “conciencia” del color

2.- ¿Que es el color?

El color se define con tres conceptos: Tono, brillo y saturación.

Tutorial: La teoría del Color y su aplicación al pintado de miniaturas, por Manumilitari

-> Básico o técnicas y materiales para principiantes (Primeros paso-a-paso, pintar

Materiales Básicos para principiantes:

Material recomendado (para añadir al set básico):

Los siguientes materiales son perfectamente accesorios para la mayoría de lo pintores,

El método rápido y sucio: