Variaciones y Exégesis Sobre Temas Musicales: Lo que nunca se había escrito sobre Blues y Rock

Este libro está dedicado con todo mi amor a mis padres, Don Rafael Ávila Álvarez (QEPD) y Doña Margarita González Viuda de Ávila. A mis hermanos: Rafael, Patricia, Salvador, José, Alfredo y Magaly.

Un agradecimiento especial a Patricia Ávila por su dedicación, entrega, entusiasmo y compromiso en el trabajo de edición.

Un reconocimiento a ML Studio de Magaly Ávila y Luis López Rivera por el diseño de portada e imágenes.

Una mención particular a: Joaquín Martínez por todo su apoyo técnico, a Berni Fernández por contribuir con el prólogo, a Fer Irra por su apoyo incondicional.

Gracias a todos.

Juan Ávila

Prólogo

Cuando alguien es intérprete y testigo de sucesos y documentos, experimentados o escudriñados respectivamente, tendrá que darle, muy aparte de un toque personal a su interpretación, la paráfrasis contundente para expresar un todo complejo y reducirlo a una visión clara y personal, que será entendible para el espectador.

Juan Ávila, reconocido columnista mexicano, especialista en Teoría de Sistemas y gran personaje del mundo del blues en México, ofrece una visión particular de grandes acontecimientos que rodean el mundo de la música contemporánea, tanto en el BLUES como en el ROCK; dejando entrever, no solamente la experiencia ganada en conocimientos empíricos y razonamientos inductivos, sino en la correría documental, que testifica el nivel cultural y cognitivo, que se convierte en su licencia para emitir un discurso sabio, pero a la vez accesible para el buen lector ávido de cultura musical, desde un punto de vista crítico, personal e ilustrativo.

En lo personal, he tenido la fortuna de participar a su lado en el grupo Omniblues, agrupación que él forma en 2003, en donde soy baterista y percusionista, además de contar con su amistad y apoyo incondicional fraterno. Atestiguo el caminar práctico, musical y experimental que el grupo ha tenido, pisando los escenarios culturales más emblemáticos de México, como lo es el Festival Internacional Tamaulipas, el Festival Duran-Blue-Jazz de Durango, el Festival de las Culturas Amigas- por mencionar algunos ejemplos; en los cuales se logra hacer partícipe al grupo, en sitios donde antes no se contemplaba la participación de un grupo de blues en México.

Amable lector: tienes en tus manos un legajo cultural suficientemente nutrido de experiencias y conocimientos que Juan ha decidido reunir en un volumen único de inconmensurable valor, no sólo personal, sino me atrevería a decir que hasta histórico. Un compendio de grandes conocimientos que van desde los albores del blues más recóndito, entronizando al más grande personaje del blues más antiguo: Robert Johnson; y explicando científicamente las causas de su estilo personal de tocar la guitarra, pasando por las diversas culturas que tuvieron a bien difundir el blues por el sur de Estados Unidos y parte del norte de México; atravesando por un viaje concéntrico y cronológico hasta la aparición del rock, como su derivado más fiel, estacionándonos en el famosísimo año de 1976, que fue un gran tiempo para el surgimiento del blues y del rock tocado en escenarios ciclópeos, destinados originalmente al deporte masivo, así como la historia del blues en México, enfatizando en sus 10 momentos más importantes, etc.

Por último, no me queda más que reconocer la encomiable labor de Juan Ávila, como escritor y exégeta de fuentes diversas, así como guitarrista, compositor, arreglista y fiel participante activo del Rock y del Blues en México. Te invito a que conozcas, a que te interiorices en el mundo indivisible del Rock y del Blues, relacionado con bases pragmáticas y científicas.

Juan Bernardo Fernández Núñez.

Introducción

El blues, sus letras, sus escalas, sus historias, sus estructuras, melodías e intérpretes; han influenciado a diversos géneros musicales como el Jazz, Rock, Punk, Heavy Metal y Hasta el Pop.

Muchos de los temas fundamentales del Rock and Roll están basados en el blues, como ejemplo: el clásico Johnny B. Good.

El blues fue acusado de incitar a la anarquía, a la violencia y a otros tipos de comportamientos delictivos. Hasta la década de los cincuenta, en la cual la audiencia blanca empezó a interesarse en el blues, este género gozaba de muy mala reputación, siendo el fenómeno conocido como La invasión Inglesa, el causante de mejorar sustancialmente la imagen del blues ante el resto de los estadounidenses que no eran negros.

Hoy en día, el blues no es solamente uno de los principales componentes de la cultura afroamericana y de la cultura de los Estados Unidos de Norteamérica, sino del mundo entero; reflejándose dicha importancia no sólo en discos, conciertos, libros, festivales, películas; sino hasta en conferencias y estudios universitarios.

No se podría entender la historia de la música, sin estudiar el blues, como tampoco se podría entender la historia de los acontecimientos políticos y sociales como la esclavitud, la discriminación, la segregación racial, la lucha por el derecho al voto, a los derechos humanos y la integración racial; sin el blues.

La música es tema vital para la humanidad, es la frontera entra la vida y la muerte cultural, por lo que se debe de estudiar a fondo y reflexionar profundamente sobre este tema.

Juan Ávila.

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1976: El Blues y El Rock en el Bicentenario de los Estados Unidos

Fue en 1976 el año en el que los Estados Unidos de Norte América festejaban el bicentenario de su independencia. He escogido el año de 1976 para ver que estaba pasando en ese momento en el ambiente musical de los Estados Unidos, ya que aparte de cumplir el bicentenario de su independencia, era un año clave para el país que vio nacer al blues, al jazz, al rock. En este artículo, exploraremos los principales movimientos que había en el ambiente de la música moderna en ese país.

Fue en ese año que ZZ Top edita su disco Tejas, así escrito con J. El productor fue Bill Ham y los ingenieros Terry Manning y Larry Nix. El disco contenía los siguientes números: It Is Only Love, Arrested for Driving, Snappy Kakkie, Enjoy and Get It On, Ten Dollar Man, Pan Am Highway, Avalon Hideaway, She Is a Heartbreaker, Asleep in the Desert y por supuesto El Diablo.

Era la época en la cual todavía no aparecían las largas barbas ni los contratos millonarios, ni los de ZZ Top eran las grandes estrellas que serían en los años ochenta. En ese momento la máxima figura era Peter Frampton y su Show Me The Way; aquel muchachito vecino de Bill Wyman y que más tarde formaría parte de Humble Pie y su I Don’t Need No Doctor.

La gira más importante por USA era la del genio de Liverpool Paul McCartney: Paul y Los Wings, y fue la época en la que Ron Wood de los Faces se fue a préstamo con los Rolling Stones para quedarse permanentemente. Los Ángeles California era la capital de la música y había dos lugares claves, el Starwood, ubicado en Santa Mónica Boulevard, donde se presentaban grupos como Savoy Brown, Buddy Miles y Canned Heat, que llevaba en sus filas al baterista mexicano Fito De La Parra. y por otro lado el teatro Roxy, ubicado en Hollywood Boulevard, en donde hacían lo propio Tower Of Power y Eric Burdon, entre muchos otros.

También existía el Palladium donde se presentaban gentes de la talla de Johnny Winter, y se estaba germinando la aparición de Kiss, que cambiaría todo el show business con el marketing y los grandes y espectaculares escenarios. En México tocaban grupos como Árbol, Enigma, Nahuatl y Javier Batiz quien se autodefine como el maestro de Carlos Santana.

En 1976 se estaba gestando la aparición de KISS, quienes cambiarían la perspectiva musical a una más visual, y en este año encontramos a The Tubes, un digno, antecesor de este movimiento, comandados por William Edmund Sputnik Spooner, Chief Tube, un tipo alto y delgado que lo mismo usaba en el escenario vestimenta tipo sado masoquista que de vaudeville y se hacía acompañar de bailarinas en bikini y de seis músicos, batería, bajo, órgano, sintetizador y dos guitarras.

Por supuesto el líder de este movimiento era Alice Cooper y se decía que los Tube eran más sexuales mientras que Cooper era más violento. Hablamos de un movimiento más bizarro y teatral que musical.

Por otro lado encontramos a 10CC, con su I Am Not In Love; hablamos de Eric Stewart y Graham Gouldman, quienes nunca se imaginaron que esta canción los llevaría a los cuernos de la luna pues casi la grabaron como un numero de relleno; al grado que ellos mismos reconocen que estuvieron a punto de dejarla fuera y todo debido a que la primera versión que grabaron los había dejado realmente insatisfechos.

Este mismo año el maestro Ritchie Blackmore, quien a estas fechas ya era un ex Deep Purple, formaba su Rainbow, y solía decir que el siempre usaba Jim Marshall Amplifiers, continuaba explicando que conocía personalmente a Jim Marshall, por lo que los amplificadores que el usaba eran manufacturados especialmente para él y decía que el llevaba usando Fender Stratocaster desde 1970 aproximadamente. Anteriormente, el solía usar guitarras Gibson. Otra característica del sonido del maestro, como él mismo manifestaba, era que contrariamente a lo que se podía pensar él no usaba ningún tipo de efecto o pedales ya que para él solo le causaban problemas, así que iba directo a su Marshall y solo ocasionalmente usaba un poco de eco, y finalmente decía: mientras muchos guitarristas pierden su tiempo comprando efectos yo estoy practicando en mi casa. Por cierto que esa guitarra Fender Stratocaster con la cabeza al revés y de color vino casi uva, característica del maestro, parece ser que la Fender ya no la hace más.

Hablando del maestro Ritchie Blackmore, mencionaré nada más y nada menos a quien estaría en su lugar en Deep Purple: se trata de un joven talento llamado Tommy Bolin, quien renunciaba a James Gang buscando una carrera como solista y fue entonces reclutado por Deep Purple. Bolin empezó su carrera musical a finales de los años sesentas, con el grupo Zephyr, que tenía su base en Colorado. Después el tocaría para James Gang grabando con ellos dos discos: Bang en 1973 y Miami en 1974. También grabó nada más y nada menos que con el baterista Billy Cobham, ex de John Mclaughlin y su Mahavishnu Orchestra, ahora muy famoso con el trio que ha formado junto a De Lucia y Al Di Meola y que en su momento también, el maestro Mclaughlin grabaría un disco, con el Devadip Carlos Santana.

Continuando con Bolin, éste también grabaría con Alphonse Mouzon, por lo que su reputación ya lo precedía. Después de dejar James Gong, pasó seis largos meses tratando de reclutar a la gente correcta para grabar su primer disco como solista, el cual eventualmente grabó para los estudios Electric Lady en New York y Record Plant en Los Ángeles. El problema era siempre encontrar, un tecladista que estuviera a la altura de este joven virtuoso de la guitarra. El paso de su primer disco como solista a Deep Purple, se dio de forma inmediata, de esta forma su primer disco y el que grabaría con Purple prácticamente salieron juntos a la venta. Curiosamente como Blackmore, Bolin fue otro guitarrista que recientemente había cambiado las Les Paul Gibson por las Fender Stratocaster; este maestro usaba Hi Watt 100 Amplifiers. Pero en realidad nunca se sintió a gusto con Deep Purple aun cuando realmente admiraba a Paice el baterista y con quien se sentía muy identificado, así que eventualmente, retomaría su carrera como solista.

En 1976 se gestaba un cambio en el mundo del rock, con la aparición en grande de KISS. De hecho este grupo ya tocaba para entonces, pero en realidad no había pasado gran cosa con ellos y no pasaban de tener unos miles de fanáticos en todo el país aun con todo y su maquillaje. Después, sus fans se contarían en cientos de miles. Es en este año cuando su productor Bob Ezrin, al anunciar que grabarían su próximo disco en Record Plant de New York, advirtió que para el próximo año, Kiss sería la banda más importante en el país, todo lo que ellos necesitaban es un hit y él se los daría tal y como ya había hecho con Alice Cooper.

Otro que preparaba disco era el maestro David Bowie en el New York Electric Lady Estudio, pero tendría que esperar su turno hasta que Patti Smith terminara su álbum producido por John Cale. Al mismo tiempo Robert Plant se recuperaba en Malibu de un accidente automovilístico lo que tenía a Led Zeppelin paralizado y no había fecha para las presentaciones de Zeppelin, decía su manager Peter Grant.

Otro que estaba metido en el estudio era Mr. Elton John, pero ayudando a Neil Sedaka, quien tenía ya su propia compañía disquera, Neil Sedaka Rocket Records y por supuesto era la envidia de muchos.

The Who haría una gira por Estados Unidos, luego de que en 1975 hicieran lo propio por Inglaterra, parte de Estados Unidos y el resto de Europa. John Entwistle, Roger Daltrey, Keith Moon y Pete Townshend, vivían un buen momento en su carrera musical como grupo pero de esto hablaré más adelante.

A principios de 1976, mientras el grupo The Who retomaba su gira, Roger Daltrey daba entrevistas; por un lado para promocionar su nuevo disco como solista, Ride A Rock Horse, que pasó como todos los demás, sin pena ni gloria; y por otro lado él era la estrella de Tommy, así que la compañía productora de la película empujaba en ese sentido y el mismo Daltrey comentaba que le parecía estupendo que gracias a Tommy, mucha gente empezaba a conocer el trabajo de The Who. Bueno y es que hablamos nada más y nada menos que de Tommy la rock opera que fue llevada al cine y que junto con Daltrey que como ya dije era el actor principal, lo acompañaban el maestro Eric Clapton como el predicador, Tina Turner la todavía señora de Ike Turner, como la reina acida, Mr. Elton John como el Pinball Wizard, y como la madre de Tommy, Ann Margaret, quien veía en esta cinta la oportunidad de regresar en grande al cine. Es cierto que los mejores años de la Margaret habían pasado, pero todavía era una mujer hermosa y además había madurado como actriz. Y para finalizar el reparto, Oliver Reed, como el padrastro de Tommy; papel que en algún momento se especuló podría ser para el actor Robert Shaw, pero que finalmente interpreto Reed con solvencia. Ahí está pues Tommy el niño ciego, sordo y mudo que finalmente le grita al mundo, ¡siénteme mírame, tócame!. En los noventas se llevó la obra al teatro y en 1994 hubo una gira por todo Estados Unidos. Tuve la oportunidad de verla en la ciudad de San Antonio Texas y era inevitable la comparación. Aun así no fue mala la puesta en escena pero definitivamente no tuvo el mismo impacto que había tenido la película. Como dije a pesar de todos los problemas de ego y demás que siempre tuvo este grupo, principalmente entre Daltrey y Townshend, el grupo pasaba por un buen momento, presentaban su nuevo disco, Who By Numbers, y se seguía hablando de Quadrophenia, Lisztimania y Tommy, esta última por supuesto, fue la que les ayudó en gran medida a llegar a un público más joven. Había quedado atrás su presentación en el festival de Woodstock y las peleas de Townshend con el maestro Jimi Hendrix.

Queda mucho por explorar de 1976 entre otros temas Uriah Heep, Bruce Springsteen y por supuesto Johnny Winter con el que podemos tener una mirada a lo que estaba pasando con el blues en ese año crucial.

Ahora hablaré de un extraordinario guitarrista de raíces fuertemente bluseras y de un estilo único, este maestro se distinguía por usar una guitarra Gibson Flying V, y junto con el bajista Felix Pappalardi y el baterista Corky Laing formo el legendario grupo Mountain. Hablamos del virtuoso Leslie West, robusto, bien vestido, con lentes enormes y una cabellera negra, larga y rizada, el maestro West deleitaba a sus seguidores con solos precisos y limpios, que resultaban de una técnica única y virtuosa. En 1976 el maestro West. Rondaba los 30 años y ya tenía una larga carrera y una bien ganada reputación. No por nada en su último disco, el mismísimo Mick Jagger, se unió con el maestro West para participar en el acetato The Great Fatsby de Phantom Records. Este era el primer disco solista de West después